#Birgit Hupfeld

[martinjost]

Romeo and Juliet @ Residenztheater Munich Felt Cute, Might Be Immortal

Lea Ruckapul © Birgit Hupfeld

The feuding families of Montague and Capulet engage in wrestling-style brawls, and their love-struck children don’t know what to do with themselves—or their lips. Nothing new in Verona? Well, actually, yes! Through the clever inclusion of external texts, director Elsa-Sophie Jach gives Shakespeare’s love tragedy a surprising twist.

By Martin Jost · a.i.-aided translation of my review on nachtkritik.de

The stage design by Marlene Lockemann is a constantly moving construction. Initially an aluminium wall, it expands into circular steps. The entire structure rotates almost continuously, serving as both an obstacle and a ladder, then as a hiding place for the characters. That’s all there is in terms of set design—we can see right up to the bare walls of the stage house. The twelve actors embrace this dynamic stage concept, constantly climbing, jumping, and swinging as it silently moves beneath them, sometimes deceptively retracting steps, opening trenches, or setting traps.

Knocked-Out Teeth, Dry Knife Stabs

Neither the stage nor the ensemble ever remains still. Everything is precisely choreographed by Dominik Więcek, especially the fight scenes. Battles are frequent, as a civil war rages between the Capulets and Montagues. The fights, a mix of street brawling and pro-wrestling moves, end with (dry) knife stabs. Teeth fall onto the pavement—though only as a sound effect. Only the main characters bleed sticky red blood: Juliet (Lea Ruckpaul) and Romeo (Vincent zur Linden) tend toward self-harm, knocking their heads against the metal set.

Lisa Stiegler, Patrick Isermeyer, Vincent zur Linden © Birgit Hupfeld

Yet, their love alone already causes them enough pain. Ruckpaul and zur Linden convincingly portray Juliet’s and Romeo’s desperate desire to consume one another, their confusion about where to place their emotions—and their lips.

A Silent Lead Character: Lockemann’s Artful Stage Design

As a constant amplifier of emotions, live music (composed by Max Kühn) underscores the action. Dubstep-like electronic beats (performed by synthesizer musician Samuel Wootton) are layered with minimalist lines of cello (Eugen Bazijan), saxophone (Jan Kiesewetter), and woodwind instruments (Bettina Maier). When the rotating metal set narrows, we can see the quartet deep in the stage space. The musicians wear the same Elizabethan-style ruffled collars as the actors.

Johanna Stenzel’s brightly colored costumes incorporate Elizabethan fashion elements: puffed sleeves, baggy pants, and signature neck ruffs. Juliet’s father (Oliver Stokowski), eager to marry off the 14-year-old as quickly as possible, struts around like a pimp, adorned with a gold chain, oversized sunglasses, and a dazzling belt buckle. The slick-haired suitor Prince Paris (Pujan Sadri) sports a cropped top.

The Bros Whimper

Lisa Stiegler portrays Romeo’s friend Benvolio not as a traditional “trouser role” but as a woman who can hold her own in any brawl. However, she doesn’t want Romeo to see her only as a buddy. While her male counterparts pull their usual macho antics, things take a sharp turn when the wordplay “Lustspiel/Brustspiel” (Comedy/Breast Game) pushes Benvolio over the edge. She flashes her chest, leaving the men whimpering in embarrassment.

Benvolio’s monologue on female self-determination and authorship is not originally from Shakespeare or the translation by Thomas Brasch. The program notes coyly state: “Some verses [from Aphra Behn and Anne Finch] may have slipped into Elsa-Sophie Jach’s production.” Behn is recognized as one of the first professional female writers in English literature, while Finch, slightly younger, was also among the first women to publish under her real name in the century following Shakespeare. Once bestsellers, they were widely read and performed, yet later erased from the patriarchal canon.

Dead or Not Dead? That Is the Question

Speaking of feminism—there’s a major plot twist. Juliet doesn’t die. Or maybe she does. At the very beginning, the gravediggers Pia Händler (who also plays the Nurse) and Nicola Mastroberardino (who later portrays Friar Lawrence) greet us before the curtain rises. While exhuming some bones, an elderly woman peers into the grave and recognizes Romeo’s skull—one she kissed long ago. Like Rose in Titanic, the elderly Juliet frames the story.

The final crypt scene unfolds beneath and behind the set’s scaffolding. Juliet’s seemingly lifeless body is hidden from direct view; we can only see her through live video (camera work by Niels Voges). Romeo, unaware that she is merely unconscious, kills Paris and then himself. When Juliet awakens, she considers following suit.

But she doesn’t. Instead, she steps forward, facing the audience, and decides to keep living—on her own terms: “Stars, beware! I’m writing a drama.”

Romantic Death Poetry

After over three hours, the drama reaches its conclusion. Jach retains almost all of Shakespeare’s text. Lockemann’s mountainous stage is also symbolic of the sheer volume of words the ensemble has to navigate. Unfortunately, the actors struggle with articulation, often drowned out by the overpowering soundtrack. The music, almost omnipresent, lacks the nuance needed to match the emotional complexity of the tragedy.

The original ending with its deeply romantic death poetry still plays out—just on video. Meanwhile, in front of us, Juliet survives. “Dead or not dead?”—that’s her final line.

Romeo and Juliet by William Shakespeare in a German translation by Thomas Brasch Direction: Elsa-Sophie Jach Set Design: Marlene Lockemann Costumes: Johanna Stenzel Composition & Musical Direction: Max Kühn Choreography: Dominik Więcek Video: Jonas Alsleben Lighting: Barbara Westernach Dramaturgy: Katrin Michaels Cast: Lea Ruckpaul, Vincent zur Linden, Pia Händler, Nicola Mastroberardino, Patrick Isermeyer, Lisa Stiegler, Pujan Sadri, Thomas Lettow, Delschad Numan Khorschid, Oliver Stokowski, Barbara Horvath, Evelyne Gugolz Live Music: Eugen Bazijan, Jan Kiesewetter, Bettina Maier, Samuel Wootton Live Camera: Niels Voges Premiere: May 16, 2025 Duration: 3 hours 10 minutes, with one intermission https://www.residenztheater.de/stuecke/detail/romeo-und-julia

Read On:

[polishwomenartists-sztukakobiet]

Scena z przedstawienia "Noc św. Bartłomieja" w reżyserii Eweliny Marciniak, fot. Birgit Hupfeld // 2019/Theater Freiburg

[bettinawerner]

ARCHIV DER TRÄNEN

Magdalena Schrefel

Residenztheater Februar 2023

Regie: Elsa-Sophie Jach, Bühne: Aleksandra Pavlović, Musik: Anna Bauer, Sounddesign: Michael Anklin, Licht: Barbara Westernach, Dramaturgie: Ewald Palmetshofer

Mit: Pia Hänler, Puja Sadri, Thomas Reisinger, Isabell Antonia Höckel, Christoph Franken, Evelyne Gugolz

Fotos: Birgit Hupfeld

[theresa-mielich]

Das Reich der Tiere Komödie mit Live-Musik von Roland Schimmelpfennig

Löwe: Christian Freund Zebra: Ekkehard Freye Ginsterkatze: Marlena Keil Marabu: Frank Genser Antilope: Alexandra Sinelnikova Regisseurin: Bettina Lieder Live-Musik: Serge Corteyn, Manuel Loos

Regie: Thorsten Bihegue Bühne: Oliver Helf Kostüme: Theresa Mielich Dramaturgie: Michael Eickhoff Licht: Sibylle Stuck Ton: Jörn Michutta, Andreas Sülberg

Premiere am 5. Oktober 2019 im Schauspielhaus Dortmund Fotos: Birgit Hupfeld

[vitalsocialissuesnstuff]

Mercredi des Muses

Christopher Heisler, Linda Elsner, Lola Fuchs, Linus Ebner©Birgit Hupfeld I realise that although I studied literature and this should be a predominantly literary blog, not only in name, I have neglected this very subject area for a long time. And since I also consider myself a philhellene, the Olympic muses are most likely sorely disappointed. Not only the Greek gods, but also my German…

[foerkuenkel]

(c) Birgit Hupfeld

[ringvorlesungenszenografie]

Foto: Birgit Hupfeld

Ringvorlesung // MITTWOCH // 04.12.19 18:00 Uhr // Aula FB Design# /

Anne-Kathrin Schulz und Marion Simon | Theater im Digitalen Zeitalter

Seit 2010 ist die Sehnsucht des Schauspiel Dortmund, ein gegenwärtiges und wagemutiges Schauspiel für ein Publikum des 21. Jahrhunderts zu schaffen, ein Volkstheater für die Digitale Moderne. „Der Live Code: Krieg und Frieden im Globalen Dorf“, „Die Borderline Prozession“, „Die Agonie und die Ekstase des Steve Jobs“, „Die Parallelwelt“ u.v.m.: Theaterstücke, die die Gegenwart und ihre technisch-gesellschaftlichen Entwicklungen im Fokus haben. Seit 2010 forscht das Schauspiel Dortmund inhaltlich und formal an den Grenzen von Theater und Installation, Performance, Coding, Game und neuer Medienkunst. Anne-Kathrin Schulz und Mario Simon vom Schauspiel Dortmund geben Einblicke in Dortmunder Theaterarbeiten zum Menschsein im Digitalen Zeitalter: Auf die Demokratisierung des Blicks, auf Träume und Problemstellungen, auf Versuche, die menschlich-technische Evolution in Theaterabenden zu thematisieren und auf das Ausprobieren von Techniken, die neue Narrationen möglich machen. Und sie berichten natürlich über die Akademie für Theater und Digitalität, die Mitte 2019 in Dortmund ihre Arbeit aufgenommen hat!

Foto: Birgit Hupfeld

Über die Vortragenden: 

Anne-Kathrin Schulz ist Autorin, seit 2010 Dramaturgin am Schauspiel Dortmund sowie seit September 2019 Vertretungsprofessorin am Fachbereich Design der FH Dortmund. Nach ihrem Studium des Szenischen Schreibens an der Universität der Künste Berlin arbeitete sie am Schauspielhaus Bochum und am Deutschen Theater Berlin, 2001 wurde ihr Theaterstück „Unter Land“ am Jungen Theater Göttingen aufgeführt, 2002 „Silly Songs“ am Deutschen Schauspielhaus Hamburg (Förderpreis der Freunde des Deutschen Schauspielhauses). Seit Sommer 2010 ist Anne-Kathrin Schulz Dramaturgin am Schauspiel Dortmund, wo sie u. a. mit Regisseuren Kay Voges, Claudia Bauer, Peter Jordan, Leonhard Koppelmann, sputnic, Adolf Winkelmann und Jörg Buttgereit zusammenarbeitet. Im Oktober 2016 wurde ihr Theaterstück „Die Schwarze Flotte“ von Kay Voges uraufgeführt, 2017 folgte „Memory Alpha oder Die Zeit der Augenzeugen“ (Regie: Ed. Hauswirth). 2017 gehörte Schulz zu den Preisträger_innen des Dortmunder Kritikerpreises.

Mario Simon studierte nach dem Abitur Germanistik, Literatur- und Kulturwissenschaften, Film- und Medienwissenschaften sowie Philosophie an der Universität Bonn, der TU Dortmund und in Hagen. In Bonn arbeitete er von 2010-2011 im Forschungsprojekt „Mediatisierte Welten“ – Deliberation im Netz: Formen und Funktion des digitalen Diskurses am Beispiel des Microblogging-Systems Twitter“ der Deutschen Forschungsgemeinschaft. Für das Schauspiel Dortmund arbeitete Mario Simon erstmals bei „Einige Nachrichten an das All“ (Regie: Kay Voges, Beste Inszenierung NRW Theatertreffen 2013, 2. Platz Experimental Film Sunset Filmfestival Los Angeles). Seit 2013 ist er fest im Ensemble, seit 2014 als Videokünstler und Leiter der Videoabteilung. In dieser Funktion arbeitete er mit Kay Voges (u.a. „Die Borderline Prozession“ und „Die Parallelwelt“), Claudia Bauer, Jörg Buttgereit und Klaus Gehre („Minority Report“) –sowie mit dem Regiekollektiv sputnic am ersten Live-Animationsfilm der Welt, „Die Möglichkeit einer Insel“ und Marcus Lobbes bei „Ich, Europa“. 2017 wurde Mario Simon mit dem Nachwuchsförderpreis des Landes NRW ausgezeichnet. Seit 2019 ist er Leiter der Medienabteilung der Akademie für Theater und Digitalität.

[petragruenendahl]

Deutsche Oper am Rhein: Junges Publikum feierte den „Geisterritter“ bei der Premiere im Theater Duisburg

Deutsche Oper am Rhein: Junges Publikum feierte den „Geisterritter“ bei der Premiere im Theater Duisburg

Action-Kino live: Jugendoper mit Rap und Special Effects Von Petra Grünendahl

Cedric Sprick (1. Kröte), Bernhard Landauer (Lord Stourton), Clemens Begritsch (Dämon), David Fischer (Jon). Foto: Birgit Hupfeld.

Wie in einem Albtraum beginnt die Oper: Als Jon (David Fischer) – abgeschoben von Mutter und Stiefvater – auf seiner Zugfahrt ins Internat von Dämonen angegriffen wird. Das Gewitter lässt die…

[rezensur]

(Fotos: Birgit Hupfeld)

In Perlenketten gelegt Kommentar zu: Bernarda Albas Haus (Federico García Lorca), Regie: Jan Friedrich, Theater Oberhausen, Premiere 05.10.2018

*

Ein engstirniges Spanien noch vor dem Bürgerkrieg, 1936. Bernarda Albas Gemahl ist tot. Die Beerdigungsglocken läuten sogleich aus allgemeinem Anstand einen achtjährigen Hausarrest für die vier Töchter ein, die diese Zeit zum Trauern nutzen sollen. Acht ungerechtfertigte Jahre Ausgangssperre für vier junge Frauen, die insgeheim kaum trauern, sondern tagein, tagaus bloß von der ihnen versagten Freiheit träumen können - natürlich in Form eines Ehemanns. Da dies die Schwestern untereinander zu Konkurrentinnen macht, nehmen die Eifersüchteleien nur zu, als die Älteste, Angustias, einen Antrag von Pepe el Romano, dem allseits begehrten Jüngling bekommt, der jedoch gleichzeitig eine Affäre mit der jüngsten Tochter Adela beginnt, in die er sich verliebt. Als die tyrannische Bernarda davon erfährt, wird auf den Freier geschossen und Adela erhängt sich. Wir haben geweint, gelacht, gestutzt und gestaunt. Regisseur Jan Friedrich ist mit seiner Inszenierung am Theater Oberhausen schlichtweg ein raffiniertes Glanzstück gelungen, das diesen Winter einfach als dicker roter Kringel in jeden Terminkalender gehört! Literaturfreunde, Kulturbanausen und selbsternannte Feministen; schnappt euch Freunde und Bekannte, klemmt euch wildfremde Menschen auf der Straße unter den Arm und schleift sie ins Theater, dieses unterhaltsame, tiefgründige Feuerwerk hat ein volles Haus verdient! Nachbesprechung: Die Glocken verklingen und machen unheilvollen, spanischen Gitarrenklängen Platz (Musik: Felix Rösch). Die Magd Poncia tanzt einen strengen Tango der Schlösser und Riegel und vollstreckt das kompromisslose Urteil: Von nun an existiert die Außenwelt nicht mehr. Rumms. Ein Los, auf das die Töchter mehr oder weniger gefasst reagieren, obwohl es eher einem Schwerverbrecher gebührt. Doch wirkt es so, als sei dies nur eine verschärfte Version jener Freiheitsberaubung, welche diese Schwestern schon ihr Leben lang kaum anders kennen. Die von allen Seiten gemusterten Wände des Gefängnisses haben selbst Augen, welche ihrerseits die Bewohner von der Tapete aus mustern. Die Innenräume sind dem Zuschauer größtenteils nur über die verwendete Videotechnik zugänglich. Ein subtiles Setup, das schon allein viel über die Struktur des Haushaltes erzählt. Die Hausherrin selbst erscheint meist wortwörtlich über dem Geschehen auf dem Podest der zweiten Etage. (Bühnenbild: Robert Kraatz) Regie und Kostüm gehen Hand in Hand, das merkt man recht bald - ein Verständnis für den Stoff zeigt sich in beidem, denn Friedrichs feines Gespür für Satire wird vor allem in seinen gewählten Materialien deutlich. Für die aufmerksamen Zuschauer wurde eine Menge Subtext im Textil verwoben: Die langen, verhüllenden Gewänder der Töchter sind aus bunten Latextüchern, genialerweise lässt sie aber genau dieses Material wie kitschig bemalte Ikonen von biblischen Figuren erscheinen. Ein Seitenhieb auf die scheinheilige katholische Kirche, die gerade durch ihre permanente Fokussierung auf keusche Züchtigkeit eigentlich sexbesessener ist als jede promiskuitive Frau? Vielleicht. Auf jeden Fall zum Kichern. Die größte Gefahr für die Keuschheit erzählt sich im Verlauf des Stücks metaphorisch als die unerträgliche Hitze von der Straße, nach der sich dennoch alle sehnen, sehr passend präsentiert sich Bernardas Sonnenhut daher als ein Heiligenschein aus selbstgeklöppelter Spitze, die auch als Schleier Bernardas ganzes augenloses Gesicht bedeckt. Sie spricht mit verzerrter Stimme aus einem roten Schlund in der Maske, der mit einer Zahnreihe aus Perlen verziert ist. Das Element der Perle ist praktisch allgegenwärtig. Als Symbol der Veredelung durch ertragenes Leid schmückt sie außerdem die Hälse der Frauen und auch Angustias’ Verlobungsring. Perlen bringen Tränen, heißt es da sogleich. Die Braut betrachtet das Jesusbild, dass ihr Pepe als Porträt von sich geschenkt hat, ist froh, mit ihren 39 Jahren endlich überhaupt einen Ring am Finger zu haben und erträgt stoisch auch diesen Spott wortlos, hüllt ihn in eine Schicht aus schweigendem Perlmutt. Ohnehin entsteht durch die überzeichnete schwarze Schminke sowie durch das Stilmittel des Live-Videos mit Untertiteln die Impression von Stummfilmdarstellerinnen, die sich in ein Karaokevideo verlaufen haben. Die breitgefächerten Stücke der Musikauswahl (von aktuellen Indie-Bands über 70er Proto-Punk bis zu schwedischem Synthie-Pop) verbinden untereinander die stets wie die Faust aufs Auge passenden Lyrics in den Subtiteln, was der Inszenierung eine zusätzliche Kommentarebene aus der Gegenwart erlaubt. Wobei erwähnt sein will, dass Federico García Lorcas Grundlage schon so viele meisterhafte Zuspitzungen bietet, die vor schwarzem Humor derart triefen, dass ein weiterer Kommentar oft gar nicht nötig ist. Als Gipfel der Zuspitzung der Schluss, Bernarda Albas prompte Reaktion auf den Selbstmord ihres Kindes: „Meine Tochter ist unberührt gestorben!“ Und der Strick hat sie nicht berührt? Bezeichnend: Eine Tochter besteht für diese Mutter wirklich nur noch aus ihrer Jungfräulichkeit, buchstäblich alles andere an ihr darf ruhig zu Schaden kommen. Bernardas Kultivierung hat sie in ein Monster verwandelt. Aber wie um Himmels Willen kommt denn überhaupt eine solche bedingungslose Systemhörigkeit zustande? Auch die ungerecht harte Bestrafung aller Töchter, das Eintauchen ihrer Hände in kochendes Wasser für den Diebstahl einer Einzelnen scheint statt Protest nur stärkeren Gehorsam zu fördern. Ein unglaublich perfider Psychotrick, der den Foltermechanismus zum Selbstläufer durch die Gezüchtigten macht, die den Gedanken nicht ertragen können, dass all ihr Leid zu nichts gut gewesen sein soll. „Je stärker der Schmerz, desto wertvoller wird die Belohnung“ - ein bescheuertes, perverses Hirngespinst, das in diesem Haus durch ein Festmahl, bei dem sehr viel Aufwand betrieben wird, um eine einzige Paprika zu zelebrieren, ad absurdum geführt wird. Die Perversion liegt also gar nicht im Begehren, im Gegenteil, sie besteht in all dem, was erfunden wurde, um den Menschen von der Schlechtigkeit der ihm ureigenen Lebensfreude zu überzeugen. Denn eines wird unmissverständlich klargemacht: Das unschuldigste Verhalten im gesamten Stück, das einzige Überbleibsel unberührter Schönheit, ist ausgerechnet das, was so als Sünde verschrien wird: das nackte Verlangen nach Liebe, Nähe, Sex und Familie im ursprünglichen Sinne. Der banale Wunsch nach Fortpflanzung, der selbst bei der Großmutter noch tief verwurzelt ist, für die als Ersatzkind sogar ein Lamm aus der Tiefkühltruhe herhalten muss. Deshalb atmen wir auf, als Adela kompromisslos ihre Bedürfnisse als wichtig anerkennt und statt der buchstäblichen Selbstauspeitschung die Selbstbefriedigung wählt, wir feiern ihren Siegeszug der Liebe, auch wenn er nicht gerade von Schwesterlichkeit getragen wird und obwohl er in eine trotzige Glorifizierung ihres sogenannten Unschuldsverlustes ausschweift. Umso erschütternder das Fazit, das sie für sich zieht: Ihr soll ab sofort nur noch ihr Geliebter befehlen. Oh nein. Sie kennt nur Auflehnung oder Unterwerfung, aber Selbstbestimmung ist ihr fremd. Ihre sexuelle Revolte war der Pfad, der durch das strikte Verbot und die künstlich hochgezüchtete Notgeilheit ebenfalls als Fluchtweg schon vorgegeben war. Wirkliche Emanzipation dagegen sucht man in dieser Tragikomödie vergeblich. Die agierenden Personen sind bis zuletzt so furchtbar zueinander, dass der Held doch die Titelfigur zu sein scheint, namentlich „Bernarda Albas Haus“, das Zuchthaus, das sich seines eigenen Schurkentums anklagt, und dem das allein durch eine stumme Präsentation seines Innenlebens sehr gut gelingt. Die Schwestern missgönnen einander jegliches Glück, anstatt sich gemeinsam gegen die grausamen Traditionen zu verbünden; die Poncia führt wie eine Hündin jeden Befehl ihrer Herrin aus, obwohl sie diese selten gutheißt (herzlich aber hart gespielt von Susanne Burkhard); die Großmutter María Josefa ist in ihrem Käfig völlig machtlos und lebt bloß von der Erinnerung an eine Freiheit, die sie mal kannte; und über all dem thront Bernarda. Maske gewordene Frau, die hinter ihrem Kostüm jede Menschlichkeit verloren hat und sich mit Stolz auf die Funktion reduziert, mit Darth-Vader-Stimme die nächste Generation zur Selbstverleugnung zu zwingen. Und die lässt sich zwingen. Man fiebert mit Adelas Rebellion mit, doch auch sie scheitert. Ist denn diese ganze Darstellung nicht abgrundtief altmodisch und frauenfeindlich? Und wo ist hier außerdem die weibliche Vorbildfunktion geblieben, wenn man nur Sex als Weg zur Befreiung darstellt, hm? Aber Moment mal. An dieser Stelle sollte man sich bitte auch dringend fragen, ob es denn von Grund auf sexistisch ist, weibliche Charaktere als die Leidtragenden ihrer Umstände zu zeigen. Oder ob es nicht im Gegenteil eher diskriminierend ist, vorauszusetzen, dass sich jede realistische Frauenfigur aus eigener Kraft über alle internalisierten Strukturen ihres Umfelds hinwegsetzt? Wo doch gerade im Scheitern sehr viele Facetten der Menschlichkeit zu Tage treten, die zum Nachdenken anregen. Von Männern weiß man das schon seit Jahrtausenden, bei Frauen gerät es gerade durch Idealisierung und Idolisierung im Sinne eines Leistungs-Feminismus wieder mehr in Vergessenheit, der glaubt, eine echte Feministin müsse die Stolpersteine in ihrem Weg einfach ignorieren und auf der holprigen Rennstrecke die gleiche Zeit laufen können, wie der Kollege nebenan auf dem geharkten Aschenplatz. Obwohl ein solcher Erfolgsfall statistisch betrachtet die verschwindend geringe Ausnahme darstellt, ist eine Verbreitung dieses Ideals gerade in der aktuellen Medienlandschaft irgendwie zur Mindestanforderung für die Existenz einer vielschichtigen weiblichen Rolle geworden. 

Man hätte in diesem Stück alle sechs Rollen mit Frauen besetzen können, auch um ganz real die Repräsentation zu fördern. Warum dann wie nach antikem Vorbild ausschließlich männliche Schauspieler in die rotlackierten Schuhe setzen? Widerspricht diese Entscheidung nicht komplett der ganzen Aussage? Hatte man etwa Angst, dass nörgelnde Weiber das Publikum verschrecken würden? Eine Frage, die viele beschäftigt. Hmmm. Was also soll das?

Adela humpelt zu Tisch, der Schuh drückt zunehmend, daher zieht sie ihn aus. Ein Schauspieler, der buchstäblich am eigenen Leibe erfährt, was es heißt, Femininität performen zu müssen. Denn das ist es auch für waschechte Frauen noch immer: eine Performance. Nur ist diese so normalisiert, dass hochhackige Schuhe für sich genommen vom Zuschauer kaum als Kostümierung wahrgenommen werden, es sei denn, sie befinden sich an Männerfüßen. Das Frauenbild ist noch heute so sehr mit der widerstandslosen Bedienung künstlicher Schönheitsideale verschmolzen, dass erst diese Wahl der Besetzung die benötigte Schicht Verfremdung beisteuert, um sicher eine Diskussion zu provozieren. Offensichtlich. Leider. Trotz des Cross-Dressings und der starken Maskerade bewegt sich die Inszenierung weit weg vom zeitgenössischen Travestie-Theater: Nie hat man den Eindruck, dass allein die Tatsache, dass die Schauspieler in Frauenkleidern auf der Bühne stehen, irgendwie witzig sein will. Alle Akteure geben sich weiblich ohne effeminiert zu wirken: sehr überzeugend vor allem Kilian Ponert als die um ihre Leidenschaft kämpfende Egoistin Adela, sowie auch Torsten Bauer als die senile, weggesperrte Mutter der Bernarda, diese respektheischend gespielt von Mervan Ürkmez. Clemens Dönicke überzeugt als alte Jungfer Angustias, der Ansprüche an das Leben schon erfolgreich ausgetrieben wurden, Michael Morche als des Vaters brave Lieblingstochter Magdalena, die als einzige vielleicht wirklich eine Trauerzeit bräuchte, und Daniel Rothaug als die linientreue Martirio, die mit dem Märtyrergesicht, die sich für alles und jeden bereitwillig opfert - allesamt lebendige Porträts fehlerhafter, menschlicher Charaktere, oft ein wenig schrill, doch sehr einfühlsam gespielt. Für eine vollständige Gleichberechtigung fehlt es uns gesellschaftlich unter anderem genau an einer solchen Einfühlsamkeit, einer solidarischen Anteilnahme der Hälfte der Bevölkerung, die zufällig das Privileg genießt, das Machtgefälle ausblenden zu können, sich aber dagegen entscheidet, es zu tun. „If I ruled the world, I’d make all boys girls - at least for a day“, spricht Molly Nilsson zum Ende des Stücks diesen Gedanken explizit aus. Ein Pepe el Romano hat keine großen Skrupel, von der bestehenden Ordnung zu profitieren - er muss bloß sanft am überreifen Stammbaum der Albas rütteln, schon fällt ihm die verbotene Frucht in den Schoß, die sich selbst schon dadurch für verdorben hält. Und während sie ihm wie in religiöser Verzückung süße, aufopfernde Nichtigkeiten ins Ohr flüstert, besitzt dieser Jesusverschnitt die Frechheit, genervt das auszusprechen, was der moderne Zuschauer denkt und zu bemängeln, dass sie sich jetzt genüsslich ihm unterwerfen will, wo sie doch gerade erst ihre Freiheit erkämpft hat (wunderbar gönnerhaft gegeben von Burak Hoffmann). Wie der Patriarch die Unterdrückung an die Unterdrückten delegiert, schiebt auch der aufgeklärte Mann seine Verantwortung von sich und befeuert dadurch den falschen Stolz des brandaktuellen Alleskönner-Frauenbildes. Der Messias, der keiner ist, liegt auf der faulen Haut, sagt sinngemäß „Ich lasse sie ja tun, was sie will, wieso will sie am Ende doch nur von mir beherrscht werden, das ist mir echt total unangenehm“, raucht seine Zigarre, und erwartet von der Geliebten in seinem Schoß ein Befreiungskunststück aus dem Kostüm, das über Jahrhunderte von einem System geknotet wurde, das ihm selbst noch immer nützt. Ein unbeteiligtes „Ich verstehe dich nicht“, das nicht verstehen will, sondern eigentlich nur sagt „Du machst das falsch“. Ende der Diskussion. Und das ist doch ziemlich schade, oder? Daher bedanke ich mich aus tiefstem Herzen beim Theater Oberhausen für die erneute Entfesselung eines sehr interessanten Gesprächs, das noch nie zu Ende geführt wurde. Für punktgenaue Effekte und ein beseeltes Spiel. Und nicht zuletzt für kurze zwei Stunden feinster Unterhaltung. Chapeau.  (Hannah  Schumacher)

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Schauspiel: Memory Alpha vor der Premiere

Szene aus Memory Alpha mit Friederike Tiefenbacher und Christian Freund. Foto: Birgit Hupfeld Memory Alpha oder Die Zeit der Augenzeugen heißt ein Theaterstück, das am Freitag (6.4.), 20 Uhr, Uraufführung im Schauspielstudio hat. Bereits 2020 will die chinesische Regierung ein landesweites Scoring-System in Betrieb nehmen, das das Verhalten jedes Bürgers elektronisch erfasst, analysiert und bewertet. Jede/r in China soll dann mit einem Punktestand durchs Leben gehen, der seine/ihre Reputation widerspiegeln und der permanent aktualisiert werden soll. Der Mensch kann Punkte und damit Privilegien gewinnen, aber auch verlieren – je nachdem, was man online oder offline so tut. Die Vision: Die Schaffung eines elektronischen Gedächtnisses, mit dessen Hilfe die Bürger dazu erzogen werden sollen, bessere Menschen zu werden. Ein Autounfall in Brüssel Technologisches Gedächtnis, menschliches Gedächtnis und ein Autounfall in Brüssel, der die Zeit auf den Kopf stellt: Dr. Gerd Stein, Leiter des renommierten „Instituts für Digitalität und Gedächtnis“, wird auf einer Brüsseler Straße von einem Auto zerquetscht, kurz nachdem er im Europaparlament öffentlich vor der chinesischen Super-SCHUFA gewarnt hat. Wer saß hinterm Lenkrad? Stein begibt sich auf Spurensuche rückwärts durch die Zeit. Knapp zwei Monate zuvor hatte seine Frau, die berühmte Gedächtnis-Forscherin Johanna Kleinert, mit der natürlichen Fehleranfälligkeit des menschlichen Gedächtnisses experimentiert: Im Rahmen einer epochalen False-Memory-Studie hackte Kleinert das Gedächtnis von ihrem Probanden Sebastian Grünfeld – und zwar so, dass dieser sich nun hochpräzise an ein Erlebnis erinnert, welches es nie gegeben hat. Und dann ist da noch Steins Schwester Charlotte – eine von nur 57 weltweit bekannten Menschen, die schwer vergessen können… Menschliches Gehirn als komplexe Struktur Das menschliche Gehirn ist die komplexeste Struktur im uns bekannten Universum. Doch wie gut und sicher kann es Erinnerungen abspeichern – und was bedeutet das für unser Gefühl von Identität und unsere Definition vom Menschsein? Und wie treffen die Fehleranfälligkeit der menschlichen Erinnerung und die ungeahnten Möglichkeiten von elektronischen Gedächtnissen aufeinander? Wird es bald eine Zeit geben, in der der Satz „Irren ist menschlich“ nicht mehr gilt? Autorin Anne-Kathrin Schulz studierte Szenisches Schreiben an der Universität der Künste Berlin. 2001 wurde ihr Stück Unter Land am Jungen Theater Göttingen uraufgeführt, 2003 dann Silly Songs am Deutschen Schauspielhaus in Hamburg. Ebenfalls 2003 entstand nach ihrer Kurzgeschichte Bericht vom Rand der Festung der Kurzfilm Nobody Kers (Regie: Philipp Reuter, Ruhrgebietspreis 2003). Seit 2000 auch Arbeit als Dramaturgin, z.B. am Schauspiel Bochum, dem Deutschen Theater Berlin und (seit 2010) am Schauspiel Dortmund, wo sie z. B. Mike Daiseys Die Agonie und die Ekstase des Steve Jobs und TRUMP ins Deutsche übersetzte sowie Co-Autorin von DIE SHOW war. 2016 wurde Die Schwarze Flotte in der Regie von Kay Voges uraufgeführt. Besetzung Prof. Johanna Kleinert, Gedächtnisforscherin: Friederike Tiefenbacher Dr. Gerd Stein, Sozialforscher: Uwe Schmieder Charlotte Stein, HSAM-Expertin, seine Schwester: Caroline Hanke Sebastian Grünfeld, Studierender der Biologie: Christian Freund Regie: Ed. Hauswirth Bühne, Grafikdesign: Susanne Priebs Kostüme: Vanessa Rust Musik: Sebastian Spielvogel Film-Still-Photography: Laura N. Junghanns Video-Operator: Julia Gründer Licht: Sibylle Stuck Ton: Gertfried Lammersdorf Engineering: Lucas Pleß Dramaturgie: Anne-Kathrin Schulz Regieassistenz: Laura N. Junghanns Ausstattungsassistenz: Yaroslava Sydorenko Soufflage: Ginelle Lindemann Inspizienz: Ralf Kubik Regiehospitanz: Friederike Flüß, Lara Möhl Termine: 6.4., 20 Uhr (Uraufführung), 13.4., 20 Uhr – Studio www.theaterdo.de Read the full article

[kms-kr]

Krefelder Regisseur beim Berliner Theatertreffen

Kay Voges wurde mit seiner Dortmunder Produktion „Die Borderline Prozession“ eingeladen.

Große Ehre für den in Krefeld aufgewachsenen Theatermann Kay Voges. Das von ihm am Theater Dortmund inszenierte Stück „Die Borderline Prozession“ wurde als eine von „zehn bemerkenswerten Inszenierungen“ zum Berliner Theatertreffen eingeladen. Das seit 1964 bestehende Festival ist die wichtigste Leistungsschau des deutschsprachigen Theaters, dieses Jahr findet es vom 5. bis zum 21. Mai statt.

Voges ist seit der Spielzeit 2010/2011 Intendant des Schauspiels am Theater Dortmund. Davor war er fest am Theater Oberhausen engagiert und hat auch viele Inszenierungen als freier Regisseur an Häusern in ganz Deutschland zu verantworten. In seiner Heimatstadt Krefeld hat Voges mit der Neuen Bühne Krefeld lediglich eine freie Produktion in der Fabrik Heeder herausgebracht. „Nico. Sphinx aus Eis.“ feierte 2005 Premiere.

Kay Voges. Foto:  Birgit Hupfeld.

Das Konzept für „Die Borderline Prozession“ stammt von Regisseur Voges und den Dramaturgen Alexander Kerlin und Dirk Baumann. Die Jury des Theatertreffens schreibt in ihrer Begründung zur Auswahl des Stücks, es sei „eine Musik-, Kunst-, Theater- und Filminstallation: philosophisches Totaltheater. Kay Voges vermisst die heutige Welt als rasend Bilder ausspeiende Maschinerie und lotet ihre Auswirkungen auf moderne Bewusstseinszustände aus. ... Eine Meditation zur allgemeinen Weltverwirrung.“

Sieben Kritikerinnen und Kritiker bildeten die Jury für die Auswahl 2017. Sie besuchten 377 Inszenierungen in 63 deutschsprachigen Städten. 38 Inszenierungen wurden in die engere Wahl genommen, zehn letztlich nominiert. Das Theater Dortmund freut sich über seine dritte Nominierung, die letzte liegt 22 Jahre zurück.

Für Voges, der 2013 schon einmal für den deutschen Theaterpreis „Der Faust“ nominiert war, ist die Einladung zum renommierten Theatertreffen eine weitere Bestätigung seiner in den großen Feuilletons regelmäßig als besonders innovativ gelobten Arbeit. Die Aufführungen von „Die Borderline Prozession“ am Theater Dortmund sind seit der Premiere im April 2016 immer ausverkauft.

Neben dem Theater Dortmund wurden dieses Jahr nach Berlin eingeladen: das Schauspiel Leipzig, das Thalia Theater, Hamburg, das Residenztheater, München, das Konzert Theater Bern, das Theater Basel, das International Institute of Political Murder und CAMPO Gent, die Berliner Volksbühne, die Gruppe Forced Entertainment und das Staatstheater Mainz.

www.berlinerfestspiele.de

www.theaterdo.de/detail/event/16825/

[bettinawerner]

DER TURM

Hugo von Hofmannsthal

Residenztheater Oktober 2022

Inszenierung: Nora Schlocker, Bühne: Irina Schicketanz, Komposition: Alexander Vičar, Video: Sven Zellner, Licht: Gerrit Jurda, Dramaturgie: Constanze Kargl

mit: Johannes Nussbaum, Lisa Stiegler, Katja Jung, Michael Goldberg, Thiemo Strutzenberger, Valentino Dalle Mura

Fotos: Birgit Hupfeld

[bettinawerner]

Hamlet William Shakespeare 

Mai 2021, Residenztheater München

Inszenierung und Bühne: Robert Borgmann, Mitarbeit Bühne: Jonas Vogt Mitarbeit Kostüme: Teresa Heiß, Musik: Rashad Becker, Licht: Gerrit Jurda, Video: Krzysztof Honowski, Dramaturgie: Katrin Michaels

Mit: Johannes Nussbaum, Michael Gempart, Arnulf Schumacher, Katja Jung, Christoph Franken, Sibylle Canonica, Max Mayer, Lukas Rüppel, Linda Blümchen, Florian von Manteuffel, Musiker: Rashad Becker, Valerio Tricoli

Fotos © Birgit Hupfeld

[bettinawerner]

WOYZECK

nach Georg Büchner von Anne Habermehl 

Staatstheater Karlsruhe, November 2019

Regie: Anne Habermehl Bühne: Christoph Rufer Kostüme: Tine Werner Dramaturgie: Eivind Haugland Musik: Philipp Weber

mit Anna Gesa-Raija Lappe, Antonia Mohr, Jens Koch, Thomas Schumacher

Fotos: Birgit Hupfeld

[foerkuenkel]

(c) Birgit Hupfeld

[foerkuenkel]

(c) Birgit Hupfeld