enlaridh-blog

[enlaridh-blog]

Дюфрен, Изабель Коллин

Изабель Коллин Дюфрен (фр. Isabelle Collin Dufresne; 6 сентября 1935, Ла-Тронш, Рона — Альпы, Франция — 14 июня 2014, Нью-Йорк, сценическое имя Ультрафиолет (Ultra Violet)) — франко-американская актриса, писательница, художница, бывшая коллега и суперзвездаЭнди Уорхолa.

Родилась 6 сентября 1935 году в Ла-Тронш, Франция. В 1951 году переехала в Нью-Йорк, где познакомилась с Сальвадором Дали. Дюфрен быстро стала его музой, а затем и ученицей и, в итоге, самостоятельной художницей.

В 1960-х годах она заявила о себе на прогрессивной американской арт-сцене, наряду с Джаспером Джонсом, Робертом Раушенбергом и Джеймсом Розенквистом. В 1964 году заключила контракт с Энди Уорхолом и его нью-йорской студией "The Factory". Выбрала себе сценический псевдоним Ультрафиолет, воспользовавшись предложенным вариантом Уорхола. На тот момент француженка отдавала предпочтение фиолетовому и сиреневому цвету. Дюфрен стала одной из многих "суперзвёзд" Энди, она снялась в нескольких его картинах.

К концу 1960 года Изабель Дюфрен фактически "свергли" со звёзного небосклона, заменив последним открытием Уорхола — актрисой Вивой.

Где-то в середине 1970 года Дюфрен выпустила свою автобиографическую книгу под названием "15 минут славы: Мои годы с Энди Уорхолом". После того как автобиография была всесторонне освещена в газете "Нью-Йорк Таймс", бывшая "муза" Энди завоевала признание во всём мире.

Когда Дюфрен вернулась во Францию, она открыла в Ницце собственную студию, в 1990-м году написала книгу "L UItratique", где в деталях раскрыла все свои и��еи в области искусства.

Последние 15 лет Дюфрен оставалась членом религиозного движения, известного как Церковь Иисуса Христа Святых последних дней.

Изабель Коллин Дюфрен умерла 14 июня 2014 года на 79-году жизни в Нью-Йорке.

[enlaridh-blog]

Уорхол, Энди

Э́нди Уо́рхол (англ. Andy Warhol; настоящее имя — Э́ндрю Уорхола, англ. Andrew Warhola[7][8], 6 августа 1928 года, Питтсбург, США — 22 февраля 1987 года, Нью-Йорк, США) — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, заметная персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Основатель идеологии «homo universale», создатель произведений, которые являются синонимом понятия «коммерческий поп-арт».

Энди Уорхол родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США) четвёртым ребёнком в рабочей семье иммигрантов-русин[9] из села Микова у Стропкова на северо-востоке современной Словакии, части бывшей Австро-Венгерской империи.

Первый ребёнок — дочь Юстина, родившаяся ещё в Словакии, умерла до переезда в США. Отец Уорхола Андрей в поисках работы иммигрировал в Соединённые Штаты в 1914 году, мать Юлия (в девичестве Завацкая) присоединилась к нему в 1921 году, после смерти бабушки и дедушки Уорхола. Члены глубоко религиозной семьи были прихожанами Русинской греко-католической церкви. Отец Уорхол работал в угольной шахте, не владевшая английским мать подрабатывала мытьём окон и уборкой, а также изготавливала и продавала цветы из консервных банок и гофрированной бумаги. К 1934 году Уорхолы переехали из трущоб в более комфортабельный район. Семья жила на улице Белен, 55, а затем в Доусон-Стрит, 3252 в Окленде, окрестностях Питтсбурга. У Энди было два старших брата, Павел (Пол), родившийся в 1923 году, и Джон, родившийся в 1925 году. Сын Павла, Джеймс Уорхола (англ.)русск., стал иллюстратором детских книжек.

В третьем классе Уорхол заболел хореейСиденгама, также называемой «Пля��кой св. Витта», которая явилась следствием перенесённой ранее скарлатины, после чего большую часть времени был прикован к постели. В классе он стал изгоем. Появилась мнительность, развилась боязнь врачей и больниц, которая не отпускала его до смерти. В то время, когда Эндрю был прикован к постели, он начал увлекаться рисованием, собирать фотографии кинозвёзд и делать коллажи из газетных вырезок. Сам Уорхол позже упоминал этот период как очень важный в становлении его личности, выработавший навыки, художественный вкус и предпочтения.

Когда Энди было 13 лет, в результате несчастного случая на шахте погиб его отец. В 1945 году Уорхол закончил среднюю школу Шенли

Статуя Энди в Братиславе, Словакия

Планировал получить художественное образование в Университете Питтсбурга, чтобы потом преподавать рисунок. Но потом планы изменились, и он поступил в Технологический институт Карнеги, рассчитывая сделать карьеру в качестве коммерческого иллюстратора. В 1949 году он получил степень бакалавра изящных искусств в области графического дизайна. Успевал в учёбе хорошо, но часто не находил общий язык с преподавателями и сокурсниками.

После окончания в 1949 году переехал в Нью-Йорк, где начал работать оформителем витрин магазинов, рисовать открытки и рекламные плакаты. Позже его принимают на работу художником-иллюстратором в журналы Vogue, Harper's Bazaar и ещё в несколько менее популярных изданий. В этот период он американизировал свою фамилию, начав писать её без последней буквы a, — «Уорхол» (Warhol)[7].

Уже к 1950 году пришёл успех после удачного оформления рекламы обувной компании «И. Миллер». На рекламных плакатах была изображена в эксцентричной манере нарисованная чернилами обувь со специально сделанными кляксами. В середине 1950-х Уорхол проиллюстрировал самоучитель испанского языка Маргариты Мадригаль, положивший начало серии её бестселлеров-самоучителей, многократно переиздававшихся.

В 1962 году Уорхол провёл первую свою крупную выставку, которая принесла ему популярность[10]. К этому времени Уорхол смог купить собственный дом на Манхэттене, на 33-й Восточной улице. Доходы его поднялись до отметки 100 тысяч долларов в год, и это дало ему возможность больше увлекаться любимым делом — рисованием, и мечтать о «высоком искусстве»[11].

Уорхол одним из первых применил трафаретную печать как метод для создания картин. В своих ранних шелкографиях он использовал собственные, нарисованные от руки изображения. Позже, с помощью проектора, он транслировал на холст уже фотографии и вручную обводил изображение. Применение шелкографического метода бы��о одним из этапов в стремлении Уорхола к массовому репродуцированию и тиражированию художественных произведений, вопреки всей критике Вальтера Беньямина, который писал о потере ауры и ценности произведения в век его технической воспроизводимости[12].

Способ Уорхола заключался в следующем: на рамку натягивалась нейлоновая сетка. Само изображение на сетке создавалось путём контактного засвечивания. На сетку, пропитанную фотоэмульсией, накладывался диапозитив. Всё засвечивалось, как при фотопечати. На освещённых местах сетки фотоэмульсия полимеризовалась и становилась нерастворимой пленкой. Лишнее смывалось водой. Так создавалась матрица, то есть печатная форма. Её накладывали на бумагу или ткань, и наносили краску. Кр��ска проникала через прозрачные участки сетки и создавала изображение. Таким образом, нанося специальным резиновым валиком на деревянной ручке чёрную краску, Уорхол исполнил основной контур своих ��амых известных произведений: многократно повторяющихся Мэрилин Монро, Элизабет Тэйлор и других. Для многоцветной печати требовалось количество матриц, равное количеству цветов. Одного комплекта матриц хватало на большое количество изображений. Внедрение инновационных технологий в процесс создания образов ставило искусство на коммерческую основу.

В 1960-х годах художник использовал для своего творчества фотографии, напечатанные в СМИ. Начиная с 1980-х годов, он делал снимки сам фотоаппаратом Полароид[

[enlaridh-blog]

Альфо́нс Мари́а Му́ха (чеш. Alfons Maria Mucha; 24 июля 1860, Иванчице, Моравия, Австро-Венгрия — 14 июля 1939, Прага, Протекторат Богемии и Моравии) — чешско-моравский живописец, театральный художник, иллюстратор, ювелирный дизайнер[en] и плакатист, один из наиболее известных представителей стиля «ар нуво».

Альфонс Муха родился в городке Иванчице (Айбеншютц; чеш. Ivančice, нем. Eibenschütz) в Южной Моравии, недалеко от Брно, в семье небогатого судебного чиновника, мораванина Ондрея Мухи, отца шестерых детей от двух браков. Матерью художника была Амалия Муха, дочь богатого мельника (мораванка по отцу и полька по матери). В детстве Альфонс увлекался пением и был принят певчим в хор мальчиков капеллы собора Св. Петра и Павла в Брно, что позволило ему учиться в гимназии. К этому же времени относятся и его первые опыты живописи (акварель «Жанна д’Арк»). По окончании гимназии он пытался поступить в пражскую Академию художеств, но не выдержал экзамены[6] и некоторое время по протекции отца работал писарем в суде своего родного городка. Всё своё свободное время он посвящал занятиям в местном любительском театре — вначале как актёр, затем как декоратор и художник афиш и пригласительных билетов.

В 1879 году Муха был замечен и приглашён в Вену в художественные мастерские Каутский-Бриоши-Бургхардт, в качестве художника театральных декораций. Но после пожара в «Рингтеатре» в 1881 году, который привел к гибели около 500 человек и уничтожил его мастерскую, декораторская фирма потерпела крах, а сам он был настолько потрясён, что покинул Вену и переехал в небольшой моравский городок Микулов (Никольсбург), где работал над украшением родового замка графа Карла Куэна-Беласси, а затем и его парадного дворца Эммахоф (названного в честь Эммы — жены графа) в моравском город�� Грушовани. Вскоре художник совершил, вместе с супругами Куэн-Беласси, путе��ествие в Северную Италию и в австрийский Тироль. Там Альфонс Муха некоторое время расписывал стены замка, принадлежавшего брату Куэн-Беласси. Восхищённый талантом юного мораванина, граф согласился оплатить расходы по его учёбе в Мюнхенской академии изящных искусств. Здесь Муха вскоре возглавил Ассоциацию Славянских художников. 

После двух лет занятий в Мюнхене Муха в 1887 году переезжает в Париж и поступает в Академию Жюлиана, а затем в Академию Коларосси, наиболее известные художественные школы своего времени. Однако, в том же 1887 году граф Куэн-Беласси покончил с собой. Муха остался без средств к существованию. Ему пришлось прервать системные занятия живописью и зарабатывать на жизнь изготовлением рекламных плакатов, афиш, календарей, ресторанных меню, приглашений, визитных карточек. Его мастерская находится над рестораном мадам Шарлотты, в течение некоторого времени он делил её с Ван Гогом. Здесь же, у Шарлотты, Муха познакомился с художниками Выспянским, Веркаде, Мехоффером, Подковиньским и Слевиньским.

Иногда случались серьёзные заказы. Так, в 1892 году Муха проиллюстрировал многотомный труд «Сцены и эпизоды из истории Германии», французского историка Шарля Сеньобоса. Обращение к великим людям и великим событиям не только германского, но и общеевропейского прошлого обогатило художника ценным опытом, который впоследствии пригодился ему при работе над своим самым знаменитым творением — «Славянской эпопеей».

Поворот в судьбе моравского гения наступил в 1894 году, когда накануне Рождества он получил от театра «Ренессанс», казалось бы, ничем не примечательный заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием великой актрисы Сары Бернар. Эта работа моментально сделала его едва ли не самым популярным художником в Париже. Восхищенная Сара Бернар пожелала познакомиться с неизвестным художником, и по её настоянию он получил место главного декоратора театра. За последующие шесть лет из-под его кисти вышло множество афиш к спектаклям, к самым известным из которых относятся «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка», «Тоска» и «Гамлет», а также декорации её постановок, костюмы и украшения. Некоторое время Муха был также любовником знаменитой актрисы.

В эти годы он приобрел широкую известность как автор этикеток и виньетокразнообразных товаров — от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек, а также как дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры и т. д.). Вплоть до 1923 года Альфонс Муха сотрудничал с французским ювелиром Жоржем Фуке, который заказывал у него дизайн украшений[en]и аксессуаров, кроме того, Муха оформил интерьеры торгового дома Фуке, открывшегося в 1901 году[7]. От заказов не было отбоя. Газеты писали о феномене Мухи, в Париже даже появилось новое понятие — «La Femme Muchas». Роскошные, чувственные и томные «женщины Мухи» тиражировались моментально и расходились тысячными тиражами в плакатах, открытках, игральных картах… Кабинеты светских эстетов, залы лучших ресторанов, дамские будуары украшали шелковые панно, календари и эстампы мастера. В этом же стиле были созданы красочные графические серии «Времена года», «Цветы», «Деревья», «Месяцы», «Звёзды», «Искусства», «Драгоценные камни», которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров (и подвергаются беззастенчивому плагиату на всех уровнях). Одно из известнейших парижских графических издательств, «Шампенуа» (Le Champenois), заключает с ним эксклюзивный контракт на его прикладное творчество.

Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов — иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная. Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения. В этом же стиле были выполнены и литографии Мухи, иллюстрировавшие «Ильзу, принцессу Триполийскую» Робера де Флёра… В отличие от тревожных картин современных ему мастеров — Климта, Врубеля, Бакста — произведения Альфонса Мухи дышат спокойствием и негой.

В 1895 году Муха входит в круг символистов «Салон ста» (Salon des Cent), группировавшихся вокруг небольшой одноименной художественной галереи, к которому принадлежали такие личности как художники Боннар, Тулуз-Лотрек, Грассе, поэты Верлен, Малларме и другие. В число его знакомых входят братья Люмьер, вместе с которыми он участвует в опытах по кинематографии, и Стриндберг. Начиная с 1897 года он организует персональные выставки в Париже и других городах Европы, включая Прагу, пользующиеся огромным успехом, журнал La Plume посвящает ему специальный номер. В 1900 году Муха принимает участие в отделке павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже. Это событие побудило его заинтересоваться историей славян, что в дальнейшем привело к созданию цикла «Славянская эпопея».

[enlaridh-blog]

Климт, Густав

Густав Климт (нем. Gustav Klimt; 14 июля1862, Баумгартен, Австро-Венгрия — 6 февраля 1918, Вена, Австро-Венгрия) — широко известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм. 

Густав Климт родился в венском предместье Баумгартен в семье художника-гравёра и ювелира Эрнеста Климта, был вторым из семи детей — троих мальчиков и четырёх девочек[7]. Отец Климта был выходцем из Богемии и гравёром по золоту, мать, Анна Климт, урождённая Финстер, пыталась, но не смогла стать музыкантом. Большую часть своего детства Климт провёл в бедности, так как экономическая ситуация в стране была тяжёлой, и его родители не имели постоянной работы. Все трое сыновей Эрнеста Климта стали художниками.

Первое время Густав учился рисовать у отца, а затем с 1876 года — в венском художественно-ремесленном училище при Австрийском музее искусства и промышленности (преподаватели Карл Граховина, Людвиг Миннигероде, Михаэль Ризер), в которое в 1877 году поступил и его брат Эрнст. Густав Климт обучался там до 1883 года и специализировался на архитектурной живописи. Образцом для него в этот период был художник исторического жанра Ганс Макарт. В отличие от многих других молодых художников, Климт согласился с принципами консервативного академического образования. С 1880 года Густав, его брат Эрнст и их друг художник Франц Мачработали вместе, украшая фресками театры в Райхенберге, Риеке и Карловых Варах(городах австро-венгерской провинции). В 1885 году они работали над оформлением венского здания «Бургтеатра» и Художественно-исторического музея. В 1888 году Климт получил награду от императора Франца Иосифа — «Золотой крест» за заслуги в искусстве. Он стал также почётным членом Мюнхенского и Венского университетов.

В 1892 году отец и брат Эрнст умерли, и на Густава легла финансовая ответственность за семью. Кроме того, эти события наложили отпечаток на его художественные взгляды, и в скором времени он начал развивать глубоко индивидуальный стиль. В начале 1890-х годов художник встретил Эмилию Флёге, которая, несмотря на его отношения с другими женщинами, оставалась его спутницей до конца дней[8].

Климт в 1897 году стал одним из основателей и президентом Венского сецессиона и журнала «Ver Sacrum» (Весна Священная), издаваемого группой. Он оставался в группе до 1908 года. Изначально целями Сецессиона были устройство выставок для молодых художников, пишущих в необычном стиле, привлечение лучших работ зарубежных художников в Вену, и популяризация работ членов группы путём издания журнала[9]. У группы не было манифеста, и она не пыталась выработать единый стиль: в ней сосуществовали натуралисты, реалисты и символисты. Правительство поддержало их усилия и сдало им в аренду участок городской земли для постройки выставочного зала. Символом группы была Афина Паллада, символ правосудия, мудрости и искусства.

С начала 1890-х годов Климт ежегодно отдыхал вместе с семьёй Флёге на озере Аттерзе и написал там множество пейзажей. Пейзажный жанр был единственной нефигуративной живописью, интересовавшей Климта. По стилю пейзажи Климта похожи на его изображения фигур, они содержат те же элементы дизайна. Пейзажи Аттерзее настолько удачно вложены в плоскость полотна, что иногда предполагают, что Климт рассматривал их в телескоп[10].

В 1894 году Климт получил заказ на создание трёх картин для украшения потолка большого актового зала главного здания Венского университета на Рингштрассе. Аллегорические картины «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция», известные как «факультетские», были закончены к 1900 году. Их резко критиковали за тематику, которую называли «порнографической». Климт преобразил традиционные аллегории и символы в новый язык, с большим ударением на эротику, и потому более раздражающий консервативных зрителей. Недовольство высказывали все круги — политические, эстетические и религиозные. В результате картины не были выставлены в главном здании университета. Это был последний публичный заказ, который художник согласился выполнить. После этого картины приобрёл меценат Август Ледерер. В 1930-е годы нацистские власти национализировали ледереровскую коллекцию работ Климта. В конце войны эти работы перевезли во дворец Иммерхоф, но в 1945 году в эту местность вошли союзнические силы, и отступающие войска СС подожгли замок. Картины погибли. Все, что сегодня имеется, — это разрозненные предварительные наброски, черно-белые снимки трёх картин плохого качества и одна цветная фотография Гигеи из «Медицины». Её сверкающие золотые и красные краски дают представление о том, сколь мощно выглядели эти три утраченные произведения искусства.

Картиной «Обнажённая истина» (1899) Климт продолжил вызов общественности. Обнажённая рыжая женщина держит зеркало истины, над которым помещена цитата из Шиллера: «Если ты не можешь твоими делами и твоим искусством понравиться всем, понравься немногим. Нравиться многим — зло».[11]

В 1902 году Климт завершил Бетховенский фриз для 14-й выставки Сецессиона. Фриз представлял собой часть памятника композитору и содержал также монументальную раскрашенную скульптуру работы Макса Клингера. Фриз предназначался только для выставки и был выполнен непосредственно на стене нестойкими материалами. После выставки фриз был сохранён, хотя и не выставлялся больше до 1986 года.

[enlaridh-blog]

凛として時雨 ニューシングル「DIE meets HARD」 発売日：8月23日 初回生産限定盤[CD+DVD] AICL-3380~3381 ￥1,600+tax ※デジパック仕様 https://www.amazon.co.jp/dp/B071W6R3M... 通常盤[CD] AICL-3382 ￥1,200+tax https://www.amazon.co.jp/dp/B071ZMTTG... iTunes https://itunes.apple.com/jp/album/id1... [Disc1 - CD] 1. DIE meets HARD 2. I’m Machine 3. DIE meets HARD (Koji Nakamura Remix) [Disc2 - DVD] 1. DIE meets HARD (Music Video) 2. DIE HARD RADIO 【凛として時雨 オフィシャルサイト】 http://www.sigure.jp/ テレビ東京系ドラマ24「下北沢ダイハード」オープニングテーマ http://www.tv-tokyo.co.jp/shimokitazawa/ Creative Director: Kazuaki Seki (OOO) Director: Ikuma Ara (GEEK PICTURES)

[enlaridh-blog]

Самизда́т (произносится: [самызда́т]) — способы неофициального и потому неподцензурного производства и распространения литературных произведений, религиозных и публицистических текстов в СССР. Копии текстов изготавливались автором или читателями без ведома и разрешения официальных органо�� власти, как правило машинописным, фотографическим или рукописным способами, а к концу эпохи СССР — также и при помощи ЭВМ. Слово «самиздат» вошло в английский язык(англ. samizdat) как название неподконтрольной властям литературы в тоталитарных и авторитарных странах[1].

«Самиздатом» распространялись также магнитофонные записи:

песен В. Высоцкого, А. Галича, Ю. Визбора, Булата Окуджавы, А. Розенбаума, А.Вертинского, М. Ножкина, Леонида Утёсова, А. Новикова, Юлия Кима, Арк. Северного; К. Беляева;

инструментального ансамбля «Братья Жемчужные»;

исполнителей-эмигрантов (Вилли Токарева, М. Шуфутинского, Дины Верни, Петра Лещенко);

большинства исполнителей музыки жанров рок, метал, панк, не прошедших проверку на цензуру;

неофициальных выступлений музыкантов, писателей-сатириков, лекторов (записи квартирников и т.п.);

записи передач иностранных радиостанций, глушившихся в СССР;

Хотя само слово «самиздат» появилось лишь в середине XX века, с древнейших времен запрещённые произведения передавались друг другу рукописным способом. В XVIII веке именно так по России распространялись сатиры А. П. Сумарокова.

В первой половине XIX века, когда Россия буквально кишела тайными обществами, — воззвания будущих декабристов, а позже — и «народников». На следующий же день после смерти А. С. Пушкина, настигшей его 28 января (9 февраля) 1837 года, весь Петербург (а вслед за ним и Москва) читал ходившие по рукам многократно переписываемые строчки стихотворения М. Ю. Лермонтова «Смерть поэта». В то время это называлось «хождением в списках»: слово «список» обозначало рукописную копию. Так, «в списках», ходила комедия А. С. Грибоедова «Горе от ума», запрещённая цензурой на долгое время. Лишь после смерти автора (1829), в 1831 году была разрешена постановка полного текста комедии, без купюр, сначала в Петербурге, потом в Москве (вне столиц пьеса официально была запрещена до 6 июля 1863; первая публикация комедии без искажений появилась в Москве только в 1875 году[3]). Во второй половине XIX столетия всю Россию наводнили листочки с едкими поэмами вологодского опального священника Василия Сиротина (более всего известного как автора песни «Улица, улица, ты, брат, пьяна»). Также в рукописных «изданиях» ходили произведения Н. А. Некрасова, И. С. Баркова (по причине их якобы непристойности), а заодно и действительно похабные тексты, приписываемые Баркову, но не имеющие к нему отношения; и т. д.

XX столетие уже широко использовало для самиздата технические новшества: пишущие машинки, ксерокопировальные аппараты ранних образцов, магнитофоны и другие устройства.

В XXI веке слово «самиздат» иногда используется также в качестве названия зарегистрированных изданий; они печатаются или распространяются в Интернетеоткрыто, доступны, и уже в силу этого не являются «самиздатом» в исходном значении слова.

Дискутируется вопрос, следует ли журналы, выходившие в последнее десятилетие XX века, да и любую не преследуемую издательскую деятельность, называть самиздатом[4].

Распространителей самиздата преследовали через прокуратуру и КГБ. Антологияпреследований (как и других репрессий) называлась «Хроника текущих событий» и тоже распространялась в самиздате. Распространение информации о репрессиях подавлялось особенно жестоко и тоже попадало в «хронику».

Преследование самиздата противоречило международным соглашениям, подписанным Советским Союзом в Хельсинки. Были организованы группы содействия выполнению Хельсинкских соглашений в СССР, см., например, Московская Хельсинкская группа. Документы Хельсинкских групп выходили как в «сам-», так и в «тамиздате». Изготовление и распространение этих документов преследовалось властями; участников Хельсинкских групп выгоняли с работы, арестовывали и подвергали принудительному лечению (карательная психиатрия)[14].

Несмотря на репрессии, поток самиздата ширился. Председатель КГБ Ю. Андропов в 1970 году в секретном сообщении ЦК отмечал: «За период с 1965 года появилось свыше 400 различных исследований и статей по экономическим, политическим и философским вопросам, в которых с разных сторон критикуется исторический опыт социалистического строительства в Советском Союзе, ревизуется внешняя и внутренняя политика КПСС, выдвигаются различного рода программы оппозиционной деятельности»[15].