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Harsh Britain

Made in Britain, Alan Clarke, 75 minutes, 1983 with Tim Roth (Trevor), Terry Richards (Errol), Bill Stewart (Peter Clive), Eric Richard (Harry Parker)

Trevor is a 16-year-old skinhead who is sent to a residential assessment center after having broken an Asian shop’s window. At the center, he has to share a room with Errol, a black teenager over who Trevor will have a significant and disastrous influence. Together they will steal, brake, escape, take drugs, damage material. Made in Britain shows Trevor’s rage against the system.

Trevor is intelligent but he is desperate. He refuses any authority and choses to live outside the society - a society that has abandoned him. The boy still has chances to get by, but who ruins every opportunity that one gives him. There is no ray of hope for him. His fall is unavoidable.

Trevor is self-destructing himself. He is lost in a labyrinth he built by himself: he is the prisoner of his own anger. This fatality is enhanced by the cyclic story that is related. Without a job and without money, Trevor steals and destroys, which leads him to jail; jail which he will leave without any job or money. That cycle is also highlighted by the punk music, which sounds during the last scene, when Trevor is arrested; the same music that sounded when Trevor was judged in the first scene of the film.

Violence is omnipresent in the film, under several forms, be it verbal or physical. It is even engraved on Trevor’s body through the figure of the skinhead, his shaved head and tattoos, particularly the swastika he carries on his forehead. It is also noticeable on his face, constantly distorted by the anger. Actually, Trevor’s violence and aggressiveness only tone down (temporarily) during the scene of the old car’s race, where he seems to take pleasure, for once. The strained atmosphere is also supported by the punk music (in the first and the last scenes) or the lack of music (during almost the whole film).

What strikes me is the simplicity of the film. There is a kind of obviousness all along the film, that reveals the harsh reality of life in the 1980s. What is showed is actually banality, daily routine, boredom. Alan Clarke delivers a linear story and plays on camera effects to reinforce that feeling. Viewers get the sensation of being with Trevor and following him through his road to hell, thanks to the use of tracking, which brings a true fluidity through the shots. We are brought as close as possible to violence and racism, witnessing all Trevor’s excess and crises. This film highlights Alan Clarke’s interest on social and human matters. Things are showed harshly, bluntly.

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Visiting Drawing Now 2018

Drawing Now was my first experience at an exhibition dedicated to drawers. Lost in the Carreau du Temple -which was incidentally not that big-, I meandered two hours through the several stalls of galleries which exhibited the work of a few artists. Let’s focus on the drawings I particularly enjoyed.

The artworks were heterogeneous. The sizes, technics, colors, subject matters were numerous: this visit enabled me to be aware of the extent of the contemporary drawing world. Among all those works, two drawers particularly held my attention. Detailed drawings caught my gaze; to me, those works stood out of the pack.

With their illuminated pictures and their vivid colors, Alexander Gorlizki’s paintings have immediately attracted me. This artist crafts little paintings that seem to come from another age while being contemporaneous. His pictures are composed of many different elements, inspired by many different cultures. Alexander Gorlizki put traditional Asian miniature paintings next to textile patterns and absurd animals coming from his own imaginary world. This work is an evidence of the miscellaneous know-hows of the artist. The space of the sheet is filled with complex adornments. The paintings are really impressive, almost when we look at them very closely. Even after having spent minutes in front of them, we still find some details we had not seen before.

Alexander Gorlizki, Barbara, 2015, Pigment and Gold on Bookprint, 29,21 x 21,84 cm

Besides, I was pleasantly surprised to find some drawings of Alexandre Léger, who is an artist I discovered weeks ago through an analysis of his work. He mixes drawing and writing to produce little pieces of art, mainly on sheets of used notebooks. Between visual and poetical work, Alexandre Léger hands over his intimacy; and this is even more obvious when we see his art for real.

Alexandre Léger, Crocodile, 2016, Collage, Watercolor and Pencil on Notebook, 22 x 17 cm

This visit allowed me to face the reality of the contemporary drawing market and to get to know some artists I would certainly never had discovered otherwise.

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Dans l’intimité de Madame Bovary

Bovary, Tiago Rodrigues, avec Mathieu Boisliveau, David Geselson, Grégoire Monsaingeon, Alma Palacios et Ruth Vega Fernandez Théâtre de la Bastille, pièce vue le 14 mars 2018

La pièce Bovary met en place trois strates bien distinctes qui vont s’enchevêtrer : la correspondance imaginaire de Gustave Flaubert avec une maîtresse, le procès de l’auteur (assigné en justice pour immoralité), l’histoire-même de Madame Bovary. Fiction et réalité se mêlent intelligemment, les niveaux d'écriture s’entrecroisant avec une logique et une fluidité épatantes tout au long de la pièce. Les cinq comédiens présents sur scène tiennent ainsi plusieurs rôles, correspondant à ces trois narrations parallèles. La complexité du spectacle ne s’arrête pas là : les rôles des comédiens ne sont pas fixes, les personnages changent fréquemment d’hôtes.

Bovary permet de découvrir l’œuvre de Gustave Flaubert sous divers aspects. Le combat acharné entre le procureur Pinard et l’avocat Sénard - l’un attaquant le roman, l’autre le défendant - nourrit le débat autour de l’immoralité inavouée de ce livre et permet de décrire l’histoire, de s’y plonger et de l’apprécier sous deux angles antagonistes. Cette pièce invite le spectateur à s’immiscer dans l’intimité de Madame Bovary, autant dans les coulisses de l’écriture du roman que dans la tête de l’héroïne ou dans l’esprit des critiques du dix-neuvième siècle.

ci-dessus : Emma Bovary est transcendée lors d’une scène de danse frénétique, annonciatrice de la débauche à laquelle la jeune femme va s’adonner

Les moyens sont humbles : une vaste scène avec seulement quelques paravents, des feuilles de papier dispersées sur le sol, de petits meubles en bois mobiles, promenés adroitement par les comédiens pour créer des tableaux visuels avec une ambiance différente selon les dispositions. Certains détails - aux effets très humoristiques d’ailleurs - contribuent également à générer des atmosphères particulières lors de passages définis de la pièce. Deux comédiens, répartis de part et d’autre de la scène, imitent les chants d’oiseaux pour immerger les spectateurs dans la forêt ; deux autres, accoudés au bar bricolé, singent les cris des bêtes de la ferme pour conduire le public sur une place publique d'il y a deux siècles.

Ces quelques astuces scénographiques sont employées de façon surprenante et inattendue tout au long de la représentation. Elles sont un support intelligent à l’histoire et, tout en instaurant un ton léger, permettent une constante évolution du décor et du climat de la scène.

ci-dessus : Les quelques meubles accumulés créent un espace clos et une ambiance chaleureuse de bar

Je regarde une ou deux fois ma montre ; mais tout de suite les acteurs captivent mon attention de nouveau. Les discours sont admirablement déclamés, les personnages sont incarnés avec brio ; bref, les comédiens sont remarquables. Charles Bovary en particulier, personnage naïf, qui subit les infidélités de sa femme mais fait preuve d’amour envers elle jusqu’à la fin, m’a émue : veuf au terme de l’histoire, je me suis projetée dans sa situation. Ses mots étaient délicatement choisis, à la fois forts et poétiques. De quoi verser une larme (voire deux ou trois) à la fin de la pièce.

En résumé : j’ai ri - beaucoup -, j’ai été surprise, bouleversée, intriguée, impressionnée. J’ai découvert Madame Bovary et je me souviendrai pour longtemps de l’histoire, de ses personnages, mais aussi de l’auteur, de sa vision du roman et de la vision qu’en avaient les instances de l’époque.

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Positif

Positif is a monthly magazine intended for a broad public interested in cinema. One characteristic of that review is that all the articles are written down by voluntary passionate journalists. According to Fabien Baumann, who is one of the writers, the magazine tends to become obsolete; its public gets increasingly older and the layout seems austere. Moreover, there are incoherences within the issue in itself, concerning the hierarchy levels in particular. The new paste-up we set up has to overcome those problems and observations by revitalizing the magazine and make the information clearer for the reader.

We have worked with the real content of two different issues, including texts and pictures, which enabled us to immerse ourselves into the articles. Fabien Baumann also spent a day with us, at the end of the project, listening and reacting to our graphic proposals. This press project was complete. It was interesting and instructive to have the opportunity to discuss our answers with a man who is directly concerned with the project. 

After having defined a grid, we started to work on the layout of an article which is composed of a critique and an interview. Then, we set up a double-page of another section, to see how the layout can evolve and develop. To finish, we worked on the contents page and the front page.

My goal was to give the magazine’s layout a new dynamism and to make it lively, page after page.

The grid is composed of seven columns; one of them «floating» and changing place, page after page. This column is reserved for the captions, the side notes and the pull-quote.

My graphic proposition is based on a double dynamic: an horizontal one for the pictures; a second one, vertical, for the textual elements. The guiding principle of the layout is an horizontal line on which all the pictures are placed. In fact, films are at the heart of the magazine, that is why I chose to put them at an important place. The text, which is here to comment and discuss the movies, takes place around the pictures.

All the graphic choices are made to confirm those dynamics. The verticality of the flush-left-text columns is emphasized thanks to the removal of the paragraph jumps and of the indents. The page number, the section title and the running head take place on both side of the columns in order to stretch them.

I decided to use the Knockout (Jonathan Hoefler, Hoefler & Co., 1990), a sans serif typeface which contains several weights and widths. It is used as a display typeface but also for the current text, to create coherence and unity in the layout. The Freight (Joshua Darden, GarageFonts, 2009) is used for italics and small caps. This typeface is completing the Knockout’s glyphset and enables to highlight the movie’s titles which are abundant in the articles, thanks to the contrast between those two fonts (the Knockout which has rounded shapes and a large width; the Freight Italic which is sharper).

Positif was an interesting press project for which we took time to deal with the - graphic but also editorial - details in depth. Having a professional opinion from a writer of the magazine made it even more enlightening. 

published on march, the 11th

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Three billboards to wake a town

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, Martin McDonagh, 2017

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri is a film about a woman whose daughter was raped and killed along a road near the little town of Ebbing. Nine months after the murder, the town has yet to see any arrests. This tragic event is the starting point of the story. Actually, what is clever in the movie is that the real subject approached concerns the social interactions of the community in face of the tragedy; and not the tragedy in itselfs, as viewers could have thought by watching the trailer.

One day, Mildred Hayes (played by Frances McDormand) decides to display an advertisement on the three billboards that are located along the road where her daughter was killed. She accuses the chief of the police, William Willoughby (Woody Harrelson), a respected and beloved man who suffers from cancer. As the inhabitants of the town know that Willoughby will die soon, most of them look unfavorably on Mildred’s billboards. 

The three billboards covered with Mildred’s ads

Then begins a war between the desperate woman and the law enforcement; and when officer Dixon (Sam Rockwell) gets involved in that conflict, the relationships become much more violent.

The relationship between Mildred and Mr Dixon is very strained

The development of the characters is very specific. As a viewer, we mainly follow Mildred Hayes; but actually, there is no hero in the movie. Of course, Mildred is really desperate and tired of injustice, but many of her decisions are uncalled-for. Actually, there are no good or bad choices, no good or bad characters: only poeple who react in their own way, facing what happens. The murder connects all the characters but doesn’t determine their actions and choices. As a spactator, we witness how they all handle the situation, discovering little by little their personal stories. Three Billboards Outside Ebbing, Missouri depicts the lives, the problems, the dilemma of Ebbing’s inhabitants; but it also evokes issues that concern everyone: illness, suicide, revenge or homophobia.

Despite its strained atmosphere, the movie is full of humour. Moreover, it is a great human experience, as it highlights the conflicts but also the mutual aid that is essential to overcome the difficulties of life.

published on February, the fourth

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À l’époque où il fallait deux ans pour réaliser un livre…

Esquisse d’un pendu, Michel Jullien, 2013, éditions Verdier

Esquisse d’un pendu est une plongée dans l’atmosphère d’un atelier de copistes médiéval sur lequel plane l’ombre de l’imprimerie, dont Gutenberg introduira la pratique quelques décennies plus tard. Au travers d’une commande royale passée au stationnaire Raoulet d’Orléans et consistant à la réalisation de deux codex (une mise à jour des Chroniques de France et la Politique d’Aristote), nous découvrons en détail le parcours du livre au quatorzième siècle.

Charles V recevant de Jean de Vaudetar la bible historiale de 1372 copiée par Raoulet d'Orléans

Aucun aspect n’est omis : du choix du parchemin jusqu’à l’approbation de la publication de l’ouvrage, le lent et difficile cheminement du codex est parfaitement retranscrit. L’auteur met l’accent sur la question de la temporalité, car chaque codex ne met pas moins de deux ans à être écrit, ornementé puis relié. Le contrôle des ouvrages est également mis en avant : l’objet rare, précieux et extrêmement coûteux qu’est le codex se doit d’être irréprochable. Michel Jullien raconte les faits avec un vocabulaire très précis et une formulation savante tout en se permettant quelques transgressions — des allers-retours avec aujourd’hui, qui rompent le rythme du récit mais apportent une touche d’humour.

L’histoire, sans véritable intrigue, est largement ramenée à l’arrière-plan. L’un des manuscrits copiés par l’atelier de Raoulet d’Orléans fait l’objet d’un copie frauduleuse. Après une enquête ayant pour but de prouver l’implication de l’enlumineur dans l’affaire, le stationnaire met fin à la copie illégale. Bien que ramenée à quelques faits, l’histoire permet tout de même de rendre compte de la préciosité du codex et de la responsabilité et l’honneur qui sont accordés à Raoulet d’Orléans au travers de cette commande royale. Autant d’égards envers les métiers du livre qui prendront fin moins d’un siècle plus tard, avec l’avènement des caractères mobiles et reproductibles et la diffusion de l’imprimerie. Cet ouvrage fait prendre conscience des métiers et savoir-faire oubliés ainsi que de la perte de valeur du livre au fil des siècles. Au-delà d’un moment agréable d’enrichissement à la fois culturel et historique, la lecture d’Esquisse d’un pendu me semble indispensable à tous les étudiants en édition.

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Upside down

Le Gros Diamant du Prince Ludwig, les Faux British, Théâtre du Gymnase (2017)

Do you know that feeling when a simple scene totally changes your point of vue on the show you are attending to? When a trite play becomes spectacular thanks to an action that reverses the codes? The play Le Gros Diamant du Prince Ludwig which took place at the Théâtre du Gymnase in Paris surprised me a lot. Actually, one scene in particular did: a scene that overpassed the theater’s framework.

Let’s imagine the America of the 1950s, musicians on stage, prisoners escaped from jail, a big diamond placed in a bank… and a lot of characters who are at cross-purposes during the whole play. In short: we find crazy situations, misunderstandings and unexpected links between the people in this surprising story of an outrageous robbery. 

Those senseless and crazy situations set the tone of the play

The play was funny, but nothing was revolutionary before THE scene was played. In the middle of the show comes a new setting, which was different from everything I had already seen at the theater.

The prisoners managed going into the air duct of the bank: they wanted to go to the safe deposit room in order to steal the diamond. During their exploration, they passed just above the office of the bank’s director. The director was with his old and mistreated trainee. This scene was outstanding. The stage was spilt, literally! The bottom wall of the stage became the ground: the characters were seen from above. Each actor was equipped with a harness, so they can all hold their position (making a 90-degree-angle from their natural direction). The effect caused a stir in the audience. After having recovered our marks, we were transported by this new point of vue and all the comical events it created. The optical effect was accentuated by the floor tile of the office, which was not made of squares but made of irregular black and white diamonds: even if seen from above, the scene seemed unstable.

The director was sitting on a chair and ordered his trainee to bring him some documents that were dispersed in the room. On the foreground, on the bottom of the stage, there were the prisoners in the air duct, unmoving and unlighted, so the spectator focused on what happened on the « ground floor » of the office. It was obvious that this scene was there to make the audience laugh and be impressed. In fact, any action was essential for the plot: we just saw the trainee having a hard time by trying to catch papers on a desk or to serve coffee, without the help of gravity. The scene ended with the most astonishing effect: the director, annoyed by the slowness of his trainee, crosses quickly the room on his desk chair, thanks to a rail that was hidden by the floor tile. It was unexpected and gave a funny end to this astounding scene.

When a film is shoot, the director only has to place his camera where he wants: it is quite simple to create new points of vue that spectators are not familiar with. But at theater, it is more difficult: the public and the stage are immobile. For me, the team of Le Gros Diamant du Prince Ludwig managed to overpass the theater constraints with the scene I have just described. It is interesting to see how an inventive technological manager and an original scenographer can break the codes and open new possibilities for the director.

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Investigation entre passé, présent et futur

Dark, Baran bo Odar, 2017

Quand le voyage dans le temps se mêle à une sombre histoire de disparitions, cela donne une série hybride, entre thriller, drame et science-fiction ; une association peu habituelle qui pourrait refroidir le spectateur. Baran bo Odar réussit pourtant parfaitement la cohabitation des trois genres avec Dark, série de dix épisodes lancée en décembre 2017. Une production intense, atypique, obscure et complexe dont on ne peut que réclamer la suite.

Dans la petite ville de Winden, un garçon disparaît, puis un second ; les oiseaux tombent du ciel en une pluie de cadavres ; des corps de jeunes hommes sont retrouvés défigurés… Dark, première série originale allemande de Netflix, semble bien porter son nom. Car l’histoire semble se répéter. Des événements similaires sont intervenus trente-trois ans plus tôt…

Le temps est au centre de l’intrigue. Des mystérieuses grottes dans la forêt cachent un passage vers d’autres époques, séparées de trente-trois ans ; car il existerait un rapprochement entre les époques séparées de ce nombre précis d’années. Dark est en réalité un immense labyrinthe dans lequel se mêlent passé et présent. D’un côté il y a ces grottes étranges, et de l’autre un prototype de machine à voyager dans le temps pas encore au point, qui tue les cobayes (les garçons enlevés) lors des sauts temporels : les cadavres retrouvés n’appartiennent donc pas à la bonne époque… Le passé influence le futur, mais le futur influence aussi le passé. Un père tente de tuer dans le passé le responsable de la disparition de son fils ; ainsi ce dernier sera incapable de commettre ses crimes. La scène révèle au contraire que cet acte raté est l’élément déclencheur de toute la série d’incidents. La fatalité qui se dégage fait écho aux paradoxes qui se mettent en place : en voulant détruire le passage vers les autres époques, le personnage principal va en réalité en être le créateur. La présence de la science-fiction ajoute une nouvelle dimension à cette enquête policière. Elle permet de complexifier énormément l’intrigue. Le voyage dans le passé est également une occasion pour comprendre les personnages dans le présent.

ci-dessus : L’arbre généalogique des différentes familles témoigne de la complexité de l’intrigue et des relations entre les personnages.

La fresque des personnages de Dark est impressionnante. Plus de quarante acteurs centraux à l’histoire se partagent l’affiche, la plupart jouant les mêmes personnages à des époques différentes. Certains protagonistes sont ainsi vus à trois âges de leur vie, espacés de trente-trois ans.

La complexité de la série est en tout point très affirmée. Néanmoins, l’univers est cohérent grâce aux recherches des scénaristes et à leur maitrise de la temporalité. Dark met en place un puzzle mené avec brio. L’enquête prend vite une tournure fantastique qui la transcende et l’amène là où personne n’avait jamais été.

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Storm on stage

Les Trois Sœurs, Simon Stone, seen at the Odéon Theater on November the 30th

Les Trois Sœurs is Simon Stone’s personal interpretation of a play originally written by Anton Tchekhov in 1900. I don’t know the original text but I find that the director presents a very nice and entertaining show, with a great rhythm which held me during the whole play.

This play presents three sisters and their family affairs. We learn about them progressively through the quarels, the love stories, the adulterous and the several difficulties of the characters. Those everyday problems are offset by philosophical moments, which question happiness and our right to achieve it. The tone is light but gradually turns into tension. The dialogues become grave and the play even finished with a suicide.

An incredible theatre designing The curtains up already promises a great show. In fact, it is a real house that stands before our eyes, on the large stage of the Odéon Theater. It is the family house, in which the whole plot takes place. This tiny house is a functional piece of architecture which possesses all the usual rooms and even has a storey. Moreover — and surprise ! — the whole house rotates. It reveals its inside structure, so we can better understand the movements of the characters. Every room is provided with big windows which enable us to see every scene that happen, whatever its place in the house. Furthermore, we can follow simultaneously actions that take place in different rooms.

The house on stage Picture taken on the website of the Odéon Theater

Besides, Simon Stone managed totally changing the atmosphere of the stage to signify the changes of time. For example, some snow falls uninterruptedly during an entire scene — the illusion is mastered. Finally, the theatre designing seems to defy the security rules, as big fires are set up on the stage. The result is admirable and astounding.

A fast rhythm About ten characters are playing in the play (the three sisters, their brother and his wife, their husbands or lovers, a friend and an uncle). What is interesting is that almost all those characters are continuously present on stage. They move a lot from a room to another without stopping playing. Actually, all the actors are equipped with a microphone, which sound is activated or not, according to the script — and by the way, the work of the sound engineers is amazing. Consequently, the spectator remains captivated during all the show, having always something different to look at.

A scene of happiness in the family house Picture taken on the website of the Odéon Theater

This evening at the Odeon was the nicest experience I have never had at theater. The continuous movement held me from the beginning until the tragic end of the play. Time has gone very fast ; and we were taken in the storm of dialogues under stress, with a suspense that grew inevitably. The intelligence of the production made of Les Trois Sœurs a pleasant moment. 

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Sept sœurs pour un concept manqué

Seven Sisters, réalisé par Tommy Wirkola, 2017

Dans une société futuriste régie par la politique de l’enfant unique, des septuplées voient le jour, cachées par leur grand-père. Ne pouvant être vues ensemble en dehors de leur appartement, les sœurs portent chacune le nom d’un jour de la semaine qui correspond à la journée où elles sont autorisées à sortir en public. Elles mettent ainsi en place le personnage de Karen Settman, rôle qu’elles doivent tenir chacune à leur tour, jour après jour. Mais l’équilibre fragile de cette supercherie est rompu le jour où Lundi disparaît. Il s’avère que celle-ci a trahit ses sœurs en dévoilant leur secret et en rejoignant le camp des politiciens au pouvoir : ses sœurs sont alors pourchassées et tuées. Nous apprenons finalement que Lundi a fait tout cela car, étant elle-même sujette à une grossesse multiple, elle souhaitait protéger les enfants qu’elle portait à tout prix.

ci-dessous : les sept sœurs jouées par Noomi Rapace

Un concept séduisant… La situation initiale du film est très prometteuse. Nous sommes en 2073 et la Terre est surpeuplée. Le gouvernement met alors en place le Bureau d’Allocation des Naissances, qui est en charge de cryogéniser les enfants non-issus d’une première grossesse en attendant que la planète puisse les accueillir convenablement. Ce processus, qui paraît suspect dès le commencement, l’est à juste valeur puisqu’il s’avère que les enfants en question sont en réalité tués. La société décrite est donc autoritaire et hostile. Chaque citoyen est équipé d’un bracelet électronique afin de pouvoir être surveillé de près. La tension est palpable dès le début du film, puisque la situation des sœurs semble frêle et vouée à complications.

…qui n’est pas bien exploité Sept personnages principaux : peut-être cela a-t-il été trop ambitieux ? Les 124 minutes du film ne permettent pas au réalisateur de développer suffisamment les héroïnes, qui restent trop collées à des caricatures (la soeur geek, la sportive, l’intello, la rebelle…). Finalement, on ne s’attache pas beaucoup aux personnages ; d’autant plus que les sœurs se font abattre les unes après les autres, mettant fin brutalement à l’intérêt qu’elles commençaient à susciter. La question de l’identité personnelle est également mise au second plan alors qu’elle aurait pu être largement évoquée. Par ailleurs, ce film présenté comme « d’anticipation » ne donne pas réellement matière à penser sur ce point. Ce n’est qu’un élément de narration comme un autre : la problématique de la surpopulation n’est que prétexte à l’histoire, puisqu’à la fin du film, la politique de l’enfant unique est purement et simplement abrogée. La question est donc éludée, sans véritable réflexion ni remise en question.  Le prétendu film de science-fiction se rapproche plus du drame familial, auquel on a ajouté un côté gore.

Seven Sisters est un film qui divertit pendant sa durée mais qui ne fait pas vraiment réfléchir au-delà. Le concept qui m’a attiré, avec sa situation dystopique intéressante, est finalement mis de côté au profit d’une histoire recentrée sur quelques personnages, par rapport auxquels le film ne prend jamais de recul.

ci-dessous : l'affiche du film

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Calligraphy on wall

Workshop with Julien Priez, lycée Eugénie-Cotton, 2017

In September and October, the calligrapher Julien Priez came to our class to make us paint a fresco on a 66-breezeblock large wall of our school. After different steps we did without knowing what the goal of the workshop was, we began painting… and we experimented unexpected events.

Learning how to draw a line First, we learnt how to draw a line, a curve, a half-circle: the primary elements which constitute the basis of many forms of writing. And, contrary to what we could think, drawing a line is not so easy. Regularity, appropriate pressure, good position on the baseline and good spaces are essential to make it right. Then came the combination of those traces: we imagined how they could combine in order to create signs which are coherent with each other. In short, we made a few sessions of pencil drawing on white sheets of paper which ended with a selection of six signs we kept for the next step.

below: exercises on paper + the six signs I kept

We tried out the real tool — the large flat brush — and the final format — the breezeblock — on paper before going in front of the 66-breezeblock large wall. And what followed was a bit different from what we expected.

White, yellow, pink, blue, black, white… The signs were first painted in white on the grey wall. All the area was covered. Then, we opened the other paint pots. We added yellow fluorescent, pink fluorescent and blue signs, on top of each others, in order to create contrast and make words appear. We chose to write « Bleu Magma », which sounded poetical and not too scholar. But actually, the more we painted, the more we saw the fresco deteriorate. What we realized was that the first coat (white painting, without any re-covered signs) was a much better result than what we had before our eyes. What did we do then? The decision was drastic: if the drawing was unsatisfactory, it had to be removed.

below: the fresco with three coats of paint

So we decided to cover all the area with a solid color and start again from the beginning. We chose blue, because we just opened the pot. Unfortunately, we didn’t have enough paint for the wall; so we covered it again with black paint, which we diluted in order not to do the same mistake. And finally, we filled the wall with our six signs made of white paint, and the fresco was quickly finished.

below: the final fresco

This fresco enabled us to experiment calligraphy on a scale we are not familiar with. As a wall is a vertical support, the movements are not the same: the whole body is involved. It initiated us to work with big proportions, which is something that we are not going to do often in our jobs.

Moreover, painting in public was a test in itself. We heard all the comments: the good but also the bad ones. When the fresco began to turn into something bad-looking, it was hard to see the reactions of the students; we knew what was happening, but it was already too late for us to stop. Actually, we witnessed how individual works became a common project. On the one hand, it is the combination of all our signs that makes the final fresco interesting. The original concept was to see how enigmatic signs can combine to create sense; but finally, the fresco is more conceptual and shows how different writing systems can resonate together. On the other hand, each of us faced the difficulty, and together we overpassed it. It was a real group work that ended well at the contemporary center Le 116 in Montreuil, where we did a little exhibition on the project.

In hindsight, this work was a lesson for all of us. Sometimes, a simple principle gives a better result than a complicated concept. It is essential to make concessions between aesthetic and conceptual aspects. Our mistake was that we didn’t make the decision to stop until we hadn’t finished what was expected. But fortunately, it ended well.

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Du bleu ?

Bleu, histoire d’une couleur, Michel Pastoureau, 2000

Aujourd’hui, le bleu est de loin la couleur préférée de nombreuses populations d’Europe, devant le vert et le rouge. Dans Bleu, histoire d’une couleur, livre que Michel Pastoureau écrit en 2000, le spécialiste de l’histoire des couleurs retrace l’évolution du bleu dans les sociétés européennes et raconte son ascension : il est en effet surprenant de savoir que dans l’Antiquité et jusqu’au milieu du Moyen-Âge, c’était une couleur très peu considérée voire presque invisible ! Michel Pastoureau explique avec des mots très accessibles comment les sociétés se sont emparées de cette couleur et l’ont rendue à la mode.

Couleur et culture Nous avons tendance de nos jours à définir la couleur comme un phénomène scientifique ; ou tout du moins, c’est ainsi que je l’aurais naturellement expliquée moi-même. Néanmoins, il ne faut pas oublier qu’une couleur est avant tout un élément culturel ; c’est l’idée centrale de ce livre de Michel Pastoureau. L’auteur met en valeur les corrélations entre découvertes historiques, progrès techniques et évolutions sociales : on apprend les rôles que tenaient la couleur bleue selon les époques (couleur d’arrière-plan peu intéressante ou bien signe de richesse et de pouvoir, par exemple) mais aussi tous les bouleversements qu’ont déclenché les nouveaux pigments venus d’ailleurs (densification de la teinture ou démocratisation de la couleur). L’étude du bleu permet de se rendre compte qu’une couleur évolue du tout au tout et surtout très rapidement. L’interdépendance des évolutions techniques, scientifiques d’une part et des mentalités d’autre part montre que la perception couleur n’est pas figée mais, au contraire, est perpétuellement en mouvement.

Couleur et graphisme La couleur procure des sensations et donne ainsi à comprendre au spectateur un ton, une idée particulière. Elle est un outil, au même titre qu’une forme, pour faire passer un message et appuyer un propos. Notre métier de graphiste est un métier de l’image et donc de la couleur. Il est important de contrôler chaque signe de nos productions — le but étant d’user de chacun de ces signes dans un but juste mais surtout, et avant tout, d’en user consciemment. Une bonne connaissance des couleurs et des évocations qui leur sont liées est essentielle pour avoir un contrôle total sur ce que nous allons donner à voir.

Ce livre permet de mettre en lumière la complexité de la transversalité des métiers de l’image, de leur perception au travers des différentes cultures du monde : une image changera entièrement de sens selon l’endroit où elle est exposée. D’un autre côté, Bleu, histoire d’une couleur révèle la nécessité à prendre en compte la totalité des paramètres historiques lors la création d’un projet afin d’éviter les anachronismes. Il est indispensable de se référer à un contexte historique juste — on apprend grâce à Michel Pastoureau que les perceptions varient très rapidement : parfois, les changements sont radicaux en moins d’un demi siècle.

Bleu, histoire d’une couleur est donc un livre qui instruit et passionne, et qui témoigne de l’importance de la couleur dans l’étude des cultures et des évolutions sociales. Il dévoile de nombreuses problématiques liées à la complexité du phénomène de la couleur.

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Dystopies et technologie

Black Mirror, Charlie Brooker, 2011

Black Mirror est une série anglaise créée par Charlie Brooker dont le premier épisode a été diffusé en 2011. La série compte aujourd’hui 3 saisons, pour un total de 13 épisodes. Chaque épisode de Black Mirror est indépendant : un épisode correspond à une histoire distincte, qui dure entre 40 et 90 minutes.

L’Homme et la technologie Les intrigues de Black Mirror se construisent autour du thème des nouvelles technologies et de leur possible évolution. Cette idée fondatrice de la série, exploitée différemment à chaque épisode, permet de placer un regard critique sur la technologie certes, mais également sur l’Homme, qui la façonne et l’utilise : Black Mirror révèle les vices, les troubles et les dépendances de l’être humain au travers des liens qu’il tisse avec ces (théoriques) avancées technologiques. Le tout dans des univers futuristes — parfois pas si éloignés de notre époque…

On trouve par exemple une société régie par la cote personnelle, dans laquelle chacun se voit attribuer des notes en permanence, déterminant ainsi la qualité des services auxquels chacun peut accéder. Un autre épisode met en scène une puce qui, implantée derrière l’oreille de chacun, permet de stocker les souvenirs et les revoir à n’importe quel instant. On peut également retrouver une histoire de piratage informatique amenant les individus à se faire manipuler, sinon quoi certaines informations compromettantes les concernant pourraient être diffusées.

Les sociétés imaginaires de Charlie Brooker sont des dystopies : les utopies virent au cauchemar, leurs membres sont incapables d’atteindre le bonheur. Black Mirror met en garde contre les conséquences néfastes des nouvelles technologies, déjà présentes à notre époque mais, sans aucun doute, amenées à évoluer.

Une anticipation difficile à supporter La série met le spectateur mal à l’aise. Personnellement, il m’est difficile de regarder plusieurs épisodes à la suite — pourquoi ? Une cruauté plausible, une certaine justesse dans l’anticipation mais surtout une noirceur qui ne disparaît à aucun moment lors de ces 13 épisodes. En effet, la plupart des épisodes finit de façon très négative. Il n’est pas laissé beaucoup de place à l’espoir et la morale de chaque histoire est lourde à assimiler. Les genres abordés par le réalisateur varient selon les épisodes : thriller, horreur, drame, satire… Black Mirror met en place à chaque épisode une tension insupportable. On attend fatalement le moment où la situation utopique initiale va se renverser. De plus, si certaines situations paraissent aberrantes, d’autres sont extrêmement réalistes : cette balance, d’un épisode à l’autre, permet de rappeler à quel point les avancées technologiques sont rapides. Si certaines dérives sont déjà présentes aujourd’hui, même les plus absurdes pourraient vite devenir d’actualité…

Je trouve cette série plutôt originale de par son principe-même mais également de par le regard nouveau qu’elle pose sur la technologie. Cette dernière, qui crée tant d’enthousiasme de nos jours, pourrait aussi avec des conséquences très sombres. Black Mirror délivre un point de vue peu répandu, qui fait face à l’actuel optimisme (quasi) général face aux nouvelles technologies. En traitant de l’erreur humaine face à ces phénomènes, du besoin d’aller toujours plus loin avec ce risque de ne jamais pouvoir revenir en arrière, Charlie Brooker nous fait réfléchir — brutalement certes, mais avec une certaine justesse.

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Narrator, are you here?

Des éclairs, Jean Echenoz, 2010

I would like to share a great experience of a novel in which the narrator becomes a real character of the story.

Des éclairs is a novel that relates the biography of Gregor, a scientific genius whose life is based on Nikola Tesla’s, a famous engineer. As a first step, Gregor travels to the USA to exploit his knowledge and his capacities. He works for several electricity firms and becomes quickly famous and rich, devising lots of ingenious and ambitious inventions. Nevertheless, from his birth to his death, Gregor is unpleasant and selfish. He is very clever but also naïve: many of his collaborators take advantage of him unscrupulously. As a second step, we witness the fall of this genius, who gets into debt and loses his credibility. That descent into hell happens because of his own nature, but also because of Angus Napier, a man who is jealous of him. Gregor ends his life alone and poor.

A specific narrative system Jean Echenoz uses the present to narrate Gregor’s life, which, though, took place in the nineteenth century. The use of the present brings energy to the story, which seems to happen before our eyes, even if it ended two centuries ago. Moreover, the narrator also uses the present to explain some points to the reader, such as “remember, this or this thing didn’t exist in the nineteenth century”. This enables us to understand that the narrator stands back to assess Gregor’s story. He is with us, today; and together we talk about Gregor, who is a character from the past.

Besides, Jean Echenoz uses the third person singular to describe Gregor’s life. But he doesn’t hesitate to give his point of view on the story he is telling by using the first person singular (even if he knows that he can’t have an effect on the events anyway). He sometimes even includes us, the readers, by using the “we”. It emphasizes our involvement in the story.

The impact of that specific narrative system on the reading is of major importance. Jean Echenoz himself takes a lot of space in the novel, but he also lets the reader contribute to the story. Thanks to this, Des éclairs is very pleasant to read because it is full of vitality. In fact, the dynamism also arises from the fact that there is almost no description in the novel, only narration. We are continually moving forward with Gregor’s life.

A distant narrator Gregor is defined almost entirely by absurd characteristics: he is obsessed with multiples of three and with pigeons — the only person which he fell in love with was a female pigeon —, he is antisocial and full of himself. In my opinion, what is funny and original in this novel is that we focus on a character which is impossible and horrible. And Jean Echenoz doesn’t try to change Gregor, to make him seem pleasant or to defend him: on the contrary, he is often outraged and laughs at his character. He puts a huge distance between the story he is telling and himself.

Furthermore, I like the paradox between Gregor (who represents lots of negative things) and the narrator, which tells his story with lightness and amusement. This gap creates, once more, amusement and unexpected sentences.

Des éclairs was, for me, a new experience of reading, being so much guided by the narrator. It has been a while since I hadn’t laughed so much reading a book: the grotesque of the character is emphasized by the comments of Jean Echenoz. The narrator, who becomes a real character, is indispensable to appreciate the story.

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Difformité et rose bonbon

Pieles, Eduardo Casanova, 2017

Pieles est un drame espagnol qui raconte les histoires parallèles de jeunes hommes et femmes nés dans des corps différents ou défigurés, qui subissent le regard de la société. Incomprises, ignorées, moquées, manipulées ou même violées : le spectateur est plongé dans le quotidien effroyable de ces personnes et témoigne de la violence — parfois extrême — à laquelle elles sont confrontées. Le tout sur fond de rose poudré, papier peint à fleurs violettes et gros nounous mignons.

Monstruosité(s) Ce film est une réflexion très violente sur l’apparence physique et la différence. Eduardo Casanova questionne la beauté et la laideur, la norme et ses “anormalités”, ces dernières étant parfois largement accentuées voire démesurées — mais pas uniquement ! Sont aussi dépeints dans ce film des personnages très vraisemblables : une jeune femme atteinte de nanisme ou un garçon entièrement brûlé, par exemple. C’est là, de mon point de vue, toute l’intelligence de ce film : on croit être dans la fiction alors que l’on est déjà dans la réalité.

Les scènes sont crues, sans réserve : le réalisateur ne cache rien, pas même les choses les plus sales. Sales, mais, après tout, naturelles ; la question du naturel étant d’ailleurs le thème central du film. Les faits sont donc rapportés à l’écran de manière très brutale et l’on est, dès la première seconde, submergé par le poids à la fois des questionnements mis en avant mais aussi de l’absurdité ambiante, qui devient rapidement pesante. Le ton est donné dès les premières scènes du film : une jeune prostituée, née sans yeux, chante, accompagnée au piano par une vieille femme nue. Mais, malgré l’absurdité des choses, ça n’est absolument pas un film qui fait rire : il met, au contraire, plutôt mal à l’aise, dégoûte même parfois. Dans tous les cas, il pousse de façon évidente à la réflexion. Pieles questionne ainsi la limite entre humanité et monstruosité, mais surtout notre perception de cette limite. Il révèle aux yeux de tous que les monstres ne sont pas ceux auxquels on pense en premier lieu.

Du rose et du violet Le décor est un élément très important dans le film. Les couleurs rose et violet, omniprésentes, apportent une atmosphère girly ; elles font, de plus, un écho permanent au titre de l’œuvre et aux thèmes omniprésents du corps et de la peau, habituellement synonymes de sensualité et de douceur. L’aspect kitsch rappelle une décoration familiale, conviviale et procure aux lieux et aux habitants un air naïf. Les couleurs donnent également au décor un aspect factice, qui rappelle au spectateur que les scènes ne se passent pas dans la “vraie” vie : les couleurs douces et rosées donneraient presque l’impression d’un cocon féérique — une impression qui est immédiatement contrastée par la brutalité des situations des personnages. Ainsi, l’oxymore créée grâce au décor participe grandement au caractère absurde de Pieles. Cela rend la violence des situations encore plus évidente.

Eduardo Casanova parle de la laideur et de la difformité avec poésie et avec un soin très poussé de l’esthétique. Il rend hommage à la différence et pousse à scruter ce que l’on refuse de voir dans la vie de tous les jours. Il parle de la maladie, de la nature, de l’Homme et de sa perception de l’Autre. Il parle de l’amour, de la violence, du respect et du dégout. Il parle d’eux — laids, défigurés ou malades — mais, finalement, il parle de nous tous.

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Amused seriousness

Le Premier Miracle, Gilles Legardinier, 2016

What if I told you that I read a wonderful funny thriller this summer? Flammarion published Gilles Legardinier’s novel Le Premier Miracle in October 2016. As it is the second book I read from this author I had the first one in mind, Complètement Cramé, which was a crazy human adventure, full of optimism. That’s why I absolutely didn’t expect Le Premier Miracle to be a police inquiry which turned out to be a thriller. Actually, I wouldn’t describe it as a thriller at all: and here is the point. This novel is a true alchemy, and is very difficult to qualify as a precise literary genre. After all, why should an author limit his book to one and only one genre, while many opportunities are still opened to him? It seems like underlying rules were guiding every new creation. But it is always nice to be surprised with non-conventional stories; and Le Premier Miracle is one of those.

In Le Premier Miracle, an english secret agent recruits an academic in order to investigate a series of thefts that concern sacred objects all around the world. This inquiry guides them much further than what they could have imagined, and makes them rediscover and even remake the History - I won’t tell more: it would waste all the pleasure of discovering the plot, which is even more surprising (and ambitious), page after page. The author did a lot of historical research to make his novel as intelligent as possible. This creates a serious atmosphere, very detailed and credible. But the gap comes from the fact that the main character has a childish sense of humour, which he uses without any restraint: humour comes when it should not, which is something that often disconcerts the reader.

This book is an oxymora on its own: we find lightness within seriousness, humour within tension. It is a real pleasure to take a breath of fresh air while the tension is at its height; and it is pleasant to appreciate a story full of strain without it to be burdensome or unbearable. The author proves that humour doesn’t remove anything to the plot.

This book provides new feelings to the reader, by trying out to bring closer facts that don’t seem to naturally match. Through this book, Gilles Legardinier reinvents novels, trying a new approach which is, I think, really relevant and efficient. I hope this will be the starting point of many other books which will get out of traditional habits and mix genres cleverly.

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Dans l’urgence de vivre

120 Battements par minute, Robin Campillo, 2017

120 Battements par minute est une immersion dans le groupe activiste Act Up, qui a pour objectif de « défendre les droits de toutes les personnes touchées par le sida ». Nous participons à ses réunions, à ses compte-rendus, à ses actions - parfois virulentes -, à ses dérives, à ses débats internes qui mènent souvent à de vives disputes : bref, nous vivons avec Act Up, ou plutôt en son sein-même, dans les années 1990. Le film se ressert ensuite progressivement autour d’un couple de militants, Sean et Nathan ; le premier séropositif, le second épargné par le sida.

Vivre la maladie Ce film est un plongeon brutal dans la maladie. L’effet permanent de caméra portée nous donne l’impression d’être un personnage intégrant de l’histoire. Nous sommes d’ailleurs accueillis et initiés à Act Up dès la scène d’introduction, aux côtés d’autres nouveaux : dès lors commence notre expérience au sein du groupe activiste. Par la suite, les gros plans incessants amènent peu à peu une sensation de proximité extrême avec les protagonistes, Sean et Nathan. Nous les suivons jusque dans leur intimité la plus totale, témoins de leurs relations sexuelles crument rapportées à l’écran ; là nous nous sentons de trop, presque gênés à l’idée d’assister à des scènes sensées être privées. Mais lorsque l’état de santé de Sean se dégrade et que nous sommes impuissants et condamnés à le regarder agoniser, il me semble que nous avons la réelle sensation de perdre un proche, un être cher : nous vivons la situation comme nous aurions pu la vivre avec un parent. Le temps de la projection, le sida est une réalité pour tout le monde.

Un rythme effréné Rythmé par le foisonnement des idées et des indignations lors des réunions, par les interventions d’Act Up toujours plus osées, par les scènes frénétiques de danse en boîte de nuit, par les incidents provoqués par le sida, 120 Battements par minute impose aux spectateurs un tempo déchainé, difficile à suivre parfois, avec toujours cette volonté de les amener au plus près de la réalité de la maladie. Mais alors que les tableaux crus et hyperréalistes se succèdent, Robin Campillo ramène quelques moments de répit, oniriques, avec des représentations abstraites, des scènes mentales qui se mêlent à la réalité ; comme des hallucinations qui résultent d’un rythme de vie trop intense. 120 Battements par minute est une production anxiogène dont on ressort hors d’haleine. Le rythme effréné prend vite la succession du ton léger et drôle que l’on avait pu déceler au début du film.

Vers une mort certaine La tension monte lentement, au fil des résultats d’analyse de sang qui se dégradent, et qui nous guident fatalement vers une fin inéluctable: la mort. Voilà d’ailleurs que l’un des protagoniste meurt ; « Mince ! Déjà ? » Robin Campillo choque en révélant la banalité de la mort. Pour ces personnes qui fréquentent la maladie, elle fait partie intégrante du quotidien ; d’ailleurs ça n’est pas une mais deux personnes qui meurent du sida durant ces 142 minutes de projection. Et à peine meurent-elles que l’on réfléchit déjà à la façon dont leurs décès et leurs dépouilles vont être consacrés à servir la cause d’Act Up. Ainsi, alors que nous-mêmes, spectateurs, n’avons pas fait notre deuil après à la mort de Sean, les militants réfléchissent déjà à la manière dont ils vont disperser ses cendres lors de son enterrement politique. Décontenancés, nous y comprenons tout de même que le combat mené par Act Up est un combat collectif, et que chacun des membres tient, jusqu’au bout, à faire avancer les choses : cela prouve finalement à quel point Act Up peine à se faire entendre, comprendre et au combien il est compliqué de faire changer les choses concernant la question du sida.

120 Battements par minute est un film qui ne peut pas laisser indifférent. Nous sommes face à des jeunes pour qui destin est synonyme de mort, et pour qui la vie est un combat de tous les jours : Act Up est une question de survie. Nous partageons pendant un moment cette urgence de vivre, et nous ressortons à la fois émus, grandis et alertés - même si la réalité du sida a bien évolué depuis l’époque dans laquelle nous plonge ce film.