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Panel 6

Panel 6 : Violence et images indigestes / Violence and Indigestible Images

Présidente de panel : Marina Merlo

Alexandra Gasbarrino University of Guelph Alexandra Gasbarrino has just completed the graduate program at the University of Guelph in Art History and Visual Culture, and officially received her Master's degree in June. Her thesis explores the work of German artist Anselm Kiefer and is titled "Out of the Darkness: Creating New Contexts of Meaning in Anselm Kiefer's Citation of Nazi History." She analyzes Kiefer's use of performativity, citation, and allegory to examine the efficacy of his art in intervening on the visual and semiotic infrastructure of the Nazi past.

Indigestible Images. Nazi Aesthetics, Anselm Kiefer, and Representations of the Holocaust I will begin my discussion of Nazi aesthetics and Holocaust art by examining the cultural poaching and theft of various visual elements by the Third Reich. I will then explore the potentially non-existent nature of a Nazi-specific aesthetic, and how this concept is translated in the paintings of German artist Anselm Kiefer and the historical “afterimages” of Jewish artists whose artworks survived the concentration camps. I will be addressing the following questions: Is it possible to reconcile the nuanced satire of Kiefer’s work with the explicit horror depicted by victims of the Holocaust? What is the role of the spectator in the reception and interpretation of such sensitive material? What directs our understanding of such indigestible images, and how do we as viewers ultimately come to terms with Holocaust art and the history that has been transformed before our eyes – not only by the artist, but by our own consumption of the image?

Tamara J. Mason

Temple University The current research of Tamara J. Mason centers on ideas of “blackness” or “otherness” as seen through a seventeenth and eighteenth century European lens. As the height of the slave trade reached its zenith, interactions between Europeans and Sub-Saharan Africans became more frequent which resulted in more thorough documentation of these encounters. Through her research, she explores the interactions as expressed in seventeenth and eighteenth century art and the possible reception it had on its audience.

Between the Lines, Beyond the Image: Subversive Subjectivity of the Black Female Form in Thomas Stothard’s "Sable Venus" In the guise of the classical Greek goddess, Venus, Thomas Stothard’s Sable Venus (1793) challenges the familiar trope by presenting her as a black figure. Printed alongside the 1763 poem “Voyage of the Sable Venus” by Isaac Teale in the book The History, Civil and Commercial of the British Colonies by Bryan Edwards in 1794, Stothard’s Sable Venus illustrated the transportation of female slaves from Africa to the New World. The realities of the trade are elided, projecting instead a positive image of the trade to mainland Britain.�� Despite its context within the pages of Edward’s book, the Sable Venus is more ambiguous in its presentation of objectification. In my essay, I explore depictions of the black female form through the lens of an objectifying European male gaze to investigate how the presumed audiences would have interpreted this fascinating multi-layered consumable good of book, poem, image, and black female body.

Julie Martin Université Toulouse Jean Jaurès Directrice artistique de la Plateforme d’Art de Muret de 2009 à 2015, Julie Martin est doctorante contractuelle depuis 2015. Elle réalise une thèse intitulée « La fabrique et la réception des images artistiques à dimension documentaire à l’ère des flux » sous la direction de Christine Buignet. Elle est également commissaire d’exposition et critique d’art.

Pléthore d’images de guerre et la nécessité de voir le cadre : Embedded (2001) de David Birkin Dans Embedded, l’artiste David Birkin s’approprie des photographies de guerre dont il perturbe le code en y insérant le nom des victimes des événements évoqués. Cette modification du script provoque des glitchs qui altèrent la représentation. Nous examinerons comment l’œuvre vient souligner l’anonymisation des victimes et l’uniformisation des faits, engendrées par la capture et la diffusion photographiques. En effet, si les images sont accessibles par leur nature multipliable, tout déplacement provoque une rupture qui en biaise la compréhension. Birkin pointe alors la nécessité d’explorer ce que Judith Butler nomme « le cadre » des images. Au-delà du cadrage, le terme désigne les contextes successifs qui orientent la compréhension des photographies. Car de sa production à ses diverses réceptions, l’image embarque (embed) des enjeux politiques et sociaux différents, souvent imperceptibles, qu’il convient pourtant d’identifier puisque ceux-ci astreignent son interprétation. La consommation d’images par l’artiste devient ici le moyen de renouveler celle du spectateur.

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L'image consommée : excès, limites et transformations - détails des panels / The Consumed Image: Excess, Limits and Transformations - panels informations

Nous sommes heureux de vous partager les panels du Colloque “L'image consommée : excès, limites et transformations” qui aura lieu à l’Université de Montréal le 16 et le 17 novembre 2017. 

We are happy to share with you all the panels of the Symposium "The Consumed Image: Excess, Limits and Transformations". It will take place at the University of Montreal, November 16-17, 2017.

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Panel 1

Panel 1 : Espaces de la consommation. Investir les lieux / Spaces of Consumption. Investing Places

Président de panel : Philippe Depairon

Alyssa C. Garcia Université de Pennsylvanie Alyssa C. Garcia is a rising second-year PhD student in the History of Art at the University of Pennsylvania, specializing in ancient Roman art and architecture, with a minor focus on Byzantine art and architecture. There, she receives both the Benjamin Franklin and William Fontaine Fellowships. In 2012 and 2014, she received full fellowships to excavate at Villa San Marco (Stabiae) and Villa Adriana (Tivoli), respectively, each issued and conducted by Columbia University. She received her B.A. in Art History (2013) and a post-baccalaureate certificate in Classics (2014), both from Columbia University.

"The Holy Land Experience": Performing Jerusalem in America In the United States, an idealized Jerusalem has been created and consumed through ritual engagement with architectural reproductions of that city’s Christian monuments, in a tradition we may call “performing Jerusalem.” This paper examines this architectural genre, heretofore undiscussed collectively, via exempla of its main typologies: nineteenth-century topographic models, twentieth-century biblical theme parks and Passion Play stages, and today’s fusions of all three. The earliest imitations derive their authenticity materially, from the scientific accuracy of the reconstruction. Later reproductions lose this visual correspondence with their referent, retaining the aesthetic language of “history” and “science,” but eschewing the original compositions they claim to replicate. Instead, they base their forms on evangelical ideology, illustrating a “religious truth” that is derived only exegetically and culturally. In tracing how biblical history is literally constructed for popular consumption, a gap between archeological fact and constructed fiction emerges—one with dangerous social implications.

Émilie Hamel Université de Montréal Émilie Hamel fait sa maîtrise en histoire de l'art depuis la session d'hiver 2016 à l'Université de Montréal avec Denis Ribouillault. Elle travaille sur les statues grotesques qui ornent la villa Palagonia (XVIIIe siècle) et leur rôle dans l'expression d'une autonomie politique du pouvoir féodal sicilien par rapport à la domination espagnole et les autres qui suivirent. En avril 2017, elle a donné une conférence lors du forum étudiant du séminaire des Nouveaux Modernes intitulée « Symbolique et pouvoir à Palerme : Les Quattro Canti (1608-1630) et les processions de la Sainte Rosalie ».

Le rôle politique des sculptures grotesques de la villa Palagonia (1721) à Bagheria Située à Bagheria en Sicile, la villa des princes de Palagonia a choqué l’Europe à l’époque du Grand Tour par son décor baroque construit en 1721 et ses sculptures grotesques qui ornaient son enceinte à partir de 1753. Bien que ces dernières furent longtemps considérées comme l’expression de l’esprit dérangé de son commanditaire Ferdinando Francesco Gravina e Alliata, l’aspect et le propos carnavalesque de cet ensemble ainsi que la théâtralité de sa disposition dans un contexte de villégiature expriment également le rapport de la classe féodale à la domination des Bourbons d’Espagne et aux instabilités politiques que subissait la Sicile au XVIIIe siècle.

Clorinde Peters McMaster University Clorinde Peters is a PhD candidate in English and Cultural Studies at McMaster University and a Vanier Canada Graduate Scholar. Her work addresses the political and educative role of photography in a creative labor economy marked by neoliberal social policy. Specifically, she investigates neoliberal politics of disposability - in which particular populations are rendered collateral damage in the pursuit of capital accumulation – and the way that shifting uses of documentary photography can both visualize and resist such a politics. She has published in Afterimage (2017), the Encyclopedia of Educational Philosophy and Theory (2016), and Policy Futures in Education (2015).

Counter-Narratives in Women’s Prison Photography: La Toya Ruby Frazier and Kristen S. Wilkins Incarcerated women comprise the fastest growing prison population in Canada and the United States. This paper examines the photographic work of LaToya Ruby Frazier to shed light on the neoliberal structural conditions of disposability that funnel women into the prison system, and Kristen S. Wilkins’ collaborative work with incarcerated women to rethink prison uses of photography and resistant modes of representation. Their work is poised not only to resist punitive mechanisms of the neoliberal state, but to reconfigure the masculinist genre of documentary photography. Such contemporary photographic work has the potential to oppose the prison-industrial complex and to operate as a response to the problem of images in popular and entertainment culture misrepresenting the realities of the over-incarceration crisis.  

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Panel 2

Panel 2 : Détours, réappropriations, marchandisations / Detours, Reappropriations, Commodifications

Présidente de panel : Maude Trottier

Ismérie Triquet Université Rennes II – Haute Bretagne Docteure en Histoire de l'art médiéval, Ismérie Triquet a travaillé sur "les manuscrits enluminés de la Grande Chronique de Normandie aux XIVe et XVe siècles". Iconographe, elle s'attache essentiellement, dans le cadre de ses recherches, à questionner les formes et les fonctions des figures représentées dans l'art, mais aussi leur évolution dans l'histoire de l'art. Son travail de thèse de doctorat achevé, elle se concentre sur des thèmes connexes rencontrés au cours de ses recherches comme : la figure de la mort et les variations autour de ce thème dans les manuscrits profanes, l'image des époux, les batailles, les figures royales ou saintes...

Jeanne d'Arc à Rouen ou la banalisation d'une figure historique Que reste-t-il de Jeanne d’Arc, grande figure historique de l’histoire de France, dans la culture historique et le paysage patrimonial du XXIe siècle ? Alors que l’itinéraire « héroïque » de la Pucelle est aujourd’hui un parcours touristique particulièrement prisé, nous verrons à travers l’exemple de la ville de son supplice, Rouen, comment la surutilisation et les abus ont modifié, voire banalisé l’image de la sainte. Loin d’être une figure historique liée à un passé oublié, Jeanne d’Arc est régulièrement exploitée, parfois de manière discutable, par les pouvoirs politiques français. Tombée en désuétude depuis la fin de la troisième République, l’héroïne nationale revient sur le devant de la scène depuis le milieu du XXe siècle. Entre exploitation par les partis politiques extrémistes et dernier rempart de cohésion face à la menace terroriste, quel est l’idéal Johannique véhiculé de nos jours ?

Natalie Haddad University of California San Diego Natalie Haddad is a post-doctoral student at the University of California San Diego, where she received her PhD in Art History, Theory and Criticism in 2016. In her dissertation, titled “Representing the Unrepresentable: Otto Dix’ Der Krieg and the Representation of Otherness in World War I”, she examines the expression of traumatic experiences in art through the creation of an unstable and ambiguous visual field. She is co-editor for the Hyperallergic Weekend Editorial Collective (april 2016 – present), is currently revising dissertation for publication and is researching an essay arguing against the traditional association between abjection and feminity in art by women.

One Hundred Million Dollars: Dollar Stores, Conspicuous Consumption and Art My paper examines the vast economic divide between the have-nots and the extreme haves and the fetishization of the unique art object and general commodity as two paths that increasingly converge, resulting from the consumer culture that has developed since the 1950s and the ideological democratization of art that began with Pop Art. The development of an ultra-wealthy class of art collectors and artists brings the question of ethics of production and consumption into the art world. Looking at specific examples from both ends of the spectrum – from artist Jason Lazarus’s self-imposed $19 budget for the exhibition 99 Cents or Less at the Museum of Contemporary Art Detroit to the one hundred million dollar sale of a Basquiat painting this year – I consider the point at which consumption crosses over into excess and where art fits in.

Hanen Hattab Université du Québec à Montréal Hanen Hattab est une étudiante au doctorat en sémiologie à l’Université du Québec à Montréal (UQAM). En ce moment, elle rédige sa thèse intitulée « Modes identificatoires d’une œuvre multivalente. Réception de l’Art toy pop surréaliste ». Elle s’intéresse aux images issues des formes de sabotages culturels, comme la culture jamming et le graffiti vandale numérique, et des jeux intersémiotiques entre l’art et l’économie. Elle a publié des articles dans la revue étudiante Ex-situ. Elle est aussi auteure responsable de la rubrique Innovations d’ailleurs dans la revue Substance ÉTS des étudiants et des professeurs de l’École de technologie supérieure.

La réception de l’Art toy pop surréaliste : gadgetisation de l’objet d’art Consommé comme un produit dérivé et consacré comme un objet d’art, l’Art toy pop surréaliste échappe au statut unique pour faire interagir ces deux objectalités. Comment se présentent les œuvres qui ont évacué l’intentionnalité et la référence exclusives au monde de l’art ? Cette réflexion stipule que l’Art toy est une œuvre multivalente dont les modes identificatoires sapent les repères traditionnels de reconnaissance de l’objet d’art, ce qui en fait un « gadget ». Au-delà de son sens péjoratif, la gadgétisation comporte les conditions de réception d’un produit dont les multiples fonctions lui confèrent une valeur ajoutée. L’Art toy produit sa valeur dans le détournement qu’il opère des systèmes sémiotiques du « grand art » et de l’économie, et dans la diversification des structures et des mécanismes de réception des œuvres.  

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Panel 3

Panel 3 : Temps et mémoire de la consommation à l’écran / Time and Memory of On-Screen Consumption

Présidente de panel : Alice Michaud-Lapointe

Giulia Taurino Université de Montréal Giulia Taurino est une doctorante boursière en études des médias à l'Université de Bologne, où elle est inscrite en cotutelle avec l'Université de Montréal. Ses intérêts de recherche se concentrent notamment sur les formes narratives dans la sérialité télévisuelle à l'ère du numérique. En mars 2017, elle a participé au colloque international "Television Forms and Platforms in the Digital Age: Narratives, Audiences, Technologies" à Montréal. Son exposé est actuellement en cours de publication.

The Time of Nonlinear Television: Reception and Temporality of Serialized Narratives Temporality has always represented a pivotal element in processes of serialization, both in the form of narration time (Mittell, 2015) – but also story time and discourse time –, and “time of television” per se, originally described by Raymond Williams (1974) as a continuous flow. Starting from Gary Becker’s article “Theory of the Allocation of Time” (1965), the value of time, where time – both working and non-working time – is viewed as an economic resource, has been associated with mechanisms of consumption. Following Becker’s theory, we will consider here the relationship between emerging consumption practices of TV series – namely, forms of binge-watching and speed-watching – and the allocation of time within the framework of nonlinear television. By analyzing time-use inside and outside the narration through specific case studies, we will see how both processes of circulation and reception of TV series are changing in the context of online platforms.  

Clément Dumas Paris Panthéon-Sorbonne 1 Clément Dumas est doctorant-contractuel en Études Cinématographiques à l'Université Panthéon-Sorbonne Paris 1. Après un Master 2 consacré à l'étude des processus mémoriels dans le cinéma de Hou Hsiao-hsien, il prépare une th��se sur les théories de la mémoire moderne et leurs applications dans un corpus de films asiatiques (Lav Diaz, Apichatpong Weerasethakul et Wang Bing). Ancien étudiant de l'École Normale Supérieure de Lyon, il fait partie du comité de rédaction de la revue pluridisciplinaire Cinétrens.

Les films de longues durées et le Slow Cinema : qu’est-ce qu’un film qui « prend son temps » ? Il est d’usage de distinguer dans le cinéma contemporain un ensemble de gestes visant à ralentir le rythme des images. Des tentatives de délimitation d’un corpus de films internationaux, que l’on regroupe communément sous le terme de Slow Cinema, ont cherché à comprendre la cohérence culturelle, stylistique et historique de ce ralentissement généralisé des images. En retraçant les différentes polémiques universitaires et critiques que cette manière de considérer le cinéma contemporain a pu connaitre, nous voudrions ensuite repositionner le problème au niveau des pratiques spectatorielles que ce type de films supposent. En effet, le terme de Slow Cinema — référence explicite au concept de Slow Food théorisé par Carlo Petrini dans les années 1980 — insinue une consommation plus éthique et respectueuse du fait cinématographique tout en remettant en question la participation cognitive du spectateur vis-à-vis de l’image en mouvement.

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Panel 4

Panel 4 : Structurer l’image. Pratiques, technologie, conservation / Structuring the Image. Practices, Technology, Conservation

Présidente de panel : Candice Houtekier

Kristen Nassif University of Delaware Kristen Nassif is a first-year Art History PhD student at the University of Delaware. Her research focuses on nineteenth-century American painting, with a particular interest in the intersection of science and art. She has published an essay on the American photographer Duane Michals (winter 2017), and has worked on a publication for the Art Institute of Chicago for the exhibition “Whistler and Roussel: Linked Visions”. She earned her B.A. from Colby College in Studio Art, Art History, and Biology, and her M.A. from Tufts University in Art History.

Consuming the X-ray: Containing the Unknown and Illuminating the Visible This paper considers X-rays as aesthetic images for consumption at the end of the nineteenth century. The “X-ray craze” of 1896 prompted a shift from the private laboratory to the space of the public, fuelled by a desire to see and experience the body like never before. Nevertheless, concerns of privacy and mortality quickly returned X-rays to the scientific settings of hospitals. I argue that consuming the X-ray necessitated not only a particular architectural environment, but a kind of visuality that acknowledged its nebulous character. As material objects and windows to the invisible, X-rays and their spaces were similar to photographic studios and darkrooms, but they also attempted to contain, control, and protect individuals from the X-ray’s unknown, imperceptible forces. Revealing the limitations of vision, X-rays demanded not only a new kind of seeing, but a new space in which to see and consume. 

Christophe Barbeau Université de Toronto Après avoir obtenu un baccalauréat en arts visuels de l’Université Laval (Québec), Christophe Barbeau poursuit son parcours académique au niveau de la maîtrise en études visuelles, profil études curatoriales à l’Université de Toronto. Ses intérêts de recherche concernent l’élaboration d’une praxis commissariale prenant pour base les concepts d’amitié, d’hospitalité et de don. Pour complexifier cette posture de commissaire, il cherche à produire une approche critique de l’autorship et de l’authority inhérents aux pratiques commisariales.

Copie et remake comme stratégies d’accessibilité dans une pratique commissariale Cette présentation se penche sur la position particulière de l’Artiste-Commissaire. L’objectif est de dégager, à travers une enquête critique s'inspirant de ma pratique personnelle, les dangers potentiels de cette position d’« entre-deux». La position d’artiste-commissaire que j’ai tenue au cours de mon parcours employait principalement des stratégies de copies, faux, remakes et reconstitutions, tout en réutilisant des stratégies commissurales et la forme d’exposition de groupe. Les différents types de relations représentationnelles choisies pour ces projets tentaient, par la mise en réseau de différentes œuvres, de déconstruire le concept monolithique de l’auteur (et celui de l’artiste) ainsi que de repenser notre relation à l’original et l’authenticité, deux concepts fondamentaux à l’hégémonie de l’histoire de l’art occidentale. Afin de mieux comprendre les risques et pièges d’une telle praxis, la pratique d’artiste-commissaire sera abordée par l’utilisation du concept de « capital symbolique » de Pierre Bourdieu.

Christelle Proulx Université de Montréal Christelle Proulx est doctorante en histoire de l’art à l’Université de Montréal. Détentrice d’une bourse du Conseil de recherches en sciences humaines du Canada, son projet de thèse examine les reconfigurations de diverses aspirations utopiques dans le web à l’aide de projets qui réutilisent des images tirées de Facebook et de Google. Elle a notamment publié sur des sujets connexes dans le magazine Ciel Variable et dans la revue Captures. Elle est aussi auxiliaire pour le projet de recherche « Art public, art urbain et cultures numériques : des publics, des sites, des trajets », dirigé par Suzanne Paquet.

Atlas, le savoir visuel et le web. Une étude des dynamiques de filtres dans Google Images À une époque où les images semblent désormais toutes accessibles, Google Images s'impose dorénavant comme un intermédiaire dominant afin de trouver ou de retrouver des images « pertinentes » en ligne. Pour cette présentation, les spécificités du moteur seront examinées à travers le prisme historique d’une mise « au travail » des images (Castro 2013) dans la notion d’atlas, en tant que production d’un savoir spécifiquement visuel (Didi-Huberman 2011 ; Castro 2013). En plus d’un bref examen des algorithmes d’ordonnancement chez Google, cette étude sera déployée avec l’œuvre hypermédiatique Image Atlas (2012 - ) de Taryn Simon et Simon Schwartz : un site sur lequel l’utilisateur soumet des requêtes à Google Images et visualise les résultats obtenus dans cinquante-quatre pays. En explicitant les parois invisibles que produisent ces « bulles de filtres » (Pariser 2012), nous tenterons de décrire une part du rôle des images dans les aspirations qui animent Google.

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Panel 5

Panel 5 : Régler les corps, fixer le regard / Controlling Bodies, Regulating the Gaze

Présidente de panel : Julie Ravary-Pilon

Eileen Owens Philadelphia Museum of Art Eileen Owens is the Suzanne Andree Curatorial Fellow in the Prints, Drawings, and Photographs department at the Philadelphia Museum of Art. She received her M.A. in Art History from Temple University. Her research interests include the print culture and social history of nineteenth and early-twentieth century Europe. She is currently working on an exhibition of British caricature.

Visualizing Masculinity: The French Bachelor in Nineteenth-Century Caricature This paper examines the intersection of nineteenth-century Parisian male identity, specifically the trope of the bachelor, with its printed caricatured representations. In Paris, the consumption of caricature was unavoidable. These images were created quickly, published easily, and reproduced in the thousands.   Ubiquitous across gender, social status, and political affiliation, popular prints repeatedly satirized any deviations from this ideal masculinity. French men were expected to be durable in a physical, mental, and financial capacity; their success as men forecast the success of the nation. The bachelor, however, purposely rejected the traditional stability of marriage and family life. Seen in caricatures as loose and directionless, he spelled chaos in the popular imagination of an already unstable nation. The distinctive nature of printed imagery – the audience, circulation, and cultural impact – provided a humorous, yet urgent visual attempt to grapple with the tricky and conflicting expectations of French masculinity.  

Emily Scherzinger McMaster University Emily Scherzinger is a PhD student in English and Cultural Studies at McMaster, where she researches language (anti)structures, specifically analyzing the tensions within nonsense as a space of possibility and oppression for populations relegated to this realm within the "commonsense" patriarchal Euro-Western discourse. Emily is also a wrestler in the Toronto chapter of the League of Lady Wrestlers, is an avid zine maker, and sits on the editorial committee for Milkweed Magazine, a sex-positive erotic publication.

From Manic Pixie Dream Girl to Manic Pixie Doom Girl: An Analysis of the Neoliberal Erasure of Women's Subjectivities in Modern Cinema In contemporary Western independent cinema, the Manic Pixie Dream Girl (MPDG) has become a figure that is overzealously critiqued and consumed; however, these considerations are woefully inadequate, often merely critiquing the individual films and directors that employ this archetype, without acknowledging what the MPDG reveals: a cultural fear of feminine independence. As a result, I intend to deconstruct the popular discourse of the MPDG, as well as reveal the cultural ramifications of the MPDG’s call to self-surveillance and rabid individuality. Using Roland Barthes’ A Lover’s Discourse, I will also consider the gendered consumption of love in a multitude of Western indie films in order to reveal how the femininity of the MPDG has been co-opted for the purpose of erasing female subjectivities.

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Panel 7

Panel 7 : Dérives capitalistes et surconsommation / Capitalist Excesses and Overconsumption

Présidente de panel : Émilie Poirier

Ewan Wallace Williams College / The Clark Art Institute Ewan Wallace is a Masters candidate in Art History at Williams College and the Clark Art Institute. He completed his undergraduate studies at Trinity Hall, University of Cambridge. His current research interests are wide-reaching, but include issues surrounding art writing, the fragment, historical opacity, and alternative strategies of political resistance in contemporary art.

The Fine Art of Laziness and the Laziness of Fine Art Sit down. Drink a beer. Resist? Addressing late capitalism’s increasing ability to commodify the products of artistic labour, a number of artists since the 1960s have turned to an unusual form of activism: laziness. By sleeping, smoking cigarettes, or drinking beer, these artists have elevated the stodgy temporalities of leisure and listlessness into a form of political practice. They have circumscribed the ‘useless’ moments of daily life as sites with the potential to refuse commercialization. This paper considers whether this strategic laziness, what the artist Mladen Stilinović has called “dumb time,” represents a genuinely subversive activity within the 24/7 labour demands of late capitalism.  It asks whether we might waste time in order to ultimately regain it.  

Noeimy Dulude Université du Québec à Montréal Noeimy Dulude est présentement étudiante à la maîtrise en communication, profil médias numériques. Elle s'intéresse principalement à la gastronomie en tant que vecteur d'idéologie et de sens commun. De plus, elle travaille sur un mémoire portant sur le Food Porn, une nouvelle manière de présenter la nourriture sur des plateformes en ligne qui s'est développée dans les dernières années.

Food Porn : art, consommation & excès Le Food Porn est un phénomène qui apparaît suite à l’appellation « food pornography » dans le livre Female Desire de Rosalind Coward. Ce phénomène en ligne se caractérise par une présentation visuelle extravagante et alléchante. Un lien étroit subsiste entre la présentation du Food Porn et la surutilisation de l’image avec un objectif commercial. Le Food Porn se distancie des émissions culinaires traditionnelles en effaçant la figure du chef et la remplaçant par l’image d’aliments surabondants, surconsommés et « photoshopés ». Il prône l’esthétique gastronomique avant la pédagogie culinaire ce qui provoque un changement quant à la visualisation de la nourriture à l’écran.  Le Food Porn est non seulement consommé dans un modèle de « binge-watching », mais il est un exemple parfait de l’hyperphagie visuelle du contenu culinaire. Cette recherche exploratoire cherche à mieux cadrer le genre Food Porn et son esthétique à l’écran.

Jeffrey M. Brown University of the Sciences in Philadelphia Jeffrey M. Brown is assistant professor of English in the department of Humanities at the University of the Sciences in Philadelphia, where his research focuses on intersections between literary modernism, aesthetic theory, and the theatrical arts in the long 20th century. He is currently at work on a book project that considers the influence of late-Victorian acting on the formation of modernist reading practice. His writing has recently appeared in Modern Drama, Text & Presentation, and the edited volume Virginia Woolf and Her Female Contemporaries.

Let’s Play: Digital Media and the Communal Performance of Overconsumption How do we draw the lines between active spectatorship, imaginative play, and the pathologies of overconsumption in the digital age? This paper examines the growing tension between forms of participatory art, fictions of activism, and the commodification of leisure spectacle by focusing on the emergence of leftist cultural critique in popular games criticism. These tensions are defined by theories of liberation that are built upon habits of communal consumption and audience response. At first glance, enacting a theory of emancipated spectatorship might seem impossible within contemporary digital media platforms, where anonymized distance often breeds misanthropy, and where the individual interpretive gaze is reified and rendered uniform by the operations of capital throughout Web 2.0. But by analyzing unique sites of resistance to these effects, I aim to show how the culture of games is currently serving as the avant-garde for a broader transformation in the norms of participatory spectatorship and the relationship between irreducible distance and inclusive possibility.