#Género urbano

[pcasabona]

Anuel lanzó el mejor álbum de su carrera artística "Las Leyendas Nunca Mueren 2"

Anuel lanzó el mejor álbum de su carrera artística “Las Leyendas Nunca Mueren 2”

Siendo esta su 6ta producción discográfica, es también la más íntima y más honesta, el mismo Anuel asegura que “este será el mejor álbum de mi carrera artística”, y con esta premisa presenta oficialmente Las Leyendas Nunca Mueren 2, un álbum de 33 canciones en las que quedan plasmadas para la posteridad la esencia musical de Anuel, su talento y sus composiciones. Disponible en todas las…

[thespectraltiger]

Comentando y analizando la entrevista de Bad Bunny con la revista VANITY FAIR

Texto y video por Antonio Carlos

En este video de mi canal de YouTube comento las partes que me parecieron más interesantes de la entrevista de Bad Bunny en la publicación Vanity Fair. Por ello entro en detalle en algunos de los aspectos que menos se mencionaron en medios a propósito de la entrevista que Michelle Ruiz le hizo al cantante puertorriqueño Benito Antonio Martínez Ocasio, mejor conocido como Bad Bunny o el Conejo Malo.

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[telerealrd]

Hansel "acocotealo" Revoluciona el Dembow y Conquista Spotify

Santo Domingo, RD. En la industria musical dominicana, la frescura y el talento de la juventud continúan sorprendiendo y haciendo historia. En este caso, hablaremos de un joven productor e ingeniero musical que, a sus escasos 25 años, ha logrado revolucionar el dembow y conquistar los oídos de miles de seguidores en Spotify. Hansel Feliz, conocido artísticamente como “Hansel acocotealo,” ha…

[adondeirhoy]

Imperial Flow Fest 2 Imperial con el Alfa y Wisin & Yandel

El sábado 23 de septiembre se llevará a cabo el Imperial Flow Fest 2 en el Centro de Eventos Pedregal. Ya hay varios artistas confirmados para el espectáculo. El Imperial Flow Fest 2 es el festival de reggaeton más grande de latinoamérica, al que asisten varios artistas de renombre internacional del género urbano latino. Por ahora hay 3 grandes artistas confirmados: El Alfa, Wisin & Yandel. ¿En…

[yosolosoy]

Descubre la increíble muestra de arte inclusivo "Voces Disidentes"

¡Atención comunidad trans*! ¡Les tenemos una noticia que no pueden perderse! La Casa de la Primera Imprenta de América se complace en presentar la muestra de arte inclusivo “Voces Disidentes: ficciones, corporalidades y visualidades” 🎨. Esta increíble exhibición estará disponible del 3 de mayo al 28 de junio, y la entrada es libre para todos. La muestra “Voces Disidentes” presenta obras de arte…

[lobuenodepuertorico]

“Rolling Stone” destaca a artistas puertorriqueñas en una entrevista histórica

La revista destacó que es una pieza histórica y la primera vez que le dedican tantas páginas a mujeres de la música de reggaetón y urbana

La popular revista musical Rolling Stone publicó hoy una entrevista destacando a cinco artistas puertorriqueñas quienes están revolucionando el género urbano: Chesca, PaoPao, RaiNao, Villano Antillano y Young Miko.

Estas cinco mujeres del género urbano, quienes ya suenan en países internacionales, son tendencias en las redes y han creado un movimiento de mujeres poderosas.

Su denominador común es su estilo individual, presencia escénica, su empoderamiento y han colaborado unas con las otras como el tema más reciente “Dale Play” entre RaiNao y PaoPao.

La revista destacó que es una pieza histórica y es la primera vez que le dedican tantas páginas a mujeres de la música de reggaetón y urbana.

En diciembre 2022, las cinco artistas puertorriqueñas se reunieron en el Taller Comunidad La Goyco, en la calle Loíza, en Santurce, donde se llevó a cabo la sesión de fotográfica en un mismo día.

Since 2018, women and LGBTQ folx in Puerto Rico have been powering a scene that’s been virtually unheard of in the male-dominated world of reggaeton and urbano. A new generation of artists — including @villanoantillano, @rainaopr, @paopao, @chesca, and @itsyoungmiko — are breaking barriers and demanding to be heard. Hit the link in our bio to read more.

[la-semillera]

HELENA ALMEIDA & REBECCA SOLNIT

Apenas tenía amistades, y casi ninguna de las que entablé en la adolescencia y con veintipocos años se avenía conmigo, quizás porque yo no sabía quién era o porque quería ser otra persona y por tanto ignoraba quiénes eran como yo o quiénes simpatizaban conmigo. O porque la amabilidad no era un criterio. Más tarde, cerca ya de los treinta, hice amigos que han perdurado, y luego más, y la sensación de estar a solas en un extremo se convirtió en la sensación de estar en las zonas fronterizas de diversos territorios, por lo que empecé a disfrutar trasladando ideas, proyectos y gente de un círculo a otro, y las carencias y la soledad desaparecieron.

Pasé una etapa en la que me acerqué a los poderes que se suponía que no eran para mi ni quizá para mi género. A principios de los noventa me compré una moto, y acelerar, arrancar, mover su peso para aparcarla o ponerla derecha o levantarla cuando volcaba me producía una especie de placer de macho (más que montarla, que siempre me dio un poco de miedo por los coches, antes de que me la robaran a los nueve meses de haberla comprado). Poco después aprendí a hacer ejercicio con pesas y aparatos de pesas al darme cuenta por fin de que el cuerpo necesita mantenimiento y de que el estrés que petrificaba el mío se mitigaba al menos por un tiempo con el ejercicio intenso.

Al cabo de dos o tres años, el novio que vivía en el Mojave me enseñó a usar un rifle de calibre 22: una tarde hermosa, a última hora, nos internamos en el desierto y disparamos contra latas de cerveza Olde English hasta el anochecer, cuando nuestras sombras se alargaron treinta metros o más sobre la tierra llana. Me pareció inquietantemente divertido, aunque cuando fuimos a cazar con su padre, que se había pasado la vida en el ejército y mucho tiempo en combate, el hombre me contó que, por órdenes directas de un general, se había visto obligado a disparar contra civiles en una colina muy lejana... y que desde entonces tenía pesadillas. Fue una advertencia digna y solemne de que las armas deben tomarse en serio. Durante una breve temporada también aprendí kárate Shotokan con una campeona mundial que no tenía miedo a nada cuando caminaba por la calle. El mero hecho de gritar, patear y golpear exigía un sentido distinto del yo. Cada una de esas acciones parecía una pequeña usurpación de poderes que antes había creído que no estaban destinados a personas como yo. Las cosas empezaban a cambiar.

El acoso en las calles dejó en gran medida de ser un problema y mi recelo disminuyó, aunque nunca desapareció. No fue un experimento científico con un grupo de control, por lo que resulta difícil saber qué cambió exactamente. Quizá superé la edad en que se suele estar en el punto de mira. Quizás la cultura cambió de algún modo, aunque conozco a chicas jóvenes que todavía sufren acoso y agresiones en las calles. Quizá el que me espabilara en el espacio urbano constituyó un factor importante: aprendí a mostrar respeto y reconocimiento por las personas con quienes me encontraba y a no involucrarme en los dramas de nadie, a ser elástica en las calles, a moverme con desenvoltura sin enredarme ni apresurarme. Los hombres blancos callaron. Los comentarios de los hombres negros de mi barrio se volvieron todos cordiales, como habían sido siempre algunos, e intentaba responder con frases agradables y disfrutaba de las interacciones.

Publiqué textos breves y reseñas y luego artículos más largos y ensayos más ambiciosos. Escribí un libro, seguido de otro más ambicioso y de otro en la misma línea, y después mi historia del caminar, Wanderlust, que salió a la luz en 2000, la primera obra por la que recibí un anticipo que se aproximaba a un salario digno, la primera que gozó de una difusión amplia...

_ Rebecca Solnit, Recuerdos de mi inexistencia, Lumen, 2021. Traducción: Antonia Martín Martín.

_ Helena Almeida, Inhabited Painting, 1976

[semtituloh]

La torre de Babel

Pieter Brueghel el Viejo

Titulo original: Toren van Babel

Fecha: 1563

Estilo: Renacimiento del Norte

Perìodo: Brussels Period (1563-1569)

Género: pintura religiosa, paisaje urbano

Media: óleo, panel

Localización: Museo de Historia del Arte de Viena

Dimensiónes: 114 x 155 cm

[laplaylistdelmusico]

El quinto escalón

Actualmente a todos, o a la mayoría, se nos hacen conocidos los nombres de artistas del género urbano como Duki, Paulo Londra, Tiago PZK o Khea, ya que en los últimos años han ganado una gran influencia en el género llegando a ser escuchados no solo en Argentina, su país de origen, sino que también en toda Latinoamérica.  Sin embargo, lo que muy poca gente conoce es que todos estos artistas comparten el mismo origen, y ese fue el quinto escalón, pero  ¿qué es el quinto escalón?

El quinto escalón fue una competencia de rap que se originó en 2012 en los barrios bajos de Argentina, fue fundada por el Rapero YSY A cuando tenía solo 15 años, el evento llegó a tener tanto éxito que en unos meses pasaron de tener 20 competidores a más de 1,000. debido al éxito de las competencias, los organizadores crearon un canal de youtube, que en menos de 1 año los videos alcanzarían más de 1 millón de visualizaciones.

Una de las temporadas más memorables del quinto escalón fue la del 2016, cuando varios artistas, conocidos a nivel mundial, en ese entonces desconocidos, compitieron juntos. unos de los que compitieron en esa temporada fueron Duki, Paulo Londra, Tiago PZK, Lit killah, Wos y Trueno, un dato curioso es que Gonzalo Julián Conde, actualmente conocido como Bizarap, comenzó editando los videos del Quinto escalón.

[trastornadosrevista]

DEBUT ESTELAR EN ARGENTINA: RAYE DESLUMBRÓ EN VORTERIX

La cantautora británica sorprendió en su primera vez en Argentina, en el marco de su tour internacional “My 21st Century Blues World Tour", con un show donde el pop se lució en sus cruces con el soul, el jazz, los ritmos urbanos…y una de las voces más impecables del panorama actual.

[Créditos: Facundo Suarez]

El 2023 fue el año de la consolidación de RAYE como una de las artistas más interesantes del panorama musical, con la acogida única que tuvo su álbum debut My 21st Century Blues, de enorme éxito internacional y por el que ganó seis Brit Awards. Anoche la artista británica hizo su debut en suelo argentino con un show íntimo en el Teatro Vorterix de la mano de DF Entertainment.

Lo que sucedió ayer en el Teatro Vorterix fue una de esas ocasiones fortuitas: una estrella en ascenso, presentando el material de su primer disco y visitando por primera vez a sus fans, en un show impactante desde lo músical, con un repertorio cargado de canciones íntimas donde convergen desprejuiciadamente recursos de los más diversos géneros al servicio de lo que se expresa; un carisma y un humor con el que no se cansó de interactuar con la audiencia; y una voz emblemática, que deslumbró a los presentes desde el comienzo de la cita.

Pasadas las 21:00 horas, se apagaron las luces del Vorterix para luego posarse sobre la figura de RAYE, nombre artístico de Rachel Keen, que dio inicio a la jornada con “The Thrill Is Gone”, “Oscar Winning Tears” y “Five Star Hotels”, para luego conquistar al público argentino con sus ganas de practicar español, saludando al y hablando nuestro idioma y dando así comienzo formal a una noche para el recuerdo.

[Créditos: Facundo Suarez]

RAYE mostró los múltiples colores de su propuesta que despliega en My 21st Century Blues tour, con otros hits como “Mary Jane”, “Worth It” y “Body Dysmorphia”. La cantante británica desplegó interpretaciones sentidas de letras autobiográficas que exploran temas complejos con sensibilidad, emotividad, feminismo y una fuerte búsqueda de amor propio, pero sin dejar de lado el humor, algo que caracterizó la jornada, así como las largas charlas con fans. Durante el show, RAYE no se quedó con ganas de nada: recibió pedidos del público para versionar temas en el piano, donde deleitó a su audiencia con el clásico “Feeling good”; rapeó junto a sus fans “Prada”; y hasta dió una clase de música armando un coro vocal en vivo con la audiencia para introducir su canción “Bass it down”.

Al cierre llegó el momento de “Escapism”, su mayor éxito a la fecha, donde muestra un costado mucho más urbano e igualmente convincente, después de todo, RAYE, que es compositora, ya estaba detrás de éxitos como “Bigger” de Beyoncé. Ahora que apuesta por su carrera solista, todos los oídos del mundo están ávidos por ver sus próximos pasos.

La cita del martes por la noche contó con el opening de Abril Olivera, que fue la encargada de preparar los ánimos con su estilo funk y jazzero, para lo que sería una noche inolvidable de música y energía al máximo.

[thespectraltiger]

¿Karol G marca historia en Puerto Rico?

Video y texto por Antonio Carlos (@thespectraltiger)

Karol G marcó historia recientemente al tener tres fechas consecutivas vendidas en su totalidad en el icónico estadio Hiram Bithorn en San Juan, Puerto Rico. Convirtiéndose en la primera cantante internacional en vender en su totalidad tres conciertos consecutivos en el famoso recinto.

Como sabemos la artista colombiana iba a cerrar su gira $trip Love Tour con estas tres fechas en Puerto Rico. Pocas semanas antes del concierto había lanzado su álbum Mañana Será Bonito, y había estrenado el video del tema "TQG" con Shakira, que ha causado revuelo en redes sociales y en las plataformas de streaming. Por lo que no es de sorprender que haya tenido lleno total en sus tres fechas.

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Entre algunas y algunos de los artistas invitados a sus conciertos, se encontraron Eladio Carrión, Feid, Mariah Angeliq, Dei V, Romeo Santos y Young Miko.

[editorialanuketblog]

DISTINTOS TIPOS DE TERROR EN LA LITERATURA: PARA TODOS LOS GUSTOS

Terror Clásico:

El terror clásico se remonta a los orígenes del género y se caracteriza por su enfoque en la creación de atmósferas de misterio y suspense. Este estilo a menudo se basa en elementos sobrenaturales, como fantasmas, vampiros, y otras criaturas legendarias. Las historias de terror clásico suelen desarrollarse en entornos góticos o decadentes, y hacen uso de técnicas narrativas como el uso de la sugestión y la insinuación para crear un sentido de inquietud en el lector. Ejemplos clásicos de este estilo son las obras de Edgar Allan Poe y Bram Stoker.

Terror Psicológico:

El terror psicológico se centra en explorar los miedos y las ansiedades internas de los personajes y del lector. En lugar de depender de elementos sobrenaturales, este estilo tiende a enfocarse en la mente humana y en los terrores que pueden surgir de la percepción distorsionada de la realidad, las obsesiones, las fobias, o los traumas psicológicos. Las narrativas de terror psicológico a menudo son más sutiles en su enfoque, creando una sensación de inquietud y malestar emocional en lugar de recurrir a los sustos repentinos. Obras como "El Resplandor" de Stephen King son ejemplos notables de terror psicológico.

Horror Gore:

El horror gore se caracteriza por su énfasis en la violencia explícita y gráfica, así como en el uso de imágenes impactantes y perturbadoras. Este estilo a menudo se asocia con descripciones detalladas de mutilaciones, sangre, vísceras y otros elementos visuales impactantes destinados a provocar una reacción visceral en el lector. A diferencia del terror clásico o psicológico, el horror gore se centra menos en la construcción de una atmósfera siniestra y más en el shock y la repulsión. Ejemplos de este estilo pueden encontrarse en obras como las de Clive Barker o en algunas películas de género slasher.

Terror Fantástico:

El terror fantástico fusiona elementos del terror con la fantasía, creando mundos imaginarios donde lo sobrenatural y lo inexplicable son parte integral de la trama. Este estilo puede incluir criaturas míticas, magia, mundos alternativos, y otros elementos propios del género fantástico, pero con un enfoque en generar miedo y tensión en el lector. Ejemplos de terror fantástico incluyen obras como las de H.P. Lovecraft, donde se exploran dimensiones cósmicas y seres arcanos que desafían la comprensión humana.

Terror Urbano:

El terror urbano se desarrolla en entornos urbanos contemporáneos y a menudo se centra en los peligros y las amenazas que acechan en las ciudades modernas. Este estilo puede abordar temas como la alienación, la decadencia urbana, el crimen, y la paranoia en un contexto donde la familiaridad del entorno se convierte en parte del horror. Las historias de terror urbano a menudo exploran la idea de que el mal puede esconderse en las calles y rincones de la vida cotidiana, haciendo que el entorno urbano sea tan amenazador como cualquier castillo embrujado. Ejemplos de este estilo pueden encontrarse en obras como "El Exorcista" de William Peter Blatty, donde el horror se desata en medio de la vida urbana moderna.

[isamejia]

Latin Mafia

Latin Mafia desde mi perspectiva, es un deleite musical para los oídos. No estoy completamente segura del cómo descubrí a Latin Mafia, pero sé que fue en Spotify, en un momento en el que me encontraba desesperada por encontrar un sonido nuevo que me pusiera la piel de Gallina. La primera canción que escuché de ellos y que me atrapó por completo fue Julieta, sobre todo por la mezcla de géneros que se encuentran en ella; Inicia con una base de lofi y crecientemente se introducen los ritmos urbanos latinos que claramente están inspirados en el dance hall y termina con un gran ritmo dembow y que deja con ganas de más.

Inmediatamente, publiqué una historia en Instagram para mostrar mi gran descubrimiento musical del día y mi amigo Alan Viveros respondió con un mensaje que decía: “escucha Ciudad de las Luces”. Hago la misma recomendación a ti que estás leyendo esto y si es que no has escuchado a Latin Mafia aconsejo que cuando le des play a esta canción, cierres los ojos y sientas como cada parte de ella acaricia tus sentidos.

El día de hoy viernes 27 de enero del 2023 lanzaron su más reciente canción Flores junto con un video oficial que grabaron con nada más que un celular y un tripié en la esquina de una calle. Los tres artistas mencionaron que las ganas de hacer arte no tienen límites y el escucharlos hablar con tanta pasión de lo que hacen me hizo conectar aún más con su música porque me sentí identificada como artista con el hecho de que el crear arte viene desde las entrañas y del querer expresar nuestra voz con tal intensidad que no importa cómo ni los recursos pero lo haces y el reconocimiento es simplemente un extra que llega como parte de componer una obra con amor.

Latin Mafia tiene un lugar enorme en mi corazón porque son mexicanos, es el tipo de música que busqué por mucho tiempo y porque ellos como grupo y como individuos son personas brillantes.

Image Source: itslatinmafia on Instagram 

[somosinterzone]

Un vistazo a la realidad virtual de Joystick

Por Flor Ribecco. Fotos por Alexia Martínez.

Santa Fe tiene verdaderas joyas musicales y Joystick es definitivamente una de ellas. Su reciente álbum, titulado ¿Qué dicen tus amigos de vos?, es uno de los trabajos más interesantes publicados en los últimos años. Se trata de un trabajo conceptual donde se reflexiona sobre cómo la vida y las redes sociales distorsionan nuestro sentido de la realidad, tal como predijo George Orwell en su obra 1984. Las telepantallas, que en la novela no pueden apagarse, tienen un parecido sorprendente con nuestros teléfonos inteligentes. En esta era de gran hiperconexión y relaciones superficiales, la música de los chabasenses se siente real.

Cada día nos adentramos más en una realidad virtual, un simulacro semejante a un juego en donde nuestro entorno se televisa para que los ojos digitalizados lo examinen. Es fácil quedar atrapado en la red. ¿Qué dicen tus amigos de vos? debe escucharse de principio a fin, como un todo, puesto que en él se describe una especie de viaje. En ese sentido, la banda desafía al oyente a sumergirse en una zona dual de satisfacción e incomodidad emocional.

Joystick, radicada en Rosario, pero originaria de la ciudad de Chabás, está conformada por Pano Benincasa (voz y guitarra), Mateo Sinicich (bajo), Augusto Tassello (bateria), Emiliano Sampaoli (guitarra) y su más reciente incorporación en pandemia, el rosarino Lautaro Suárez (teclados).

Relajados en los asientos de la vereda de Pasaporte, un escondite céntrico ubicado frente al antiguo edificio de la Aduana de la ciudad de Rosario, nos disponemos a charlar, café mediante, con Benincasa, Suárez y Sinicich. Sentados alrededor de una mesa, los músicos reflexionan sobre el significado de publicar material nuevo y los beneficios de aislarse del ruido para darle una vuelta de tuerca a su noción como banda.

Escuchá el disco completo en Spotify

¿Cómo fue el proceso de colaboración con Lautaro en la producción del álbum?

Pano: Fue un gran avance. En ese momento veníamos de la pandemia, un período que nos sirvió para hacer una pausa y pensar hacia dónde queríamos ir. En 2020 habíamos publicado "Salir en TV" y "Brazos cruzados", dos sencillos en donde intentamos introducir un nuevo sonido. A pesar de que las canciones nos gustaron mucho, siempre nos quedó la sensación de que no pudimos terminar de darles forma. Y creo que Lautaro, a quien conocimos en 2021, aportó sus cualidades para que todo comenzara a cerrar.

A mí me gustaba mucho su producción de aquel momento, mucho más relacionada con lo urbano que con otro género musical. Él estaba metido en un mambo de efectos de sonidos muy locos y a mí eso me entusiasmó mucho. Supongo que a partir de ahí todo comenzó a cobrar sentido.

Cuando conocí a Lautaro, sólo teníamos dos temas: "¿Qué dicen tus amigos de vos?" y "A mitad de la odisea". Trabajar juntos en las canciones fue clave. Además de la producción y los teclados, se sumó una nueva voz. Fue un cambio de 180º. Lautaro le dio otro color a la banda y más potencia en las presentaciones en vivo.

Lautaro: Estuvo bueno. Al principio íbamos a trabajar en una canción, ya que en ese momento trabajaban en "Desaparece y aparece". De hecho, me sumé en la producción de ese tema para hacer un primer acercamiento. A la semana siguiente, Pano me llamó para proponerme integrar la banda y tocar en vivo. Las dos primeras fechas eran en Casilda y La Trastienda. Yo siempre había tocado en vivo, pero en lugares como D7 o El Galpón. Esto era completamente distinto. Así que fue como tirarse a la pileta.

El álbum tiene un sonido diferente al de los sencillos que editaron en los últimos años. ¿Sienten que éstos marcaron una especie de transición?

Pano: Para mí "Salir en TV" y "Brazos cruzados" tenían un carácter mucho más rockero, más cercano al formato clásico de banda. Tienen ese toque distintivo que remite al sonido crudo de los primeros Arctic Monkeys. Admito que hay algo de eso en "Desaparece y aparece", pero en este punto ya comenzaba a notarse la impronta de Lautaro.

Incorporamos teclados, efectos de sonidos. Básicamente comenzamos a laburar los instrumentos de otra manera. Antes pensábamos de manera mucho más lineal: una base de bajo acá, una base de guitarra acá. Lautaro, por su parte, venía de experimentar. Tomaba un audio de guitarra, lo cortaba y hacía cosas muy locas. Sampleamos un fragmento de audio de "V de Vendetta" y lo colocamos al inicio de un tema que se llama "Guantes negros". O la intro de "Daytona" en "Película 3D". Incorporar todos estos efectos fue muy bueno, ya que se asocia al concepto general del disco. Es decir, al mundo digital.

Lautaro: De hecho, hasta en "Iconos" veníamos hablando de eso. Hay un sample que es prácticamente ininteligible. Está como entrecortado, pero se trata del sonido de error de Windows. El "chan" ese que te tira la máquina. Sampleamos eso y lo pusimos también. Básicamente, la idea era usar ese audio como una advertencia. Windows te dice: "No, amigo".

Pano: Utilizamos ese chirrido y lo transformamos en un sonido de percusión.

¿Qué artistas inspiraron el sonido del disco?

Pano: "When we all fall asleep, where do we go?", de Billie Eilish. Me gusta que en la canción "My strange addiction" usa audios de The Office. En nuestro álbum también hay mucho de eso. Después artistas más clásicos como Arctic Monkeys, The Black Keys, Arcade Fire y Alexandra Savior. También Radiohead fue una referencia a la hora de comenzar a configurar el concepto.

Lautaro: Quizás lo más diferente fue NogaErez. Es una artista urbana israelí, muy cosmopolita, que canta en inglés. Y al mismo tiempo, tiene mucho de Billie Eilish. El audio que tiene es increíble y venía de sacar un discazo.

Pano: También una banda llamada Sorry.

Lautaro: La empezamos a escuchar cuando sólo tenían 20 mil oyentes en Spotify. Vimos todo el crecimiento hasta que la pegaron. Recuerdo que habían publicado un disco increíble con James Dring, unos de los productores de Gorillaz. Entonces empezamos a encontrar relaciones. Es una banda bastante cruda.

A la hora de armar los temas empezamos a usar notas disonantes y guitarras con más palanca, más desafinadas. Tratamos de meterle un poco de suciedad al asunto. De lo contrario, todo estaba como muy digital, muy cuidado. Así que creamos un hibrido entre lo que está bien, pero no tan bien.

¿Cómo fue la decisión artística de trabajar con Juan Marciano Ferrero en el video de "Mi día"?

Pano: Inicialmente habíamos elegido "Glitch"como primer corte del disco, pero luego alguien sugirió que ese lugar lo podría ocupar "Mi día". A mí me gustó la idea, ya que era un tema que, si se escuchaba aislado, no daba ninguna pista sobre el sonido y la temática del álbum.

Fue Juan (director del clip) quien me llamó y propuso la temática del video. "Vamos a hacer una road movie", me dijo. Y como Emiliano, el guitarrista, tenía una casa en Mina Clavero pensamos que quizás podríamos ir y filmarlo en ese lugar. Todo era medio desorganizado, así que tuvimos que armar un guion. Ahí surgió la idea del personaje principal de "Mi día", a quien Juan bautizó como el "muerto vivo". Se trata de un tipo que está como tirado, solitario y medio resignado, lo cual guarda mucha relación con la letra y el concepto de la obra.

Lautaro: Es muy onírico, hay mucho contraste entre lo inmenso y lo imponente de un solo chabón frente atoda esta muralla de naturaleza. Fue muy divertido grabarlo.

Pano: Sí, estuvo buenísimo. Fueron cinco días en las sierras de Mina Clavero, de domingo a jueves. Fuimos cuatro miembros de la banda y el equipo de filmación.

Lautaro: A excepción de Emiliano, ninguno de nosotros conocía Mina Clavero. Apenas entramos ya nos pareció una locura. Había unos paisajes que te invitaban a filmar cualquier cosa.

¿El tema visual lo pensaron de antemano?

Lautaro: Sí, teníamos una idea inicial. Hasta hicimos un estudio previo sobre qué queríamos ir a ver. Pero bueno, algunas partes se modificaron por cosas que encontramos en el lugar. Por ejemplo, la parte donde Pano se encuentra recostado sobre el césped fue improvisada y surgió tras pasar de casualidad por ese sitio. Lo mismo ocurrió con el viejo que aparece sobre el final. Ese hombre se llama el "gaucho Noel" y lo conocimos a través de los bomberos locales. El señor tiene un refugio en el medio de la montaña y es senderista desde hace muchísimos años.

Y cuando Juan (el director) lo vio le preguntó si le gustaría aparecer en el video. Eso no fue planeado. De hecho, la túnica roja que usa se la di unos minutos antes de que comenzara la grabación. Fue una locura, un viaje de esos que vas con la mente abierta y suceden cosas.

¿La máscara roja era una referencia a La máscara de la muerte roja, de Edgar Allan Poe?

Lautaro: No, tenía más que ver con el mundo onírico de David Lynch. Somos muy fans de Twin Peaks. Siempre fui un gran seguidor de la serie, y ahora lo convertí a él.

Pano: Ahora yo entré.

Lautaro: El fragmento del fogón, la utilización del rojo y lo surrealista de alguna manera también. Viene por ese lado. Fue una locura ese viaje.

En unos días van a presentar en vivo el fruto de dos años de trabajo. ¿Cómo se sienten al respecto?

Pano: Es muy injusto el paso del tiempo para todos. En un punto nunca sentís que terminas de estar listo, siempre te faltan cosas. Estamos contentos porque la gente lo recibió muy bien. El día que lo publicamos a las doce de la noche yo pude ver desde el Spotify for Artists que ya había 180 personas escuchando a la par. A la semana había alcanzado más de cien mil reproducciones. Fue una locura. Además, percibo que se empezó a crear como una especie de mística alrededor del álbum, el arte y las letras.

Y la nueva gira nos hace sentir mucha emoción. El disco lo vamos a presentar en lugares a los que nunca fuimos. Tocar en La Plata, Mar del Plata o Córdoba, desde donde nos escribe un montón de gente, es realmente algo impagable.

Lautaro: Los artistas tienen siempre un tinte obsesivo. De lo contrario, no harían arte. Por desgracia, esto hace que muchas veces uno se quede enganchado en la planificación. Pero como dice Pano, la cuestión está en tirarse a la pileta. La gama de posibilidades es infinita, entonces hay que limitarse a las ideas que primero se te vinieron a la cabeza. Soy fiel a ese razonamiento; si surgió así fue por algo. Pulámoslo, pero no miremos opciones estructuralmente diferentes, porque ya se transformaría en otra cosa.

Pano: Aprendimos a construir durante el proceso. Mientras producís, también aprendes. Uno planifica, hace y ahí medio que las cosas comienzan a suceder. Probablemente el show de Buenos Aires no vaya a ser el mismo que el de La Plata. Quizás ahí haces un show, pero después afilas cosas: quitas un tema, agregas otro, haces una intro o una cosa diferente.

¿Qué carga simbólica tiene para ustedes la portada del álbum? ¿Qué influencias visuales han sido relevantes para la estética del álbum?

Pano: La portada implicó una gran búsqueda. Laburamos con Andry Bett, un diseñador gráfico de Buenos Aires. Él también es músico y ha hecho trabajos para el Festival de Futuröck y bandas como Él Mató a un Policía Motorizado, Poncho y Turf. Lo conocimos cuando hicimos el flyer para D7 de Rosario y el de Niceto, donde tocamos el año pasado. Nos gustó mucho su estilo, así que tuvimos un ida y vuelta interesante.

Andry empezó a involucrarse más con la banda y a proponer cosas. La idea era encontrar una identidad gráfica. Entonces fue una búsqueda, probamos varias cosas hasta que una mañana apareció con la portada.

A partir de ahí todo desembocó en empezar a escuchar las canciones con esa tapa, con este concepto de ¿Qué dicen tus amigos de vos?

Medio Gran Hermano

Pano: Sí, sobre toda esta cuestión del mundo virtual. Los ojos asomándose medio por una hendija, el destello rojo. También me gustó que la portada no sea literal, sino más poética. Puede ser interpretada de muchas maneras.

El crédito es para Andry y su arte. No queríamos intervenir tanto en el proceso, ya que el arte es medio la visión de lo que uno capta de la música y el concepto y de la misma.

¿Hay alguna canción en ¿Qué dicen tus amigos de vos?por la cual sientan una mayor conexión?

Mateo: Cada uno tiene sus favoritas. A mí me gusta mucho "Guantes negros", por ejemplo.

Lautaro: Creo que mi preferida es "A mitad de la odisea". Sobre todo, por su epicidad. Me gusta más la música así de épica. "Iconos" y "Guantes negros" son muy divertidas para tocar.

¿Cómo se les ocurrió incluir el diálogo de V de Vendetta en "Guantes negros"?

Lautaro: Durante el proceso de gestación del disco viajaba mucho a Chabás. Y generalmente, luego los ensayos, me quedaba a dormir en lo de Pano.

Solíamos ver muchas películas antes de caer rendidos y una de ellas fue "V de Vendetta".

Al día siguiente volví a Rosario y comencé a trabajar en "Guantes Negros". Mientras lo hacía empecé a relacionar de forma inexplicable la película con la letra de la canción. Así que decidí meter un guiño. Me gustan mucho las intros, introducir cosas de films o samplear publicidades. Ese poema lo recordaba desde siempre: "Remember, remember, the 5th of November..." Y bueno, cuando entré a hilar quise probar como quedaba.

Pano: Al principio no me gustaba el audio, pero como a todo lo que no me convence, aprendí a darle un período de tiempo para ver cómo evolucionaba. Si luego de ese lapso aún sigue sin gustarme, significa que no va.

Lautaro: La letra dice "alucinar, vuelvo a sanar con las caricias de tus guantes negros", y también el personaje de Eve, cuando la encierran y le enseñan a perder el miedo a la muerte básicamente traumándola. Y ella en un momento alucinaba y se terminan enamorando. Todo tenía que ver.

¿Hay canciones que no llegaron a ser parte del álbum?

Lautaro: Si, hay una; se llamaba "Medianoche". Pero la verdad que no hicimos un torrente de canciones.

Pano: No soy ese tipo de compositor que te tira cuarenta canciones.

Tuve la oportunidad de escuchar el disco. Este explora un poco cómo nos vinculamos a través de lo virtual. La canción "Iconos" es un claro ejemplo. ¿Cómo fue la búsqueda de representar eso?

Pano: Ya venía incluso desde "Salir en TV". A mí me gustó mucho. Pasa que yo necesito que alguien se enganche con eso. Porque sino yo soy el único pesado hablando de eso y después los ves a todos que están recontentos. De hecho una de las frases que me dijo Juan apenas lo conocí, me dice: “yo tengo un amigo que es igual de renegado que vos”. Yo dije: “bueno, buenísimo”. Y ahí lo conocimos y sí, todo, todo, full futuro distópico, la tecnología controlándonos, fanes de Matrix y…

Lautaro: de Black Mirror

Pano: Si Black Mirror y todo. Todas estas cosas que… a ver, en un punto a mí no me gusta ponerme tan coso, porque tampoco lo pienso así y no soy tan pesimista, realmente. Pero sí es algo realmente interesante y siento que se habla poco y sobre lo que hay muy poca educación. Y entonces ya estaba buscado desde Salir en TV, Tito lo sabe también un poco tiene eso. Y después obviamente cuando fue todo lo de la pandemia empecé a leer un par de libros que tenían que ver con esas temáticas. Y bueno, ya estaba inmerso en ese mundo. Y cuando lo conocí a Lautaro y empezamos a dialogar con un ser humano y ya sabes si están en sintonía o no. Y olvídate. Cuando empezamos a hablar de libros, de películas, de cosas, de documentales, de canciones. Él me dice: “escuchá esto. OK Computer de Radiohead”. Bueno, no, imposible escapar, ya está, listo. El disco lo vamos a llamar ¿Qué dicen tus amigos de vos? “Che, no, pero… Glitch”, viste. Había un par de nombres que nos gustaban y qué se yo. “No, no, no, no”. Bueno, ¿Qué dicen tus amigos de vos? Todo el concepto, o sea, la canción habla de eso. Listo. No, no fue mucho.

Lautaro: No, y aparte siento que es, o sea, es una temática que está buenísima. Como dice él, también hay mucho escaparate, viste, en el tópico, en todos lados. O sea, es como que no se desarrolla, se oculta, y a la gente le da paja. Da mucha paja porque tenés que abrir Instagram de nuevo, me entendés. Tarde o temprano, o sea, tenés que ir a ver qué anda pasando por ahí, viste. Entonces es como, ¿qué hago?

Pano: No, que tampoco… A ver, tampoco uno plantea irse a vivir al monte. Pero sí un… hay… Y a ver, tampoco uno… A mí tampoco me gusta llegar y decir: “che, este es el problema”. Si no que es como plantar una pregunta, viste. Como un interrogante. Por eso el disco es un interrogante: ¿Qué dicen tus amigos de vos? No es una…

Lautaro: Yo hago la reflexión, quizás, o al cuestionarse y vivir con ese cuestionamiento, digamos. Y después hacer en base a. Pero tenerlo y hay gente que no lo tiene, pero en absoluto. No lo tiene para nada.

Por ejemplo, el orden de las canciones del disco, ¿eso qué onda? Porque "¿Qué dicen tus amigos de vos?" re da para apertura. Y "A mitad de la odisea" también da para cierre. Pero el medio, ¿qué pasa ahí?

Lautaro: Tal cual lo que vos decís. Esos ambos temas fueron como: “che, este abre y este cierra”. No había ningún tipo de duda. Después cómo hilábamos lo del medio no teníamos ni idea

Mateo: Sí, lo fuimos ahí pensando. Por ejemplo, "Las manos en el fuego" y "Odisea". "Odisea" empieza con un relojito, me gustaba el final del tema que empiece con el relojito. Como que engancha justo, digamos.

Lautaro: Ese tema como se terminaba en seco, terminaba en seco total, y el otro arrancaba de esa manera nos pareció bueno el enganche. Ya te digo, fuimos probando varios órdenes. Siempre igual como que perfilamos los cinco primeros temas, siempre como que arrancamos ahí, iban, iban ahí de corrido. Hubo un enredo medio ahí cuando tuvimos que meter "Guantes negros", Hawaii, Lugar para uno más, viste que son como temas más bien diferentes. Sobre todo por Lugar para uno más que era más rockero. Bueno, ahí fue como que, medio que hicimos así, después hicimos asá, después hicimos así, hasta que quedó. Había un punto en el disco donde alguien tenía que ceder. Había un momento en el cual tenía que… No hablo de nosotros, sino de las canciones. Como que un tema iba a quedar contrastante con el que seguía. En ese caso fue Hawaii, "Hundimiento de Hawaii" con "Lugar para uno más". Fue como: “Bueno, se terminó el momento dulce y tiernito, vamos con el riff de violas”. Ahí se destrabó el orden de los temas y quedó un lindo hilo conductor. Sí también hinché mucho los huevos e hice mucho énfasis con Patito, que fue el que masterizó el disco, con el tiempo entre tema y tema y los enganches. O sea, quería que sea una obra que no te permita poner pausa. Como que si ya arrancó el tema, viste, que a veces pasa que tipo estás medio apurado para algo y arrancó el tema y lo tenés que escuchar, ya arrancó, viste. Y si le das pausa, vos decís: “me quedó pendiente, lo voy a escuchar después”. Hice mucho énfasis en eso y rompí mucho las bolas con eso. Calculadamente los segundos entre canción y canción, si había un corte que no sea ni muy corto ni muy largo, que los temas estén bien enganchados, como por ejemplo "Glitch" con el inicio de "Película 3D", o este que dice Mate. Que no te canse, pero que al mismo tiempo no te aburras. Así que bueno, sí, eso fue más o menos cómo sucedió.

¿Qué inspiró Hundimiento de Hawaii?

Lautaro: Es una catástrofe pura. Yo creo que es de mis letras favoritas. Sí, es mi letra favorita, por escándalo. Es una tragedia que viene un poco medio emparentada a la pandemia. O sea, es como que el tema dice: “che, vivimos esto”. De acá a 20 años cuando se escuche ese tema se puede contextualizar en esta época. Y al mismo tiempo a mí me pareció de un principio que era hermosa la relación de la música con respecto a la letra. Me pareció muy No Surprises de Radiohead, que es un tema de protesta, pero también es una canción de cuna.

Cuando escuché la canción por primera vez, No Surprises, no entendí la letra. Después la tuve que buscar y dije: “qué hermoso tema. Qué lindo, qué tierno”. Después vas y ves la letra que es un tiro al ministro de Inglaterra. Bueno, esto lo mismo. Te dejas conmover por la música, después le ponés atención a la letra y te parte el corazón al medio. Tiene mucho de El lub de la pelea también. Mucha escenografía de eso. “Y juntos de la mano, miremos el mundo colapsar”.

Me gusta como cuando escuchás un tema como de The Smiths que por ahí el ritmo es re bailable y después te querés pegar un tiro cuando lees la letra. Está bueno porque un poco la cabeza de uno es así también.

Lautaro: Está re bueno y aparte siento que hace mucho más rica una obra porque tiene condimento de ambas cosas. Hay más cosas para descubrir. Si sos de esas personas que escucha primero la música y después le das bola a la letra capaz le terminas encontrando.

Y eso, también lo de "Hundimiento de Hawaii" también es una metáfora de algo que es real. De Hawaii que se está hundiendo, es real. Es un dato empírico. Entonces había una metáfora ahí.

La banda chabasense cerrará su extensa gira nacional el próximo viernes 27 de octubre en el XIRGU del histórico barrio porteño de San Telmo. El show contará con la presentación de la artista emergente Catalina Ammaturo como invitada.

[andreaocampo]

RIP Galee Galee: La fama es un castigo

Por Andrea Ocampo Cea

“La gente que hace daño no sabe bien lo que pasa entre tú y yo”

Galee Galee, Igual a mi

Galee Galee fue el nombre artístico de Gabriel Zuñiga (1994 - 2023), cantante de trap oriundo de Pudahuel, que perteneció a la nueva generación de artistas urbanos chilenos, quienes hoy en día, son escuchados a nivel mundial junto a Polima Westcoast, Pablo Chill-e, Harry Nash, Juliano Sosa y al sin fin de artistas masculinos que dominan el género en esta geografía.

Este viernes 26, cerca de la medianoche, un flyer de La Junta+ se viralizó en redes confirmando su fallecimiento en el Hospital Félix Bulnes, a causa de graves lesiones. El llamado de Pailita, unas horas antes y vía Instagram, fue a realizar  una cadena de oración, justo momentos posteriores a una una storie del mismo Galee, que advertía: “Uds no saben el daño klo que están haciendo. Corten la wea loco. Van a causar que pasen weas que nadie quiere”. Anunció así su deceso. Llevaba horas lidiando con cientos de comentarios que le acusaron de infidelidad; realizando incluso –durante la noche anterior– una transmisión en vivo para descargarse y afirmar que esta situación no le afectaba y que él estaba puesto para la música.

Pero la misma comunidad de fanáticos del género urbano le hizo sentir la presión –como dice la jerga reggaetonera puertorriqueña– a propósito del desahogo público de su ex pareja, pero también de una fan a penas mayor de edad y de la madre de su hija. Dimes y diretes que desataron una ola de críticas, opiniones, insultos, burlas y amenazas.  

Durante la madrugada del 27, su nombre, deceso y las responsabilidades de este (aún no confirmado) suicidio fue Trending Topic en Twitter. La foto de un joven sobre un charco de sangre con un tiro en el cráneo comenzó a viralizarse; los clásicos humoristas de esa red realizaron mofas sobre el artista, así como un par de periodistas hicieron chistes sobre su deceso en busca de likes y retuits. El clasismo chileno emergió sin sorpresa en los 280 caracteres, acompañado de la misoginia y un machismo fulgurante. Pues ¿De quién sería la responsabilidad de esta muerte? Claro: de las funas a manos de las mujeres (de las “wnas klias” diría otro reconocido astro del flow local).

LAS FUNAS

La palabra funa hoy está de exportación y significa “fruta podrida” en mapudungün. Indica la denuncia pública sobre algo que huele mal, que pudre lo que toca y que no está –necesariamente– a la vista. La funa se comienza a usar en Chile en tiempos de Dictadura, cuando familiares y colectivos políticos-sociales realizaban acciones colectivas de denuncia a asesinos, represores y violadores de Derechos Humanos. Hoy, en los dosmiles, con redes sociales en la mano y luego de la cuarta ola feminista, la funa es comprendida como una herramienta punitiva de autodefensa e inscripción histórica, que llega a aquellos lugares donde la justicia institucional no llega (ni da garantías). Tiene por misión retener la impunidad ante agresores, violadores, acosadores, asesinos y hacer de la denuncia una memoria presente y contingente en el imaginario de las comunidades: una memoria no exenta de moralidad y eficacia. Independiente del carácter legal de una funa y de la presunción de inocencia que hoy se aplica sólo a algunas clases sociales, ésta existe porque se ha vuelto necesaria. No obstante, para existir, necesita de la esfera pública, de la publicidad y de una narrativa capaz de identificar a una masa tanto crítica como acrítica. Mas, no todo desahogo público es una funa. La funa tiene un carácter colectivo en lo social y político. Un desahogo, por otro lado, es lo que escribimos en nuestros diarios de vida análogos o digitales.

¿Todo desahogo de una mujer que cuenta su historia de violencia es una funa? Tendríamos que decir que depende del número y franja etárea de la audiencia que le sigue en redes. La sobre-reacción es latente, justo en un momento histórico donde la cultura del género urbano choca innegablemente con las herencias de la revolución feminista y una institucionalidad educacional y social donde el abuso sexual y la irresponsabilidad emocional / corporal / sexual son normalizadas, e incluso forman parte de un imaginario y una estética nutrida por la narco-cultura continental. En definitiva “es de machos” comportarse así.

Ser engañade por quién amas se siente feo, une sufre. Aún más cuando tu contexto glorifica la violencia, la desigualdad de poder entre géneros y tienes acceso al registro completo de los pasos de las otras personas. Pero el desamor y la infidelidad son parte de la vida y sus aprendizajes, no es propio del género masculino y, en último caso, no atentan contra nuestros derechos vitales, como si lo hacen las malas prácticas médicas, la impunidad y acoso en los establecimientos educativos y laborales, la discriminación y el cyberacoso, la trata, los feminicidios, el secuestro y la tortura. Y aunque esto sea medianamente obvio para las niñas y adolescentes que cuentan sus historias en internet –esperando atención, revancha u otro–, en el caso de Galee Galee aparecieron junto al mal que históricamente ha aquejado al género urbano: su machismo naturalizado, además de las actuales y populares “páginas de difusión”.

LA FAMA ES UN CASTIGO

El oficio del periodismo vive hace siglos una profunda crisis, hoy lo es gracias al arribo de Chatgpt, el contexto global de las FakeNews y el “periodismo de redes sociales”: las “páginas” que en realidad son perfiles de consumo generacional, principalmente alojadas en Instagram y en TikTok. Llevan por nombre cualquier derivado de “copuchas / gossip/ cahuines / chismes” y cumplen exactamente la misma función que hace años cumplieron los programas televisivos de farándula. Siendo el ejemplo icónico el programa de JC Rodríguez –hoy también en “La Junta”– llamado Primer Plano con su archi-reconocido “escándalo de la semana”. Esa continuidad no es azarosa.

Hablemos entonces de una comunidad de niñez, adolescentes, jóvenes y adultos que crecieron viendo cómo sus familias fagocitaron este tipo de contenidos y disfrutarlo tanto-tanto, como para juntarse con otros para verlo en clan, compartiendo algo para comer y algo para tomar. Todo un evento familiar y nacional.

Estos nuevos medios, cuyo ecosistema es únicamente el scroll y el like, hoy repiten la fórmula y postean sin escrúpulos sobre la vida íntima de los cantantes urbanos chilenos. Tras esas imágenes re-editadas y recolectadas de todos los perfiles posibles, están los mismos jóvenes aficionados a estos chismes. Son productores y consumidores en sí mismos: siguen los pasos de sus astros, así como los de su familiares, parejas, equipos de trabajo en búsqueda de algún atisbo de intimidad y de “realidad”. Algo que permita conocer a la persona y abrir la bisagra donde la intimidad conviva junto a la culpa, humillación y vergüenza. En el universo del blingbling por sobre los proyectos de vida, en el esplendor del presente inmediato ante el fracaso del futuro, un guiño de humanidad vuelve a este mundo de simulacros algo intrascendente.

Así, a mayor exacerbación de la estética flaite reggaetonera como una de millonarios, exitosos, codiciados y maleantes, con mayor velocidad aparecerán testimonios que, a través del pantallazo y/o la história impúdica, responderán a la ansiedad y el morbo, para rebajar los estándares de la fantasía: los estándares del corte.

El chileno es chaquetero (dicen); pero también (dicen que) es solidario. Esas auto-imágenes sociales y culturales suceden –a un mismo tiempo– en la lluvia de likes y reproducciones en Youtube y Spotify. Ni hablar del daño que esto hace en la psiquis de nuestros cantantes y en la presión permanente que recae sobre sus carreras musicales. Las disqueras, el público, las preguntas de los medios: todo les obliga a sacar temas todas las semanas, impidiéndoles madurar sus procesos, experimentar, repensar sus carreras y sonidos, sólo por la urgencia del tapizarse, coronar y pegarse, además del miedo a volverse irrelevantes y olvidables. Lo cierto es que, a pesar de la inmediatez en el consumo musical, su apreciación, perreo y goce es y será siempre inolvidable. Por ello, aquí nadie olvida a nadie. al mismo tiempo, que estamos resistiendo la miseria todos con y contra todos.

“Las páginas” son el nombre genérico de una cultura sádica y canibal de la hiperventilación y falta de límites sobre qué contenido es de interés público y cuál no. Una cultura sin linea editorial que denota la carencia, tanto de las herramientas como de una conciencia en el impacto de las palabras en las comunidades. De un momento a otro, los antiguos perfiles personales, hoy se vuelven canales de comunicación directa y sin mediación.

PROTAGONISTAS Y CONSUMIDORES

A pesar de que pertenecemos a generaciones donde la selfie y el uso del móvil es permanente, somos incapaces de ver cómo los posteos sobre irresponsabilidad amorosa, los joteos cibernéticos, las salidas clandestinas de las fans con los artistas, tornan a esta audiencia en protagonistas y consumidoras de sí mismas. Este canibalismo tiene carácter exhibicionista: consumo aquello que leo, que veo, que atestiguo, grabo, registro y protagonizo. Mismo fenómeno que sucede en los conciertos donde los fans lanzan sus móviles al ídolo: buscan ser protagonistas y llevarse “algo exclusivo y para sí” del artista.

Esa exposición, una vez satisfecha, redobla su flujo mediante la asfixia del artista: olas de notificaciones, likes, mensajes de odio y cuestionamientos, terminan por dejar en la cornisa a cualquier ser humano que simplemente sepa leer. Ni siquiera es necesario arrastrar una depresión o un mal viaje, para que esto destruya cualquier equilibrio, calma, relajo y proyecto vital. Hablamos del cyberbullying chilensis: una violencia masiva, brutal e indecible, incitadora de una paranoia que permanece en el tiempo y un complejo de culpa que cierra ojos, bocas y horizontes.

En medio de esa tribulación, la ideación suicida aparece como una opción posible, ante un presente aterrador donde nadie puede auxiliar, precisamente porque se vuelve inexplicable: las palabras pierden poder como la vida pierde sentido. ¿Cómo aquello por lo que lucharon y trabajaron sin descanso se volvió una pesadilla? Soportar estos eventos traumáticos requiere preparación y atención profesional, además de un entorno preocupado por la persona, más no interesados por subirse a una tarima que no les corresponde.

Consideremos que esto está sucediendo en jóvenes que oscilan entre los 16 y 29 años, de orígenes humildes, sin contención especializada, tiempo libre ni la costumbre y/o acceso a salud mental. Las historias de superación de toda nuestra música flaite sigue pagando el costo de nacer en la pobla: padecen los mismos abandonos, carencias y fragilidades de sus infancias. Nuestros ídolos reggaetoneros están abandonados a su fé, a sus fuerzas y también a sus debilidades, violencias, a sus armas de fogueo y masculinidades tóxicas; a todos los descubrimientos, revueltas y adicciones que hayan en el camino.

SUICIDIO

Según la Organización Mundial de la Salud, Chile es el sexto país de la región con mayor tasa de suicidios, considerando 9 decesos por cada cien mil habitantes. Siendo el promedio de América Latina y el Caribe, 6 casos. Pero el medio DW recientemente actualizó la cifra e indicó que, durante el año 2022, tuvimos 10,3 suicidios por cada cien mil habitantes, siendo los principales afectados las personas mayores, la comunidad LGBTIQ+ y los adolescentes.

Sabemos que vivimos una crisis de salud mental agudizada durante la pandemia, así como también se agudizó la producción musical de esta generación de reggaetoneros y traperos nacidos al alero de la producción casera y los encierros forzados. Nuestras estrellas locales nacidas en dormitorios y grabaciones de voz en el móvil, saltaron sin intermediarios a las pantallas del globo. El vértigo de la exposición e hipervigilancia, de la crítica y la falta de intimidad, explica por qué el suicidio de Galee Galee no tendría por qué ser un hecho aislado. Es aterrador. Stories que advierten esta asfixia vital la hemos leído también en un Pailita o en un Pablo Chill-e anunciando dejar su carrera.

Ojo aquí: Gabriel tomó la decisión de abandonar este mundo. No fue una decisión colectiva, sino que fue una decisión personal, una auto-determinación valiente; aún más en un contexto familiar cristiano. Sus razones ciertamente las desconocemos y respetamos. Se necesitan agallas para dejar de vivir. No obstante, este deceso no soluciona nada para quienes permanecen involucrados con quienes parten. El duelo queda abierto, pues quienes necesitan respuestas no las tendrán, salvo la resignación. Un duelo como este –que sucede en uno de los momentos de mayor popularidad de Galee Galee– se atiborra de mensajes, recuerdos amistosos, además de canciones con líricas brillantes. Pero quedan tres jóvenes arbitrariamente sindicadas como responsables y además, sobreviven a esta muerte, una hija pequeña, una madre, hermanos…una familia completa sumida en la tragedia.

La muerte de El Big Cut tampoco puede significar un retroceso para las mujeres que usan su voz pública para exhibir el incuestionable machismo del género urbano chileno (y latinoamericano). Que esa violencia moleste y sea cuestionada, es parte del proceso de aprendizaje de generaciones completas. Hoy podemos leerlas en múltiples comentarios, posteos, stories, reels y TikToks que insisten en que las “wnas klias /feministas klias” se queden calladas y dejen funar.

Pocos insisten en la responsabilidad que tiene la presión que ellos mismos ejercen sobre los artistas. Más fácil es tirar la pelota al lado y exigirle a las mujeres que (se) aguanten ante la misoginia que toda esta situación ha levantado.

Más interesante es atender a aquellos que indican el cuidado que se debe poner sobre los comentarios que se hacen sobre los artistas, porque nunca sabríamos qué lucha están dando. Esto último pone de relieve la importancia y atención en el uso de las palabras, pues se evidencia su potencial destructivo. Lo que incluso podríamos considerar un avance en términos de violencia simbólica en un género musical que entona y corea –por lo bajo– los escupitajos en el rostro de las mujeres. Si la muerte de Galee Galee cala como hoy lo sentimos, debemos esperar y exigir una nueva consciencia sobre las líricas, al mismo tiempo, de un nuevo cuidado para con y de las comunidades de fans y público general. Esta nueva y latente percepción sobre la violencia digital es probablemente parte del legado de Galee. Es parte de nuestra responsabilidad HOY dejar de seguir e incentivar estos pseudo-medios de información que distribuyen y desfiguran la vida íntima de estos jóvenes que comienzan a vivir y nos permiten gozar nuestra propia vida al perrear sus hits.

TODOS SOMOS RESPONSABLES

Lamento esta pérdida y todas las podrían venir si no atinamos hoy. Necesitamos pensar cómo desactivaremos este ciclo sádico, canibalesco, morboso y destructivo del consumo de nuestros propios protagonismos. La responsabilidad de este consumo y asfixia vital no es responsabilidad de la ex, la actual y “la otra” (ojo con los estereotipos de género que estas palabras reproducen). Sino que es responsabilidad de un país completo que exhibe su intimidad en shows televisivos, docu-realitys y programas de pornomiseria mal llamados “policiales”, donde la humillación, la culpa y el estigma social se conjugan y multiplican en opiniones, tuiteos burlescos, así como en medios tradicionales que no logran dimensionar el impacto de sus contenidos. Es responsabilidad de un país donde la educación, la salud y la cultura aún son bienes privados, donde el machismo sigue siendo el flow de moda.

Consideremos no pasar por alto estos puntos y vivir una vida que deseemos construir por nosotros mismes. Necesitamos comprender que la hiper-exposición de una persona a costa del anonimato propio es un gesto de miseria y cobardía; al mismo tiempo, que es el contexto idóneo de la producción de deepfakes. La superposición del rostro de Rosalía sobre un cuerpo desnudo de mujer –ocurrido esta semana– es un deepfake. Es una foto trucada que muestra el cuerpo de una persona que nunca existió.

En esta maraña que es internet, tomar por verdadero lo falso –en pleno auge del Chatgpt y las “páginas” del instagram y el TikTok– hacen que hoy en día sea casi imposible distinguir qué es un invento, qué es una opinión y qué realmente pasó. Y, si esto es así, ¿Cuáles serían las consecuencias para Chile y para los actuales protagonistas de nuestra cultura urbana? La respuesta con énfasis nos la da el Big Cut, el rey, Galee Galee:

Y me hizo fuerte to' lo malo

Tuve que defenderme

Dios les tiene un regalo

A los que mal quieren verme

(Y me hizo fuerte to' lo malo)

La Glock pa' defenderme

La tengo aquí por si acaso

Llega el día de mi muerte

Galee Galee, Todo lo malo me hizo más fuerte

[cinemedios]

‘Mesa Dulce', Una Fiesta Funk

En noviembre del año pasado Dante Spinetta regresó a los charts con su nuevo álbum Mesa Dulce, que no es más que una lección sobre el funk y una refinación de su estilo enormemente inspirado en Prince que también aprovecha para incluir a uno que otro de los nuevos astros del género urbano en Argentina, valiéndole nominaciones a los Premios Rolling Stone en Español y los Latin Grammy 2023, por eso…