#Álbum conceptual

[julio-viernes]

Más y más mensajes positivos a ritmo latin, el de Marvin Gaye en "Right On", de su obra maestra "What´s Goin´ On" (Tamla, 1971) con la que el artista se jugó su carrera. Hasta ese momento los discos de soul habían sido colecciones de canciones inconexas con temas de relleno grabados rápidamente para completar los LPs. Ahora eso iba a cambiar.

Con sus más de 7 minutos, el corte más largo, "Right On" abrió la cara B del álbum. En un LP profundo y conceptual, cargado de mensajes políticos, sociales y ecológicos, "Right On" fue una canción de amor universal que apela a la positividad de la experiencia humana. Musicalmente, una jam que amalgama jazz latino, soul y gospel. El arranque puede recordar al "Evil Ways" de Willie Bobo de 1967, versionada un año más tarde por The Village Callers y en 1969 por Santana en su LP debut, sus embajadores en un contexto rock.

[adominguezs]

Kraftwerk - Trans Europe Espress. Año 1977. Edición Chilena. Electrónica. EMI Odeon Chilena S.A.

Es el sexto álbum del grupo, publicado en 1977. Se grabó a mediados de 1976 en el estudio discográfico Kling Klang. Al igual que los álbumes anteriores y los que le sucedieron, Trans Europa Express es un álbum conceptual, en este caso, basado en el sistema ferroviario europeo, del que toma el título.

Se extrajeron dos sencillos: «Trans-Europe Express» y «Showroom Dummies».

Músicos Ralf Hütter - voz y sintetizador. Florian Schneider - voz y sintetizador. Karl Bartos - percusión electrónica. Wolfgang Flür - percusión electrónica.

Producción Florian Schneider - productor. Ralf Hütter - productor. Peter Bollig - ingeniero. Bill Halverson - ingeniero. Thomas Kuckuck - ingeniero.

Tracklist: A1 Europa Interminable 9:40 A2 El Salon De Los Espejos 7:56 A3 Maniquies 6:15

B1 Expreso Trans-Europeo 6:52 B2 Metal Sobre Metal / Asburg 6:52 B3 Franz Schubert 4:26 B4 Interminable, Interminable 0:55

[frociaggina97]

el tema con rosalia es que sisi apropiacion cultural y es española y etc. PERO le va doler a todo el mundo para siempre que el mal querer sea tan buen álbum conceptual. les puede no gustar personalmente, la van a odiar siempre y la van a bardear por todo pero al mismo tiempo PIENSO EN TU MIRA TU MIRA CLAVA ES UNA BALA EN EL PECHO

[trastornadosrevista]

PLACEBO regresa a la Argentina

Luego de 10 años Placebo regresa al país para presentar su nuevo disco “Never Let Me Go” en el estadio Luna Park.

Placebo, la banda de rock alternativo británica vuelve luego de 10 años a la Argentina para realizar su quinta presentación esta vez, en el mítico Estadio Luna Park con producción de Fenix Entertainment.

PLACEBO está considerada una de las bandas más importantes del rock alternativo de todos los tiempos. Desde que se formó en 1994 han editado álbumes repletos de temas icónicos que forman parte ya de la banda sonora de varias generaciones. Ícono y referente musical que se mantiene vivo gracias al carisma de Brian Molko y Stefan Olsdal.

Su mezcla de elementos rock, postpunk y gótico crean una experiencia sonora inquietante y liberadora, desatando una influencia que continúa resonando en quienes exploran los rincones más oscuros de la psique humana a través de la música. Son los supervivientes del romanticismo de principios de siglo, con canciones como “The Bitter End“, “Every Me and Every You” o “Without You I’m Nothing”, que cautivó a David Bowie.

Cuando comenzaron a trabajar en “Never Let Me Go” en el 2018, fue como si la banda hubiera vuelto al punto de partida, con Brian y Stefan, sólo que hoy un poco más sofisticados y un poco más de experiencia avalada  por una carrera de casi 30 años y más de 13 millones de discos vendidos. "Entre las giras", recuerda Molko, "nos encontrábamos allí periódicamente y debatíamos cosas como, 'Ahora solo somos tú y yo en el estudio, ¿deberíamos hacer un disco que suene diferente a lo que hemos hecho antes? ¿Y programar todas las baterías nosotros mismos?"

La insatisfacción perpetua de Brian con todo lo que ha creado antes lo llevó a buscar nuevas formas de trabajar, con una lógica casi fuera de la caja. "Yo tengo un gran problema de aburrimiento", explica. "Si volviéramos al mismo proceso exacto, pensé que me aburriría bastante rápido. Así que decidí hacer todo al revés, solo para mantener el proceso interesante para mí, abordar todo desde el ángulo opuesto, para evitar aburrirme y repetirme. Entonces pensé, ¿Cuál es la última cosa que creamos artísticamente cuando estamos haciendo un disco? Es la portada del álbum. ¡Ok, empecemos con la portada del álbum!'"

Molko tenía una imagen en mente, se la mostró a Olsdal, le contó la historia, y acordaron que debería ser la obra de arte del álbum, de manera algo poco convencional, antes de finalizar una sola nota de música. Molko luego produjo una lista de títulos de canciones supuestos que había escrito durante los últimos cinco años, que incluían 'Happy Birthday In The Sky', 'Beautiful James' y varias otras de la futura lista de canciones, y esas canciones fueron escritas según los títulos.

Una vez que las cosas se habían puesto en marcha de la manera "menos conceptual y más práctica", dice, "esa forma inversa de trabajar se desvaneció", y todas las habilidades, tanto innatas como adquiridas, de este dúo indestructible para construir una pieza musical colosal y desgarradora, entraron en juego con fuerza.

Con producción de Fenix Entertainment el reencuentro de Placebo con su público argentino será realidad el próximo 14 de marzo en el Estadio Luna Park. Tickets a la venta únicamente en www.ticketportal.com.ar.

[metalcultbrigade]

Alice Cooper - Welcome to My Nightmare. 11/03/1975.

Welcome to My Nightmare es el primer álbum de Alice Cooper como solista. Fue publicado en 1975, tras la separación de los antiguos integrantes de la Alice Cooper band, disuelta por diferencias musicales. Alice Cooper decidió lanzarse como solista, comenzando con el LP Welcome to My Nightmare, el cuál contiene una ecléctica mezcla de diversos estilos como el folk, la psicodelia, o un hard rock ligeramente más endurecido que el de su anterior formación, con lo que buscaba crear un impacto en el oyente. Contó con la presencia vocal de Vincent Price en el tema "The Black Widow".

El trabajo estaba articulado como un álbum conceptual, en el que todos los cortes giraban en torno a una misma historia, en la que el protagonista "Steven" se enfrentaba a sus pesadillas más sórdidas.

[andy-paleoart]

Metal for paleontologists! | Metal para paleontólogxs!

🇬🇧

Looking for new music on Spotify, I stumbled upon this band, and it felt like I discovered fire! The Ocean (originally known as The Ocean Collective) is a German band founded in the early 2000s. Currently, they continue to promote their latest, ambitious, and comprehensive album "Holocene" (2023), discussing philosophical issues of more recent times. But I confess my favorite albums are "Phanerozoic I: Paleozoic" (2018) and "Phanerozoic II: Mesozoic | Cenozoic" (2020). These conceptual albums explore paleontology and its questions. That's right! The songs beautifully delve into the evolution of life on Earth's System.

In reference to the concept of the Phanerozoic albums, Robin Staps explained to Roadie Crew magazine: "Although humanity is just a very recent phenomenon in the 541 million years of Phanerozoic eon history, the lyrics are obviously written from a human perspective. They are following Nietzsche's philosophical idea of amor fati in the light of the larger themes of Eternal Recurrence and the inevitability of an imaginary impending collision on a planetary scale, the two threads running through the albums Phanerozoic I and II."

🇧🇷

Procurando novas músicas no Spotify, me deparei com essa banda e a sensação foi que descobri o fogo! The Ocean (originalmente conhecida como The Ocean Collective) é uma banda alemã fundada no início de 2000. Atualmente, continua divulgando seu mais recente, ambicioso e abrangente álbum Holocene (2023), falando sobre questões filosóficas de tempos mais recentes. Mas confesso que meus álbuns favoritos são Phanerozoic I: Paleozoic (2018) e Phanerozoic II: Mesozoic | Cenozoic” (2020). Esses álbuns conceituais exploram a paleontologia e seus questionamentos. Isso mesmo! As músicas exploram a evolução da vida no Sistema Terra de forma maravilhosamente bem feita.

Em referência ao conceito dos álbuns Phanerozoic, Robin Staps explicou para a revista Roadie Crew: “Embora a humanidade seja apenas um fenômeno muito recente nos 541 milhões de anos de história do éon fanerozóico, as letras são obviamente escritas de uma perspectiva humana. Elas estão seguindo a ideia filosófica de amor fati de Nietzsche na luz dos temas maiores da Recorrência Eterna e a inevitabilidade de uma colisão iminente imaginária em escala planetária, os dois fios condutores que passam pelo álbum Phanerozoic I e II.

[urkullanthu]

🌐 [ News ] Sweden 🇸🇪 / Ecuador 🇪🇨

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❗️ ❗️PREMIERE NEW ÁLBUM 2024 ❗️❗️

🟢 AVAILABLE NOW 🟢

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Band: Urku Llanthu

Album: Tarpuk Amsa

Year: 2024

Label: Takiri Prod Ind

Country: Ecuador 🇪🇨

Genre: Dungeon Synth / Dark FolkMetal

[ OneManBand ]

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For my fourth full length Dungeon Synth / Dark FolkMetal this year 2024, featured quite a bit of dark ambient noise, sonic violence, desecration coming from the ancestral lands of Ecuador and the Andes mountain range.

TARPUK AMSA is the latest in the somber imagination of URKU LLANTHU, a professional conceptual musical work for this new fourth studio album 2024. Arcane compendium of dark atmosphere that will paralyze the listener, through a mystical, primordial underground ritual full of melodies surrounds that invoke the ancestral Andean Charm.

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⚠️ Official Release March 2024 ⚠️

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📌 Special Thanks ✨

" Tarpuk Amsa " 💿

Official Audio & Video Musical

New 4th Álbum Official 💿

Urku Llanthu [ Band ] 🇪🇨

AMUSE ©

[ Record Label Independent ]

Stockholm / Sweden 🇸🇪

Underground of the South American scene, transcends to ancestral settings, sounds of hypnotizing atmospheres, with gloomy and mystical Andean melodies, through the musical genre

Dungeon Synth / Dark FolkMetal, from it’s Ecuador origin.

Edition Year 2024 [ March / Marzo ]

Full International Disc 🇸🇪 🇪🇨

Label: Takiri Prod Ind ©

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⚠️ NEWS INTERNATIONAL 2024 ⚠️

SWEDEN 🇸🇪

RECORDER LABEL

⚠️ URKU LLANTHU 🇪🇨 ⚠️

Ecuador 🇪🇨

[ Premiere News International ]

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🔸 Takiri Prod. Ind. ®️

[ Record Label Independent ]

Ecuador 🇪🇨

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Bandcamp Official:

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Enlace del bandcamp:

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https://urkullanthu1.bandcamp.com/

[somosinterzone]

Un vistazo a la realidad virtual de Joystick

Por Flor Ribecco. Fotos por Alexia Martínez.

Santa Fe tiene verdaderas joyas musicales y Joystick es definitivamente una de ellas. Su reciente álbum, titulado ¿Qué dicen tus amigos de vos?, es uno de los trabajos más interesantes publicados en los últimos años. Se trata de un trabajo conceptual donde se reflexiona sobre cómo la vida y las redes sociales distorsionan nuestro sentido de la realidad, tal como predijo George Orwell en su obra 1984. Las telepantallas, que en la novela no pueden apagarse, tienen un parecido sorprendente con nuestros teléfonos inteligentes. En esta era de gran hiperconexión y relaciones superficiales, la música de los chabasenses se siente real.

Cada día nos adentramos más en una realidad virtual, un simulacro semejante a un juego en donde nuestro entorno se televisa para que los ojos digitalizados lo examinen. Es fácil quedar atrapado en la red. ¿Qué dicen tus amigos de vos? debe escucharse de principio a fin, como un todo, puesto que en él se describe una especie de viaje. En ese sentido, la banda desafía al oyente a sumergirse en una zona dual de satisfacción e incomodidad emocional.

Joystick, radicada en Rosario, pero originaria de la ciudad de Chabás, está conformada por Pano Benincasa (voz y guitarra), Mateo Sinicich (bajo), Augusto Tassello (bateria), Emiliano Sampaoli (guitarra) y su más reciente incorporación en pandemia, el rosarino Lautaro Suárez (teclados).

Relajados en los asientos de la vereda de Pasaporte, un escondite céntrico ubicado frente al antiguo edificio de la Aduana de la ciudad de Rosario, nos disponemos a charlar, café mediante, con Benincasa, Suárez y Sinicich. Sentados alrededor de una mesa, los músicos reflexionan sobre el significado de publicar material nuevo y los beneficios de aislarse del ruido para darle una vuelta de tuerca a su noción como banda.

Escuchá el disco completo en Spotify

¿Cómo fue el proceso de colaboración con Lautaro en la producción del álbum?

Pano: Fue un gran avance. En ese momento veníamos de la pandemia, un período que nos sirvió para hacer una pausa y pensar hacia dónde queríamos ir. En 2020 habíamos publicado "Salir en TV" y "Brazos cruzados", dos sencillos en donde intentamos introducir un nuevo sonido. A pesar de que las canciones nos gustaron mucho, siempre nos quedó la sensación de que no pudimos terminar de darles forma. Y creo que Lautaro, a quien conocimos en 2021, aportó sus cualidades para que todo comenzara a cerrar.

A mí me gustaba mucho su producción de aquel momento, mucho más relacionada con lo urbano que con otro género musical. Él estaba metido en un mambo de efectos de sonidos muy locos y a mí eso me entusiasmó mucho. Supongo que a partir de ahí todo comenzó a cobrar sentido.

Cuando conocí a Lautaro, sólo teníamos dos temas: "¿Qué dicen tus amigos de vos?" y "A mitad de la odisea". Trabajar juntos en las canciones fue clave. Además de la producción y los teclados, se sumó una nueva voz. Fue un cambio de 180º. Lautaro le dio otro color a la banda y más potencia en las presentaciones en vivo.

Lautaro: Estuvo bueno. Al principio íbamos a trabajar en una canción, ya que en ese momento trabajaban en "Desaparece y aparece". De hecho, me sumé en la producción de ese tema para hacer un primer acercamiento. A la semana siguiente, Pano me llamó para proponerme integrar la banda y tocar en vivo. Las dos primeras fechas eran en Casilda y La Trastienda. Yo siempre había tocado en vivo, pero en lugares como D7 o El Galpón. Esto era completamente distinto. Así que fue como tirarse a la pileta.

El álbum tiene un sonido diferente al de los sencillos que editaron en los últimos años. ¿Sienten que éstos marcaron una especie de transición?

Pano: Para mí "Salir en TV" y "Brazos cruzados" tenían un carácter mucho más rockero, más cercano al formato clásico de banda. Tienen ese toque distintivo que remite al sonido crudo de los primeros Arctic Monkeys. Admito que hay algo de eso en "Desaparece y aparece", pero en este punto ya comenzaba a notarse la impronta de Lautaro.

Incorporamos teclados, efectos de sonidos. Básicamente comenzamos a laburar los instrumentos de otra manera. Antes pensábamos de manera mucho más lineal: una base de bajo acá, una base de guitarra acá. Lautaro, por su parte, venía de experimentar. Tomaba un audio de guitarra, lo cortaba y hacía cosas muy locas. Sampleamos un fragmento de audio de "V de Vendetta" y lo colocamos al inicio de un tema que se llama "Guantes negros". O la intro de "Daytona" en "Película 3D". Incorporar todos estos efectos fue muy bueno, ya que se asocia al concepto general del disco. Es decir, al mundo digital.

Lautaro: De hecho, hasta en "Iconos" veníamos hablando de eso. Hay un sample que es prácticamente ininteligible. Está como entrecortado, pero se trata del sonido de error de Windows. El "chan" ese que te tira la máquina. Sampleamos eso y lo pusimos también. Básicamente, la idea era usar ese audio como una advertencia. Windows te dice: "No, amigo".

Pano: Utilizamos ese chirrido y lo transformamos en un sonido de percusión.

¿Qué artistas inspiraron el sonido del disco?

Pano: "When we all fall asleep, where do we go?", de Billie Eilish. Me gusta que en la canción "My strange addiction" usa audios de The Office. En nuestro álbum también hay mucho de eso. Después artistas más clásicos como Arctic Monkeys, The Black Keys, Arcade Fire y Alexandra Savior. También Radiohead fue una referencia a la hora de comenzar a configurar el concepto.

Lautaro: Quizás lo más diferente fue NogaErez. Es una artista urbana israelí, muy cosmopolita, que canta en inglés. Y al mismo tiempo, tiene mucho de Billie Eilish. El audio que tiene es increíble y venía de sacar un discazo.

Pano: También una banda llamada Sorry.

Lautaro: La empezamos a escuchar cuando sólo tenían 20 mil oyentes en Spotify. Vimos todo el crecimiento hasta que la pegaron. Recuerdo que habían publicado un disco increíble con James Dring, unos de los productores de Gorillaz. Entonces empezamos a encontrar relaciones. Es una banda bastante cruda.

A la hora de armar los temas empezamos a usar notas disonantes y guitarras con más palanca, más desafinadas. Tratamos de meterle un poco de suciedad al asunto. De lo contrario, todo estaba como muy digital, muy cuidado. Así que creamos un hibrido entre lo que está bien, pero no tan bien.

¿Cómo fue la decisión artística de trabajar con Juan Marciano Ferrero en el video de "Mi día"?

Pano: Inicialmente habíamos elegido "Glitch"como primer corte del disco, pero luego alguien sugirió que ese lugar lo podría ocupar "Mi día". A mí me gustó la idea, ya que era un tema que, si se escuchaba aislado, no daba ninguna pista sobre el sonido y la temática del álbum.

Fue Juan (director del clip) quien me llamó y propuso la temática del video. "Vamos a hacer una road movie", me dijo. Y como Emiliano, el guitarrista, tenía una casa en Mina Clavero pensamos que quizás podríamos ir y filmarlo en ese lugar. Todo era medio desorganizado, así que tuvimos que armar un guion. Ahí surgió la idea del personaje principal de "Mi día", a quien Juan bautizó como el "muerto vivo". Se trata de un tipo que está como tirado, solitario y medio resignado, lo cual guarda mucha relación con la letra y el concepto de la obra.

Lautaro: Es muy onírico, hay mucho contraste entre lo inmenso y lo imponente de un solo chabón frente atoda esta muralla de naturaleza. Fue muy divertido grabarlo.

Pano: Sí, estuvo buenísimo. Fueron cinco días en las sierras de Mina Clavero, de domingo a jueves. Fuimos cuatro miembros de la banda y el equipo de filmación.

Lautaro: A excepción de Emiliano, ninguno de nosotros conocía Mina Clavero. Apenas entramos ya nos pareció una locura. Había unos paisajes que te invitaban a filmar cualquier cosa.

¿El tema visual lo pensaron de antemano?

Lautaro: Sí, teníamos una idea inicial. Hasta hicimos un estudio previo sobre qué queríamos ir a ver. Pero bueno, algunas partes se modificaron por cosas que encontramos en el lugar. Por ejemplo, la parte donde Pano se encuentra recostado sobre el césped fue improvisada y surgió tras pasar de casualidad por ese sitio. Lo mismo ocurrió con el viejo que aparece sobre el final. Ese hombre se llama el "gaucho Noel" y lo conocimos a través de los bomberos locales. El señor tiene un refugio en el medio de la montaña y es senderista desde hace muchísimos años.

Y cuando Juan (el director) lo vio le preguntó si le gustaría aparecer en el video. Eso no fue planeado. De hecho, la túnica roja que usa se la di unos minutos antes de que comenzara la grabación. Fue una locura, un viaje de esos que vas con la mente abierta y suceden cosas.

¿La máscara roja era una referencia a La máscara de la muerte roja, de Edgar Allan Poe?

Lautaro: No, tenía más que ver con el mundo onírico de David Lynch. Somos muy fans de Twin Peaks. Siempre fui un gran seguidor de la serie, y ahora lo convertí a él.

Pano: Ahora yo entré.

Lautaro: El fragmento del fogón, la utilización del rojo y lo surrealista de alguna manera también. Viene por ese lado. Fue una locura ese viaje.

En unos días van a presentar en vivo el fruto de dos años de trabajo. ¿Cómo se sienten al respecto?

Pano: Es muy injusto el paso del tiempo para todos. En un punto nunca sentís que terminas de estar listo, siempre te faltan cosas. Estamos contentos porque la gente lo recibió muy bien. El día que lo publicamos a las doce de la noche yo pude ver desde el Spotify for Artists que ya había 180 personas escuchando a la par. A la semana había alcanzado más de cien mil reproducciones. Fue una locura. Además, percibo que se empezó a crear como una especie de mística alrededor del álbum, el arte y las letras.

Y la nueva gira nos hace sentir mucha emoción. El disco lo vamos a presentar en lugares a los que nunca fuimos. Tocar en La Plata, Mar del Plata o Córdoba, desde donde nos escribe un montón de gente, es realmente algo impagable.

Lautaro: Los artistas tienen siempre un tinte obsesivo. De lo contrario, no harían arte. Por desgracia, esto hace que muchas veces uno se quede enganchado en la planificación. Pero como dice Pano, la cuestión está en tirarse a la pileta. La gama de posibilidades es infinita, entonces hay que limitarse a las ideas que primero se te vinieron a la cabeza. Soy fiel a ese razonamiento; si surgió así fue por algo. Pulámoslo, pero no miremos opciones estructuralmente diferentes, porque ya se transformaría en otra cosa.

Pano: Aprendimos a construir durante el proceso. Mientras producís, también aprendes. Uno planifica, hace y ahí medio que las cosas comienzan a suceder. Probablemente el show de Buenos Aires no vaya a ser el mismo que el de La Plata. Quizás ahí haces un show, pero después afilas cosas: quitas un tema, agregas otro, haces una intro o una cosa diferente.

¿Qué carga simbólica tiene para ustedes la portada del álbum? ¿Qué influencias visuales han sido relevantes para la estética del álbum?

Pano: La portada implicó una gran búsqueda. Laburamos con Andry Bett, un diseñador gráfico de Buenos Aires. Él también es músico y ha hecho trabajos para el Festival de Futuröck y bandas como Él Mató a un Policía Motorizado, Poncho y Turf. Lo conocimos cuando hicimos el flyer para D7 de Rosario y el de Niceto, donde tocamos el año pasado. Nos gustó mucho su estilo, así que tuvimos un ida y vuelta interesante.

Andry empezó a involucrarse más con la banda y a proponer cosas. La idea era encontrar una identidad gráfica. Entonces fue una búsqueda, probamos varias cosas hasta que una mañana apareció con la portada.

A partir de ahí todo desembocó en empezar a escuchar las canciones con esa tapa, con este concepto de ¿Qué dicen tus amigos de vos?

Medio Gran Hermano

Pano: Sí, sobre toda esta cuestión del mundo virtual. Los ojos asomándose medio por una hendija, el destello rojo. También me gustó que la portada no sea literal, sino más poética. Puede ser interpretada de muchas maneras.

El crédito es para Andry y su arte. No queríamos intervenir tanto en el proceso, ya que el arte es medio la visión de lo que uno capta de la música y el concepto y de la misma.

¿Hay alguna canción en ¿Qué dicen tus amigos de vos?por la cual sientan una mayor conexión?

Mateo: Cada uno tiene sus favoritas. A mí me gusta mucho "Guantes negros", por ejemplo.

Lautaro: Creo que mi preferida es "A mitad de la odisea". Sobre todo, por su epicidad. Me gusta más la música así de épica. "Iconos" y "Guantes negros" son muy divertidas para tocar.

¿Cómo se les ocurrió incluir el diálogo de V de Vendetta en "Guantes negros"?

Lautaro: Durante el proceso de gestación del disco viajaba mucho a Chabás. Y generalmente, luego los ensayos, me quedaba a dormir en lo de Pano.

Solíamos ver muchas películas antes de caer rendidos y una de ellas fue "V de Vendetta".

Al día siguiente volví a Rosario y comencé a trabajar en "Guantes Negros". Mientras lo hacía empecé a relacionar de forma inexplicable la película con la letra de la canción. Así que decidí meter un guiño. Me gustan mucho las intros, introducir cosas de films o samplear publicidades. Ese poema lo recordaba desde siempre: "Remember, remember, the 5th of November..." Y bueno, cuando entré a hilar quise probar como quedaba.

Pano: Al principio no me gustaba el audio, pero como a todo lo que no me convence, aprendí a darle un período de tiempo para ver cómo evolucionaba. Si luego de ese lapso aún sigue sin gustarme, significa que no va.

Lautaro: La letra dice "alucinar, vuelvo a sanar con las caricias de tus guantes negros", y también el personaje de Eve, cuando la encierran y le enseñan a perder el miedo a la muerte básicamente traumándola. Y ella en un momento alucinaba y se terminan enamorando. Todo tenía que ver.

¿Hay canciones que no llegaron a ser parte del álbum?

Lautaro: Si, hay una; se llamaba "Medianoche". Pero la verdad que no hicimos un torrente de canciones.

Pano: No soy ese tipo de compositor que te tira cuarenta canciones.

Tuve la oportunidad de escuchar el disco. Este explora un poco cómo nos vinculamos a través de lo virtual. La canción "Iconos" es un claro ejemplo. ¿Cómo fue la búsqueda de representar eso?

Pano: Ya venía incluso desde "Salir en TV". A mí me gustó mucho. Pasa que yo necesito que alguien se enganche con eso. Porque sino yo soy el único pesado hablando de eso y después los ves a todos que están recontentos. De hecho una de las frases que me dijo Juan apenas lo conocí, me dice: “yo tengo un amigo que es igual de renegado que vos”. Yo dije: “bueno, buenísimo”. Y ahí lo conocimos y sí, todo, todo, full futuro distópico, la tecnología controlándonos, fanes de Matrix y…

Lautaro: de Black Mirror

Pano: Si Black Mirror y todo. Todas estas cosas que… a ver, en un punto a mí no me gusta ponerme tan coso, porque tampoco lo pienso así y no soy tan pesimista, realmente. Pero sí es algo realmente interesante y siento que se habla poco y sobre lo que hay muy poca educación. Y entonces ya estaba buscado desde Salir en TV, Tito lo sabe también un poco tiene eso. Y después obviamente cuando fue todo lo de la pandemia empecé a leer un par de libros que tenían que ver con esas temáticas. Y bueno, ya estaba inmerso en ese mundo. Y cuando lo conocí a Lautaro y empezamos a dialogar con un ser humano y ya sabes si están en sintonía o no. Y olvídate. Cuando empezamos a hablar de libros, de películas, de cosas, de documentales, de canciones. Él me dice: “escuchá esto. OK Computer de Radiohead”. Bueno, no, imposible escapar, ya está, listo. El disco lo vamos a llamar ¿Qué dicen tus amigos de vos? “Che, no, pero… Glitch”, viste. Había un par de nombres que nos gustaban y qué se yo. “No, no, no, no”. Bueno, ¿Qué dicen tus amigos de vos? Todo el concepto, o sea, la canción habla de eso. Listo. No, no fue mucho.

Lautaro: No, y aparte siento que es, o sea, es una temática que está buenísima. Como dice él, también hay mucho escaparate, viste, en el tópico, en todos lados. O sea, es como que no se desarrolla, se oculta, y a la gente le da paja. Da mucha paja porque tenés que abrir Instagram de nuevo, me entendés. Tarde o temprano, o sea, tenés que ir a ver qué anda pasando por ahí, viste. Entonces es como, ¿qué hago?

Pano: No, que tampoco… A ver, tampoco uno plantea irse a vivir al monte. Pero sí un… hay… Y a ver, tampoco uno… A mí tampoco me gusta llegar y decir: “che, este es el problema”. Si no que es como plantar una pregunta, viste. Como un interrogante. Por eso el disco es un interrogante: ¿Qué dicen tus amigos de vos? No es una…

Lautaro: Yo hago la reflexión, quizás, o al cuestionarse y vivir con ese cuestionamiento, digamos. Y después hacer en base a. Pero tenerlo y hay gente que no lo tiene, pero en absoluto. No lo tiene para nada.

Por ejemplo, el orden de las canciones del disco, ¿eso qué onda? Porque "¿Qué dicen tus amigos de vos?" re da para apertura. Y "A mitad de la odisea" también da para cierre. Pero el medio, ¿qué pasa ahí?

Lautaro: Tal cual lo que vos decís. Esos ambos temas fueron como: “che, este abre y este cierra”. No había ningún tipo de duda. Después cómo hilábamos lo del medio no teníamos ni idea

Mateo: Sí, lo fuimos ahí pensando. Por ejemplo, "Las manos en el fuego" y "Odisea". "Odisea" empieza con un relojito, me gustaba el final del tema que empiece con el relojito. Como que engancha justo, digamos.

Lautaro: Ese tema como se terminaba en seco, terminaba en seco total, y el otro arrancaba de esa manera nos pareció bueno el enganche. Ya te digo, fuimos probando varios órdenes. Siempre igual como que perfilamos los cinco primeros temas, siempre como que arrancamos ahí, iban, iban ahí de corrido. Hubo un enredo medio ahí cuando tuvimos que meter "Guantes negros", Hawaii, Lugar para uno más, viste que son como temas más bien diferentes. Sobre todo por Lugar para uno más que era más rockero. Bueno, ahí fue como que, medio que hicimos así, después hicimos asá, después hicimos así, hasta que quedó. Había un punto en el disco donde alguien tenía que ceder. Había un momento en el cual tenía que… No hablo de nosotros, sino de las canciones. Como que un tema iba a quedar contrastante con el que seguía. En ese caso fue Hawaii, "Hundimiento de Hawaii" con "Lugar para uno más". Fue como: “Bueno, se terminó el momento dulce y tiernito, vamos con el riff de violas”. Ahí se destrabó el orden de los temas y quedó un lindo hilo conductor. Sí también hinché mucho los huevos e hice mucho énfasis con Patito, que fue el que masterizó el disco, con el tiempo entre tema y tema y los enganches. O sea, quería que sea una obra que no te permita poner pausa. Como que si ya arrancó el tema, viste, que a veces pasa que tipo estás medio apurado para algo y arrancó el tema y lo tenés que escuchar, ya arrancó, viste. Y si le das pausa, vos decís: “me quedó pendiente, lo voy a escuchar después”. Hice mucho énfasis en eso y rompí mucho las bolas con eso. Calculadamente los segundos entre canción y canción, si había un corte que no sea ni muy corto ni muy largo, que los temas estén bien enganchados, como por ejemplo "Glitch" con el inicio de "Película 3D", o este que dice Mate. Que no te canse, pero que al mismo tiempo no te aburras. Así que bueno, sí, eso fue más o menos cómo sucedió.

¿Qué inspiró Hundimiento de Hawaii?

Lautaro: Es una catástrofe pura. Yo creo que es de mis letras favoritas. Sí, es mi letra favorita, por escándalo. Es una tragedia que viene un poco medio emparentada a la pandemia. O sea, es como que el tema dice: “che, vivimos esto”. De acá a 20 años cuando se escuche ese tema se puede contextualizar en esta época. Y al mismo tiempo a mí me pareció de un principio que era hermosa la relación de la música con respecto a la letra. Me pareció muy No Surprises de Radiohead, que es un tema de protesta, pero también es una canción de cuna.

Cuando escuché la canción por primera vez, No Surprises, no entendí la letra. Después la tuve que buscar y dije: “qué hermoso tema. Qué lindo, qué tierno”. Después vas y ves la letra que es un tiro al ministro de Inglaterra. Bueno, esto lo mismo. Te dejas conmover por la música, después le ponés atención a la letra y te parte el corazón al medio. Tiene mucho de El lub de la pelea también. Mucha escenografía de eso. “Y juntos de la mano, miremos el mundo colapsar”.

Me gusta como cuando escuchás un tema como de The Smiths que por ahí el ritmo es re bailable y después te querés pegar un tiro cuando lees la letra. Está bueno porque un poco la cabeza de uno es así también.

Lautaro: Está re bueno y aparte siento que hace mucho más rica una obra porque tiene condimento de ambas cosas. Hay más cosas para descubrir. Si sos de esas personas que escucha primero la música y después le das bola a la letra capaz le terminas encontrando.

Y eso, también lo de "Hundimiento de Hawaii" también es una metáfora de algo que es real. De Hawaii que se está hundiendo, es real. Es un dato empírico. Entonces había una metáfora ahí.

La banda chabasense cerrará su extensa gira nacional el próximo viernes 27 de octubre en el XIRGU del histórico barrio porteño de San Telmo. El show contará con la presentación de la artista emergente Catalina Ammaturo como invitada.

[xiscthulhu]

VIVA IRENE MONTERO

Ojalá un disco legendario en el futuro, o un single, que igual el álbum conceptual ya no se vuelve a llevar, con una canción titulada She Spearheaded Feminist Laws ( In Spain)

Irene Montero poses for a portrait in Madrid on Jan. 25. Marina Coenen for TIME

https://time.com/6255792/irene-montero-interview-spain-gender-equality/

[grupomusic]

BHAVIboi

havi es un cantante de trap nacido como Indra Bhalavan en Bélgica, el 22 de octubre de 1997, y radicado en Argentina. En 2017 comenzó a grabar y al poco tiempo se conectó con Mueva Records, la productora con la cual trabaja. 

En 2018 volvió a Bélgica a probar suerte, donde comenzó una gira con Coely y Dvtch Norris, presentándose en distintos festivales. Lanzó varios singles junto a otros artistas reconocidos: “Mojaa”, el 30 de enero, junto a Duki; el hit “Piso” junto a Ecko, editado el 25 de abril; y el 14 de mayo “Bésame”, con Seven Kayne. Al día siguiente sale “Basta”. El 13 de julio se estrena “Visa” y el 29 del mismo mes sale “Déjeme Ser”. Continúan los estrenos y el 16 de agosto se escucha “Ven A Mí”. El 30 de septiembre llega el single “Te Necesito”.

En 2019 lanza los  sencillos "Otra Igual",  "Me Preguntaba" y  “Dame Más”, el 5 de enero, producido por Halpe y Omar Varela. El día 24 se estrena “No Lo Entiendo”, junto a Khea. El 8 de febrero graba “BZRP Music Sessions #1”, con Halpe y Bizarrap. En marzo participa del Festival Lollapalooza en Argentina. El 20 de abril presenta “Glitter”, grabado junto a Paco Amoroso y Halpe. El 21 de octubre, Bhavi estrena el video y sencillo "Fresko" en colaboración con Trueno. 

El 27 de marzo de 2020, lanza junto a John C el video y la canción "Gira".  También participa de "C90 (Remix)". El 15 de abril, anticipando lo que será su nuevo EP, Bhavi presenta el single "Super Sumo". En mayo de 2020 lanza un EP llamado "Butaka" que contiene cuatro canciones.  El 13 de agosto lanza "Butaka Remix” con la colaboración de Aleman, Big Soto, Akapellah y Neo Pistea. El 15 de diciembre, presenta “Espejismos”, con la especial colaboración de Cazzu.

El 8 de enero del 2021 Bhavi reúne a las leyendas del trap Neo Pistea e YSY A para hacer "Ya No Saben".  El 22 de enero se une junto a Khea para hacer el video y el sencillo “¿Qué Pasó?” El 26 de marzo lanza su presenta su primer álbum de estudio titulado "Cinema", un disco conceptual que reúne a grandes figuras internacionales.

El 13 de enero de 2022 lanza el single y videoclip "Ayer" junto a Lit Killah. El 23 de febrero lanza el single "Bien". El 23 de marzo lanza el single y videoclip de "Dios y la Muerte" junto a Santa Fe Klan. El 22 de abril lanza el single y videoclip de "Sienta bien" en colaboración con Laylow. El 26 de mayo lanza el single y videoclip "Puff" junto a Bizarrap. El 14 de junio lanza "Pochoclos", el tercer álbum de la trilogía de películas.  El 11 de agosto lanza el single y videoclip "Bhavi / Mission 9".  El 1 de septiembre adelanta junto a YSY A (Tu dúo favorito) el single "Mi ciudad", con la participación de Tiago PZK.

El 6 de septiembre YSY A y Bhavi presentan "Tu dúo favorito", material discográfico entre ambos artistas.

[conejitomaloestudioso]

𝘛𝘩𝘦 𝘣𝘭𝘢𝘤𝘬 𝘱𝘢𝘳𝘢𝘥𝘦 - 𝙼𝚢 𝚌𝚑𝚎𝚖𝚒𝚌𝚊𝚕 𝚛𝚘𝚖𝚊𝚗𝚌𝚎

The black parade es el tercer disco de My Chemical Romance, salido el 23 de octubre de 2006. Este es un álbum conceptual en el cual que cada canción cuenta una parte de la historia, tratándose de un paciente al borde de morir que tiene que aceptar su destino y como vivió su vida. Este disco tiene influencias de bandas como Queen y Pink Floyd.

Las canciones que contiene son:

The end.

Dead!

This is How I Disappear

The Sharpest Lives

Welcome to the Black Parade

I Don´t Love You

House of Wolves

Cancer

Mama

Sleep

Teenagers

Disechanted

Famous Last Words

Blood

Para escuchar este álbum en Spotify, ir al siguiente enlace: The black parade

[adominguezs]

Los Prisioneros - Pateando Piedras. Año 1986. Edición Chilena. Reedición Año 2011. Rock, Electrónica. EMI Music Chile.

Es un álbum conceptual y segundo disco de la banda. Fue lanzado al mercado el 15 de septiembre de 1986. Se trató del primer álbum del grupo en ser editado por una compañía multinacional.

Pateando piedras recibe su título de una de las canciones más emblemáticas de la banda, "El baile de los que sobran", tema que presenta una fuerte crítica social por parte de su compositor principal, Jorge González, que el mismo define como un "canto a los jóvenes marginados tras salir de la educación formal", y que se ha transformado en una de las canciones más importantes de la historia de la música popular chilena.

Los sencillos del disco fueron: «Muevan las industrias», «Quieren dinero», «El baile de los que sobran» y «¿Por qué no se van?».

Músicos Jorge González - voz, bajo, teclados y sintetizador. Claudio Narea - guitarra y coros. Miguel Tapia - batería, percusión, programación y coros.

Producción Alejandro Lyon - productor. Los Prisioneros - productor.

Tracklist: A1 Muevan Las Industrias 4:08 A2 ¿Por Qué No Se Van? 3:01 A3 El Baile De Los Que Sobran 5:22 A4 Estar Solo 4:33 A5 Exijo Ser Un Héroe 5:44

B1 Quieren Dinero 5:10 B2 Por Favor 3:32 B3 ¿Por Qué Los Ricos? 4:57 B4 Una Mujer Que No Llame La Atención 3:22 B5 Independencia Cultural 4:34

[ruth9989]

[Info] 221125 Ya tenemos calendario para #CHASE! 🔥 Estas serán las fechas de lanzamiento de los distintos contenidos: ~MINHO The 1st Mini Album CHASE~ 1/12 Escena Conceptual #01 2/12 Escena Conceptual #02 3/12 Escena Conceptual #03 4/12 Escena Conceptual #04 5/12 Intro CHASE 6/12 Álbum Digital / Trailer Cinemático 10/12 Foto del video musical 11/12 Teaser del video musical 12/12 Álbum Físico / Video musical Esperamos ansiosxs a que llegue diciembre! 😍 Cr.: twitter.com/SHINee/status/… y instagram.com/p/ClY2iTzPk4F/ Subido y traducido al español por Sofia / Minho - SHINee Argentina #Minho @SHINee #SHINee #ChoiMinho #민호 #최민호 #샤이니 https://www.instagram.com/p/ClY_ghOLWjx/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[trastornadosrevista]

SARAMALACARA: Anticipa nuevo disco

Desde que lanzó su último tema, "Sola", en noviembre de 2023, SARAMALACARA ha mantubo a sus seguidores econ espectativas. Con su estilo único y su presencia enigmática, la artista ha sabe generar y mantener la intriga sus proyectos.

A principios de enero, los seguidores de SARAMALACARA fueron testigos de un bombardeo inesperado en las redes sociales. Durante tres días consecutivos, la artista inundó su feed de publicaciones, un acto masivo de presencia digital que sembró incertidumbre...

SARAMALACARA sorprendió a todos al desaparecer repentinamente de instagram. Durante dias, dejó a sus seguidores preguntándose qué estaría tramando la misteriosa artista.

La incertidumbre alcanzó su punto máximo cuando SARAMALACARA reapareció en el escenario del Konex, acompañada por Taichu, para interpretar 'Water'. Cubierta casi por completo y apenas reconocible, la presencia de la artista generó confusión entre los presentes, quienes se preguntaban si realmente se trataba de ella. Los días posteriores estuvieron marcados por la especulación y las filtraciones de imágenes "paparazzi" que mostraban a SARAMALACARA subiendo a un auto mientras permanecía oculta.

Finalmente, el 7 de febrero, la espera llegó a su fin. SARAMALACARA regresó a las redes sociales con un anuncio que emocionó: la fecha de lanzamiento de su tan esperado álbum. Acompañando el anuncio, la artista compartió un teaser que anticipa una nueva etapa estética y conceptual en su carrera. El disco verá la luz el próximo 28 de marzo, yanos encontramos contando los días para poder sumergirsnos en la creatividad y el misterio que caracterizan el universo de SARARITA.

En resumen, el regreso de SARAMALACARA es todo un acontecimiento en la escena musical argentina, y su próximo disco promete ser un viaje emocionante acompañando su estilo único y su habilidad para mantener el suspenso, al mismo tiempo que la artista continúa consolidándose como una de las figuras más talentosas del panorama musical actual.

Ahora a esperar el tan ansiado disco de SARAMALACARA el próximo 28 de marzo!!!

[ardeportal]

Lucy Patané vuelve a Montevideo

La cantautora argentina presenta su último disco, Hija de Ruta, hoy en Sala Corchea

El segundo disco solista de Lucy Patané llegó cinco años después del homónimo debut, luego de un largo proceso, atravesado por la pandemia y el bloqueo creativo. Hija de Ruta—que debe su nombre a un afortunado error de tipeo—se presenta en once canciones de protesta cotidiana, desafío al sistema y luchas internas. 

Si bien Patané no partió de una búsqueda conceptual para el álbum, las fichas se fueron acomodando. Luego del encierro, entrando a un “nuevo mundo”, el peso emocional de las tareas tediosas y repetitivas tomó peso. “Trámites Burocráticos”, probablemente el hit más hit del disco, aparece como un grito de frustración y hastío, una carta de resistencia a la rutina que reafirma esta idea: el aburrimiento deviene en la bronca. La rabia entretiene—e inspira—.

Musicalmente, la distorsión es protagonista y funciona como un megáfono para proyectar toda la indignación, magnificándola; aunque no lo es todo: La Maldad” se sumerge en un folk vulnerable, más autóctono y “Un Domingo” desarma un breve malambo electrónico. 

El punk en tanto siempre está presente, con mayor fuerza sobre el final del álbum, en “Vecindario” o “Bukake”, aunque se trata de una actitud tangible a lo largo de todo el disco, empapando los otros géneros como a lo largo de la carrera de Patané, que lleva en su CV el antecedente de experimentaciones como La Cosa Mostra y Las Taradas. 

“Vinieron a Buscar la Paga” es la única colaboración del disco, una pieza frenética y bailable en la que participaron tres exponentes de la escena urbana: Marttein en vocales, Proyecto Gomez Casa en la batería y Punga en la producción. El relato desenfrenado tiene su orígen en una anécdota de la infancia de Patané: el recuerdo de ver a su abuela negociando una propiedad con un grupo de hombres, empoderada en una actitud border-gangster que la convirtió en la protagonista perfecta.

Hija de Ruta no tuvo adelantos ni cortes de difusión. No los necesitaba, el disco se vende solito y ahora solo toca defenderlo sobre las tablas, en una gira presentación que la trae hoy a Montevideo.  La cita es este jueves 26 de septiembre a las 21hs en Sala Corchea (Soriano 1243), con apertura de la local María Viola. Quedan entradas disponibles a $715 en Entradas Fans.