#Marabout St Etienne

[steliosagapitos]

       Jean Leon Huens

    Jean-Léon Huens is a Belgian illustrator. His schooling completed, Jean-Léon Huens continued his studies at the Institut Saint-Luc and ends at the top of the Cambre Decorative Arts Institute in Brussels. He illustrated children’s books (edited from the immediate post-war by Casterman and in collaboration with Jeanne Cappe, historian about children books: Cinderella and Other Tales of Perrault, The Little Match Girl, Blondine Bonne-Biche et Beau-Minon), greeting cards and calendars published by and for known printers (including printmaking workshops  De Schutter in Antwerp), yet collected.

A part of his work was exhibited at the Museum of the Book of Brussels in 1951 and at the Royal Library in 1977 as part of the exhibition The Illustrated Book in the West from the High Middle Ages to today. Titular of many certificates of merit from the Society of Illustrators of New York in 1962, Jean-Léon Huens as been introduced twenty years after his death in June 2002, in the Hall of Fame of the same company.

Jean-Leon Huens (sometimes abbreviated as Jean Huens) was a Belgian-born artist who did work both in Europe and the United States. He produced many paintings for National Geographic and Reader's Digest, book covers for Dell, and illustrations for Christmas cards, comic book covers, and children's books. He was poised to be a major contributor to Time/Life Books Enchanted World, but passed away after completing only one picture for them. Howard E. Paine, the former Art Director for National Geographic, had this to say about Huens when the artist was inducted into the Society of Illustrators Hall of Fame in 2002:

2002 Hall of Fame Inductee: Jean-Leon Huens

1921-1984

The eyes of Gerardus Mercator; 16th-century Flemish cartographer; look into mine. The bearded old man is surrounded by maps and a globe, and holds in his hand a pair of dividers. His head is tipped slightly, and his eyebrows are raised, as if he has just posed a question about geography or mapmaking, and, like a patient professor, awaits my answer.

I found this portrait in an issue of Penrose Annual and wrote the author to see if the painting could be used in a map exhibit I was designing for the National Geographic Society. He forwarded my request to the artist in Belgium, and in a few days a small envelope arrived on my desk. In it was a postcard-size image of Mercator and a letter from Jean-Leon Huens telling me that this was the original painting and “May I ask you to guard this with your life.” I was amazed that he would dispatch this exquisite little gem across the Atlantic, and to a perfect stranger!

Thus began a collaboration and a friendship that was to last for 17 years.

Generous in many ways, Jean-Leon Huens was most generous in the rich detail that he gave to every painting. Instead of using shortcuts and simplifications, he took great delight in recreating the wood grain in furniture, the texture of clothing, the brickwork of old buildings, the wrinkles of old age. And over all a gentle Flemish light that unified all the elements of these miniature masterpieces.

Huens was a master not only of detail and of lighting, but also of perspective and composition. His panorama of Bethlehem at the time of Christ, painted for Reader’s Digest, compels the eye to wander the streets, rooftops and plazas, and to end up back at the beginning, still wanting to mingle with the more than a hundred people going about their business. The panorama appeared in the book Great People of the Bible and How They Lived. And also as the jacket design.

Huens painted many covers for Reader’s Digest but they appeared in the magzine’s international editions and were rarely seen in the United States. Reader’s Digest also commissioned Huens to make more than a hundred paintings to illustrate Shakespeare’s works. The book unfortunately was never published. Twenty-two of Huens’ paintings were donated to the Society of Illustrators.

Those works in the Society’s collection are small, measuring but 5.25 by 7.25 inches. They are breathtakingly precise glimpses of scenes from Julius Caesar, Hamlet, and Macbeth: Calpurnia, on bended knee, begging Caesar not to leave; Macbeth hiring two wicked knaves to murder Banquo; Hamlet rejecting Ophelia with the line, “Get Thee to a nunnery…”; Macduff holding Macbeth’s severed head.

Had the book been published, these paintings would certainly have enriched the iconography of Shakespeare’s work. But now they are stored in dark archives, seldom exhibited, because of the very light-sensitive nature of Huen’s work.

Huens painted with what he called “water color pencils,” which enabled him to render detail with great precision, later brushing a slight wash of clear water over the areas to blend the colors. He worked from photographs of models in various poses and costumes, often posing himself. His wife Monique—researcher; correspondent, translator, critic and photographer—assisted him throughout his career.

   Jean-Leon Huens was born December 1, 1921, in Melsbrock, Belgium. He attended the institute of St. Luc and completed his studies at the Academy of La Cambre, in Brussels. At the end of World War II, while still in his twenties, Huens began illustrating children’s books for publishers such as Casterman, Marabout, Desclee-DeBrouwer and Durendel.  

  In 1946 Huens and his brother Etienne founded the Historia Society, with the aim of popularizing Belgian history through more than 400 paintings—village scenes, battle scenes, coronations, hangings, and portraits of heroes such as Gerardus Mercator. Huens’ carefully researched paintings were lithographed in full color, each 3.75 x 5.75 inches, and were offered as premiums with packages of tea, chocolate, spices, and biscuits. Like nineteenth-century trade cards, the Historia Society cards are prized collectibles today.

As soon as I saw the Mercator portrait, I knew that Huens could enrich the pages of National Geographic, and in short order he was working on portraits of Copernicus, Kepler, Galileo, Newton, Herschel, Einstein, and Hubble, all of which appeared in the May 1974 issue. A year later, National Geographic published four Huens paintings in a story about Sir Francis Drake, including a heart-stopping view of the Golden Hind in the stormy seas of the Straits of Magellan. He later painted scenes of life in Thrace (ancient Bulgaria), and, for a major article on the Byzantine Empire, two large, fold-out paintings. One, a map of the Byzantine world, was painted as if it were a mosaic assemblage, a self-imposed challenge that he may have regretted, but one he finished flawlessly. The other, an aerial view of ancient Constantinople, is equally powerful.

Huens’ Christmas cards throughout the years, painted in full color, showed Father Time in a wide variety of styles and situations, giving us a peek at Huens overflowing wit and humor. This made him the perfect artist for a Time-Life Books series called The Enchanted World, a set of books about wizards, merlins, magic and mystery. Huens completed but one painting, a promotional piece to help get the series marketed, before he died suddenly on May 24, 1982, in Benissa, Spain.

In his 60 years, Jean-Leon Huens had seen his work heralded throughout Europe, amd had successfully expanded his audience to the United States. Now, 20 years after his death, the Society of Illustrators pays tribute to Jean-Leon Huens by inducting him into its Hall of Fame.

[davidenon]

POST-DESIGN : « l’art de la bifurcation »

Texte d’introduction Marabout #3 / Centre Pompidou / 31-01-2018 David Enon, designer diplômé de l'Ensci, enseignant de l'option Design de l'ESAD-TALM – Angers, invite Elizabeth Hale, étudiante chercheuse en design (ESAD de St Etienne) sur l’exploratoire du design des instances de représentation citoyenne, diplômée de l'ESAD-TALM et Yann Philippe Tastevin, anthropologue, chercheur au CNRS (Laboratoire Interdisciplinaire Solidarités, Sociétés, Territoires) Modération : Romain Lacroix

Le premier marabout, Max Mollon, a proposé de traiter de la fiction, disons du design fiction ou encore design spéculatif, critique etc. Tiphaine Kazi-Tani, en réponse judicieuse a décidé de privilégier l’action, soit la relation complexe entre une pratique de design et une pratique d’activisme. Pour ma part je retirerai de cette rencontre à laquelle j’étais convié que designer et activisme sont deux pratiques tout à fait disjointes. L’une est un métier, l’autre pas. Il est possible de les mener conjointement ou pas et que l’on soit PDG d’une multinationale, coiffeur, ou militant, il me semble tout à fait légitime de convoquer cet outil qu’est le design. Il me semble qu’il n’y a pas de design activiste. Le designer peut tout à fait être activiste comme tout individu. Le design n’est pas non-plus social, écologique, de service etc. Il est chargé de convoquer, articuler et agencer tout cela au mieux.

Le design est humanitaire, il fait partie des ces objets douteux d’où peut naître le meilleur comme le pire. Avec cette intention commune, bien entendu, de sauver le monde. (Des milliers de designers se sont réunis à cet effet à Montréal en novembre dernier, Elizabeth Hale nous en parlera sans aucun doute).

 Tout cela m’a fait repenser à un slogan que j’ai écrit alors que j’étais encore étudiant aux Ateliers[1] : « designers, travaillons ensemble à l’accomplissement de notre profession : sa disparition ». Comme on se plaisait à le dire avec la chorégraphe Julie Desprairies avec qui j’ai récemment travaillé sur un projet[2] dont je vous parlerai un peu tout à l’heure : chacun est un danseur qui s’ignore autant qu’un designer qui s’ignore. Chacun est à sa manière spécialiste et virtuose d’un ou quelques gestes (dû à son travail, ses habitudes, ses passions ...) De même que chacun résout quotidiennement des problèmes matériels.

 Quant à la fiction, c’est un outil nécessaire, pour elle-même à tous les niveaux. Qu’un objet de design ait le potentiel de générer de la fiction, c’est un fait et nous ne pouvons que nous en réjouir.

Le pouvoir de la fiction établi, la révolution en marche, que faire ?[3] Quid de la suite. Vient donc le fameux Post-Design. L’après.

Comprenons-nous bien. C’est à des fins tout à fait publicitaires et délibérément racoleuses que j’ai proposé d’appeler cette séance ainsi. Reste le sous-titre « l’art de la bifurcation ».

Ce terme c’est Yann-Philippe Tastevin qui me l’a soufflé, il l’utilise dans le sous-titre d’un texte qu’il a écrit en introduction du numéro 67 de la Revue Techniques et Culture qu’il a coordonnée. Le sous-titre est : « Bifurcation versus Évolution ». Suite à cette lecture, J’avoue avoir été tenté d’intituler cette discussion « pour un design bifurcatif » mais cela revenait à se laisser aller à jouer le jeu de la mise en case, en boîte avec lequel je n’ai que peu d’accointances.

Il me semble effectivement qu’un des intérêts du design est d’être un métier de non-spécialiste. J’ai été formé dans ce sens c’est à dire à développer la capacité à convoquer les bons savoirs et savoirs faires au plus juste, au bon moment dans les bonnes situations. Être capable d’en comprendre et d’en évoquer les enjeux pour chacun et les articuler au mieux.

 C’est pourquoi il me semble judicieux de ne pas accoler de qualificatif au terme design. Ni fiction, ni social, ni produit, ni numérique, ni sonore, ni espace, ni service, ni thinking, ni rien ! Il me semble par exemple que la dimension fictionnelle peut tout à fait rejoindre l’action et vice versa. Et que toutes ces dimensions du champ du design gagnent à être articulées et non mises dans des cases. Et qu’il est à mon avis souhaitable de ne pas céder aux qualificatifs faciles et racoleurs (comme post-design par exemple) qui ne font que créer des niches. Je ne souhaite à personne d’habiter une niche. Ou alors concevons vraiment une niche (Je vais me permettre une rapide digression à défaut de bifurcation) comme à pu le faire Joep Van Lieshout en corée avec L’Utopian Doghouse[4] (il s’agit d’une niche dorée avec nourriture et eau à volonté et avec une zone pour tuer, dépecer, et préparer le chien en vue d’un bon repas comme on le trouve encore au menu parfois, en Corée)

Reprenons. Après la fiction et l’action, il s’agit d’envisager des bifurcations, des chemins de traverse qui mêlent les antagonismes et mettent à mal certain manichéismes. (low tech/high tech,  riche/pauvre,  efficace/inefficace, résolution/dissolution…)

 Quelle idée du progrès réside dans le gain de quelques centièmes de secondes pour l’injection d’une pièce plastique complexe de produit de grande consommation ?

 On le sait, les logiques de production à l’œuvre ont déjà trouvé leurs limites. Le designer se doit (enfin certains) d’emprunter des chemins de traverses bifurquer. Car le rôle du designer c’est aussi de travailler à éviter l’ajout d’un objet supplémentaire au monde, prôner de manière argumentée de ne pas produire[5], ou préconiser de produire autrement selon des critères d’efficacité qui dépassent les logiques de profit à court terme. Le designer a parfois / souvent (!) du mal à rencontrer les intérêts de l’industrie. Tout un pan de l’industrie a troqué un outil d’amélioration de notre environnement, de production de confort à tous les niveaux contre un outil de production de capital et de construction de carrière.

On ne peut s’étonner qu’un pan de la pratique du design se détache de l’industrie. La profession se scinde en quelque sorte et finalement cela lui redonne un sens politique.

Le design est un investissement pratique de notre environnement : cette pratique n'est pas la simple « phase » préliminaire d'un processus, mais elle se distribue à travers tous ceux et celles qui interagissent avec les objets. Nous avons besoin d’hétérogénéiser, diversifier nos modes de production. Fini les temps de la monoculture ! Mais comment parler Anthropocène, ou décroissance avec l’industrie telle qu’elle est aujourd’hui ?

 L’économie de gestes et de moyens, tout comme les politiques de recyclage, de réemploi à l’œuvre, si elles se trouvent être une nécessité, ne suffisent plus.

Il me semble qu’il est nécessaire de travailler l’inscription des projets dans une continuité, dans le temps, pour qu’ils soient vécus in situ.

« Reprendre le temps de prendre le temps » : L’ensemble du processus de fabrications des objets dans toutes ses ramifications, bifurcations et autre aussi diffus soit-il doit être considéré dans sa complexité jouissive tel une machine à la Rube Goldberg[6]. Considérer le développement (l’acte de développer) du projet, de sa conception à sa fabrication (sa mise en forme) comme étant tout aussi important, si ce n’est plus, que le résultat.

Il nous faut changer de mode d’appréciation de la valeur des objets. Il faut envisager de mesurer l’efficacité d’un projet selon d’autres critères que l’optimisation de la production matérielle du résultat. Un objet dont le coût de production est supérieur au prix de vente possible n’est par forcément déficitaire. Ce n’est une question de point de vue.

Un projet qui n’aboutit pas peut tout à fait être efficace. Effectivement, ce temps, que l’on s’est évertué à raccourcir, à décimer, ce temps combiné de la pensée et du faire peut être investit collectivement et constituer une plus-value sociale et de fait économique même si l’objet matériel, censé résulter de ce travail est un « Échec ».

Nous devons considérer que le développement du projet est aussi le résultat du projet.

 S’interrogeant sur les formes à donner à notre environnement matériel et par extension à ses façons de faire, le designer se doit élargir son champ d’appréhension en expérimentant toutes sortes de dispositifs de fabrication, des plus alternatifs et singuliers aux plus communs. De l'autoproduction (établissement d’un design diffus porté par tous) à tous les modes de productions qui se déploient par le bas grâce à la mise en réseau de savoirs et de savoirs faire, et par le haut soutenu par une quantité de production possible.

 Pour conclure cette introduction et refaire un lien avec le slogan évoqué précédemment je voulais vous parler d’autogénèse. Il s’agit à l’origine d’une "vieille doctrine" selon laquelle des formes de vies peuvent apparaître de novo, sans aucune sorte d’origine. C’est une notion toujours en usage en biologie. Dans ce contexte il s‘agit d’une genèse qui se produit sous la propre impulsion de l’organisme, sans influences extérieures. Abordée sous l’angle de la production, l’autogenèse est une utopie. Celle d’une matière qui s’autogénère, s’auto-organise. Le rêve d’un objet qui s’autoproduirait totalement. Une autoproduction où l’intervention de l’homme serait réduite a minima. Donner l’impulsion la plus petite possible et la matière s’agencerait d’elle-même tranquillement, paisiblement pendant la sieste.

Plus besoin de designer, de personne. CQFD !

  Principe de déroulement 

Avec Yann Philippe Tastevin et Elizabeth Hale nous avons organisés les interventions de chacun en séquences dont, jusqu’à il y a quelques minutes avant la séance, nous ne savions pas exactement dans quel ordre nous allons les enchaîner, les agencer, les articuler. L’idée étant de laisser la possibilité de « bifurquer » à tout moment jusqu’au dernier moment, tout renverser. Selon un principe similaire à celui d’une grille d’improvisation en musique.

En vrac donc, Elizabeth nous parlera de Calais, de gueule de l’emploi et de taï-Chi, Je vous reparlerai, pour ceux qui étaient là la dernière fois, mais sous un autre angle cette fois, de Mineral Accretion Factory et de Looping et last but not least nous avons décidé de commencer avec Yann Philippe Tastevin qui va nous parler d’innovation mais surtout de wild tech, et de mécanisme à la Rube Goldberg. Nous viendrons, le moment venu, infléchir le déroulement, birfurquer, en présentant des images, des vidéos, des projets…

Epilogue

L’objet du marabout, un lot de fusées pirotechniques donné par Max Mollon se devait d’être « approprié », « customisé » à chaque passage. Tiphaine Kazi-Tani, dans sa radicalité, a préféré ne pas intervenir sur l’objet, surement dans une volonté de ne pas ajouter une forme supplémentaire au monde, refuser le geste gratuit potentiellement décoratif et spectaculaire. Bravo ! J’aime cette radicalité. Quant à moi, plus sage, je propose de placer ces fusées sur un disque qui une fois fixé en son centre permet de générer un potentiel mouvement circulaire. Former un rond… comme table ronde, ou simplement une ronde (la farandole), ou comme tourner en rond, ou comme la révolution… à voir.

 La capture de Design Marabout #3 est visible en ligne ici : https://www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-1581b68c1e36c8cecce6bda1c2ffcd66¶m.idSource=FR_E-80c7557dfaab3544c4bed3665b2915c5

 [1] ENSCI Les Ateliers à Paris

[2] LOOPING, exposition de Julie Desprairies et David Enon à la maison de la culture Le Corbusier de Firminy dans la cadre de la biennale internationale de design de Saint-Étienne 2017

[3] Je renvoie ici au texte de Jean-Luc Godard, pour la version avec point d’interrogation et à Enzo Mari pour la version sans point d’interrogation.

[4] http://www.ateliervanlieshout.com/wp-content/uploads/2016/05/Utopian-Doghouse-7.jpg

[5] Pour exemple, le projet d’embellissement de la place Léon Aucoc à Bordeaux par le duo d’architectes Lacaton et Vassal. Les architectes ont en effet convenu qu’il était inapproprié d’engager un projet d’embellissement pour une place où « qualité, charme et vie existent » et en font une place « déjà belle ». Seuls des travaux d’entretien, simples et immédiats ont été engagés.

[6] « Low Tech, High Tech, Wild tech, réinventer la technologie. » Emmanuel Grimaud, Yann-Philippe Tastevin et Denis Vidal in Techniques et Culture n°67