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El rey se muere

Pocos años después de la segunda guerra mundial, ya se hablaba de autores existencialistas como Sartre, Bataille, Camus que veían al mundo de una manera distinta y que mostraban, en sus obras, que no se adaptaban al mundo en el que vivían o veían. Desde hacía dos siglos, se daban una serie de agitaciones y revoluciones con las que parecía que se instauraba cierta justicia. Sin embargo, después de cada una de ellas el mundo entero todavía estaba en estado de irracionalidad, de contradicción plagado de hechos violentos. En este contexto, el hombre no encuentra respuestas ni en la religión, ni en la filosofía, aparece una idea la condición humana como inaceptable. Aquí la imaginación se ve sobrepasada por la realidad “atroz”.  En este contexto nacen estas obras distintas a lo que se venía viendo en teatro, con marcas de irracionalidad e incoherencia, consideradas del absurdo, donde Ionesco es aparece como uno de los máximos exponentes.

Dentro de este contexto surge en 1962 El rey se muere de Eugène Ionesco obra que el grupo de teatro Media Rosca UTN viene presentando desde hace un tiempo.

En esta obra del dramaturgo rumano, la reina Margarita es la encargada de notificarle al rey Berenguer -y a todos los espectadores- que “lo que ha de suceder, sucederá”. Y -aunque parezca increíble para todos incluso para el rey- esto “que va a suceder” es que Berenguer va a morir al cabo de una hora, es decir en el momento exacto en que esta puesta finalice.

El rey se muere está considerada teatro absurdo porque, entre otras cuestiones, algunos de los personajes -como el mismo Berenguer- dicen frases inconexas, sin sentido, vocifera órdenes y contraordenes en un intento por mantener un poderío que se le diluye, pero también es un espectáculo grotesco, lleno de situaciones cómicas.

Aunque esta excelente puesta dirigida por Jorge Habib tiene algunas alteraciones respecto del texto de Ionesco -aparecen dos reinas Marías fieles compañeras de fiestas y diversión de Berenguer- mantiene la esencia del texto original: un rey licencioso y en decadencia que ha hecho de su reinado una burla y una primera reina Margarita que representa el juicio y la razón y que acompaña al rey hasta su final funcionando siempre como la voz de una conciencia que no se quiere escuchar.

El rey se muere tematiza la omnipotencia del ser humano ante la angustia existencial por la inminencia de lo fatal, es la lucha entre la vida y la muerte, es el paso de la negación a la aceptación ante la hora final.

De más está decir que esta propuesta del grupo Media Rosca UTN me resulta significativa, por un lado, porque invita a los espectadores a reír y a reflexionar acerca de la condición humana, pero además, por la defensa que este grupo de teatro hace del espacio donde realizan sus presentaciones y que toman como propio, un espacio que para otros es de tránsito en un edificio dedicado a las ciencias, que Media Rosca lo inunda de teatralidad.

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Ficha técnica: Dirección: Jorge Habib y Pablo Macchi. Actúan: Alejandro Iglesias, Patricia Prati, Guillermina Torado, Mirian Cinquegrani, Luis Pueblas, Pablo Montes de Oca, Griselda Ledesma, Sandra Martínez. Asist. Técnica: Emiliano Iglesias. Vestuario: Antonella Bianco, Fotografías: Soledad Vázquez, Diseño gráfico, Carolina Nievas. Foto de programa: Magalí Agnello.

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Los dueños de la funeraria

Hace unos días participé de una verdadera fiesta teatral. En el contexto de una gripe feroz que por poco paraliza las ciudades, los transportes, casi suspende este evento a punto de realizarse en la ciudad de Bahía Blanca.  

Los dueños de la funeraria es una obra teatral de Martín Gómez Márquez que representa a la familia típica ypopular que se reúne en la casa de la abuela -mater familia- para festejar el casamiento de “la nena” y Matías, “un valijero de Retiro”. Los dueños de la funeraria, dirigida por Diego Rinaldi son la representación típica y acabada de la familia tradicional argentina descendiente de inmigrantes que se reúne para festejar, para conmemorar o simplemente para acompañar…pero siempre se reúne. De modo que esta puesta tematiza la familia tradicional argentina.

Esta obra es una típica comedia con raigambre en el sainete, donde todo -drama y comedia- en este caso no transcurren en el patio del conventillo, sino una especie de living-comedor donde los invitados desfilan con sus problemas e inquietudes. Y así, casi siguiendo el precepto de Vaccarezza de: “hay que hacer el conventillo y luego contar la historia con dieciséis personajes”, desfilan por el escenario de esta comedia sentimental toda clase de personajes estereotipados que fluyen desde los gags hasta los chistes. De este modo, la casa se convierte en un espacio múltiple donde padres, hijos, hermanos, vecinos y amigos convergen en esa espacialidad.

Sumergida en una estética propia los setenta argentinos con un vestuario propio de la época, durante toda la puesta se escuchan a cantantes nacionales -como Sandro, Palito Ortega o Violeta Rivas- que funcionan no solo como un efecto musical, sino como parte estructurante y argumentativa de esta comedia de enredos.

Pero, además, Los dueños de la funeraria si bien es una obra que nos remite a los setenta, se vuelve actual cuando menciona temas como la suba del dólar, la inflación o una gripe (porcina) que está generando estragos y que casi… casi impide este casamiento.

Seguramente Los dueños de la funeraria van a seguir reuniéndose para este u otro casamiento, así que si estás invitado a esta fiesta ni lo dudes.

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Ficha técnica:

Idea y Dirección: Diego Rinalidi. Libro, diseño gráfico e iluminación: Martín Gómez Márquez. Asist. Dirección: Paola Fernández. Actúan: Laura Azcoitia, M. Inés Barragán, Alicia Mabel Bertoldi, Eliana Conte, Javier De La Torra, Paola Ekermann, Álvaro Filipuzzi, Patricia Fontanazza, Hernan Liebana, Luisa Loncon, M. Rosa Iantosca, Jorge Martín, Bárbara Martínez, Tomás Mellado, Florencia Pacheco, Marian Ruviños. Marynne Vitale.

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Bibliografía:

Fos, Carlos. 2015. Un teatro de obreros para obreros. Jugarse la vida en escena. Instituto Nacional del teatro.

Mogliani, Laura. 2007, Nativismo y costumbrismo en el teatro argentino. Tesis doctoral. UBA.

Revista Picadero, 2003. Sainete-Grotesco. Un reencuentro con la tradición. Recuperados de: http://inteatro.gob.ar/Files/Publicaciones/40/picadero08.pdf

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LA AURORA

El domingo 31 de Julio se presentó la obra teatral La Aurora del grupo Compañía de Teatro Casero. La Aurora es un unipersonal escrito y actuado por Darío Levin que narra las desventuras de una travesti “sirvienta que trabaja en negro”.

En La Aurora hay un nombre que se desconoce o que no reconoce, un cuerpo que se desconoce y una identidad arrebatada a partir de la cual se construye una persona otra. Entonces la Aurora es el relato del proceso de construcción de una vida, de un cuerpo de una mujer.

La Aurora son una serie de relatos, discontinuos, que se van uniendo a medida que avanza la puesta, donde al final conforman esta historia dura y real.

Esta obra de Orellanes parece una puesta simple, con un vestuario sencillo y una escenografía despojada; sin embargo, toda la belleza está puesta en el qué y en el cómo se narra.  Porque La Aurora cuenta absolutamente todo a partir de ese cuerpo que nace, y de una voz que aflora y de las otras voces que la marcaron. Entonces La Aurora es el relato de un descubrimiento. ¿Quién nace y en qué se convierte?: una travesti que se descubre:

En esta hermosa puesta de Orellanes se tematiza la hipocresía de una sociedad que se muestra, indiferente, ante la presencia de un otro distinto, de un otro opuesto a una normalidad.

Y así, La Aurora va reviviendo su historia a partir de una sucesión de confusos y equívocos hechos que lo llevaron a la situación más hermosa para ella: ser una madre, aunque sea por un rato.

Esta puesta es una obra conmovedora en todo aspecto, un relato simple, una puesta simple pero plagado de emotividad que cala en lo más profundo. Es puro relato de recuerdos y las palabras que resuenan una y otra vez en boca de la Aurora: mamá, travesti y maricón. Tres palabras que suenen y se chocan en el relato, que parecen contraponerse, que no pueden ir juntas… que combaten ¿en boca de Aurora o en la sociedad hipócrita?

Una iluminación hermosa dada a través de unos paneles que proyectan y sintetizan por momentos un campo de flores y por otro un sol rojo que -a mi entender- simboliza este renacer de La Aurora. Todo esto atravesado por fragmentos musicales de cumbia que escuchamos entre uno y otro relato que, de alguna manera, rompen el efecto dramático.

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Ficha técnica: Texto y Actuación: Darío Levin. Dirección: Kevin Orellanes. Diseño lumínico: Juliana Benedicti. Realización de vestuario: Laura Toledo. Realización escenográfica: Javier Marcos, Kevin Orellanes.

Bibliografía:

Fukelman María, “Actor y escenario: técnicas y recursos del actor de unipersonal”. Recuperado de:  

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Santa Juana de los mataderos

Todos los que hemos leído alguna de las obras de Brecht sabemos que su dramaturgia buscaba “esclarecer, desenmascarar, enjuiciar la verdad” porque las obras de Brecht se contraponen a la idea de teatro copia o mímesis de la realidad. Y esto es, justamente, lo que el grupo Nuevodrama Teatro logra al presentar esta obra de Brecht: es decir romper la escena realista para que el público evite sentirse reflejado con los personajes o el drama de la escena.

Entonces si Santa Juana de los mataderos de Brecht es una reivindicación de la figura de Juana de Arco, la Santa Juana de Iñurrieta es una reivindicación de la figura de la mujer guerrera y combativa, de la esposa que se ve escindida entre aceptar un plato de comida de los verdugos del hambre y del cuerpo de su compañero quien fuera descartado como un pedazo de carne. Esta puesta de Santos Iñurrieta propone una Santa Juana donde la sociedad -y en este caso el público de la sala- se siente confrontado entre la supuesta deshumanización del obrero y la sociedad de un mundo capitalista. Entonces

¿QUÉ VEMOS EN ESTA PUESTA DE SANTA JUANA DE LOS MATADEROS?

Además del “comportamiento de los hombres durante esta crisis, la bancarrota de los grandes frigoríficos” observamos en la escena, una seria de dispositivos como cierta forma explícita de narrar esta historia o el uso de carteles o la música en vivo para cortar el efecto dramático o una forma distinta en el habla de los actores, todos procedimientos que, de alguna manera, generan cierto efecto de distanciamiento en el público. Estos mecanismos, además, se potencian con una escenografía en diferentes planos que enfatiza cierta idea de profundidad espacial; y un vestuario muy bien planteado y un maquillaje espectacular y unas medias máscaras que usaron unos pocos personajes como el complemento perfecto en esta puesta. Entonces

Santa Juana es UN GRAN MONTAJE

de escenas… de situaciones… de conflictos donde el espectador está todo el tiempo puesto a prueba en su quietud. Es

UN PÚBLICO INTERPELADO

Porque los actores van contando - mostrando su sufrimiento, nuestro sufrimiento y la mano que lo genera y la consecuencia que acarrea: el cierre del frigorífico y la desolación de setenta mil obreros que no pueden “vivir un día más con salarios tan miserables”. Y acá hago un alto porque creo -o mejor dicho entiendo- que esta Santa Juana no solo se torna actual por su temática de denuncia a un capitalismo feroz que arrecia con todo y todos, sino que además pareciera que esa denuncia nos remite como sociedad a cierta parte de nuestra historia local, es decir al cierre de la CAP. Entonces ya no hablo simplemente de una obra de Brecht, sino que hablo de una obra de Brecht que para la sociedad bahiense se vuelve palpable.

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Ficha técnica: Dirección: Manuel Santos Iñurrieta. Actúan: Alberto Rodriguez, Celeste Moore, Leo Fabrizi, Graciela Musotto, Sofía Fernández, Nerina Borocci, Carolina Magnaterra, Lucas Sebastián Sanchez, Micaela Forester Schenkel, Vero Iglesias, Romina Fabri, Francisco Mayor.

Bibliografía:

Brecht, Bertolt. Escritos sobre teatro. Edit. Artes escénicas. Recuperado de:

Del Valle, Nora. El teatro de Brecht. La palabra como herramienta en el proceso de desalienación del hombre. (FBA - UNLP) Recuperado de:

Morán, Adrián, 2017. Reinterpretación de la poética de Bertolt Brecht para una puesta en escena contemporánea. Tesis de Lic. Universidad Nacional de Córdoba. Recuperado de:

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Los cuatro fantásticos

El sábado 30 de Julio, en la biblioteca del Bella Vista hicieron su última presentación Los 4 fantásticos, una propuesta donde el público es el encargado de elegir el final.

Los cuatro fantásticos es una obra interesante por el formato que ofrece a un público acostumbrado a un teatro realista, de mímesis. Tomando como base la técnica del teatro del oprimido, esta hermosa puesta dirigida por Mariela Rígano ofrece una obra donde el público -casi sin darse cuenta- se ve confrontando. A partir de una escena de la cotidianeidad familiar, que motiva al instante a la reflexión, el público es invitado por su directora a repensar y a la acción. 

En Los cuatro fantásticos, Adriana Di Tilio, Milagros Breno, Mónica García y Rubén Dambrosio, muestran una escena de familia a partir de la cual los espectadores observan cierta conflictividad entre ellos lo que desencadena una seria de situaciones conflictivas donde el público -devenido en director- debe intervenir con sus propuestas, ideas o soluciones y proponer distintos caminos para desentramar ciertos conflictos. Y aquí aparece, gracias a la experiencia de los actores, la improvisación para armar y rearmar una y otra vez las escenas a pedido del público que eligió su propio final.

Esta escena breve, pero al mismo tiempo fuerte, presentada por este grupo busca ser un “ensayo para cambiar el mundo” a partir de la reflexión, el juego y la acción.

Una biblioteca convertida en espacio escenográfico con apenas unos pocos elementos de la cotidianeidad de una casa son los elementos necesarios para conformar la escenografía que permitió que estos cinco actores, de sobrada experiencia, fueran el condimento para llevar adelante esta hermosa propuesta.

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Ficha técnica

Dirección: Mariela Rígano. Actúan: Adriana Di Tilio, Mónica García, Milagros Breno, Rubén Dambrosio. Fotografía: Macarena San Martín.

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A puerta cerrada

A puerta cerrada es una obra teatral existencialista de Jean Paul Sartre, que se estrenó durante la segunda guerra mundial “en Paris, en mayo de 1944” dice una voz en off en el comienzo de esta puesta dirigida por Jorge Habib.

Los espectadores, también, escuchamos la primera escena entre Garcin y el camarero -a quien nunca vemos en el escenario- que explica cómo es esa habitación a la que ha entrado, cómo son “los pasillos” de ese lugar “sin espejos”, dice una de las voces. Y en este momento comienzan a notar las primeras faltas: un cepillo de dientes, una cama, las palas y los espejos…”para qué mirarse en los espejos” dice Garcin en la escena.

Minutos después ingresa Inés, una empleada de correo, quién en todo momento sabe y entiende por qué está en ese lugar, de allí su temor más grande ante la presencia de Garcin, su ¿“verdugo” ?; y por último aparece ella…Stelle, la presumida…la vanidosa… la lujuriosa. Los tres con un vestuario que -podríamos decir- los caracteriza. Garcin e Inés con prendas que marcan su masculinidad, mientras que Stelle, con su vestido y su carterita floreadas, pareciera ser una “damita” de alta sociedad.

Mientras la escena transcurre el público va entendiendo, ¿qué reúne a esos tres?, ¿por qué están allí? ¿De qué se trata ese lugar siniestro? Sabemos que A puerta cerrada sucede en un “cuarto infernal”, donde a partir de esa noche los tres desventurados permanecerán encerrados para expiar y purgar sus culpas; movidos, no por el arrepentimiento, sino por la mirada del otro, por las palabras incisivas y por los reproches de los demás, de todos los alter egos presentes, incluso hasta del público.

En esta puesta de A puerta cerrada se tematiza la influencia de esa mirada del otro convertido en espejo como un modo de escudriñar en lo más profundo de la condición humana, donde el espectador participa desde su mirada silenciosa cuando uno a uno los personajes miran al público, pero sin observarnos… nos hablan sin dirigirnos la palabra, así nos sentimos interpelados casi sin querer. La iluminación cumple un rol sutil y magnífico. A partir de un leve movimiento lumínico la luz y el espacio del expectante se vuelven centro de atención cuando la luz hace que se traslade esa mirada inquisitoria de los personajes hacia el público como si los espectadores también participemos de ese encierro que se percibe durante toda la puesta. Una vez… una sola vez se abre la puerta para salir de ese infernal encierro…sin embargo nadie lo hace: ni ellos… ni nosotros quizás porque sepamos que también debemos expiar alguna culpa.

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Ficha técnica: Dirección: Jorge Habib. Actúan: Belén Sosa, Carlos Cocciarini, Anabela Gallo. Voz en off: Hugo Ledesma. Diseño y realización de vestuario: Sofía Mechini. Diseño de luces: Julián del Rio. Operación de luces: Matías Silva. Fotog. y Gráfi. Juan Facundo Sierra. Asist. de direcc.: Juan Facundo Sierra.