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Le design est fait pour remettre en question, casser les codes, sensibiliser quelquefois, proposer de nouvelles logiques.

Matali Crasset

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Ara Levon Thorose 

Collection « Tubular group 01 », 2016 

7M (bleue), 6M (rouge), 3M (jaune)

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Ces trois assises de couleurs primaires représentent le fruit d’une réflexion basée sur l’abstraction. Les trois chaises ont une forme filaire qui me parle beaucoup, car cela peut être comparé à de la maille. En réalité, elles sont inspirées du mouvement que fait la peinture lorsqu’elle sort du tube.

Ce qui me plait dans la collection Tubular group 01, c’est que le résultat est tiré d’expérimentations plastiques et d’observations. Cela prouve que l’on peut créer à partir de tout, que n’importe quel objet ou évènement peut être source d’inspiration.

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Ce que les avant-gardistes avaient en commun c’est un amour particulier pour l’artisanat et l’envie de s’amuser.

Petrula Vrontikis

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Shigeru Uchida

Nirvana, 1981

Outdoor bench, 2003

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Dans ces deux projets, le designer japonais Shigeru Uchida reprend le même univers d’ondulations aléatoires. Pour la chaise comme pour le banc, les courbes renvoient une sensation de légèreté, une certaine fragilité.

Ce que j’aime, c’est l’effet de mouvement que ces deux projets pourtant statiques renvoient. C’est un côté qualifiable de “filaire”, qui est comparable au chaises tirée du mouvement de la peinture sortie du tube. Dans le cas du banc, le mouvement de l’assise contraint l’utilisateur à adapter son corps et sa position, il y a un réel contraste entre l’aspect de fluidité et de simplicité, et la pratique complexe imposée par la structure sinueuse.

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Réanimer, récupérer, réintroduire, restituer, réhabiliter, recycler, repenser, panser, soigner… Le designer devient médecin des objets, et utilise son savoir-faire pour optimiser l’espérance de vie des meubles abandonnés.

5.5 Designers

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5.5 designers

Projet “Réanim”, date XX

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Le projet « Reanim » dénonce le phénomène de (sur)consommation et propose une alternative face au problème de l’obsolescence programmée. Ce studio de designer avance vers une idée commune, la fin de la vente d’objets de basse qualité, issus de la production industrielle. Le but du projet étant la remise en circulation de pièces de mobilier cassées, par une réparation solide et volontairement voyante.

Ce qui m’intéresse dans ce projet, c’est l’up-cycling de mobilier cassé. Le studio a pour objectif d’offrir une seconde vie, comme une prothèse aux meubles déposés. Ils mettent en valeur la réparation en vert fluo, pour faire passer un message d’écologie.

Instagram : @studio5.5

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Il n’existe aucune différence, quant à l’essence, entre l’artiste et l’artisan. L’artiste n’est qu’un artisan inspiré.

Manifeste du Bauhaus, avril 1919

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Peter Keler - Bauhaus

Berceau Tecta, 1922

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Ce berceau est une des premières pièces du Bauhaus et de l’artiste Peter Keler. Pour la réalisation du projet, Keler s’est beaucoup inspiré de son modèle et professeur Vassily Kandinsky. Même si le confort y est assez sommaire, le berceau Tecta présente de nombreuses autres qualités dont l’esthétique et la robustesse. Le berceau se compose de couleurs primaires vives, et de formes géométriques simples.

Ce qui est intéressant selon moi, c’est le mélange des styles Bauhaus (1919-1933) par la forme et De Stijl (1917-1932) par la couleur. On y trouve plusieurs matériaux et à l’époque, il s’agissait d’une remarquable association de techniques, avec la vannerie en rotin et le cintrage des cylindres métalliques.

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Créer un objet/manifeste permet d’exprimer une vision du monde. C’est un objet qui permet de dénoncer, de traduire un engagement, de communiquer des valeurs, d’apporter des éléments critiques, de montrer un parti pris, de provoquer la réflexion.

Définition

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Katerina Kamprani - The Unconfortables

Watering Can, 2013

Rain Boots, 2013

Paddle, 2016

Chair #2, 2012

Chair #1, 2012

Slipper Spoon, 2013

Tea Set, 2017

Thick Fork, 2012

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Même s’il est foncièrement inutile, le design manifeste m’intrigue beaucoup. Il est l’expression d’une grande ironie, dont la designer Katernia Kamprani en a fait sa spécialité. Ses créations sont volontairement inutilisables : disproportions, épaisseurs ou tailles inadéquates, ...

Le manifeste remet totalement en question le rôle, l’existence et l’utilité des objets qu’il vise. Le but d’une botte est d’être étanche, pourtant même lorsqu’elle est percée au bout, on qualifie toujours cette chaussure de botte. Le même schéma est observable pour l’impossibilité de s’assoir sur une chaise, ou l’impossibilité de piquer un aliment avec une fourchette.

Instagram : @katerina.kamprani

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Avec rien, on peut faire de grandes choses.

Thierry Houllier

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Lane Walkup - Minimalisme

Couch, 2020

6’ floppy tulip, 2020

Spring chair, Disco chair, Rainbow chair, 2020

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Lane Walkup est une jeune artiste américaine. Son style linéaire est très particulier : il s’agit de structures en fil de fer mêlant 2D et 3D. Elle s’amuse souvent à reproduire des pièces à vivre entièrement faites en fil de fer, ce qui est vraiment perturbant. Ce que j’aime dans son univers, c’est la représentation détournée et disproportionnée des éléments, décoratifs utilisables comme inutilisables. 

Ce qui la démarque des autres artistes contemporains, c’est sa récente notoriété : elle s’est fait connaître durant le confinement 2020. Ses premières créations, les chaises, ont été faites avec des éléments de récupération qu’elle a trouvés chez elle : du fil de fer, des fleurs de son mari fleuriste, des chutes de plastique, des collants colorés, du papier toilette et des fragments de miroirs d’une boule disco. Son travail prouve l’efficacité de la création par récupération, mais aussi le fait qu’il n’est pas nécessaire d’avoir beaucoup de matériaux lorsqu’on a de la créativité.

Instagram : @eartholane

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Les erreurs ont presque toujours un caractère sacré. N'essaye jamais de les corriger.

Salvador Dali

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La Vénus - Salvador Dali 

La Vénus de Milo aux tiroirs, date XX

Grande Vénus de Milo aux tiroirs, date XX

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Salvador Dali est un artiste que j’admire beaucoup pour son audace et ses œuvres uniques. Dans le cas de ces sculptures, il s’est inspiré de la Vénus de Milo qui selon les légendes représentait la déesse de l’amour Aphrodite. Dali a d’ailleurs avoué que les proportions de son corps étaient selon lui « une véritable satisfaction érotique ». Il a donc représenté plusieurs fois cette Vénus dans son travail jusqu’à vouloir « l’améliorer », avec l’ajout de tiroirs, qui servent alors à entrevoir l’âme de Vénus. 

Ce que j’aime dans ces œuvres, c’est d’abord la représentation extrêmement précise du corps féminin, cette impression de mouvement dans le voile qui la couvre, mais surtout cette volonté d’aller encore plus loin. Le concept d’ajouter un détail qui finalement change toute la signification de l’œuvre.

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