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azul-maria-elias · 7 months

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«With The Beatles» (1963)

The Beatles

Retrospectiva y análisis del álbum.

Historia y contexto

Si buscas enterarte de qué álbum antescedió a la salida de With The Beatles o no tienes idea de quiénes son los Beatles o cómo es que comenzaron su carrera musical, te invito a que leas mis trabajos previos:

Here They Come, The Fabulous Beatles! Una breve introducción a la banda más importante en la historia de la música.

Please Please Me (1963)

Las canciones sin álbum: entre «Please Please Me» y «With The Beatles»

Te recomiendo leerlos ya que aquí solo hablaré de la creación de With The Beatles.

Por último, me gustaría aclarar que estos trabajos buscan ser una recopilación de información más que un análisis completamente de mi autoría. Por ello, te encontrarás con una gran cantida de citas textuales y extractos de artículos relacionados, aunque por supuesto que se hayan acotaciones mías durante la lectura..

El ascenso inevitable

Con Please Please Me, los cuatro de Liverpool consiguieron su primer Número Uno. Su inevitable ascenso los llevó a cosechar el single más vendido en la historia de Gran Bretaña: She Loves You.

El inmenso éxito significó una agenda mucho más apretada para grabar su próximo álbum. El 13 de octubre de 1963 se presentaron en el programa Sunday Night At The London Palladium, donde fueron vistos por un público de 15 millones de espectadores. Al mes siguiente tocaron para la Reina en The Royal Variety Show y poco después cosecharían su tan esperado éxito en los Estados Unidos con su actuacion en The Ed Sullivan Show. Durante esta época, la prensa británica acunó el término de la "beatlemanía" para referise al impacto de la banda sobre sus fanáticos.

En este contexto, a pesar de no repetir la fenomenal hazaña de grabar diez canciones en diez horas, la grabación y producción de With The Beatles fue toda una odisea. Grabaron en cuatro sesiones distanciadas entre sí debido a las obligaciones del grupo.

Habida cuenta de esas circunstancias, With The Beatles no es sólo una gran secuela, sino un logro en sí mismo; el solo hecho de probar que podían hacer otro disco sólido constituía un gran éxito. Pero fueron más allá de eso. Aquí es donde "los flequilludos" se convirtieron en verdaderos profesionales, donde los cuatro chicos de Liverpool se consolidaron oficialmente como estrellas pop. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La primera sesión fue el 18 de julio de 1963: los Beatles llegaron a los Estudios EMI a las diez de la mañana. Grabaron hasta las 13.30, cuando debieron salir rumbo al Playhouse Theatre de Londres para grabar una aparición en el programa de radio de la BBC Saturday Club (grabaciones que después serían recopiladas en BBC Live). Regresaron a eso de las cinco de la tarde donde continuaron trabajando en el álbum sin siquiera parar para cenar. La enorme dedicación de los jóvenes por trabajar en su próximo álbum se condecendía con su disfrute genuino del proceso de grabación.

Lo que más nos gusta es entrar en el estudio para grabar discos nuevos... Lo que más nos gusta es escuchar cómo una de nuestras canciones toma forma en un estudio de grabación... y después escuchar las cintas para ver cómo salió. — Paul McCartney, 1963

Retomaron las grabaciones el 11 y 12 de septiembre y una última sesión el 3 de octubre.

With The Beatles mantuvo el formato de Please Please Me de contener tanto composiciones propias como covers por dos motivos:

Por un lado, los compromisos en vivo de la banda impedían que pudieran concentrarse en el disco varios días seguidos y de la misma manera, las canciones había que componerlas al vuelo: tanto Lennon como McCartney recuerdan discutir ideas en situaciones lejos de lo ideal, como habitaciones de hotel y micros de giras.

Por otro lado, existía un motivo comercial: no querían cambiar demasiado la fórmula que había hecho del primer disco un éxito espectacular.

Esto, junto a otras similitudes, como la observación de McCartney sobre que «Money (That's What I Want)» provocaba las mismas reacciones en vivo que «Twist And Shout», hacen de Please Please Me y With The Beatles álbumes hermanos.

Cuando With The Beatles salió en el Reino Unido el 22 de noviembre de 1963, el disco resultó mejor de lo que nadie asociado con el proyecto hubiera imaginado, especialmente considerando el poco tiempo que tenía la banda por encontrarse cada vez con más demanda. Desplazó a Please Please Me en la cima del ranking británico de discos, y rápidamente vendió más de medio millón de ejemplares en dicho país. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Madurez musical

Aunque las similitudes con Please Please Me son evidentes, With The Beatles presenta unos Beatles mucho más maduros que en su debut. El éxito desmedido del primer disco permitió que los Beatles se tomaran ciertas libertades en cuanto la elección de canciones. Sobre todo, en su segundo álbum predominó el R&B y el Motown, reflejo de los gustos de Lennon y la idea que él tenía para la banda.

En la primera época, obviamente, yo dominaba el grupo. — John Lennon

Es evidente la influencia de Smokey Robinson (a quien alguna vez declaro Lennon como "la voz más perfecta que hay") no sólo en el cover del hit de los Miracles, «You've Really Got A Hold on Me», sino también en los temas propios de Lennon, como «Not A Second Time».

[Sobre «All I've Got to Do»] Es otro de mis intentos por imitar a Smokey Robinson. — John Lennon, 1980

Acompañando esta faceta más madura del grupo, With The Beatles señala el comienzo de la experimentación de George Martin con las técnicas de sonido y grabación:

(...) muchas canciones del disco tienen primeras voces grabadas en dos pistas; en varias, Martin toca el piano o el órgano y, en unos pocos casos, hay pedacitos de algunos instrumentos editados e insertados por medio de cintas en las tomas definitivas. De todos modos, en términos generales el disco es un fiel reflejo del sonido en vivo de los Beatles. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La portada

La icónica imágen de la portada fue obra del fotógrafo británico Robert Freeman. Los Beatles habían quedado impresionados las fotografías que Freeman había tomado del músico estadounidense John Coltrane.

George Harrison expresó que With The Beatles fue el principio de la participación activa en el arte del grupo.

El grupo le pidió a Freeman que se inspirara en las fotografías que su amiga Astrid Kirchherr les había tomado en Hamburgo entre 1960 y 1962.

Para lograr este resultado, el 22 de agosto de 1963 los fotografió en un pasillo de un hotel. Para adaptarse al formato cuadrado de la portada se puso a Ringo Star en la esquina inferior derecha, diciendo que era el último en unirse al grupo y también porque era el más bajo de estatura.

McCartney describió el resultado como «malhumorado» y agregó:

Nos dispuso en el pasillo de un hotel, muy poco parecido a un estudio. El pasillo estaba bastante oscuro y había una ventana al final. Usando la fuente natural de luz de esta ventana que venía desde la derecha, tomó cada una de esas fotos malhumoradas. La mayoría de la gente cree que tuvo que trabajar en ellas un montón de tiempo. Pero fue sólo una hora. Se sentó, tomó un par de rollos, y eso fue todo. — Paul McCartney, 1963

El concepto original era que la imagen ocupara de borde a borde la totalidad de la portada, sin sangrado, título o crédito del artista, un concepto que iba en contra de la práctica de la industria musical de la época, por lo que fue rechazado. El primer álbum en llevar una portada de borde a borde fue el debut homónimo de los Rolling Stones, lanzado cinco meses después.

Canción por canción

1. It Won't Be Long

Esta canción, compuesta por John Lennon y atribuída al dúo Lennon/McCartney, es la perfecta apertura del álbum

La letra usa un juego de palabras entre «be long» («mucho tiempo») y «belong» («pertenecer»), similar a lo que previamente Lennon había hecho con «Please Please Me». El final, en cuanto a su estructura musical, es muy similar con el de «She Loves You».

Tiene casi todos los rasgos característicos de los primeros años: voz principal grabada en dos pistas, un juego de palabras ingenioso ("It won't be long 'till I belong'), ásperos riffs de guitarra y una sentida armonía tríple. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Me encanta la interpretación de Ringo en la batería, creo que acompaña muy bien el frenetismo de las voces. La guitarra de Harrion tampoco se queda atrás, la cuál aparece repentinamente l final de cada estrofa para repitir un simpático motivo.

Me encantan las llamativas voces de los coros que, cuando Lennon empieza a cantar «Since you left me, i'm so alone», armonizan cantando versos similares —no pude distinguir que dicen del todo— pero de una manera casi espectral, como si te susurraran en el oído.

2. All I've Got to Do

Como cité con anterioridad, Lennon había expresado que All I've Got to Do fue uno de sus múltiples intentos por imitar a Smokey Robinson.

Compuesta por Lennon, las estrofas están construidas sobre los acentos débiles, una difícil figura recurrente que depende de un preciso engranaje de la guitarra rítmica y el hit-hat. Las espectrales armonías vocales que se escuchan en el estribillo influenciron a todo el mundo, desde Abba hasta los Zombies. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

De nuevo la batería de Ringo, oculta en un tercer plano, realiza un acompañamiento espectacular con algunas partes muy interesantes. Las voces de Harrison y McCartney cantando «Ah» armonizan deliciosamente con la voz de Lennon, quien brinda una interpretación maravillosa —como de costumbre—.

La letra es maravillosamente dulce. Es como un abrazo acogedor y compañero que llega en el momento justo, arrebatándote toda tu tristeza.

3. All My Loving

Paul compuso «All My Loving» durante un tour-bus. Cuando llegaron al destino, escribió la música con un piano en su camerino. Fue grabada el 30 de julio de 1963 y pronto se convirtió en una pieza fundamental de sus presentaciones en vivo.

Es la primera canción que escribo primero la letra. Cosa que nunca hago, y difícilmente repito desde esta canción. Siempre es como una especie de acompañamiento. — Paul McCartney

Lennon expreso su aprecio por esta canción en una entrevista para Playboy.

Lennon: Temo decir que por desgracia, Paul escribió "All my Loving" (risas) Revista Playboy: ¿Por qué? Lennon: Porque es un excelente trabajo... Pero yo añadí una formidable guitarra de fondo.

La letra sigue el modelo de "carta canción" también usado en «P.S. I Love You».

Si no se dejan distraer por las estrofas y los estribillos tremendamente pegadizos, descubrirán un punte huérfano e inusual compuesto no para una parte constratante de la letra sino para un solo de Harrison con toques country. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Es sin dudas el punto más alto de todo el álbum. La pegadiza composición de McCartney es, a mi opinión personal, de las mejores canciones del grupo.

Comienza de manera apresurada y nunca se detiene. Tiene hermosas armonías de voz y una increíble interpretación en la guitarra de Harrison, el cual también posee un puente que sirve como solo. Aunque en la canción se luce su compositor, McCartney, es uno de los mejores momentos de Harrison en la beatlemanía. La guitarra rítmica también lo hace espectacular, manteniendo la canción en un frenetismo constante.

4. Don't Bother Me

Durante el verano de 1963, mientras estaba enfermo en la cama, Harrison compuso su primera contribución en un disco de los. Beatles. Aún sobrevive la grabación que Harrison hizo de si mismo aquel día en que empezó a componer en su habitación.

No fue una canción muy buena. La llegué a olvidar completamente una vez que estaba en el álbum. Por lo menos me dejó claro que todo lo que tenía que hacer era perseverar, y quizás algún día compondría algo bueno. — George Harrison

El primer bocado que tuvimos de Harrison como compositor es espectacular. Como en casi todas sus canciones, la guitarra es protagonista y se luce en un gran solo. El bajo de Paul lleva una melodía muy interesante que le brinda mucha personalidad a la canción.

El humor hosco y desolado de la letra —«So go away, leave me alone, don't bother me» («Así que lárgate, déjame solo, no me molestes»)— era algo inusual en los Beatles de aquella época, pero habría de ser característico en las composiciones posteriores de Harrison.

Los Beatles nunca la interpretaron en directo, como ninguna otra canción de George, salvo «If I Needed Someone».

Luis Alberto Spinetta hizo una emocionante y hermosa versión en vivo, que recomiendo ampliamente oirla.

5. Little Child

McCartney describió «Little Child» como una «canción de relleno». Admitió que robó la línea «I'm so sad and lonely» («Estoy tan triste y solo») de la canción «Whistly My Love» del baladista y actor británico Elton Hayes.

En una oportunidad, McCartney distinguió entre canciones que eran el producto de la inspiración espontánea y otras que, como esta pequeña y amanerada, tenían una génesis más "trabajosa". Esta alegre canción para bailar es liviana sin llegar al cliché, con una secuencia interesante de acordes y ráfagas demoledoras de armónica de Lennon. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La breve intro es una de las mejores cosas de la canción. Como podemos notar al oir el álbum completo, los Beatles utilizaron todo el potencial de la armónica de Lennon. En esta ocasión dicho instrumento está presente durante toda la canción, teniendo un gran solo a la mitad de esta.

6. Till There Was You

«Till There Was You» es una canción escrita por Meredith Willson para su musical de 1957 The Music Man.

Tuvo un éxito menor en el Reino Unido cuando fue interpretada por Peggy Lee en marzo de 1961. Paul McCartney conoció primero la versión de Peggy Lee y, para cuando versionaron la canción, él desconocía sus origenes en Broadway.

En algunas entrevistas, Lennon y McCartney expresaron el deseo de componer un musical en algún momento, y varias de sus canciones demuestran que ambos compositores entendían el género. Usada en vivo como un breve descanso entre tanto frenesí que dominaba las presentaciones, este cover calmo y sentido del musical de Broadway The Music Man, de 1957, es uno de los momentos más adorables del primer Paul McCartney. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Fue grabada para la audición con Decca Records, en la que fueron rechazados. Con George Martin a la cabeza y la banda con más confianza decidieron grabarla nuevamente. Cambiaron la guitarra eléctrica por una acústica, lo que hizo que la atmósfera cambiara por completo.

Esta pista pelea cabeza a cabeza con «All My Loving» por el título de mejor canción del álbum.

«Till There Was You» se destaca por ser única en su tipo si pensamos en la etapa de la carrera de los Beatles en donde nos encontramos. Su elección para ser reversionada y la interpretación del grupo como una melodía dulce y suave es llamativo. Es sin duda un momento refrescante del álbum, en donde se abandonan los enérgicos rock & roll para abrir paso a la más dulce ternura.

Considero que McCartney superaría a esta composición con "And I Love Her", muy similar a mi parecer, pero inmensamente superior.

7. Please Mr. Postman

«Please Mr. Postman» es el primer sencillo de The Marvelettes para el sello Tamla, siendo significativo que haya sido la primera canción de Motown en alcanzar la posición n.º 1 en el Billboard Hot 100.

Desde su primer álbum, era evidente la gran admiración de los Beatles hacía la música de bandas femeninas. Please Mr. Postman formaba parte de su repertorio en vivo desde 1961. El grupo grabó tres tomas en un estilo muy similar al de su actuación en la BBC, pero al no encontrar los resultados esperados, alteraron el arreglo para sonar mucho más parecido a la versión original.

Muchas bandas británicas que soñaban con el éxito copiaban el pop americano. Ninguna de ellas se internó en tantos estilos diferentes como los Beatles, que para 1963 habían demostrado ser conocedores del blues, del primer rock de Elvis Presley, de Motown, del doowop y de los girl groups, con sus tirantes armonías. En esta delirantemente acelerada versión de "Please Mr. Postman" de The Marvelettes, Lennon canta la melodía como si él mismo hubiera estado torturándose a la espera del correo. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Una vez que escuchás la interpretación de los Beatles de esta canción de The Marvelettes, ya no querés oir ninguna otra. Me sigue impresionando la habilidad que el grupo tenía para adeñuarse de canciones ajenas reversionandolas. Debo insistir en que la interpretación vocal de Lennon es impresionante, y coincido con lo expuesto por Plotkin al decir que vuelve real cada palabra cantada. La percusión, las palmas, las guitarras y los constante «Oh Mr Postman» de Paul y Harrison —que solo se detienen para agregar mucho más dramatismo— crean una atmosfera espectacular.

8. Roll Over Beethoven

«Roll Over Beethoven» es un conocido éxito de 1956 del cantante y guitarrista Chuck Berry. La letra de la canción trata del deseo de que el rock and roll y el rhythm and blues sustituyan a la música clásica.

La canción está en el lugar n.º 97 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.

Según la revista Rolling Stone y el crítico musical Michael «Cub» Koda de Allmusic, Berry escribió la canción en respuesta a su hermana Lucy que siempre utilizaba el piano de la casa para tocar música clásica cuando Berry quería tocar música popular.

Era una de las canciones favoritas de John Lennon, Paul McCartney y George Harrison desde sus inicios como agrupación, y la siguieron tocando en vivo hasta las giras por Estados Unidos de 1964

De los Beatles, Lennon era el más fiel discípulo de Chuck Berry, y el que por lo general cantaba los cover del pionero del rock and roll. Pro en esta atolondrada proclama de Berry de la primacía del rock y el rhytm-and-blues, George Harrison se hizo cargo de la voz. En este boogie con shuffle, "el Beatle callado" demuestra rápidamente su talento como cantante de rock. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Harrison no solo se hace cargo de la voz, sino que junto a Lennon hace notar su virtuosidad con la guitarra, haciéndole honor a la versión original de Chuck Berry. Las palmas no sólo le agregan dinamismo en la percusión, sino que crean la sensación de que se trata de una grabación en vivo y te sumergen en el escenario de un acalorado baile en los 60s.

9. Hold Me Tight

«Hold Me Tight» fue compuesta principalmente por Paul McCartney en 1961, y fue parte de las actuaciones en vivo de The Beatles hasta 1963. La grabaron por primera vez durante las sesiones de Please Please Me, pero no fue incluida.

No me puedo acordar mucho sobre esta canción. Algunas eran tan sólo canciones de 'trabajo', y no sueles guardar después muchos recuerdos sobre ellas. Esta es una de aquellas canciones — Paul McCartney, 1980

Esta fue una de Paul... era una canción bastante pobre sobre la que nunca tuve mucho interés — John Lennon, 1980

A pesar del poco entusiasmo de sus autores por ella, es una canción con muchos aciertos como el estribillo pegadizo y el interesante cambio de clima cuando Paul canta «Don't know, what it means to hold you tight».

(...) "Hold Me Tight" tiene una armonía de voz que recuerda a The Shirelles, y como muchas de las primeras composiciones de los Beatles, una letra dirigida a una persona en particular. Cuando le preguntaron en una entrevista promocional en 1964 sobre el uso de la banda de las palabras "yo", "vos" y "mi", McCartney respondió: "Nos gusta cantar canciones con un toque personal". — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

10. You Really Got A Hold on Me

«You've Really Got a Hold on Me» es una canción lanzada en 1962 en un exitoso sencillo de The Miracles, del álbum The Fabulous Miracles. Es de las canciones más famosas del grupo, teniendo millones de ventas e incluida en 1998 en la lista de las galardonadas con el Premio del Salón de la Fama de los Grammy.

Escrita por Smokey Robinson, la canción explora los sentimientos de un hombre tan enamorado de una mujer que no puede dejarla a pesar de que le trate mal.

Este cover del hit de Smokey Robinson And The Miracles muestra cuán profundo era el amor de los Beatles por Motown. Lennon canta como si volviera a renovar la fascinación con cada una de las emotivas estrofas de Robinson. En todo momento, le sigue las pisadas Harrison, que transformó la sección de saxos de la introducción original en una parte de guitarra tintineante: su estilo nítido y eficiente le da a la versión de los Beatles su discreta potencia. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Nos encontramos con otra gran reversión de los Beatles, demostrando que conocían la canciones que reversionaban a profundidad. La voz quejosa de John lo es todo, pero también destaco el agregado del piano.

11. I Wanna Be Your Man

En septiembre de 1963, los Rolling Stones estaban buscando material nuevo para grabar, y John y Paul les ofrecieron la canción. A los Rolling Stones les gustó, pero Decca Records les urgía a que sacaran un nuevo sencillo y la canción no estaba acabada. Los dos Beatles se metieron en una habitación aparte en los estudios De Lane Lea y volvieron en poco tiempo con el primer gran éxito para los Rolling Stones.

Al mismo tiempo, los Beatles siempre la pensaron como parte de su próximo disco. Al ser una canción de "relleno" decidieron dársela a Ringo, quién le dió una fuerza y personalidad que nadie más podría haberlo hecho. La canción se volvió habitual en sus atuaciones en vivo debido al ser el —necesario— número vocal de Ringo, lo que ya se había vuelvo habitual por su gran cantidad de fanáticas. Rápidamente se volvió una de las favoritas del público.

Era una canción desechable, simplemente es un sobrante. No ibamos a darles algo genial, ¿Verdad?. — John Lennon

A pesar de no ser una de las mejores pistas tiene una energía increíble que la vuelve muy atractiva. Ringo demuestra que sabe como cantar canciones, a la vez que sus compañeros acompañan con gritos y aullidos de rockeros.

Hasta que se hizo evidente que Starr tenía sus propias fans que lo adoraban, dejarlo cantar no figuraba mucho en los planes de los cerebros compositores de los Beatles. De hecho, cuando Lennon recordó que le había dado la canción a los Rolling Stones, dijo: "Las únicas dos versiones de la canción eran la de Ringo y la de los Rolling Stones. Eso muestra cuanta importancia tenía para nosotros". Pero la canción, un potente riff de blues con un alegre estribillo pop, es una versión original y avanzada del rock de los 50. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

12. Devil in Her Heart

«Devil in His Heart» fue escrita por el músico Richard P. Drapkin y grabada originalmente por The Donays, grupo no muy reconocido hasta que los Beatles versionaron su canción.

With The Beatles es el primer disco en que el productor George Martin, siempre riguroso en el ámbito vocal, opta fuertemente por las primeras voces grabadas en dos pistas. No es fácil de hacer: el cantante tiene que grabar una idéntica a la primera. Todos los Beatles lo sabían hacer bien, pero en este cover de una canción poco conocida de los Donys, Harrison está increíble. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Que decir de esta canción. Es una de mis pistas preferidas del álbum y uno de los mejores momentos de Harrison. La interacción entre el coro y la voz principal es muy divertida.

13. Not A Second Time

Fue la última canción del álbum acreditada como Lennon-McCartney, aunque fue escrita principalmente por Lennon.

Cuando un periodista serio en el Reino Unido hizo un artículo analizando la profundidad de algunas canciones del dúo, comparo la canción con «Das Lied von der Erde», de Gustav Mahler, expresando que la «cadencia eólica» de la voz de Lennon al llegar la canción a su fin, poseía la misma progresión de acorde aparecía al final de la canción de Mahler. Lennon, años más tarde, comentaría: «Al día de hoy, no tengo ni idea de lo que son las "cadencias eólicas". Suena a pájaros exóticos».

La empalagosa sección de piano en medio de esta oda lúgubre muestra el talento de los Beatles para absorber y reutilizar sonidos e ideas fuera del ámbito natural de sus contemporáneos obsesionados por ser modernos. El interludio, interpretado por George Martin, proviene orgullosamente del cancionero de la música easy-listening, bien con la declaración de Lennon de que no volverá a caer en las redes de una amante mentirosa. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Me fascina el inicio de la canción, ya que la voz de Lennon aparece de repente —de prepo como dicen en mi país— y te cautiva automáticamente. Ringo hace un excelente trabajo en la batería —sí, como vengo repitiendo en casi todas las canciones—. Una de las mejores pistas del disco en mi opinión.

14. Money (That's What I Want)

«Money (That's What I Want)» es un perfecto final para el álbum que rescata los tiempos en Hamburgo de la banda.

Al hacer varios sets en vivo noche tras noche, los Beatles desarrollarn un talento especial para personalizar y reciclar los hits de otros artistas. Harrison recuerda que se topó con la versión original de Barrett Strong mientras revolvía las bateas de la disquería NEMS, propiedad del manager Brian Epstein. La banda le dio un toque Marseybeat para incluirla en sus actuaciones en vivo. La canción es el tercer cover de Motown del disco, y tiene un ritmo encadenado, que le ofrece a Lennon la base perfecta para su primera voz, deliciosamente suelta, así com para la armonía en registro alto de McCartney, casi en éxtasis. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Definitivamente repetir la formula de finalizar con un rock potente como «Twist and Shout» fue una gran idea. El disco finaliza en lo más alto dejándote acelerado y anhelando más. La voz ronca de Lennon acompaña a la perfección a la fría y materialista letra, como si realmente no le importara nada más.

Lanzamiento

With The Beatles llegó a tener medio millon de pedidos anticipados y vendió otro medio millón en septiembre de 1965. De esta manera, logró convertirse en el segundo álbum que vendía un millón de copias en el Reino Unido, solamente superado por la banda sonora original de la película South Pacific (1958). Se mantuvo en la cima de la lista durante veintiún semanas, y desplazó a Please Please Me, de manera que los Beatles ocuparon el primer puesto durante cincuenta y un semanas consecutivas entre los dos álbumes.

Si llegaste hasta aquí, ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

Si este escrito escrito ha sido de tu agrado te dejo por aquí mi siguiente publicación: Las canciones sin álbum: entre «With The Beatles» y «A Hard Day's Night». También, te invito a seguirme para no perderte los siguientes.

Bibliografía

Como podrán haber notado, cite en varias ocasiones a Pablo Plotkin en la revista Rolling Stone, y es debido a que la edición de colección de 2013: "The Beatles. La guía definitiva, disco por disco" fue el libro que me acompañó cuando estaba descubriendo a la banda. Es por eso que quise dejarles algunas citas que me parecieron interesantes porque fue, en cierta medida, culpa de esta revista que hoy mi habitación está llena de posters de los Beatles.

También recurrí a varios videos de La Hemeroteca para ayudarme a escribir y ordenar los sucesos. Recomiendo ampliamente su canal si eres un apasionado por la música en general.

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joseandrestabarnia · 2 months

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San Sebastián Pio Fedi (Viterbo 1816-Florencia 1892)

Descripción: Fecha: 1842-44 Museo: Palazzo Pitti Recopilación: Galería de Arte Moderno Colocación: Salón de las Estatuas Técnica: Yeso Inventario: Catálogo General no. 737

Las guías del siglo XIX recuerdan esta escultura en su ubicación original, la Sala delle Estatua de la Academia de Bellas Artes de Florencia, en una de las salas reservadas a la exposición de las obras de los jóvenes estudiantes. Se encontró allí junto con los demás ensayos perdidos en el concurso que se remontaban a los cuatro años de estudios realizados por el joven Fedi en Roma a partir de 1839, en estrecho contacto con la Academia de San Luca, donde enseñaba Pietro Tenerani. Última prueba del pensionado, también conocido como Il centurione, este yeso se terminó en 1844 con motivo de la habitual cita de otoño de la exposición florentina, y los críticos entusiastas subrayaron los progresos realizados por Pio Fedi durante su estancia de estudios en Roma. Además del aspecto ejecutivo, se elogió sobre todo la elección de representar un sujeto cristiano en línea con las ideas del catolicismo progresista y de la estética purista, difundidas en la Toscana en esos años a través de los escritos de Niccolò Tommaseo y Pietro Estense Selvatico. La crítica moderna ha destacado en primer lugar las cualidades formales de la escultura, revelando una actitud experimental y libre en la ilustración del desnudo, que se remonta a una tendencia específica de la quinta década del siglo XIX, común también a otras obras, como los dibujos de desnudos de Niccolò Lapi, la Cabeza del Bautista de Vincenzo Consani, pero sobre todo el Abel moribundo de Giovanni Duprè.

Información de la web de la Gallerie degli Uffizi, fotografías de mi autoría.

#art #escultura

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anevoir · 5 months

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lo que compartes son escritos tuyos o son citas de libros y demás?

Todo es de mi autoría. Si subiese algo que no es mío, pondría los respectivos tags sobre el artista.

#ask

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uncafeconletrass · 1 year

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Señor cafeconletras, con agrado puedo ver qué eres de la mismas basuras de Twitter que se reciclan el contenido unos con otros y que eres de los que toma créditos propios en publicaciones ajenas. Me fastidia el hecho de que pretendas tu vigencia en base al esfuerzo de otros.

El cariño de una persona "fría" es lo más sincero que existe.

esa frase de lejos es tuya muy de lejos así como todo el contenido que subes aquí y en Twitter. Eres basura y se lo digo sin pelos en la lengua y sin esconderme en un anónimo, soy muy frentera. Me hierve la sangre personas como tú.

La frase original viene de Verbub y es de Diego Amaguaña.

No voy a decirte que voy a tratar de cerrar tu blog o tus cuentas, pero si haré correr la voz.

Llevo creando contenido desde 2014 y muchas de las frases que he escrito durante estos años, se han ido reutilizando una y otra vez.

Me he cansado de reclamar autoría y al final he llegado a la conclusión de que cualquiera puede usar mis frases en cualquier red social.

Muchas de las citas que ves aquí en tumblr, son contenido reciclado de frases que yo y muchas personas hemos escrito en el pasado.

Al final, si el autor original me pide autoría con gusto se la daría.

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monvria · 2 years

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Mensajería neogranadina.

«Colombia, ¿por qué me pusiste un impuesto a mi aguardiente? ¿Por qué, por qué? En cambio lo tuyo de allá de los Andes no tienen impuesto para entrar a mi territorio y me está matando mi industria destiladera. Verá, mamona, ahora me invento un destilado de caña que es aguardiente pero ya no llamado seco para pasarme por las bolas tus impuestos.»

«Colombia, o Bogotá, ya no sé quién manda allá. ¿Puedes dejar de estate peleando dizque los conservadores o los liberales? Acá estamos bien ambos bandos pero allá solo son matar, matar y matar. Salvajes.»

«Colombia, ¿por qué hay tanto gringo en mis tierras? ¿Qué dejaste que hicieran un ferrocarril de costa a costa? Vale. . . ¿PERO CÓMO ASÍ QUE EXCENTOS DE IMPUESTOS Y LIBRE TRÁNSITO BAJO LA GARANTÍA DE QUE NO NOS SEPAREMOS? ¡CARAJO!»

«Colombia, yo que puede chifiar todas esas guerras civiles, yo que tenía ambos bandos contentos acá. Ahora venís y me alborotas a los liberales y los conservadores, siendo yo departamento full liberal y los conservadores una minoría y ahora ellos, los conservas, les andan dando palo parejo a los rojos. Ay Colombia de mi vida»

«Colombia, después de todo esto, de que el Canal francés fracasa y la Guerra de los Mil Días me matara a una buena porción de mi gente y sobre todo niños, digo yo, DIGO YO, que firmar el tratado para que los gringos hagan el canal está bien; mi economía está en la ruina y mi élite está hasta los huevos de Bogotá. Solo digo, eh.»

«Colombia, me alaga saber que me consideras y me darás la capital si vuelvo a usted. Lástima que lo nuestro es pasado derramado. No llore por mí.»

«Colombia, enhorabuena por su película "Garras de Oro", interesante como usted pudo poner en una cinta partes a color. Sin embargo, digo yo que usted sigue despechada, llevamos más de dos décadas separados. Hasta indemnización le han dado. Pare, por favor.»

«Colombia, me han chivateado que usted aún entrado en los años 40 seguía poseyendo un mínimo de esperanza de que volviéramos. Me alegra saber que ya desechó toda esperanza. Bienaventurados sean nuestros caminos separados, estará presente en mis oraciones. Que tenga buen día.»

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Nota:

1. El aguardiente producido en Panamá tiene por nombre «seco» —que, pese a lo que pueda pensar paisanos míos, no es un nombre autoría de la empresa Varela Hermanos— el cual fue así debido a un impuesto especial al destilado de caña producido en el Istmo por parte de Bogotá.

2. Hace alusión a las múltiples guerras civiles durante la República de la Nueva Granada y los posteriores Estados herederas de ésta. Con excepción de la última guerra civil, lo que es hoy actualmente Panamá pudo evitar dichas confrontaciones en su territorio jurídico.

3. Entre 1840-1841 existió el Estado del Istmo, una república independiente que comprendía el territorio histórico —con ciertos cambios a cambio de reconocimiento internacional— del Istmo de Panamá. Ésta fue disuelta el 31 de diciembre. En 1846 de firma el Tratado Mallarino-Bidlack entre los Estados Unidos y la República de la Nueva Granada. Una de sus cláusulas era mantener la neutralidad y soberanía neogranadina en el Istmo de Panamá, para que no suscitara un nuevo levantamiento separatista; como añadido en parte también se les dejaba exentos del pago de impuestos a los estadounidense, entre otras cosas. Fue la antesala también para lo que es la construcción del Ferrocarril de Panamá en 1850 con su respectiva inauguración en 1855.

4. Como se había comentado anteriormente, las guerras civiles que hubo a lo largo del siglo XIX no afectó al Istmo, mas sí la última, la Guerra de los Mil Días. Para ese tiempo los liberales eran mayoría en Panamá, pero perdieron contra los conservadores.

5. Con el fracaso del Canal Francés —aunque se cita que los problemas de salud a manos de la fiebre amarilla fue la responsable modular del fracaso, la verdad fueron los muchos actos de corrupción durante su construcción lo que sentenció el fracaso del proyecto— y la Guerra de los Mil Días —que afectó de sobremanera el Istmo— la élite istmeña había depositado todo en la construcción del Canal interoceánico a manos de los estadounidenses, cuestión que se realizaría si se aceptaba el Tratado Herrán-Hay. El senado colombiano rechazó dicho tratado, alegando flagelantes violaciones a la soberanía nacional —lo cual es cierto—. Eso no evitó que no cayera bien entra la élite del Istmo.

6. Una vez alcanzado la separación, Colombia para evitar su culminación mandó una delegación con una serie de propuestas beneficiosas para Panamá bajo la promesa que siguieran perteneciendo a la República de Colombia. Una de esas propuestas fue trasladar la capital a Panamá.

7. «Garras de Oro» fue una de las primeras películas colombianas con el añadido de ser de las primeras en poner partes a color en la cinta. La historia abarca el tema de la separación de Panamá. Sobre la indemnización. En 1914 gracias al Tratado Thomson-Urrutia se le fue indemnizado a Colombia una suma de dinero por parte de E.E.U.U. por su participación durante la separación de 1903.

8. Se suele contar que aún entrado en los años 40 del siglo XX aún en Colombia seguían poseyendo algún atisbo de retomar Panamá. Ahora, he de admitir que no hallo el documentó donde leí eso hace años atrás. Por tanto, lo dejamos más como un recurso satírico que un hecho en verdad consolidado.

#latin hetalia #lh: panama #lh: colombia

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milagroselenarodriguez · 2 months

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#Diosmediante2024deabundancia

#losfrutosdelamordeDios

#conDioslotengotodo

#lagloriaesdeDios

#primeroDios

#siempreDios

Año 2024, 19 de julio, gran abundancia del cielo. Hoy mi pluma sigue en Brasil, en Itapetiniga, Edições Hipótese, de la mano de su Editor el Dr. Ivan Fortunato con quien he organizado el libro titulado: Ser Freiriano: Paulo Freire en la conformación del ser humano a la luz epistemológica de la praxis.

Agradezco profundamente a el Dr. Ivan Fortunato, gran amigo, ser sensible que cree en mí, en mi pluma y oficios; y ha seguido toda la edición del libro de la mano del aporte de diez (10) investigadores maravillosos a quienes agradecemos especialmente. Mi publicación número veinticinco y veintiséis de 2024 con mucha humildad lo comento, a los pies de Jesucristo siempre, he allí la significancia de humildad.

Dios es bueno y para siempre es su misericordia, Gloria a Él. El libro tiene autores de Brasil, Venezuela y EEUU con la Universidad de Harvard; acompañados por un discernir sabio y unitivo del legado de Paulo Freire.

Ivan Fortunato y mi persona presentamos el libro y hemos hecho nuestros aportes. En el caso de Ivan con una bella indagación titulada: A diferença entre citar Paulo Freire e Ser Freiriano, que subvierte el uso de las citas de Freire como moda y fuera de el ejercicio de una práctica liberadora. En mi autoría se trata del artículo titulado: La formación docente desde el amor del Ser Freiriano.

Invito a compartir el libro desde la página de Edições Hipótese:

https://hipotesebooks.wixsite.com/cazulo/catalogo

O directamente en la página:

https://drive.google.com/file/d/1jsspND4eiTEyQvbK6w0OkCTBNlgGJ4yT/view

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fjdrevorio · 9 months

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"El Miradero", 15/12/2023

Dios miente

Este título indudablemente provocador es el del libro que quiero recomendar a mis lectores en esta ocasión. Su autor, Luis García Chico, es una persona a quien conozco bien y por quien profeso un sincero aprecio y afecto, porque fue hace años mi alumno, y ahora doctorando bajo mi dirección en nuestra Universidad, y sus aportaciones son siempre interesantes. No sabría si decir que es un jurista metido a filósofo (y teólogo), o un filósofo-teólogo que se dedica profesionalmente al derecho, pero en todo caso es un experto en teoría de la mentira (lo que no quiere decir experto en mentiras, de esos tenemos más en nuestra clase política). Precisamente “Teoría de la mentira” es el título de un trabajo más extenso y profundo de su autoría, pero hoy quiero detenerme en dar unas “pinceladas” sobre esta otra obra más breve y reciente.

No puedo -ni tiene sentido que lo intentase- desgranar los argumentos de este libro, pero su tesis central es que Dios “puede mentir” y engañar, como sugiere el subtítulo. Para demostrarla se apoya en muy numerosas citas bíblicas -demostrando un amplísimo conocimiento de los libros sagrados- que se refieren a situaciones en las que Dios miente o engaña, o aprueba la mentira o el engaño con ciertas finalidades ¨nobles”. Dios permite esa mentira, y del mismo modo que algún autor trató de demostrar que Dios no puede ser solo bueno, García Chico entiende que tiene esa capacidad para mentir, y en términos de conjeturas señala que acaso efectivamente miente. Nos dice: “Dios no se equivoca, y si engañase acertaría”, o en resumen, “Dios metafísicamente es la Verdad, pero epistemológicamente es mentira”. Esto último fundamentalmente porque quienes le tratamos de conocerle somos por esencia limitados y nunca llegamos a entender la verdad. En realidad, en mi opinión, hay un cierto trasfondo escolástico en este debate, pues al igual que no sabemos si lo bueno es bueno porque Dios lo manda, o Dios lo manda porque es bueno, tampoco podemos saber si la Verdad es tal porque Dios lo decide, o Dios lo decide porque existe esa verdad. Yo tiendo a creer que es esto último. Pero lo que veo con más claridad, aunque no sé en qué medida estará el autor de acuerdo con esto, es que si podemos hablar de la mentira es porque existe la verdad, de modo que no tiene sentido afirmar “todo es mentira”, ya que es imposible definir la mentira sin aludir a la verdad. Por lo demás, si Dios miente -o incluso si solamente puede mentir- es porque existe, así que de algún modo la constancia de la mentira llegaría a ser una prueba lógica de que hay verdad, y el papel de Dios en esta dialéctica verdad-mentira nos habla de la existencia del mismo Dios, aunque la prueba de esto sea ya otra historia…

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desnervadero · 1 year

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LAS ATRAVESADAS

Rubén Mendoza para El Espectador, 2 de agosto de 2017.

Naufraga la publicación del libro de cartas completas de Andrés Caicedo.

Más abajo transcrita para quienes no tienen suscripción.

LAS ATRAVESADAS

Naufraga la publicación del libro de cartas completas de Andrés Caicedo.

Recientemente la revista Arcadia publicó un artículo que en cualquier país del mundo, medianamente ilustrado, con su memoria medianamente adiestrada, que haya sobreaguado, al menos un poquito, del mar de la ignorancia, sería el tema del que todos hablarían. Solo si no fuéramos el país más feliz del mundo, o el segundo: si al menos fuéramos el quinto más feliz. Le ganaría en titulares y debates a Venezuelas y Maduros, y seguramente sería lo que nuestros periodistas, por más fachos que sean, se estarían preguntando entretanto.

Las cartas de Andrés Caicedo, que como dijo él mismo en una de esas misivas al crítico español Miguel Marías (citado por el escritor Chileno, autor de la “autobiografía" de Caicedo, en su libro Mi cuerpo es una celda, citado a su vez por Rosarito (como Andrés proféticamente llamaba a su hermana, que ha sido una piedra angular en la difusión Total de su obra, sin ningún tipo de vergüenza o censura porque cuando se ama de verdad se ama a un ser Total, sin vergüenza ni censura), cita citada a su vez por Mario Jursich, que era el recopilador del monumental libro que ya estaba en el horno con las cartas del autor, citado a su vez por el autor de Arcadia en su columna, nombrando a estos cuatro nombrados, y como en esta especie de muñeca matrioshka de citas, citados y nombrados por mí en esta intervención, lo que demuestra la cadena de interés que genera Andrés Caicedo y su obra Total en los que lo leemos (incluida sin duda alguna su correspondencia) o amamos el arte y la literatura de esta finca), repito para no perdernos en el paréntesis de la tristeza, como le dijo Caicedo a Marías: “estimulado por tu ejemplo, es que renuevo el género epistolar, en donde se puede encontrar, después de mi muerte, algo de lo mejor que he escrito.”

Si esa frase no es el testamento, por no decir la orden de un escritor, que quiere que su obra sea editada y difundida, indicando que las cartas son parte de esa obra, ¿qué lo es? Tal vez entonces que el padre de Andrés, como se cuenta en el artículo de Arcadia de Christopher Tibble, en los textos de Fuguet, en los textos de Jursich, en la entrevista de Rosario a Arcadia, y trato de resumir acá, dijera que él no conoció a su hijo en vida, y que desde su suicidio, en mitad de los setentas, se iba a dedicar a conocerlo. Pero no como un investigador buscando pistas de su razón brutal para arrancarse la vida, ni para buscar culpables: sino para ver lo que no había visto, lo que se había negado a ver: para conocer a su Andrés, a Andrés Caicedo.

El papá de Andrés, don Carlos, sabía del talento descomunal de su hijo para escribir, de su sensibilidad maravillosa y apuñalante, aún contra sí mismo, sabía de la calidad de Andrés al punto de dudar de la autoría de ciertos textos prematuros (por buenos). Pero luego, “arrepentido”, si se puede decir de este gesto, de la duda, abrió con humildad los baúles donde él mismo había enjaulado las cartas y prácticamente la totalidad de su vasta obra (para un suicida de 25 años dejó kilómetros de tinta en novelas, cuentos, guiones, obras de teatro, crítica cinematográfica y cartas), y se dedicó a devolverle el vuelo a sus palomas y sus buitres. Siempre de la mano de los tantas veces vapuleados por cuidar la obra de Andrés, y primeros seres y artistas conscientes de su calidad como escritor y cronista de cine, Luis Ospina y Sandro Romero, el padre empezó a curar el dolor de una muerte por suicidio de un hijo, y la más dura muerte de haberse ido siendo un desconocido para él, publicando algunas de sus cartas en periódicos nacionales y locales, cediendo material a alguna de las más importantes bibliotecas del país, y organizando, junto a los nombrados, los primeros volúmenes de cartas, de crítica, de cuentos.

La relación de Andrés Caicedo con el género epistolar es bien conocida, reconocida, por sus cercanos. No era una cosa automática: cada carta tenía varios borradores, versiones (como hacen los novelistas, los guionistas), hasta encontrar la carta que le quería quitar al destino para pasársela a alguien. Nunca el padre se atrevió a quitar una coma, a cuestionar los vínculos de su hijo con los destinatarios de las cartas, a cuestionar sus inclinaciones sexuales, sus amigos, su ambigüedad, su alma atormentada. Al contrario. Una manera de curar su relación, de hacer una especie de medicina preventiva para tantos otros presos en su cuerpo, presos en sus familias, con sus deseos presos en su carne, dejó que las cartas volaran completas, con todas sus plumas y toda su sangre. Sin vergüenza de las plumas, ni de la sangre, ni de que la pluma hubiera manchado con sangre su apellido, distinguido; ese que tanto defienden de cualquier mota de mugre otros cercanos a Andrés, Caicedo: Caicedo Caicedo, de los Caicedo.

El papá murió pues, hace ya unos años, haciendo todo lo que pudo por la obra del hijo, amistado y conmovido por el pacto del arte, de las letras, pasando de desconocido a defensor y divulgador; y cómo lo agradecemos hoy. Y estábamos especialmente agradecidos, porque una de las grandes editoriales de nuestra lengua, el Fondo de Cultura Económica de México (que se ha preocupado más por nuestros poetas que nosotros), junto a Mario Jursich, tenían lista la edición de sus cartas completas. Seleccionadas y prologadas con la ayuda de Luis Ospina y Sandro Romero. El libro ya venía. Un autor que ya le pertenece a un pueblo, o a la Vida misma, y a varias generaciones (eso es técnicamente a varios pueblos y a varias vidas), que murió o sufrió entre otras cosas, seguramente, por la censura de lo que él era, por no poder Ser; que fue aceptado con dulzura paternal así fuera después de la muerte, en su totalidad; que fue reconocido, gracias al amor y al cuidado de sus amigos por su obra, y después del de los herederos, entre los que estaba su padre, como un autor inmenso desde la primera letra, pero que tuvo que esperar mucho más que los años que vivió para que fuera aceptado en toda su dimensión, ahora se ve atropellado por la zancadilla inmensa de la gente que sigue avergonzada de Andrés, con Andrés. Con parte de Andrés, con una parte fundamental de Andrés, sin la que hubieran funcionado completamente de otra manera él y su obra. No hay tumbas para revolcarse porque después de la muerte no hay más que quietud y muerte, creo, pero si alguien se estuviera revolcando, no serían los padres de Andrés, como hace poco se sugirió por la defensa valiente y bella y amorosa de su hermana Rosario para que se publicaran sus cartas completas y saber más de Andrés: sería el propio Andrés… aún quieren unos pocos esconder no solo unas caricias y unos besos “prohibidos”, sino 198 cartas; como si pensaran que esas cartas empuercan el pedigrí de una familia, antes que reconocer que fueron sin duda impulso de su literatura, parte de su literatura, de su fuerza, de su vida y se le han atravesado al libro como una mula muerta en la carretera.

En una especie de pequeña inquisición se quiere quemar una parte de Andrés. Se quiere matar una parte de ese hombre que ha sobrevivido contundentemente a su suicidio, de ese escritor que ya no es solo el hermano de unas sino de muchas, y el refugio de otras y de muchos. Pues ese libro naufragó en el fervor del pudor de los otros herederos, diferentes a Rosarito y a los amigos y estudiosos de Andrés, y ya no va a existir. Con el argumento de que las cartas pertenecen a sus destinatarios, ignorando de nuevo que el propio escritor las reconocía como parte de su obra, y sospechaba que serían públicas, por lo que las esculpía varias veces, hasta que no quedara un solo tartamudeo del que en cambio padecía para expresarse con la palabra hablada. Como el autor que no se pudo conocer del todo también Es sus cartas, negar una parte de él y quitar unas cartas o todas, es una forma de mutilarlo, de torturarlo, de nuevo en la vergüenza. De obligarlo a esconder una parte, tal vez fundamental para entenderlo, para entender su idioma. Una parte tan grande, tal vez, que les sirva de escondite para el resto de Andrés, el gran Andrés, su Ser inmenso, inabarcable, y su obra vasta.

Ese libro tiene que existir por todos los medios. Por todos los extremos. No solo apoyándose en que muchas de esas cartas fueron donadas a la Biblioteca Luis Ángel Arango (lo que las hace de dominio público) y a otras entidades y publicadas por varios medios, sino apoyándose en que Andrés finalmente debe poder ser Andrés completo, en todos, como él quería. Ninguna decisión es irreversible, me decía otro hombre grande. No es tarde para amarlo también en esas cartas y para que nos regalen a Andrés, completo, los que pueden. Ojalá.

Leí de una cineasta Española que la ley cuando es injusta hay que desobedecerla y de un noble reciente que para ser honesto hay que estar por fuera de ley. Ojalá alguien, como sea, tome ese libro por su propia mano, y desobedezca, y lo abandone en algún basurero, pero unos diez mil ejemplares, como primer tiraje, y liberemos todas esa águilas, y chulos y pájaros, y palomas mensajeras que son sus cartas. Puede que tengan razón con que las cartas son de los destinatarios: pero se les olvida que dicho lo dicho por el propio Andrés los destinatarios somos todos nosotros.

Rubén Mendoza.

#RUBÉN MENDOZA #ANDRÉS CAICEDO #CINE COLOMBIANO #LITERATURA COLOMBIANA #GRUPO DE CALI #ROSARIO CAICEDO #LUIS OSPINA

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chico-estrellado · 7 months

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Algunos días me estoy curando y algunos días me rompo de nuevo, esa es la decepción que siento por fracasar después de tanto, por no haberlo sentido y por hacer las cosas mal en ese momento. Me estoy muriendo por dentro pero lo único que me quedan son los recuerdos de esos bellos momentos y no supe aprovecharlos.

-chicoestrellado

#notas #algo de mi autoría #citas #amor #escritos #chicoestrellado

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ernestoednrec · 1 month

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Poema Titulado: "Pisando"

Un poema escrito por mí y que encontrarán en Inkspired junto con muchos más disponibles para su adquisición

Te recomiendo "Ernesto Cruz T." en Inkspired. https://getinkspired.com/u/ https://getinkspired.com/u/ernsto-cruz-/ https://getinkspired.com/u/ernsto-cruz-/

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gvmvsadness · 8 months

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Recuerdo sus ojos, recuerdo su sonrisa,

No todo el tiempo pero si a menudo.

Y a decir verdad, incluso inundada de tristeza se miraba bonita.

#citas #letras #gvmvs4dness #gvmvsadness #frases #frases de mi autoría #letras de mi autoría #Germán Miranda #Recuerdos #Tristeza

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azul-maria-elias · 8 months

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«Please Please Me» (1963) The Beatles

Retrospectiva y análisis del álbum.

Historia y contexto

Si quieres conocer la historia temprana de los Beatles ya lo hice en una publicación anterior, en donde cuento desde la infancia de los cuatro de liverpool hasta la firma con el sello discográfico Parlophone. Te invito a leerla ya que en esta publicación me centraré únicamente en la grabación del álbum y en los sucesos recientes a su publicación.

También, me gustaría aclarar que estos trabajos buscan ser una recopilación de información más que un análisis completamente de mi autoría. Por ello, te encontrarás con una gran cantida de citas textuales y extractos de artículos relacionados, aunque por supuesto que se hayan acotaciones mías durante la lectura.

Diciendo todo esto, es necesario que recordemos solamente que los Beatles, representados por Brian Epstein, firmaron con Parlaphone luego de tener una audición con el productor George Martin en los estudios EMI.

1. El quinto Beatle: George Martin

Podríamos decir que George Martin era la antítesis de los Beatles. El productor había nacido en la capital inglesa, Londres (muy lejos de la natal Liverpool de los Beatles). Era un músico de formación clásica que de niño soñaba con ser el próximo Rachmnainoff. Era, a difrencia de los inquietos y enérgicos jóvenes, un hombre de carácter comedido, formal y un poco rigido.

Pese a las notables diferencias, a Martin le gustó el grupo y de inmediato vió el potencial en el. Él se volvería una pieza clave en los Beatles, ya que con sus conocimientos académicos y su metodología de trabajo lograría potenciar aún más a los talentosos jóvenes. Por eso, muchos críticos y fanáticos le asignamos el título del "quinto beatle", apodo que también se disputa Brian Epstein.

Me pareció que tenían un tremendo carisma. Sabía que eso era algo que los haría populares. — George Harrison

Tenía una gran formación musical y sabía muchísimo. Digo, nos enseñó mucho, y estoy seguro de que nosotros también le enseñamos a él con nuestras aptitudes musicales primitivas. — John Lennon

La primera gran decisión de George Martin que afectaría significativamente al grupo fue reemplazar al baterista Pete Best. A Martin no le gustaba y le pidió al resto de la banda que buscaran un reemplazo. Inclusive, en una de las grabaciones que realizó con el grupo, Martin trajo a su propio baterista, Andy White, quien se caracterizaba por ser un baterista de sesión.

Fue entonces cuando George Harrison recordó a aquel baterista de Rory and the Hurricanes con el que habían entablado una amistad en Hamburgo y lo recomendó para remplazar a Best. De esta manera, The Beatles quedó formado por Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr.

2. How Do You Do It? contra Love Me Do

La relación de la banda con George Martin no empezó de la mejor manera: cuando llevaron a cabo la primera prueba con Martin, éste les pidio que le dijeran si había algo que no les gustaba. "Bueno, sin ir más lejos, no me gusta tu corbata", le retrucó un impertinente George Harrison.

El productor le propuso al grupo la canción How Do You Do It? como primer sencillo. Se trataba de un cover, ya que Martin no confiaba en la capacidad compositora del grupo. Por su parte, la banda quería que Love Me Do fuese su sencillo debut. George Martin detestaba la canción y no creía en su potencial. John Lennon llegó a decirle que la canción que propuso Martin "era una mierda".

Para empeorar la situación, Ringo todavía no terminaba de encajar con el grupo, por lo que en la siguiente sesión fue reemplazado por Andy White. Al final la persistencia del grupo por convertir a Love Me Do en su primer sencillo dió sus frutos y lo lanzaron el 5 de octubre de 1962 con P.S. I Love You en la cara B. La canción alcanzó el número 17, su mejor puesto, en una de las cuatro principales listas británicas.

Ante el rechazo de los Beatles, How Do You Do It? fue cedida a Gerry and the Pacemakers, otra de las bandas representadas por Brian Epstein. Tal como lo predecia Georges Martin la canción fue número uno en las listas de sencillos del Reino Unido el 11 de abril de 1963, donde se mantuvo por tres semanas.

3. El mejor debut discográfico de la historia

Grabaron Ask Me Why y Please Please Me como sencillos y en 1963 actuaron en Thank Your Lucky Stars, un programa de TV que difundía bandas de pop en todo el país. Esa actuación les bastó a los Beatles para convertirse en la banda del momento de la música británica.

Ante la necesidad de capitalizar la creciente fama del grupo, fueron citados por George Martin el 11 de febrero de 1963 para grabar su primer disco.

En aquella época, los álbumes de larga duración solían tener catorce canciones, así que los Beatles llegaron a los estudios EMI (que más tarde pasarían a llamarse Abbey Road) sabiendo que tenían que grabar diez canciones más. Era una tarea para la cual estaban particularmente preparados. En Hamburgo y en The Cavern Club los Beatles se habían hecho conocidos por la intensidad de sus actuaciones en vivo, así como por su aguante. Por eso no resultó sorprendente que su primer álbum haya sido grabado en una única sesión que duró 13 horas en total.

En 1963, el negocio musical radicaba solo en los singles y los álbumes solo funcionaban como cancioneros sin conexiones. Pero no fue hasta cuando Please Please Me apareció cuando de a poco los Beatles empezaron a solidificar el concepto de sus discos. A pesar de no tener aún el control creativo de sus álbumes, por lapsos muestran destellos de su brillantez. — La Hemeroteca

George Martin buscó plasmar la energía en vivo de la banda. Transformó un estudio serio y conocido anteriormente por las grabaciones que allí se habían celebrado de la Orquesta Sinfónica de Londres y de Peter Sellers en un intentó por replicar el húmedo y frenético ambiente de The Cavern Club.

Fue una simple grabación del repertorio en vivo [de los Beatles] casi como una transmisión. Yo ya había estado en The Cavern Club y había visto de lo que eran capaces... Les dije: «Grabemos todas las canciones que tienen��. — George Martin

Canción por canción

1. I Saw Her Standing There

El inicio de la discografía de The Beatles es uno de los más icónicos de la música el siglo XX. Bajo el ya emblemático conteo (1… 2… 3… !4¡) los Beatles debutan con un sonido fuerte y potente fiel a su escencia. A pesar de que los conteos suelen eliminarse de la mezcla final, George Martin quiso conservarlos para crear la sensación de que el álbum era una actuación en vivo. La canción conserva toda la adrenalina a pesar de haber requerido doce tomas para ser grabada.

El beat sincopado de Starr, el solo de guitarra a borbotones de Harrison, las voces en armonía de Lennon y McCartney: la primera grabación de los Beatles decía todo lo que se necesitaba saber sobre su magia alquímica. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Originalmente titulada "Seventeen", la canción fue concebida por McCartney mientras conducía a casa después de un concierto de los Beatles, como una versión moderna de la canción tradicional As I Roved Out. La canción resultó ser una de las primeras canciones de la sociedad que formarían John Lennon y Paul McCartney.

Aquí hay un ejemplo de un fragmento que le quité a alguien: usé el riff de bajo de Talkin' About You de Chuck Berry en I Saw Her Standing There. Toqué exactamente las mismas notas que él y encajaba perfectamente con nuestro número. Incluso ahora, cuando se lo cuento a la gente, encuentro que pocos me creen; por lo tanto, sostengo que un riff de bajo no tiene por qué ser original — Paul McCartney

La primera pista del álbum tiene todos los condimentos de los primeros Beatles: una energía que impacta, armonías de voces muy bien pensadas que hacen que las voces de Paul, John y George convergan en una sola, una melodía pegadiza y mucho virtuosismo a la hora de ejecutar los instrumentos. Personalmente me encanta el agregado de las palmas a la percusión, la melodía que ejecuta Paul en el bajo y el solo de guitarra de George a la mitad de la canción.

Aunque en esta época las letras se desarrollan en temas simples, me encanta la manera en la que los integrantes buscaban rimar y generar entretenidos juegos de palabras. Creo que es una letra muy pegadiza y que permite visualizar muy bien el escenario de enamoramiento que plantea. El conteo del inicio fue una decisión muy acertada por parte de Martin y que trasendió a la idea original, ya que a cualquier fanático de The Beatles le genera muchas emociones escuchar a McCartney contar hasta cuatro. Luego de escuchar hasta el cansancio este álbum, no coincibo otra canción del mismo que pudiera servir mejor de apertura.

I Saw Her Standing There entró en el Billboard Hot 100 el 8 de febrero de 1964, permaneciendo allí durante 11 semanas, alcanzando el puesto 14.

2. Misery

Misery fue compuesta en enero de 1963. John Lennon declaró que fue más una canción suya que de Paul, aunque compuesta por los dos. Por su parte, Paul McCartney no creía que la canción poseía más trabajo de uno que del otro, siendo este uno de los primeros de los muchos encuentros dispares respecto a la composición exacta de sus canciones. La canción fue un encargo para Helen Shapiro, la que por entonces era la cantante británica más exitosa, pero la rechazó por ser demasiado pesimista, un tema típico en esta primera etapa de The Beatles.

La canción es un buen ejemplo de la inventiva de Lennon y McCartney (escuchen las serpenteantes primeras voces), a la vez que parodia ingeniosamente la autocompasión adolescente: "El mundo me está tratanto maaaaal", cantan con sus voces más llorosas. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Un sencillo de 1963 de Kenny Lynch convirtió a Misery en la primera canción de los Beatles en ser versionada por otro artista.

Considero que Misery es un canción con una inmensa personalidad. La primera escucha impresiona a cualquiera, con las serpenteantes voces y con su letra entre cómica y melancólica, como dijo Plotkin. Una de las cosas que más me gusta es la ejecución de Ringo en la batería y como se complementa con la guitarra rítmica de John.

3. Anna (Go to Him)

Anna es una de esas canciones de culto en el repertorio de The Beatles. Lennon se lleva la canción por completo, su protagonismo y alma en ella es precisa. Los Beatles harían después algunos covers más de este compositor, pero no se acercarían a la tristeza que le pusieron a esta.

El estupendo cover de los Beatles de la desolada soul ballad de Arthur Alezander carecía de la gravedad del tema original. Pero lo compensaban con inteligencia musical, al oponerle la guitarra tintineante de Harrison a los hi-hats quebradizos de Starr y agregar encima preciosas armonías de fondo. El fuerte resfrío que Lennon sufría el día que grabaron Please Please Me se escucha en el tono algo reumático de su voz, que no hace sino agregarle al grupo dramatismo del tema. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Era una de las canciones que siempre estaban en el repertorio en vivo de los Beatles y a John Lennon le encantaba.

Ringo Starr reproduce un inusual ritmo de batería con duros golpeteos. La voz de Lennon, sin embargo, añadió un dolor de tortura que no está presente en la versión de Alexander, sobre todo cuando se lamenta en la conclusión de los puentes. Los acompañamientos vocales armónicos de The Beatles, además, fueron excelentes y más eficaces [que en la versión de Alexander]. — Richie Unterberger

A pesar de tratarse de un cover, resulta impresionante la forma en que los Beatles se apropiaron de la misma. Es una de las mejores interpretaciones de la banda y ello se refleja en lo icónica que es versión. Se vuelve notorio el hecho de que conocían al detalle la canción.

Lo que realizan Ringo y Harrison en conjunto es hermoso. La ejecución de Ringo también logra servir como soporte de las voces que preparan la entrada de Lennon en el estribillo. Harrison, por su parte, interpreta una melodía de guitarra tan carismática que casi parece contestar a las quejas de Lennon.

4. Chains

Chains es otro cover que había sido lanzado recientemente por The Cookies en noviembre de 1962. La canción llegó al grupo gracias a Harrison, quien la adoraba. Los Beatles la adaptan por completo al pop británico. Fue la primera canción de la banda en ser cantada por George.

La cuarta pista es una de las más criticadas por poseer a un inexperto George Harrison realizando una interpretación vocal algo tímida. Sin embargo, es una canción muy pegadiza a pesar de que realiza un extraño juego con las palabras "cadenas" y "encadenado" que jamás entendí. Me gusta mucho como la voz de Paul acompaña a George en los estribillos, inclusive apareciendo con una leve diferencia de tiempo (delay) que la hace más deliciosa. Los coros de Paul abandonan a George en los momentos en que la letra se vuelve más íntima y melosa, dejando que luzca su característica dulce voz.

5. Boys

Boys fue la primera canción de la banda con la voz de Ringo Starr, demostrando que todos los integrantes de la banda tenían habilidad vocal. Se necesitó solo de una toma para que Boys quedara perfecta.

Fue originalmente cantada por el anterior baterista de la banda, Pete Best. Además de ser su debut como cantante en la banda, también resultó ser un momento icónico de Ringo por ser una de las primeras canciones en demostrar su mítico estilo en la batería.

A pesar de haber sido compuesta desde un punto de vista femenino (fue una de las dos canciones de The Shirelles reversionadas en el álbum), los Beatles decidieron ignorar completamente la perspectiva.

En realidad era una canción de chicas, o una canción homosexual. Pero nunca le prestábamos atención a eso. Es una canción buenísima. Es una de las cosas de la juventud, no te importa nada. — Paul McCartney

Recuerdo que en la primera escucha que realice del álbum esta pista me impacto más que ninguna otra. La escuchaba en loop, impresionada por la interpretación doble de Ringo tanto en la batería y en la voz. Los demás miembros de la banda lo acompañan con divertidos «bob-shuop», «yeah», «oh» y algún que otro grito rockambolesco. Los gritos finales de Ringo terminaron coronandome como una "Ringo Lover" de cajón.

6. Ask Me Why

Ask Me Why fue una de las cuatro canciónes ya grabadas que formaron parte del disco. No le encantaba a George Martin, pero recurrieron a ella debido a la falta de tiempo para tener otra sesión con el grupo. La canción fue comandada por Lennon, tiene una melodía sofisticada y se cree que la compuso para su esposa Cynthia y solo requirió de seis tomas. Fue acreditada como McCartney—Lennon.

Lennn reformuló la figura de guitarra de What's So Good about Goodbye, de The Miracles, y se inspiró de manera evidente en Smokey Robinson en este tema. Sus intentos por hacer juegos de palabras no compiten con los de la leyenda de Motown ("Te amo/ y siempre estoy pensando en vos"), pero la canción tiene sus aciertos, como los falsetes de Lennon y, como siempre, las hermosas armonías de voz. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Al escuchar esta canción siempre entro en un estado de embriaguez donde me dejo deleitar por las guitarras y las armonías de voces. Ringo continúa brindando una percusión maravillosa, sobretodo me resulta muy satisfactoria la ejecución que realiza antes de que Lennon pronuncie «Ask Me Why, I'll say I love you». En cuanto a la letra, me resulta hermosa la idea de expresar la seguridad que uno siente cuando se encuentra enamorado, es muy reconfortante.

7. Please Please Me

Please Please Me tenía todo el potencial que Martin buscaba en The Beatles y él se encargó de pulir la canción escrita por Lennon acelerando su ritmo. Líricamente estaba inspirada en Roy Orbison y Bing Crosby. La canción sirvió tambien para empezar una persepción de respeto hacía George Martin, que aquí más que en otra canción del disco demostró su capacidad de potenciar sus composiciones. También se destaca la quejumbrosa armónica de Lennon que le agrega un toque de exotismo a la canción.

Cuando los Beatles originalmente terminaron de grabar la canción para su venta como sencillo, George Martin les dijo: "Felicitaciones, caballeros, acaban de grabar su primer número uno" (momento que es parodiado en el episodio "El cuarteto de Homero" en Los Simpsons). El productor le erró por poco: el single llegó a número dos en las listas británicas.

Recuerdo el día en que la escribí (...) Oía a Roy Orbison cantar Only the Lonely, o algo así. Y siempre había estado intrigado por el juego de palabras de una canción de Bing Crosby que era: "Please lend a little ear to my please", lo que me interesó en ella fue el doble uso de la palabra please. Así que fue una combinación musical entre Roy Orbison y Bing Crosby — John Lennon

Siempre me impresionó la relación que se desarrolla entre la guitarra de Harrison y la batería de Ringo. Una parece completar lo que esta haciendo la otra, y eso resulta hermoso. Como es usual, las voces tanto principal como secundarias lo hacen espectacular, acompañando la letra jocosa de Lennon.

8. Love Me Do

Love Me Do no era del todo querida por su simpleza. La canción presenta una destacada interpretación de Lennon en la armónica (en quizas el riff de armónica más famoso de la historia del rock and roll) y un dueto vocal entre él y McCartney.

Fue escrita principalmente por Paul McCartney entre 1958 y 1959, durante un día de absentismo escolar a los 16 años de edad. John Lennon contribuyó con el puente musical.

Esta canción posee tres grabaciones diferentes, cada una con un baterista distinto: el single de 1962 lo acompaña Ringo, en la grabación del álbum es el baterista de sesión Andy White quien toca, y la versión de 1962 que aparece en Antology es Pete Best quien la interpreta.

9. P.S. I Love You

P.S. I Love You fue una de las canciones pre-grabadas del álbum. Fue compuesta en la primavera de 1962 en Hamburgo por Paul McCarntney.

McCartney se pone epistolar, con una letra edulcorada, típica de él, y una progresión de acordes novedosa e ingeniosa, también típica de él. (Escuchen cómo se vuelve oscura la canción a partir del estribillo.) — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Este cambio de tono que se menciona se debe a que durante el coro de apertura, el acorde re bemol con séptima (Db7) se coloca de manera incongruente entre sol y re (en la palabra write), y durante la línea del título de la canción se produce un cambio repentino a si bemol (Bb) por debajo de «P.S. I love you».

Realmente es solo una idea para una canción, basada en la forma de una carta, igual que la idea de «Paperback Writer». Era más bien mía. No creo que John haya colaborado demasiado en ella. Hay ciertos temas que son más fáciles para usar en una canción, y uno de ellos es la carta. La carta es un tema muy popular, y el mío era solo un intento de poderlo usar. No se basa en la realidad, ni la escribí para mi novia de Hamburgo, como algunas personas piensan. — Paul McCartney

Me encanta de sobremanera esta canción y me parece sumamente creativa. Es una obra con todos los ingredientes de McCartney y eso, nunca puede salir mal. Siempre me gustó que los coros solo acompañen a la voz de Paul en el último fragmento de cada frase.

10. Baby It’s You

Baby It’s You es una balada romántica que ya pertenecía al repertorio de los conciertos de los Beatles. A pesar de que las Shirelles convirtieron la canción en un éxito Top 10 en 1962, el cover de los Beatles fue criticado por los fans más apegados al rock por desentonar con el resto del álbum.

Pero los Beatles, por supuesto, le esparcieron un poco de su propio polvo de hadas: una trepidante performance vocal de Lennon, un poderoso ritmo de batería de Starr y, de parte de George Martin, un toque sónico salvaje: un solo de celesta, un raro teclado que provee un sonido etéreo y acampanado, y que en esta canción acompaña el sol de guitarra de Harrison nota por nota. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

Esta es una de esas canciones que demuestran la sensibilidad que los Beatles tenían y que les permitía crear interpretaciones tan emocionantes como esta en canciones popularmente clasificadas como "de mujeres".

11. Do You Wan’t To Know A Secret?

Do You Wan’t To Know A Secret fue agregada al álbum como una manera de sembrar confianza para el canto en George Harrison. El resultado fue mucho más que eso, convirtiéndose en una de las canciones más icónicas del repertorio de la banda al igual que su mitico solo de guitarra. Lennon recordaría que le dieron esa canción a Harrison por su simpleza, sin embargo, su interpretación vocal suena tremendamente bien y mejor que en Chains.

La canción estuvo inspirada en el tema «I'm Wishing», una canción de 1937 de la película animada Blancanieves y los siete enanitos, que la madre de Lennon, Julia Lennon, le cantaba cuando era niño. Las dos primeras líneas de la canción en la película de Disney («Want to know a secret? Promise not to tell?» [«¿Quieres saber un secreto? ¿Prometes no decirlo?»]) vienen justo después de la letra que abre la canción («You'll never know how much I really love you... You'll never know how much I really care..» [«Nunca sabrás lo mucho que te quiero ... Nunca sabrás lo mucho que me importas...»]).

12. A Taste Of Honey

A Taste Of Honey resulta un tema interesante al ser una canción escrita originalmente por Bobby Scott y Ric Marlow para la obra teatral británica homónima. Con ella, los Beatles demostraron que pueden cantar un tema de un musical y convertirlo en una pieza de rock vibrante.

A diferencia de las demás canciones del álbum que fueron grabadas en una sola pista para replicar la sonoridad de la banda en vivo, la voz principal de Paul McCartney se doblaría a dos pistas en el puente de la canción. Sería la primera de varias canciones que los Beatles grabarían de esta forma.

13. There’s A Place

There’s A Place fue una composición de Lennon que líricamente demostraría ese lado emocional que se potenciaría con los años. El título fue inspirado en la canción Somewhere del filme West Side Story, que contiene la línea: «somewhere there's a place for us» («en algún sitio hay un lugar para nosotros»).

La canción, según dijo Lennon, fue su "intento por hacer algo negro, tipo Motown". Pero el espíritu inimitablemente beatlesco: es una canción sobre el territorio al que la banda volvería una y otra vez en los años siquientes, la psiquis: "Hay un lugar/ al que puedo ir... y es mi mente". — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

14. Twist And Shout

El cierre perfecto de un debut puede ejemplificarse con Twist and Shout. Como la última canción de una sesión que duró tantas horas, la voz de John Lennon se hace notar significativamente cansada. Empezaron a grabarla cuando faltaban 15 minutos para que terminara la sesión y John Lennon, quien se encontraba resfriado, empezó a beber leche y comer caramelos para suavizar su voz. Solo pudieron hacer dos tomas y se quedaron con la primera debido a que en la segunda Lennon se quedó sin voz. Sin embargo, la voz de Lennon en la toma final tiene un sonido rasgado que la volveria icónica.

La ultima canción casi me mata. Cada vez que tragaba era como si tuviera una lija ahí metida. Siempre me dio mucha vergüenza, porque la puedo cantar mucho mejor; pero ahora no me molesta. Se escucha que soy un chico frenético que hace lo mejor que puede. — John Lennon

Si llegaste hasta aquí, ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

El trabajo que le sigue a esta publicación es: Las canciones sin álbum: entre «Please Please Me» y «With The Beatles». Si te gustó este primer escrito te invito a seguirme para no perderte los siguientes.

Bibliografía

También recurrí a varios videos de La Hemeroteca para ayudarme a escribir y ordenar los sucesos. Recomiendo ampliamente su canal si eres un apasionado por la música en general.

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