#мир талантов и знаний

[iskusstvo-kultura]

Феликс Бонфилс, 1867 году. Раскопки в Пальмире.

[iskusstvo-kultura]

Zinaida Serebryakova – Lying Nude girl. A portrait of Nevedomskaya

1935

Зинаида Серебрякова – Лежащая обнаженная девушка. Портрет Неведомской

1935г.

[iskusstvo-kultura]

Познакомьтесь с удивительным артефактом — бронзовым зеркалом этрусков, созданным примерно в 470–450 годах до нашей эры. Этруски — народ, живший на территории современной Италии, славились искусством обработки металлов, и вот перед вами пример их мастерства.

Это зеркало изготовлено из бронзы — сплава меди и олова, который полировали до зеркального блеска. Диаметр зеркала около 15 сантиметров, почти круглая форма. Лицевая сторона отполирована так, что могла отражать лицо, а на обратной стороне — тончайшая гравировка, изображающая мифологический сюжет.

Зеркало найдено в древнем этрусском городе Вульчи — месте, где археологи обнаружили множество памятников этрусской культуры. Сегодня этот шедевр хранится в Григорианском Этрусском музее Ватикана, расположенном в Риме.

На обратной стороне зеркала изображён греческий прорицатель Калхас — жрец, занимающийся гепатомантией, то есть гаданием по печени жертвы. Этот сюжет — пример того, как этруски переосмысляли греческие мифы, придавая им свой особый смысл.

Изготовление таких зеркал было сложным процессом: сначала отливали бронзовую основу, затем тщательно полировали поверхность, а после наносили гравировку — тончайшие линии, которые могли рассказать целую историю. Часто к зеркалу крепилась ручка — здесь виден небольшой выступ длиной около 3,7 см, к которому она могла быть прикреплена.

Этруски создавали бронзовые зеркала с VI по III век до н. э., и они были не просто предметами быта — это были символы красоты, статуса и связи с миром богов. На зеркалах часто изображали сцены из мифов, героев, богинь, а иногда и драматические сцены с битвами и жертвоприношениями.

Самые знаменитые этрусские зеркала, включая это с Калхасом, находятся в Ватиканских музеях, в частности в Григорианском Этрусском музее.

Там же можно увидеть бронзовые статуи, рельефы и другие предметы, раскрывающие богатство этрусской культуры.

Кроме Ватикана, важные находки этрусских зеркал есть в Государственном Эрмитаже (Санкт-Петербург) и других крупных музеях мира.

Итак, перед вами не просто зеркало — это окно в мир древних этрусков, их верований, искусства и жизни. Каждый штрих на бронзе — это голос прошлого, который рассказывает о тайнах и мифах, о людях, которые жили более двух тысяч лет назад.

[iskusstvo-kultura]

В 1917 году Владимир Маяковский находился в Петрограде, проходя военную службу в Учебной автомобильной школе благодаря протекции Максима Горького. В марте 1917 года он возглавил отряд из семи солдат, который арестовал командира школы генерала П. И. Секретёва, хотя незадолго до этого получил от него серебряную медаль «За усердие». В течение лета 1917 года Маяковский энергично добивался признания себя негодным к военной службе и в итоге был освобождён от неё.

В 1917 году поэт активно участвовал в революционных событиях: 7 ноября (25 октября по старому стилю) он находился в штабе восстания в Смольном институте и вскоре заявил о поддержке новой власти. В это время Маяковский начал писать произведения, посвящённые революции, включая поэму «Война и мир» (написана в 1916, опубликована в конце 1917 года). Также в 1917 году он задумал и начал работу над пьесой «Мистерия-буфф», которая была завершена в 1918 году и поставлена к годовщине революции режиссёром Всеволодом Мейерхольдом и художником Казимиром Малевичем.

1917 год стал для Маяковского временем активного участия в политической жизни, перехода к революционной тематике в творчестве и начала сотрудничества с новой советской властью.

ряд за рядом

заливают мили земель.

Разгорается.

Новых из дубров волок.

Огня пентаграмма в пороге луга.

Молниями колючих проволок

сожраны сожженные в уголь.

Батареи добела раскалили жару.

Прыгают по трупам городов и сёл.

Медными мордами жрут

всё.

Огневержец!

Где не найдешь, карая?!

Впутаюсь ракете,

в небо вбегу —

с неба,

красная,

рдея у края,

кровь Пегу.

И тверди,

и воды,

и воздух взрыт.

Куда направлю опромети шаг?

Уже обезумевшая,

уже навзрыд,

вырываясь, молит душа:

«Война!

Довольно!

Уйми ты их!

Уже на земле голо́».

Метнулись гонимые разбегом убитые,

и еще

минуту

бегут без голов.

А над всем этим

дьявол

зарево зевот дымит.

Это в созвездии железнодорожных линий

стоит

озаренное пороховыми заводами

небо в Берлине.

Никому не ведомо,

дни ли,

годы ли,

с тех пор как на́ поле

первую кровь войне о́тдали,

в чашу земли сцедив по капле.

Одинаково —

камень,

болото,

халупа ли,

человечьей кровищей вымочили весь его.

Везде

шаги

одинаково хлюпали,

меся дымящееся мира ме́сиво.

В Ростове

рабочий

в праздничный отдых

захотел

воды для самовара выжать, —

и отшатнулся:

во всех водопроводах

сочилась та же рыжая жижа.

В телеграфах надрывались машины Морзе.

Орали городам об юных они.

Где-то

на Ваганькове

могильщик заерзал.

Двинулись факельщики в хмуром Мюнхене.

В широко развороченную рану полка

раскаленную лапу всунули прожекторы.

Подняли одного,

бросили в окоп —

того,

на ноже который!

Библеец лицом,

изо рва

ряса.

«Вспомните!

За ны!

При Понтийстем Пилате!»

А ветер ядер

в клочки изорвал

и мясо и платье.

Выдернулась из дыма сотня голов.

Не сметь заплаканных глаз им!

Заволокло

газом.

Белые крылья выросли у души,

стон солдат в пальбе доносится.

«Ты на небо летишь,—

удуши,

удуши его,

победоносца».

Бьется грудь неровно…

Шутка ли!

К богу на́-дом!

У рая, в облака бронированного,

дверь расшибаю прикладом.

[iskusstvo-kultura]

Статуя богини Афродиты, купающейся в саду Реджии ди Казерта, Италия, представляет собой великолепный пример искусства и архитектуры 18 века. 🏛️

Эта статуя, выполненная из мрамора, вдохновлена классическими образами и символизирует красоту и любовь. Афродита изображена в момент купания, что подчеркивает ее божественную природу и связь с природой. 🌸💧

Сад Реджии ди Казерта, спроектированный архитектором Луиджи Ванвителли, славится своими пейзажами и фонтанами, создавая идеальную обстановку для этой статуи. ��✨

Статуя Афродиты является важной частью культурного наследия и привлекает множество туристов, желающих насладиться красотой как самой скульптуры, так и окружающего ландшафта. 🥰

Statue of the goddess Aphrodite bathing in the garden of the Reggia di Caserta, Italy.

[iskusstvo-kultura]

Иван Петров, крестьянин 🎨

Автор: Виктор Михайлович Васнецов

Год создания: 1883

Размер: 87,5 x 67,5 см

Техника: масло на холсте

Где хранится: Государственная Третьяковская галерея

Картина изображает крестьянина из Владимирской губернии и служит этюдом для фигуры Ильи Муромца в картине "Богатыри". Васнецов мастерски передает характер и душевное состояние простого человека, что отражает его интерес к русской культуре и народным традициям.

[iskusstvo-kultura]

Фреска «Портрет Сапфо» из Помпей подлинное произведение искусства I века н. э., найденное в 1760 году и ныне хранящееся в Национальном археологическом музее Неаполя.

Эта фреска относится к IV стилю помпейской живописи, который датируется примерно 55–79 гг. н. э. Техника исполнения, сохранность красок и характерные для Помпей материалы и методы (например, нанесение пигментов на влажную штукатурку) подтверждают её древнее происхождение. Фреска была обнаружена при раскопках Помпей — городе, погребённом извержением Везувия в 79 году н. э.

Фреска изображает образованную женщину с табличками для письма и стилусом — символы учёности и культуры.

«Портрет Сапфо» — фреска из Помпей, относящаяся к I веку н. э., представляет собой изображение молодой образованной женщины высшего общества. Несмотря на то, что в XIX веке её стали называть портретом древнегреческой поэтессы Сапфо, современные исследователи считают, что это скорее образ неизвестной помпейской дамы.

Фреска выполнена в стиле помпейского реализма с элементами греческой эстетики. Женщина изображена в профиль, держащей в левой руке четыре восковые таблички, а в правой — стилус, который она подносит к губам в задумчивой позе. Волосы собраны в золотистую сеточку, лицо овальное с прямым носом, а одежда — розовый плащ поверх зелёной туники. Размеры фрески небольшие, она сохранилась с повреждениями, но цвета остались яркими.

Произведение найдено в Помпеях, в доме богатого горожанина, и сейчас хранится в Национальном археологическом музее Неаполя. Автор неизвестен, но стиль и техника указывают на школу помпейских мастеров I века н. э.

Сапфо (около 630–570 гг. до н. э.) — древнегреческая поэтесса и музыкантка с острова Лесбос, автор монодической лирики — песенной поэзии, исполнявшейся с сопровождением лиры. Она входит в число Девяти лириков античности.

Биографические сведения о ней скудны: дочь аристократа Скамандронима, Сапфо возглавляла женское содружество, где воспитывались и обучались девицы высшего сословия.

Политические волнения в Митилене заставили её бежать в изгнание, где она продолжала творить. Её стихи проникнуты темами любви, красоты, дружбы, ревности и разлуки, наполнены природными образами и глубокими личными переживаниями. Любовь у Сапфо — сила одновременно сладостная и мучительная, «сладострастно-горькое чудовище».

Цитаты из стихов Сапфо

«Если бы смерть была благом — боги не были бы бессмертны.»

«Любовь, сладострастно-горькое чудовище, от которого нет защиты.»

«Звезды близ прекрасной луны тотчас же весь теряют яркий свой блеск, едва лишь над землей она, серебром сияя, полная, встанет.»

«В этом доме, дитя, полном служенья Музам, скорби быть не должно: нам неприлично плакать.»

«Яблочко, сладкий налив, разрумянилось там, на высокой ветке — на самой высокой, всех выше оно.».

«О, явись опять — по молитве тайной вызволить из новой напасти сердце!» (из гимна Афродите).

Фреска «Портрет Сапфо» — не столько исторический портрет поэтессы, сколько символ образованной женщины античности, а сама Сапфо — одна из величайших лирических поэтесс, чьё творчество и сегодня волнует читателей своей искренностью и глубиной чувств.

Фреска «Портрет Сапфо» из Помпей демонстрирует не только высокий художественный уровень, но и сложность изготовления одежды и аксессуаров, изображённых на ней. Одежда — туника и плащ — выполнена с тончайшей детализацие�� складок, текстуры и цветовых переходов, что требует мастерства в передаче ткани и её игры света. Золотистая сеточка на волосах и украшения — свидетельство высокого уровня ювелирного и текстильного производства античности, доступного лишь богатым слоям общества. Такие изделия требовали сложного ремесленного производства: тончайшей работы ткачей, красильщиков и ювелиров, что подчёркивает статус и изысканность изображённой женщины.

Эта фреска по своей технике и эстетике напоминает произведения Итальянского Возрождения, поскольку в ней сочетаются реализм и идеализация, внимание к деталям и выразительность образа. Как и мастера Возрождения, художник стремился передать не только внешнюю красоту, но и внутренний мир персонажа через позу, жесты и тонкие нюансы цвета. Визуальное богатство и тонкая проработка деталей делают фреску живой и эмоционально насыщенной, что сближает её с ренессансными портретами, где человек — центр внимания и источник художественного вдохновения.

Сложность и качество исполнения одежды и аксессуаров на «Портрете Сапфо» свидетельствуют о высоком уровне ремёсел в античности, а художественные приёмы создают эффект, сходный с эстетикой Итальянского Возрождения, что делает фреску уникальным памятником древнего искусства.

Жест, когда персонаж подносит что-то к губам, традиционно воспринимается как знак молчания или тайны. В античном искусстве такой жест мог символизировать задумчивость, сосредоточенность или акт внутреннего размышления, особенно если персонаж изображён с табличками для письма, как в данном случае. Это вполне естественный жест для образованной женщины, занятой интеллектуальной деятельностью.

Святой Иоанн Богослов в христианской традиции часто изображается с пером и книгой, символизируя его роль евангелиста и автора Апокалипсиса.

Жест молчания — палец у губ — в иконографии Иоанна Богослова встречается как символ глубокой задумчивости, внутреннего созерцания и тайны божественного откровения. Этот жест подчёркивает, что речь идёт не просто о писателе, а о пророке, получающем и передающем божественные истины, которые нельзя раскрывать всем. В христианской традиции Иоанн часто изображается в молчании или с подобным жестом, символизирующим священную тайну и молчание перед божественным словом.

Иоанн Богослов считается духовным «орлом», взмывающим мыслями высоко над земным, и его молчание символизирует сакральную тайну и уважение к слову Божьему

В более широком смысле, в различных религиозных и мистических т��адициях молчание — это путь к внутреннему просветлению и духовному познанию, а знак молчания может быть частью ритуалов, символизирующих переход к тайным знаниям.

«Знак молчания» — мощный символ духовной коммуникации, потому что он объединяет идею молчания как священного состояния, передачу скрытых знаний и приглашение к внутреннему созерцанию, что делает его универсальным и глубоким средством общения на духовном уровне.

[iskusstvo-kultura]

Эйк, Ян ван

Портрет мужчины в голубом шапероне. 1430-е

нидерл. Portret van onbekende een man met blauwe kaproen

Национальный музей Брукенталя

(инв. 354)

Портрет мужчины в голубом шапероне - это картина нидерландского художника Яна ван Эйка, написанная в 1430-х годах. На ней изображен неизвестный мужчина в голубом головном уборе, называемом "шаперон". Картина находится в коллекции Национального музея Брукенталя в Сибиу, Румынии под инвентарным номером 354. Размер картины составляет 16х22 см, она выполнена маслом на доске. Ян ван Эйк был новатором в технике масляной живописи и одним из первых художников, изобразивших Луну на своих картинах за 80 лет до Леонардо да Винчи.

Барон Самуэль фон Брукенталь (1721-1803) был трансильванским саксонским политиком и коллекционером искусства, основавшим Национальный музей Брукенталя в Сибиу, Румыния. Музей расположен в бывшем дворце Брукенталя, построенном в 1778-1785 годах по проекту венского архитектора.

Национальный музей Брукенталя в Сибиу является одним из крупнейших художественных музеев Румынии, обладающим ценными произведениями европейского искусства, в том числе работами нидерландских мастеров XV века.

Сибиу (ранее Германнштадт) - один из старейших городов Румынии, основанный в XII веке немецкими переселенцами в Трансильвании. Первое упоминание о городе датируется 1191 годом.

В средние века Сибиу был важным торговым и ремесленным центром, окруженным мощными городскими стенами с оборонительными башнями. Город делился на Верхний город, где жили богатые купцы, и Нижний город, населенный ремесленниками.

В XVII веке Сибиу стал столицей Трансильвании. После объединения Румынии в 1918 году город сохранил статус одного из важнейших культурных и экономических центров страны.

Сегодня Сибиу - популярное туристическое направление, известное своим хорошо сохранившимся средневековым центром с узкими мощеными улочками, старинными церквями, башнями и фрагментами городских стен. Исторический центр города включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

В городе представлены различные конфессии:

Лютеранская церковь Святой Марии - готическая церковь, построенная в конце 14-го или начале 15-го века

Православный Кафедральный собор Святой Троицы

Синагога в Сибиу (Большая синагога)

Католическая церковь Святого Франциска - готическая церковь, построенная в конце 14-го или начале 15-го века

[iskusstvo-kultura]

Still Life with a Lemon and Pink Roses (Натюрморт с лимоном и розовыми розами)

Натюрморт изображает лимон и розовые розы, что создает контраст между ярким цветом лимона и нежностью роз. Это подчеркивает красоту природы и гармонию между различными элементами.

Произведение отражает интерес художника к повседневным предметам и их эстетической ценности, что характерно для жанра натюрморта.

Работы Корнелиса Кика относятся к стилю барокко, с акцентом на реализм и внимание к деталям.

XVII век был временем Золотого века голландской живописи, когда натюрморт стал популярным жанром, отражающим богатство и статус заказчиков.

Корнелис Кик работал в период, когда художники стремились к реалистичному изображению жизни, и натюрморты стали способом продемонстрировать мастерство и внимание к деталям.

В натюрмортах часто использовались аллегорические элементы, символизирующие мимолетность жизни и ценность красоты.

Корнелис Кик (1631-1681) - голландский художник, известный своими натюрмортами и жанровыми сценами. Он родился в Нидерландах и стал активным участником художественной жизни своего времени, работая в Амстердаме. Кик известен своим вниманием к деталям и реалистичным изображением повседневных предметов.

XVII век, известный как Золотой век голландской живописи, характеризуется высоким уровнем художественного производства. Это время, когда такие художники, как Рембрандт и Вермеер, достигли выдающихся успехов. В этот период наблюдается рост среднего класса, что способствовало интересу к жанровым сценам и натюрмортам, отражающим повседневную жизнь и богатство.

Cornelis Kick (Dutch,1631-1681)

Still Life with a Lemon and pink Roses

Oil on canvas

[iskusstvo-kultura]

"Нимфы на охоте" (Nymphs Hunting) - это картина художника Юлиус Леблан Стюарта, созданная в 1898 году. Картина изображает нимф, которые охотятся. Она является примером символизма в искусстве, где нимфы могут символизировать свободу и природу. Картина хранится в частной коллекции и имеет размеры 140,3 × 111,7 см

[iskusstvo-kultura]

Оригинал «Портрета четы Арнольфини» Яна ван Эйка хранится в Лондонской национальной галерее. Картина размером 81,8 × 59,7 см была создана художником в 1434 году в Брюгге и с 1842 года находится в коллекции галереи (зал № 56, инв. № NG186).

Картина «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка находится в Лондонской национальной галерее с 1842 года. До этого ее местонахождение неизвестно, но предполагается, что она могла принадлежать испанской королевской семье. В 1842 году картина была приобретена галереей у бельгийского торговца произведениями искусства Джона Смита за 600 фунтов стерлингов. Таким образом, «Портрет четы Арнольфини» стал одним из первых приобретений Национальной галереи после ее основания в 1824 году.

Ян ван Эйк был выдающимся фламандским художником раннего Возрождения, известным своим мастерством в технике масляной живописи и реалистичным изображением деталей. Некоторые из его ��амых известных работ включают:

Гентский алтарь (ок. 1420-32) - огромный алтарный образ размером 3.4 x 5.2 м в открытом виде, хранящийся в соборе Святого Бавона в Генте.

Портрет четы Арнольфини (1434) - первый в истории европейского искусства двойной портрет, считающийся шедевром художника.

Мадонна канцлера Ролена (ок. 1436) - на картине изображен канцлер Филиппа Доброго Николя Ролен, богатый и влиятельный человек.

Распятие и Страшный Суд (ок. 1430-40) - диптих, фрагменты которого хранятся в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.

Ван Эйк был мастером портрета, религиозной живописи и мифологических сюжетов. Его работы отличаются тщательной проработкой деталей, реалистичностью изображения и виртуозным владением техникой масляной живописи. Художник часто стремился удивить зрителя своим мастерством, включая в картины имитации надписей, скульптур и эффектов отражения.

Зеркало на стене отражает фигуры главных действующих лиц и ��ще двух человек, предположительно самого художника и его жену. Сцены Страстей Христовых на раме зеркала символизируют брачный союз Христа с церковью и параллель христианскому браку.

Свеча на люстре горит только над женихом, что может указывать на то, что портрет написан после смерти невесты.

Интерьер и одежда изображены реалистично, но без обычной для ван Эйка эффектности, что делает картину особенной в его творчестве.

Жест соединенных рук молодоженов был новшеством в искусстве того времени.

Плоды на подоконнике и деревянная статуэтка могут намекать на беременность невесты.

В Лондонской национальной галерее хранится множество других знаменитых шедевров мировой живописи:

Мадонна канцлера Ролена Яна ван Эйка (ок. 1435) - реалистичный портрет канцлера Филиппа Доброго Николя Ролена с Мадонной и младенцем Христом.

Картон Бурлингтонского дома Леонардо да Винчи - рисунок углем, предварительный эскиз для незаконченной картины "Поклонение волхвов".

Обширная коллекция работ Тициана, от ранних до поздних.

Картины Тинторетто, Веронезе, Рафаэля, Караваджо, Рембрандта, Рубенса, Ван Дейка, Пуссена, Гойи, Тернера, Моне, Ван Гога и многих других великих мастеров.

Национальная галерея по праву считается одним из крупнейших и богатейших собраний классического европейского искусства, где можно увидеть шедевры всех ведущих школ живописи с XIII по начало XX века. Ее коллекция насчитывает более 2300 картин, многие из которых являются непревзойденными образцами своей эпохи.

[iskusstvo-kultura]

"Учёба за читальным столом" (1877) - это работа сэра Фредерика Лейтона, британского художника. Картина выполнена на холсте маслом и имеет размеры 63.2×65.1 см.

Картина хранится в Доме Судли в Ливерпуле.

Сэр Фредерик Лейтон (1830-1896) - британский художник и скульптор, известный своими работами в жанре исторической и мифологической живописи. Он был награжден титулом сэра в 1878 году за свои достижения в искусстве.

Читальный столик - это тип мебели, который использовался для чтения и письма. В викторианскую эпоху читальный столик был популярной мебелью в домах и школах, и Лейтон использовал его как символ образования и интеллектуальной деятельности в своей картине.

Картина "Учёба за читальным столом" отражает важность образования и чтения в викторианскую эпоху. Она также подчеркивает значимость мебели и интерьера в социальном статусе в целом и образованности.

[iskusstvo-kultura]

🎨 Иллюстрации Вирджила Финли к роману "Корабль Иштар" А. Меррита (1949) - это коллекция завораживающих черно-белых рисунков, которые дополняют и оживляют мистическую атмосферу этого произведения фантастики. 🌙✨

Финли, известный мастер фантастического реализма, создал пять полностраничных иллюстраций для мемориального издания книги, выпущенного в 1949 году издательством Borden Publishing Company. 🖌️

Его детализированные и атмосферные рисунки передают ключевые моменты сюжета - археолог Кентон получает древний вавилонский артефакт, который переносит его в параллельный мир на борту загадочного "Корабля Иштар". 🏺🚢

Финли мастерски изображает фантастические пейзажи, таинственные руины и экзотических персонажей, погружая читателя в завораживающую вселенную романа. 🌌✨

Эти иллюстрации стали неотъемлемой частью культового статуса "Корабля Иштар" и до сих пор вдохновляют поклонников фантастики и коллекционеров. 🌟

Illustration from A. Merritt's The Ship of Ishtar by Virgil Finlay (1949)

[iskusstvo-kultura]

Картина "Девочка на шаре" была написана Пабло Пикассо в 1905 году, в период его "розового периода". Она выполнена маслом на холсте и имеет размеры 147 x 95 см. В настоящее время картина хранится в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина в Москве.

Размер картины "Девочка на шаре" Пикассо: 147 x 95 см.

Техника исполнения: масло на холсте.

Годы создания: 1905 год.

На картине изображена юная акробатка, балансирующая на шаре. Её поза и движения передают ощущение легкости и грации.

Образ девочки-акробатки противопоставлен более массивной и устойчивой фигуре мужчины, наблюдающего за ней. Это создает контраст между хрупкостью и силой, движением и статикой.

Шар, на котором балансирует девочка, может символизировать гармонию с окружающим миром, а также движение и непостоянство.

В 1913 году картина была приобретена российским меценатом Иваном Морозовым и оказалась в Москве. Это способствовало росту её популярности в России.

В 2006 году в Новороссийске был установлен памятник акробатке с этой картины Пикассо. Это также привлекло внимание российской аудитории к данному произведению.

Картина долгое время входила в коллекцию импрессионистов в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге, что сделало её более известной в России.

В то время как в других странах большее внимание уделялось более масштабным работам Пикассо, в России "Девочка на шаре" стала одной из самых популярных и узнаваемых его картин.

[iskusstvo-kultura]

Роман Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита» — это сложное, многоплановое произведение, где критика советской действительности присутствует, но выражена не прямо, а через аллегории, сатиру и философские обобщения. Булгаков, переживший травлю, запреты и цензуру, не мог открыто осуждать систему, поэтому использовал эзопов язык, мистику и библейские параллели. Вот как это работает.

Сатира на советское общество

Булгаков высмеивает пороки советской Москвы 1930-х, которые актуальны и вне времени:

Бюрократия и лицемерие:

Чиновники вроде Никанора Ивановича Босого, берущего взятки, или Степана Лиходеева, живущего в роскоши, — это пародия на коррупцию и двойную мораль системы.

Даже демон Коровьев-Фагот, говорящий канцелярским языком, имитирует советскую бюрократию, превращая всё в абсурд («документик нужно оформить!»).

Потребительство и алчность:

В эпизоде с "сеансом чёрной магии" в Варьете Воланд разоблачает жадность москвичей: они готовы драться за падающие с неба деньги, а потом оказываются голыми. Это намёк на "моральное разложение общества" , где материальное важнее духовного.

Доносительство и страх:

История барона Майгеля, шпионившего за гостями на балу у Воланда, отражает атмосферу всеобщей подозрительности и сталинских репрессий. Его убийство Азазелло символизирует расправу над теми, кто «служил системе».

Травля творческой интеллигенции

Судьба Мастера — прямая отсылка к судьбе самого Булгакова. Его роман о Пилате отвергают, клеймят «вредным», а автора травят критики вроде Латунского. Это аллегория на:

Цензуру и подавление свободы слова:

В СССР независимое искусство объявлялось «буржуазным» или «контрреволюционным». Мастер, как и Булгаков, становится жертвой системы, где творчество должно служить идеологии, а не истине.

Предательство коллег

Литераторы из МАССОЛИТа (пародия на Союз писателей) заняты не творчеством, а дележкой дач и ресторанными интригами. Булгаков показывает, как талантливые люди либо ломаются, либо становятся частью машины.

«Квартирный вопрос»

Знаменитая фраза Воланда — «Квартирный вопрос их испортил» — стала крылатой. Булгаков иронизирует над жилищным кризисом в Москве, где люди готовы на всё ради метража. История с «нехорошей квартирой» № 50 — символ социального хаоса: квартиры уплотняют, доносят на соседей, а невидимые «пропавшие» граждане (как Лиходеев) исчезают бесследно.

Парадокс Воланда: зло как инструмент правды

Воланд и его свита, вопреки ожиданиям, не просто сеют хаос. Они обнажают пороки общества, действуя как «карающая рука» высшей справедливости:

- Воланд говорит: «Я — часть той силы, что вечно хочет зла и вечно совершает благо».

- Его наказания (например, исчезновение Семплеярова или превращение денег в этикетки) — это не месть, а испытание на нравственную прочность, которое советские люди проваливают.

Здесь Булгаков показывает, что проблема не только в системе, но и в человеческой природе: алчность, трусость, лицемерие существуют при любом строе.

Обличение «нового человека»

Советская пропаганда создавала миф о «новом человеке» — бескорыстном, преданном идеалам коммунизма. Булгаков развенчивает этот миф:

Безликая масса: Москвичи в романе — толпа, легко поддающаяся манипуляциям (например, паника после исчезновения головы Берлиоза).

Утрата духовности: Даже на бал к Сатане люди приходят не из любопытства к тайне, а ради выгоды.

Исчезновение личности

Персонажи вроде Аннушки («та самая, что пролила масло») или Варенухи, превращённого в вампира, теряют человеческий облик, становясь карикатурами.

Но: Булгаков не сводит всё к политике**

Автор не ограничивается критикой СССР. Его роман — философское размышление о вечных вопросах:

- Что важнее: правда или страх?

- Можно ли сохранить достоинство в бесчеловечных условиях?

- Есть ли прощение для тех, кто предал себя?

История Понтия Пилата и Иешуа добавляет вневременное измерение, показывая, что трусость и предательство — универсальные пороки, а не только советские.

Вывод: Да, но…

Булгаков осуждает не столько советскую действительность, сколько вечные человеческие пороки, которые в условиях тоталитарного режи��а проявились особенно ярко. Его критика — это критика любой системы, подавляющей свободу, искренность и творчество. Москва 1930-х становится для него моделью мира, где абсурд и страх правят бал, но выход из этого ада возможен — через веру в любовь (Маргарита), искусство (роман Мастера) и вечные ценности (история Иешуа).

Роман остаётся актуальным, потому что, как сказал Воланд, «люди как люди… обыкновенные…» — и их слабости не зависят от политического строя.

[iskusstvo-kultura]

Джон Кольер (1850-1934) — английский художник, известный своими историческими и мифологическими картинами. Его работа "Смерть Клеопатры" (1900) выполнена в масляной технике, размером 152 x 182 см. В настоящее время картина хранится в Национальной галерее в Лондоне.

Сюжет и историческая канва

На картине изображена Клеопатра, умирающая от укуса ядовитой змеи, что символизирует её трагическую судьбу и политическую неудачу. Клеопатра VII, последняя царица Египта, была вовлечена в сложные политические интриги с Римом, что в конечном итоге привело к её падению.

Стиль и символизм

Кольер использует яркие цвета и драматическое освещение, чтобы подчеркнуть эмоциональную напряженность момента. Символизм картины связан с темой власти, предательства и неизбежности судьбы, отражая как личные, так и политические последствия действий Клеопатры.

Биография Кольера и его работы

Кольер также известен своими картинами на мифологические темы и портретами. Его работы часто исследуют человеческие эмоции и исторические события, что делает его значимой фигурой в английском искусстве начала XX века.