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Luigi Ghirri nous invite dans son pays(age) d’images

C’est un billet pour grand voyage dans l'Italie des années 70 que j’ai pris au guichet du Jeu de Paume ce matin-là. Pas un voyage touristique, non, un voyage au pays des images, là ou se jouent des frontières entre nature et culture : un voyage dans l’univers photographique de Luigi Ghirri.

Ce géomètre de profession, muni de son appareil photo, contemple. Il observe et rend compte, avec les moyens les plus simples, l’univers qui l’entoure. Cet univers, c’est une société qui oscille entre grands paysages et consommation. Mais loin d’une simple analyse de terrain ou au contraire d’une critique de cette société consumériste, Luigi Ghirri construit une œuvre rêveuse et amusée qui joue avec les frontières du réel.

Le voyage auquel le photographe nous fait participer passe à travers des images imprimées, des publicités, mais aussi des cartes, des atlas, qu’il associe avec malice aux éléments de la vie réelle. Lui-même disait : « Il me semble que le seul voyage aujourd’hui possible se situe dans les signes, dans les images ». Cette phrase prend tout son sens lorsque nous contemplons ce diorama réalisé à Salzburg en 1977. À première vue, nous observons un groupe de personnes contemplant des chaînes montagneuse. Mais après quelques instants, nous comprenons que les personnes sont face à un grand atlas. Ce diorama réalisé au Museum d’Histoire naturelle est en réalité une image d’image.

Salzburg, 1977. Collection privée. Courtesy Matthew Marks Gallery © Succession Luigi Ghirri

De nombreux clichés se jouent de cette manière de la confusion entre le réel et la représentation du réel. Notamment sa grande et première série intitulée Kodachrome qui regroupe des photographies de panneaux publicitaires, affiches et autres images trouvées dans les rues de Modène. Cet ensemble inclut une seconde série, plus petite : les Paesaggi di cartone, montrant l’importance de ces images dans la vie quotidienne, dont les deux photographies qui suivent en sont tirées. Ces deux clichés sont ceux que je retiens de ce voyage. Émouvantes et captivantes, elles reflètent à merveille l’imagination dont fait preuve Luigi Ghirri pour souligner les limites poreuses entre le décor factice et le paysage naturel. Les deux réalités s’enlacent et jouent de leurs significations, nous emmenant vers une fiction complice.

Bologna, 1973. CSAC, Università di Parma © Succession Luigi Ghirri

Modena, 1972. CSAC, Università di Parma © Succession Luigi Ghirri

Luigi Ghirri est un rêveur. Son voyage photographique convoque notre imagination, nos songes, et nous invite à partager les histoires qu’il crée de manière simple et humble, à bord de son petit appareil photo couleur d’amateur.

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But … why "The Internet »?

Grooving, I move my body to the sound of funk music. In the Batcalan tonight, everyone is smiling and dancing to the rhythm of the Californian group on stage: The Internet. Syd, the singer, Jameel Bruner, the pianist, Patrick Paige, the bass player, Christopher A. Smith, the drummer, and Steve Lacy, the guitar player, fill the room with funk and soul in a relaxed atmosphere. If the name of the band had never questioned me, tonight their name seems to me to be in dissonance with the warm and embodied spirit of this concert. I wonder : but why « The Internet »?

Far from the electronic music With this band’s name, you would expect electronic music in the same spirit as Daft Punk, a music made with the help of sounds generated by the digital tool. Indeed, using the name of the global computer network, the group born in Los Angeles in 2007 (under the collective Odd Future) suggests a music of its time, created by machines. However, it is none of these things. From the beginning, the group has been committed to analog instruments. On stage, I see a real live band and I hear organic music: R&B and hip hop lyrics on jazz and funk music, thanks to a bass, guitar and drums that fill the speakers with good vibes.

Photograph for the last album "Have Mind" (2018), where we see the band relaxed. © The Internet

A reaction to the "Internet" era? At a time when electro and pop music reign and when trap and autotune invade hip-hop, this Californian band creates a hip-hop soul music more old-school. They are adopting a philosophy of letting go against the Internet generation that thinks only by the number of followers and retweets we have on social networks. The Internet therefore seems to adopt a posture that favours pure music, created and played from real instruments, in response to the new musical genres and digital effects widely used nowadays. You can see this criticism in the video clip of Come Over, which starts on a shot where each member of the band is stunted to their mobile phone, while when they are playing, they are in a very old school garage, back in the 90’s.

Video clip of Come Over (2018) : https://www.youtube.com/watch?v=NB3gWkhLkxM

So the name of the group might be a counterpoint to this "Internet" generation. But the band did not comment on the origins of the name, and I'm just making some guesses here. Indeed, it is difficult to say when we know that the two founders of the group met... on the internet. Is that the simple answer to my question?

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Lia Rodriguez nous donne ses nouvelles du monde

À la frontière du rite, de la danse, de la performance et de l’installation, la chorégraphe brésilienne Lia Rodriguez présente sa nouvelle pièce Furia au Théâtre Chaillot, dont elle est artiste associée, cet hiver 2018. Avec neuf danseurs de quartiers des favelas du Brésil, elle dépeint avec incarnation et sans complexes la violence des rapports humains dans ces lieux de pauvreté. À travers cette danse engagée et au lourd message politique, elle nous donne des nouvelles d’un monde déchiré qui appelle à l’aide.

Le tableau débute dans un silence pesant, dans le noir. Les danseurs sont cachés dans l’obscurité, recouverts de divers vêtements et objets tous genre. Lentement, ils rampent sur la scène. Ils glissent sur le sol, emportant avec eux leurs maigres affaires, leurs couvertures, leurs duvets, leurs bâches en plastique. Ils s’en emparent, amassent, empilent, mêlent et emmêlent leurs corps à ces déchets de textiles. Cet étrange tableau fait penser au Radeau de la Méduse de Théodore Géricault. Les danseurs sont des naufragés, les naufragés de la démocratie brésilienne.

© Sammi Landweer

Puis un tambour retentit, faisant bondit mon cœur dans ma poitrine. Au son de ce rythme endiablé les danseurs s’agitent, et comment à former une procession qui avancera lentement jusqu’à la fin de la pièce. Loin d’être monotone, les danseurs s’abandonnent à une folie de l’ordre de rites sombres. N’hésitant pas à choquer, les danseurs se dénudent, se battent, se masturbent, formant diverses scènes grotesques à l’intérieur de cette procession qui ne s’arrête pas.

© Sammi Landweer

Lia Rodrigues dresse le portrait des exclus de son pays : les noirs, les homosexuels, les transgenres, les pauvres. Tous se mêlent à cet étrange ode à la folie. La chorégraphe nous explique : elle cherche à nous montrer ce « monde haché par une multitude de questions sans réponse, traversé de sombres et fulgurantes images, de contrastes et de paradoxes ». Lors des saluts, ils brandissent des pancartes « Vive le Brésil pour tous », « La favela est vivante » et réclament des réponses au meurtre inexpliqué de Marielle Franco, une militante des droits de l’homme, conseillère municipale à la mairie de Rio de Janeiro, assassinée en mars 2018.

À travers Furia, la chorégraphe brésilienne nous donne des nouvelles de son monde déchiré par les inégalités et la pauvreté, qui sera dirigé à partir du 1er janvier 2019 par l’extrémiste Jair Bolsonaro. Une manière pour nous de comprendre l’actualité de manière plus incarnée et humaine, nous prenant aux tripes, qui ne peut se saisir à travers les mots d’un article de presse.

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The utopian world of Italo Calvino

"Cities like dreams are made up of desires and fears, even if the thread of their speeches is secret, their rules are absurd and their perspectives are misleading". Welcome to the novel Invisible Cities of Italo Calvino, an entire world published in 1973 and divided into 55 short stories, each describing a city fantasized by the traveller Marco Polo.

The cities described by the Italian writer have no place on any map, we do not know which period in time these cities belong and all of them have the name of a woman. Melanie, Léandra, Ersilie, Maurillia, Zirma, all these cities seem to belong to a distant and imaginary country, which transports us to strange places made of luxurious palaces, taps, or earth. Gradually, the reader is led into the midst of cities that can only exist in dreams because they are so unreal.

The only thing that is certain is that these short stories of a dream world form a fragile and wonderful catalogue of symbols and morals that can be applied to our contemporary world. The dialogues between Marco Polo and Sultan Khan, to whom he describes these cities, close each chapter with philosophical dialogues. Between them they evoke themes such as memory, experience, or the subjective vision of the world.

Through this text, the author then tells us his vision of the contemporary world and tries to explain it in his own way thanks to the figure of the ideal city. Imagined cities are a recurring theme that has been the concern of many thinkers, writers, artists and architects who try to represent a utopian world that reflects their own convictions. On different scales and at different times, the utopian world is represented from the Renaissance with the painting La Città ideale, painted by Piero Della Francesca between 1475 and 1480, and is still present today with Oscar Neymeyer's incredible city Brazilia (1960) for example.

Piero della Francesca, La Città ideale, Galleria Nazionale delle Marche Urbino

In Invisible Cities, Italo calvino then transports us in his ideas and visions of the world through the allegorical figure of the ideal city. This literary device allows us to travel completely in a thought as the traveller Marco Pollo does through cities. I was captivated by the destination of this novel, so I have only one advice: buy your tickets for this amazing trip too.

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Les Inrockuptibles, la course fatale au lectorat ?

La nouvelle maquette de 2017 des Inrockuptibles aux allures des nouveaux médias comme Konbini traduit une angoisse : la perte progressive de son lectorat. Un grand lissage de l’image, perdant tout son caractère, semble viser un public plus jeune et perdre son lectorat fidèle. Au DSAA Design Éditorial nous avons pu rencontrer les acteurs du journal et travailler sur une refonte de la maquette. Pour cette occasion, je propose aux Inrockuptibles de changer leur direction éditoriale actuelle pour la ramener aux valeurs historiques des premiers numéros : un magazine sérieux, prescripteur de contenu, dénicheur de talents. Si l’aspect fanzine ne parle plus aux jeunes lecteurs d’aujourd’hui, je souhaite tout de même retrouver un de ses traits qui me paraît important : l’effet « club », confidentiel, avec une identité forte et une communauté de lecteurs plus actifs par l’effet d’appartenance à un magazine exclusif. 

À gauche, le premier numéro de 1986. À droite, le numéro 1156 du 24 janvier 2018

La maquette intérieure, traduire le ton prescripteur De par la mise en page du contenu, l’impératif est de traduire à nouveau une rigidité et une structure manifeste synonyme d’articles pointus et réflexifs ; la forte présence de filets séparateurs et la justification du texte permettent cela. Le traitement de certaines photographies en noir et blanc fait aussi signe, en effet, il inverse l’attention du lecteur : le texte à lire devient plus important que l’image. Dans cette maquette bien sobre, presque aseptisée, vient se glisser un clin d’œil auquel seuls les abonnés seront habitués : tous les mots en italique ne sont pas de l’Akurat, caractère sans empâtements utilisé dans tout le magazine, mais du Fleichmann Italique, un caractère à empâtements au dessin très particulier. Une bizarrerie qui permet de faire l’identité des Inrockuptibles et d’éveiller l’attention du lecteur.

La couverture, une fonction signalétique Au contraire de l’intérieur, la couverture a une tout autre fonction : celle de faire voir le magazine en kiosque, le rendre visible et le démarquer de ses concurrents. C’est pour cela que dans ma proposition je fais usage d’un système de bandes horizontales aux couleurs primaires et secondaires de manière à obtenir les tons les plus vifs. Leur contraste avec la photographie en noir et blanc permet d’identifier le magazine, visible de loin. La mise en forme très simple, la séparation des informations, et surtout la proscription de superposer le texte et l’image sont des codes graphiques appartenant plutôt aux couvertures de livres qu’aux magazines. Ce glissement des codes me permet d’affirmer visuellement un contenu sérieux, pointu et presque littéraire d’un magazine qui aurait pu être livre.

Développement web, augmenter la part d’implication des abonnés Pour fidéliser le lectorat, la sensation d’une communauté des abonnés Inrockuptibles sera plus présente sur le développement du site mobile. En effet, en plus de publier des articles, il sera une plateforme ouverte aux abonnés, leur permettant de participer à des votes sur les meilleures sorties musique et cinéma de la semaine, de s’inscrire à des tables rondes autour de sujets précis, et d’obtenir des cadeaux exclusifs tels que des albums dédicacés ou des places pour Rock en Seine par exemple. Cela permettra d’accroître l’effet d’appartenance et l’envie aux non-abonnés de faire partie du club.

Au lieu de pratiquer la course au lectorat, et de risquer une trop grande dilution de leur contenu, je propose aux Inrockuptibles de se recentrer sur des articles et des sujets pointus et de qualité. Je les invite également à réaffirmer leur autorité, tout en créant un effet « club » : une communauté de lecteurs plus actifs qui se reconnaîtront dans le journal et auront envie de s’y impliquer. Maintenant, c’est à l’équipe des Inrockuptibles de jouer.

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Pierre Muckensturm uses the technique of engraving to reveal a flexible temporality

Pierre Muckensturm is a French painter and engraver. His abstract visual language is built around a black and white palette and complementary geometric shapes. Born in Strasbourg in 1970, he currently lives and works in Colmar. He discovered etching in 2010 during an artistic residency at the Boribana Museum in Dakar, and it is there that he discovered the notion of a flexible temporality, completely different from his relationship to European time. It is from this experience that, in parallel with his painted work, he develops an engraved work that allows him to talk about his new relationship with time. Let’s immerse ourselves in his world of calm and harmony.

Temporal Narrative Based on the Serial Device This temporality discovered in Africa is a suspended and calm time, less regular and more flexible; and the engraving process support this discovery thanks to the serial character of the print. Indeed, the notion of series introduced by the engraving technique allows a sequencing in time of the form. Pierre Muckensturm immediately understood this, and instead of reproducing identical shapes with each impression like a rigorously regular time, the artist play with the orientation of the support to allow the shapes to narrate a movement. The narrative exploration of the passing of time is quite evident in its “series 5” of 2018 where the multiplication of forms on the same support allows the mental mechanism of the reading of the comic strip. We can imagine a shape moving as much in space as in time. The fact of keeping the same shape but declined in space, allows to tell a very slow movement, in the same way as the long work of the manual printing.

“Series 5″ of 2018 © Pierre Muckensturm

“Quiet Objects” or an Aspiration to a Suspended Time The cohabitation of and the temporal narration and a visual language made of simple and refined signs, reduced to their purest essence, allow Pierre Muckensturm to express a strong feeling of calm and a suspended temporality. Indeed, the artist essentially uses black and white and geometric shapes to form a balance between full and empty. These visual elements evoke the Japanese print and its primary function: meditation. This is particularly visible on the "series 3″ of 2016, where Pierre Muckensturm revisits the Japanese enso, a circle drawn with a brush by the monks during their meditation. Thus, the artist sets up a harmonious and balanced visual language, creating, as he calls them, “quiet objects”.

“Series 3″ of 2016 © Pierre Muckensturm

In this way, this artistic residency in Africa allowed the artist Pierre Muckensturm to discover a new notion, a calm and natural temporality, at the same time as a technique, engraving. The coexistence of this subject and this technique has permitted Pierre Muckensturm to explore etching not as a simple technique, but as a way of thinking in its own right.

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Projet « Ferox » : Faut-il croire les archives ?

Lors de ma déambulation à travers les stands d’offprint ce week-end du 10 novembre, mon attention se concentre sur un livre plutôt épais, portant le nom de « Ferox, les archives oubliées 1976-2010 ». Tout de suite attirée par l’idée de voir d’anciennes archives, je feuillette le livre. Je ne suis pas déçue, l’ouvrage entier expose de magnifiques photographies d’archives et de schémas scientifiques portant sur l’exploration de la troisième lune de Mars, Ferox. Inspirée par cette thématique, je me plonge dans la lecture page à page de cette mission incroyable, qui me cache bien des secrets.

Un propos scientifique irréfutable Cette mission « Ferox », dont j’ignorais tout, est déclenchée après la découverte d’un groupe de météorites dans les Alpes suisses dans les années 1940 venant de la troisième lune cachée de Mars. Avec le financement de l’IEMS, les scientifiques ont envoyé les premiers Rovers à Ferox, réalisant des expériences critiques et rassemblant des données sur les capacités particulières des météorites. Ces études se sont poursuivies pendant de nombreuses années, jusqu’à ce que les recherches soient interrompues brutalement en raison de coupes budgétaires malheureuses. Or l’énorme collection de données, d’images et de textes était archivée méticuleusement pendant des décennies. Nicolas Polli, auteur de ce livre, à la découverte de toute cette documentation oubliée a donc décidé de la publier via un site Web à code source ouvert accessible à tous, et également dans un vaste ouvrage de recherche — celui que je tiens entre mes mains — afin de faire connaître la troisième lune de Mars à un plus grand public. L’histoire de Ferox est incroyablement fascinante, mais il n’y a qu’un seul inconvénient : « Everything in this book is fake. » me lance joyeusement l’artiste, qui m’observait depuis quelques minutes.

Fake News, Fake Archives Je le regarde dubitativement. Il m’explique. C’est un artiste, et pour son Master Direction Artistique à l’ECAL, Nicolas Polli a constitué l’ensemble des archives Ferox dans son propre studio, en créant des images se rapprochant au plus près de l’esthétique des photographies de l’espace et de la documentation de laboratoire. Avec l’aide d’écrivains et de scientifiques, il a tout fait pour rendre la documentation la plus plausible possible. Cet univers, cette mission, ces archives créés de toutes pièces lui permettent de tenir un propos intéressant : il estime que de nos jours, à l’heure de la Fake News, nous faisons paradoxalement trop confiance à l’information scientifique — en particulier aux images — et cette adhésion doit être remise en question. En questionnant le pouvoir de persuasion des images par son projet « Ferox », il encourage les lecteurs à faire confiance à leur sens critique plutôt que d’accepter aveuglément les informations qui leur sont données. 

Ci-dessous : Le traitement des photographies et des données scientifiques permet une illusion totale. © Nicolas Polli

En créant ses propres archives pour une mission spatiale inventée, l’artiste Nicolas Polli nous encourage à réévaluer notre acceptation de la photographie en tant que preuve scientifique. Cela a marché, car transportée par ce retournement de situation, je suis rentrée avec le livre sous le bras.

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“Ladies and gentlemen we are floating in space”, the example of a clever record cover

This week, I invite you to go back to 1997. It was the year of the release of the third album of the English group Spiritualized: Ladies and gentlemen we are floating in space. The album, written by Jason Andrew Pierce, is a masterpiece of gospel rock. The packaging of the disc designed by Mark Farrow is also noteworthy. The English designer created more than just a record cover: he deployed a whole concept that allowed the design to become an icon known around the world.

© Farrow Design

A powerful concept that is applied to the full extent of the project The idea for this cover was born during the first meeting between Mark Farrow and Jason Pierce in London, while they were looking for ideas of original design. At the time, Pierce was in a dark pass, he used a lot of drugs. During their meeting, he says that music is his medicine for the soul. Mark Farrow immediately comes up with the idea of packaging similar to a medicine box. This strong concept is extended considerably throughout the project. Indeed, he designs a cardboard pouch made in the shape of a real medicine box with 12 mini CDs inside. The CD is opened through an aluminium foil, using the same procedure as opening a box of pills. In addition, there is a “patient product information” leaflet, where indications to users are included like  “What is Spiritualized used for?” Spiritualized is used to treat the heart and soul “What is the recommended dose? ‘Play once, twice daily or as recommended by your doctor or pharmacist. ’. The entire record cover includes the graphic codes of the medicine boxes. This concept, which has been considerably deployed, allows the album to have a very coherent image.

Deployment of the concept on all supports

When packaging communicates by itself The problem with this unique packaging is that it is very expensive to manufacture. Mark Farrow insists: he wants these pill boxes to be manufactured in a pharmaceutical factory to make the concept strong and coherent. To be able to have the money to do so, he proposes that a large part of the marketing budget should be allocated to packaging. But it is not easy to convince producers to agree to this. Fortunately, a person from the BMG label, Juliet Howells, found the idea brilliant and supports the project. They bet that the packaging is so special that there is no need for a big communication campaign. A successful gamble: the album sold more than a million copies.

This example is proof of the visual power of cover design: thanks to its strong concept, the packaging has replaced the advertising campaign. Mark Farrow has succeeded the challenge of making a unique and intelligent cover that combines graphic design and music. This album has since become an icon of record covers. Arte is dedicating an episode of his series ‘Total Records, le culte de la pochette’ to it, which I invite you to see!

https://www.arte.tv/fr/videos/075319-009-A/total-records-11-11/

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«The idiot» de Saburo Teshigawara : Lorsque la danse est un art élitiste

Nous sommes jeudi soir, j’ai rendez-vous avec la scène du Théâtre Chaillot. Au programme, The Idiot, du chorégraphe japonais Saburo Teshigawara. Je ne le connais pas : j’y vais les yeux fermés, faisant confiance à la programmation de Chaillot qui ne m’a que rarement déçue. Il est 20h25, j’ai le temps de lire le petit livret que l’on m’a tendu à l’entrée. Saburo Teshigawara est un chorégraphe présenté dans le cadre du Festival Japonisme, il revenu au Théâtre de Chaillot pour une pièce créée il y a deux ans à Tokyo : The Idiot. Il danse en en duo avec sa fidèle collaboratrice Rihoko Sato sur un collage musical qu’il a lui-même sélectionné.

Rideau.

Une heure et demie d'inconfort Après ce court descriptif, la pièce commence. Noir total. Des violons langoureux remplissent les enceintes du théâtre. La lumière se diffuse de manière très lente et nous apercevons enfin les deux danseurs. L’homme est à contretemps, il a des gestes saccadés, la tête penchée et semble embarrassé par son corps. Tandis que la danseuse à ses côtés est, au contraire, virevoltante, belle, délicate et gracieuse. Cette figure de l’homme me gène, The Idiot, oui : un idiot, ou plutôt la caricature d’un idiot. Je croise mes jambes d’inconfort. La musique devient dure et mécanique. Des spectateurs se lèvent et sortent de la salle. Tout un coup, une valse. Puis un idiot encore plus idiot. Une femme encore plus sensuelle. L’idiot enlève sa veste. La femme se pare d’une longue traîne. Une personne déguisée en souris grise traverse le plateau (?). La danse continue sur des violons mixés à des bruits métalliques. La danseuse tombe au sol. L’homme semble souffrir. Attendez. Dois-je trouver un sens à tout cela ? 
 Cette heure et demie est remplie de questionnements, de volonté de comprendre ce qu’il se passe. Ai-je raté quelque chose ou cette pièce est tout simplement mauvaise, comme en témoigneraient les spectateurs qui ont quitté la salle ? Cette dernière hypothèse s’évanouit lorsque la pièce se termine sur un tonnerre d’applaudissements. Mes voisins répètent à tout bout de champ : « Magnifique ! C’est magnifique ».

The Idiot. Saburo Teshigawara et Ryoko Sato. © Sigrid Colomyès

La sensation de mise à l’écart Encore sonnée par ce final, j’ai alors qu’une seule chose en tête : pourquoi ? J’ai l’énorme sensation de ne pas comprendre, d’être mise de côté. Cette frustration est grandissante lorsque j’entends des conversations improbables  sur le chemin de la sortie : « C’était incroyable la scène de l’anniversaire ! » J’ai envie de répondre : « Un anniversaire ? Comment ça ? Quand ? Où ça ? » Seule face à mon ignorance, je décide de m’éloigner des petits groupes débattant d’un énième détail de ceci ou de cela et me précipite sur internet pour comprendre. Enfin, tout devient clair. The Idiot, c’est une pièce interprétant le roman du célèbre Dostoïevski du même nom. Voilà la clé de mon incompréhension. Il me manquait cet élément de culture générale capital pour apprécier la pièce. Le voile se lève sur ce mystère, mettant en lumière ma bête ignorance, mais également ma culpabilité  : je ne connais pas le roman non plus (alors que la page Wikipédia prône le fait que c’est un classique). Je pense : The idiot, c’est moi.
 Mais alors ? Cette pièce était-elle réservée aux initiés ? Bien que l’heure soit à la démocratisation de la danse, soutenue par Jérôme Bel, Mourad Merzouki, et tant d’autres, la communication autour de The Idiot n’a pas été explicite. Les non-initiés ne demandaient pas grand-chose, juste quelques phrases pour situer le propos de la pièce. Et même si elle avait l’air d’être une grande réussite, l’image d’un art élitiste lui collait à la peau. 

Quelle étrange sensation le fait de ne pas savoir. Être l’ignorant autour de ceux qui savent. De se retrouver incapable d’apprécier un art que l’on chérit par le simple fait de ne pas avoir su. Là-bas, sur le chemin du retour, je n’ai pas eu le réflexe de me dire « Ils auraient pu l’écrire quelque part ». Je me suis juste dit, en répétant les mécanismes de l’élitisme : « Il me faut absolument lire ce roman de Dostoïevski ».

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First Man, When the Sensory of Reality Replaces the Weight of History

First Man, directed by Damien Chazelle, will be released on October 17. In his third film, the American director immerses the viewer in the era of Space Age. The film does not deal exclusively with the famous Apollo 11 mission but above all retraces its preparation through the eyes of Neil Armstrong (performed by Ryan Gosling). The well-know subject of this biopic is shown in a more realistic way. Chazelle makes us rediscover a page of history that we thought we knew everything about.

A well-known subject Neil Armstrong's story is no secret to anyone. He was the first man to go to the moon in 1969, he said the words "That's one small step for man, one giant leap for mankind", and he came back to earth in one piece. We have seen this story time and time again through many reports and films like Moonwalk One, 2001: A Space Odyssey, In the Shadow of the Moon, and many others. This event was so important that we now see it as very serious, almost devoid of sensitivity so much it has been idealized. The images we have of this event are often images taken from the television news that made the take off and the moon landing very spectacular. To differentiate himself from his predecessors, Damien Chazelle did not want to reproduce this glorified and spectacular effect.

Neil Amstrong performed by Ryan Goslin © Universal Pictures International France

A sensible approach Chazelle wanted to pit his scenario against the usual ones and show sensory of the reality of these missions. Indeed, instead of seeing the story through the news of the time, we adopt the personal point of view of astronaut Neil Amstrong. We follow him through his family life with his friends in his joys and his sorrows, and his hard training at the NASA. This personal point of view allows us to understand that these missions were not as safe as they seemed: we do not see here indestructible pilots and a strong NASA, but on the contrary fragile shuttles and big accidents. The film shows a psychological fragility too: pilots has complicated family lives and psychological torments. All attests a permanent danger as technological as phycological that testifies to a time when everything was yet to be discovered. Moreover, the way of filming the space is different from the images we are used to seeing: the film is concentred on Neil Amstrong's feelings. We are always very close to him, we see throught his eyes, we do not observe rocket launches from the outside but from the inside for example. In the rocket cockpit, noises  are mechanical, we hear the tremor of the steel sheet and we feel the danger. We're light years away from all the usual sience-fiction little noises of space movies.

Whereas First Man could have been lost in the middle of all the films on space age, Damien Chazelle managed to bring this historical fact, the most followed in history, more personal. And he succeeded.

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Une beauté déstabilisante, photographies de Ron Amir

Quelque part dans le désert c’est l’exposition étonnante du photographe israélien Ron Amir qui se déroule en ce moment au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris jusqu’au 2 décembre. Sa photographie aux couleurs douces et au style maîtrisé est socialement engagée : l’exposition regroupe une série de trente clichés qu’il a réalisés lors de séjours dans un camp de réfugiés soudanais en Israël. Un contraste entre esthétique et sujet qui met volontairement le spectateur dans une position inconfortable.

Une démarche engagée Ron Amir documente les activités quotidiennes des réfugiés d’un camp isolé. Les exilés qui ont fui la terreur n’ont pas le droit de vivre ou de travailler légalement en Israël et sont contraints de rester au centre de demandeurs d’asile. Même s’ils peuvent circuler en journée, ils sont dans l’obligation de rentrer le soir. Le photographe s’est impliqué dans cette communauté, leur rendant visite sans but défini. Il a pu se lier d’amitié avec les réfugiés et comprendre leur mode de vie, photographier leurs activités quotidiennes, hors du centre, en plein désert. C’est dans ce désert que les exilés y ont recréé un semblant de foyer : des abris de fortune, des salons de thé, des mosquées, des bancs, des fours en utilisant des pierres, des bâtons, et autres objets trouvés. Mais Ron Amir ne photographie pas les réfugiés eux-mêmes comme nous aurions pu nous y attendre. Il dresse au contraire leur portrait à travers leurs constructions, leurs foyers de fortune.

Une esthétique de la photo de paysage En évinçant toute figure humaine de ses œuvres, Ron Amir tend vers l’esthétique de la photographie de paysage. Son propos engagé contraste donc avec des paysages désertiques capturés au petit matin, à la lumière douce, aux couleurs tendres et à l’horizon lointain. Le spectateur pourrait se tromper face au romantisme de ces scènes jusqu’à ce que les titres de ces gigantesques photographies lui rappellent la réalité : c’est en fait « La cuisine de Khamis ». Ce retour brutal à une misère sociale en est presque culpabilisant pour le spectateur, tiraillé entre sentiment de beauté plastique et devoir solidaire. Est-il ici pour se documenter sur une atteinte préoccupante aux droits de l’homme ou pour contempler des photographies romantiques à l’apparence attrayante ?

Ci dessous : La salle de sport d'Ibarhim Tuayisha, 2015 © Ron Amir

Ce contraste entre une esthétique séduisante et le sujet à l’engagement social marqué met le spectateur dans une position sensible, voire taboue : difficile de trouver la misère belle. Ron Amir à travers cette série de photographies a réussi un admirable tour de force : rénover l’esthétique de la photo solidaire et engagée, mais également de déstabiliser le spectateur et le faire réfléchir sur sa propre position dans l’exposition. Troublant.

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How to Liberate Us of the Technical Constraints With Rodin

Rodin and dance is a big story. It was the subject of a impressive exhibition at the Auguste Rodin museum in Paris from April to July. Throughout his career, Rodin focused much of his artistic research on how to convey the movement, energy and expressiveness of the human body. While historically and technically, sculpture has always pretended to depict fixed models. A story of a motionless movement.

“Rodin et la danse” exhibition © Jean-Pierre Dalbéra

Rodin, Renewal in Sculpture Auguste Rodin wanted to innovate the sculpture like dance. Indeed the 1890s certain key figures like Loïe Fuller or Irosadora Ducan brought about choreographic revolutions: the aspirations of these dancers was to liberate the body of the controlled classic dance. Rodin’s art and his collection of photos, correspondence and books, testifies to his profound interest in these radical innovations. Thanks to a precise design and a complete textual information, this exhibition proves us the link the sculptor made between the dance revolution and the art of representing the human body.

A Natural Movement, a Natural Sculpture Rodin aimed to capture the reality and energy of the movement as closely as possible, as well as the relationship between the body and the space around it. His work with dancers showed him new possibilities in the sculpture art, and he learned a lot on the natural movement. Rodin was fascinated by the dancer’s leaping which seemed to defy gravity. But to depict it, he used the bronze, a rigid and durable material. So a tension was created between a material which supposes a static sculpture and the movement of the body floating in the air. That created a work defying the laws of gravity, materials and technique.

In our discipline, we always try to push the limits imposed by the old figures and techniques.Auguste Rodin, thanks his researches on dance, liberates himself from the technical constraint of classic sculpture to explore the body language through new gestures and poses. Maybe can we draw a link with editorial design and its desire to push the constraints of printed books thanks to the digital tool?

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Mademoiselle de Jonquières, une fleur manquant d'épines

Emmanuel Mouret signe son 9e long métrage, « Mademoiselle de Jonquières », sorti en salle ce 12 septembre. Un drame en costumes, inspiré de l’œuvre de Denis Diderot, « Jacques le Fataliste ». Le réalisateur met en scène Cécile de France comme Madame de la Pommeraye, une jeune veuve retirée du monde, quittée par son amant, le marquis des Arcis (Édouard Baer). Terriblement blessée, celle-ci complote alors une vengeance avec l’aide de Mademoiselle de Joncquières (Alice Isaaz). Ce trio amoureux, thème très apprécié d’Emmanuel Mouret, est entouré de fleurs à forte valeur symbolique tout au long du film.

Ce sont des fleurs que l’on voit apparaître en premier à l’écran, dès le générique entrant : un amoncellement de silhouettes florales sur un fond rouge s’épaississant au fur et à mesure de l’accumulation. Grâce à ces symboles formels et colorés, le thème du film est présenté : l’Amour (avec un grand A). De plus, cette accumulation donne le ton de la première partie, portée sur l’idéologie libertine du Marquis, mais aussi sur la séduction puis l’amour sans faille des deux amants dans lequel Mme de la Pommeraye s’abandonnera. La fleur, inévitable figure de charme, d’amour, de tendresse, sera présente sous toutes les formes : sauvage dans les jardins comme coupée dans les magnifiques bouquets de Mme de la Pommeraye, remplissant complètement son rôle symbolique. Le même que dans le générique de « Le Temps de l’innocence » de Martin Scorsese et ses fleurs éclosant sur fond noir, réalisé avec Saul Bass. Le premier tableau du film serait donc une rose rouge, aux valeurs de l’amour passionnel et sincère.

Fleur rouge, l’amour. Fleur jaune, la trahison. © Mademoiselle de Jonquières, E.Mouret

Mais gare aux désillusions. Lors du second tableau, la rose rouge devient jaune et exprime la trahison, l’infidélité voire la rupture. C’est en effet le point de basculement du film : Mme de la Pommeray se rend compte que le Marquis n’éprouve plus de sentiments envers elle, que son amour s’est fané. Dans une robe jaune vif, Mme de la Pommeraye accueille alors Mlle de Jonquières avec qui elle souhaite se venger. Au fur et à mesure que sa vengeance se déroulera, elle sera de plus en plus représentée composant des bouquets, telle une fleuriste composant lentement sa victoire grâce à la manipulation des sentiments.

« Mademoiselle de Jonquières » est un film à l’odeur des fleurs fraîches, drapées de beaux dialogues en langue du XVIIIe, de costumes colorés et de décors naturels superbes. Cependant, le long métrage au schéma amour/vengeance sera difficilement comparable à un bouquet de roses, manquant peut-être de piquant, de rythme, et d’un scénario plus novateur, faisant trop souvent penser aux « Liaisons dangereuses » adapté par Stephen Frears.

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Innovate on the Way of Presenting Books

This Tuesday, September 11th took place the private view of the Most Beautiful Swiss Books 2018 at the Centre Culturel Suisse in Paris. For this occasion Jonas Voegeli of the studio Hubertus Design (based in Munich) could present his editorial work during a conference, and especially talk about the catalog of the Most Beautiful Swiss Books he designed last year. This interesting exercise is in fact a big challenge for graphic designers: how to present books into a book?

A Challenge Takes Up by a Different Designer Every Year The Most Beautiful Swiss Books is an annual competition created in Jan Tschichold’s initiative and organized by the Swiss Federal Office of Culture. It aims to highlight publications with particularly significant contemporary graphics. The jury evaluates the design and typography, the quality of printing and binding, as well as the materials used, focusing in particular on innovation and originality. The award-winning books are then presented in a catalog published by the competition. The design of the catalog is entrusted to a different designer every year. Without any constraint of format, of paper, designers have carte blanche on the way to represent the books. So since 1998, catalogs took different forms according to their typographer, most significant being the one designed by Maximage or by Teo Shiferli, for example. But how to present books in a different way each time? How to innovate?

Hubertus Design’s Proposition To answer this question, Hubertus Design asked the jury on what the specificities of the books that year. These interviews led to design the catalog like a research laboratory. Indeed, the award-winning books are not represented in a conventional way, but examined very precisely and compared to each other according to specific criteria: the size of the margins, the quality of the paper, the depth of the blacks, and so on. More of that, the navigation into the catalog is completely new: Hubertus Design shows the details of the books before showing their general form. The studio teaches to the reader not to judge a book by its general visual appearance but to pay attention to the details as the jury does.

Below: Comparison of the depth of the award-winning books © Hubertus Design

The way Hubertus Design has taken up the challenge of innovation in the way of presenting books is complete. Indeed, in addition to having worked a completely new iconography for the book—the zoom—, the designers have managed to change the reader’s look on the way of judging books. The navigation system of the catalog, the layout, allowed Hubertus Design to draw a smart book, interesting and above all visually appealing! Ironically, they could not participate to next year’s contest with this catalog. Let’s hope that winning the second prize of Walter-Tiemann-Preis 2018 satisfied them!

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Danse : « il n’y a de liberté que dans la structure »

Du 10 septembre au 31 décembre, la 47e édition du Festival d’Automne dédie son portrait à la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker à travers les représentations d’une douzaine de ses pièces. Une occasion de voir ou de revoir A Love Supreme, écrite en 2005 avec Salva Sanchis sur la musique mythique de John Coltrane. Une œuvre qui marque un tournant dans le style très structuré, maîtrisé, presque industriel, de la chorégraphe belge.

Un défi pour la chorégraphe… Elle-même habituée des chorégraphies systématiques, des phrases exécutées à répétition, des formes géométriques et de la musique de Steve Reich, se confronter au jazz de Coltrane devait être un défi de taille pour Anne Teresa De Keersmaeker. Le jazz, genre aux sonorités diverses et à l’écriture improvisée, était alors plutôt le terrain de jeu de Salva Sanchis, chorégraphe et élève de De Keersmaeker. Et c’est pourquoi la pièce intrigue et suscite de l’intérêt. La tension entre l’instantanéité de l’improvisation de Sanchis et la rigidité de l’écriture systématique de De Keersmaeker promettait d’être un cocktail séduisant. Mais encore fallait-il que celle-ci puisse accorder de la souplesse à ses chorégraphies très verrouillées de manière à laisser les danseurs prendre des décisions spontanées.

.. relevé de manière subtile Sur scène, après quelques minutes de danse maîtrisée, exécutée à la perfection, les danseurs nous révèlent peu à peu la manière dont l’improvisation a été incorporée à la structure. En effet, à chaque solo d’instrument, un danseur prend tout à coup plus d’espace, de liberté, complètement en osmose avec l’instrument joué, et se retrouve en confrontation avec les autres. Une logique de composition apparaît alors : chaque danseur incarne un instrument. La musique dicte les temps de structure — refrains — et les temps de liberté — solos. Et un vocabulaire formel de mouvements est établi, pour qu’ensuite chaque danseur se laisse emporter par les notes, jonglant avec les formes et la structure acquise, transformant le vocabulaire initial par des choix spontanés. Ainsi, chorégraphie écrite et danse improvisée s’entrelacent de manière étonnante, à l’image de la musique de Coltrane.

Ci dessous : deux groupes distincts de danseurs. Au premier plan, le saxophone et la batterie (José Paulo dos Santos et Bilal El Had) ; au second plan la basse et le piano (Jason Respilieux et Thomas Vantuycom). © Anne Van Aerschot

À travers A love Supreme, Anne Teresa de Keersmeaker a su prouver qu’elle maîtrisait parfaitement la recette d’une danse à la fois écrite et improvisée. En imposant un cadre strict, l’improvisation était d’autant plus riche car elle se jouait de ces règles imposées. Anne Teresa De Keersmaeker est donc restée fidèle à elle-même tout en s’essayant à un nouveau genre de danse : « il n’y a de liberté que dans la structure ».