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解剖理想與靈魂的掙扎  探索創作的價值~阿姆斯特丹劇團《源泉》

攝影:周嘉慧

2017台灣國際藝術節即將進入尾聲，閉幕節目為阿姆斯特丹劇團《源泉》，導演是英美歐陸正火紅的導演伊沃‧凡‧霍夫(Ivo van Hove)，以艾茵‧蘭德(Ayn Rand)小說為藍本，運用前衛豐富的多媒體影像，配合獨有的劇場調度挖掘人性的本質，建構出這齣具有哲學思索，且探討個人與群體、自由與約束衝突的精采重量級大作。

解剖理想與靈魂的掙扎  探索創作的價值

俄裔美籍小說家艾茵‧蘭德的於1943年出版的小說《源泉》，鞭辟入裡地觸碰到理想與現實的對抗與掙扎，以1920年紐約建築業為背景，透過一位堅持自身美學理念的天才建築師洛克，對比於另一位以利為先的競爭對手吉丁，在事務所、政府部門、商業市場等體系之中周旋、實踐、碰撞和角力的歷程，寫就一個關於信念的哲學史詩。導演伊沃‧凡‧霍夫說：「艾茵‧蘭德用極其戲劇性的筆觸描繪他們兩個人之間的爭鬥，令人有一種雞皮疙瘩的感受。」他認為故事中每個角色不只有血有肉，又表現出深厚的人性，這也可以說明，以往擅長把經典本用現代方式詮釋，或是把電影名作改成劇場版本，這一次首度從小說改編，他解釋：「這是一部充滿魅力，使人著迷的的小說，急須被搬上舞台呈現。」

伊沃‧凡‧霍夫除了擔任導演，也是阿姆斯特丹劇團的總監，對他來說，《源泉》中人物面對的情況，身為創作者的他非常有感受，他說：「這小說提出的問題深深觸動著我們，創作如何在商業和創新、市場與純粹藝術間達到平衡？」這議題也是每個藝術家不斷探究的問題，創作的意義與價值，個人主義與群體意識的矛盾與對抗，並不因為時空有所改變，他在劇中打破絕對是與非的界線，平等地展現出每個角色的立場，藉此點明劇中人物所面對的複雜與兩難。他說：「在改編的過程中，我想���把兩個相互矛盾的角色放在同一個水平上，看他們如何抵抗自己進退維谷的處境。」

多媒體顛覆劇場   構造創作的動態場域

伊沃‧凡‧霍夫作品除了現代觀點的詮釋，更運用流動的舞台空間，與日新月異的多媒體科技，開拓觀眾不同視野的觀看角度，《源泉》中，他將舞台設定為一個可以展現創作過程的開放動態場域，以長桌與沙發為舞台創造出不同的演出區位，並安排音樂家和技術人員在舞台上來來去去，他進一步說明：「我不想與英美舞台設計一樣，運用輪車去變換舞台上的佈景。我都試著在單一空間中呈現不同的場景，使舞台充滿更多可能性。」

而著眼於這種互動工作的聯結意涵，導演特地安排現場以影像視覺化建築藍圖和慾望的方式，來體現理念和材質互相激盪的過程，甚至是象徵所有人在體系裡的掙扎與可能。比方在同一時間，舞台與銀幕會出現不同的場景，同步發生的動作會被折射開來，或變得扭曲變形，營造出一種多層次、複雜的劇場感。又或是角色對話中，當提到建築相關事項時，比方理念、設計或是修改與點評等，經由設計長桌上的攝影機投射出來，讓這些感覺生硬，或是可能讓一般觀眾無法馬上了解的專業內容，不只藉由演員的表演，更因為影像更具體的映照出建築師的創作意向，讓觀眾更容易領會與融入箇中奧秘。

這是一齣扣人心弦、每一刻都吸引觀眾目光的作品，不只展現生活和創作的張力，更讓我們看到靈魂的掙扎，看到我們未曾意識到、看不到或不想看到的瘋狂與生命慾望。如同導演所說的：「我希望透過不同的元素並置與組合，讓觀眾感受到一股張力—美麗與醜惡、愛情與工作、人性與機器之間的較量與衝突。」

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羅莎舞團《時間的漩渦》Photo Call

攝影/李佳瞱

由國家兩廳院主辦的2017TIFA台灣國際藝術節，再度邀請歐陸舞蹈女王安娜‧泰瑞莎‧姬爾美可（Anne Teresa De Keersmaeker）所創辦的「羅莎舞團」（Rosas）來台演出。2006年羅莎舞團曾來台演出音樂與舞蹈完美結合的登峰之作《Rain》，2015則是帶來創團作品《Rosas danst Rosas》及《Drumming》。2017三度來台，培養了一群忠實舞迷，5月11日演出《時間的漩渦》及5月13日演出《Fase》，兩場票房早已完售，接獲許多觀眾表達想要看到演出的回應，因此兩廳院決定加開部分席次，讓向隅觀眾有機會親炙舞蹈女王風采。

時尚‧簡練‧席捲全球的舞蹈風格

「羅莎舞團」本次來台，以時尚簡練的獨特風格帶來兩個作品《時間的漩渦》及《Fase》。

5月11日晚間將在國家戲劇院演出《時間的漩渦》，本舞作是2013年作品，依據法國頻譜樂派創始者傑哈．葛利榭(Gérard Grisey)所譜寫的當代音樂經典作品《時間的漩渦》同名舞作改編，由羅莎舞團七位舞者與比利時「強音當代古典樂團」七位音樂家同台演出，一個舞者對應一個音樂家，聲音與動作交���，將複音音樂視覺化，他們不斷在舞台上環繞與對峙，完美呈現姬爾美可的時間觀：「時間，既是線性前進，亦是循環輪轉。而當下， 是記憶與期望的抗衡。」

5月13日晚間演出的《Fase》，是姬爾美可於1982年發表的早期舞作，依據史蒂夫．賴克(Steve Reich)四首音樂〈小提琴位相〉、〈鋼琴位相〉、〈出現〉和〈拍手音樂〉而作，一推出便震驚舞壇。舞作中兩個身穿白色洋裝與球鞋，短髮造型的女生，不停地轉圈，每一組循環會達成一次完美的非對稱式協調，在不斷重複堆疊下，形成巨大的美感。舞團靈魂人物姬爾美可即將親自登台重現此一經典作品。

羅莎舞團的靈魂 安娜‧泰瑞莎‧姬爾美可 

1960年出生，羅莎舞團的靈魂人物安娜‧泰瑞莎‧姬爾美可十分早慧，20歲時即發表第一部舞作，風格細膩清晰，立刻受到國際矚目。作品呈現濃郁的當代女性氣息，舞蹈肢體冷靜簡練卻風味十足，動作組合豐富多元，場面調度流暢多變，同時強調舞蹈與音樂的互動關係，注重純粹舞蹈編創。1995年她在布魯塞爾創辦了「P.A.R.T.S.」(Performing Arts Research and Training Studio) 舞蹈學校，以培養「會思考的舞者」為核心，從課程安排到生活環境，都傳遞多元而豐富的創作哲學，是許多舞蹈學校的楷模，培育出許多現代舞巨星，諸如近年訪台多次的的西迪拉比(Sibi Larbi )及舞蹈金童阿喀郎‧汗(Akram Khan) 等人。

「羅莎舞團」是歐陸舞團的代表，而《時間的漩渦》與《Fase》是「羅莎舞團」與編舞家姬爾美可的最佳代表作，極力推薦愛舞朋友欣賞這兩齣與時俱進、不可不看的舞作。目前釋出少數限量保留票券，有興趣的觀眾朋友，請洽兩廳院售票系統。

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凱蒂˙米契爾x里歐˙華納x柏林列寧廣場劇院《茱莉小姐》PHOTO CALL

攝影:周嘉慧

2017台灣國際藝術節檔檔精彩，藝術節即將邁入尾聲，倒數第三檔節目由柏林列寧廣場劇院製作，英國導演凱蒂·米契爾(Katie Mitchell)用她最擅長的多媒體、即時投影等劇場形式，帶來一個讓人驚嘆，演員技術配合天衣無縫的精采演出！

全新的藝術形式 虛實交錯的同步影像敘事

先後擔任皇家莎士比亞劇團、皇家國家劇院的駐團導演的英國導演凱蒂·米契爾，創作出一系列深受好評的劇場、歌劇與裝置作品，用她獨特的觀點與手法賦予經典全新的生命。她備受讚譽的手法，就是運用舞台上的攝影機與現場演出的演員，藉由即時影像的技術，建立一種直接並具有獨特觀點的敘事給觀眾。在男性導向的歐陸劇場中，凱蒂·米契爾是極少數可以橫跨歐陸與英國，且可以成就高規格大製作的女性劇場導演，英國衛報就曾經讚譽她的創作：「開創了『全新的藝術形式』。」

這種「解構劇場」的風格，就是將舞台轉化為電影拍片現場，各種佈景裝置區分出戲劇表演空間、現場音效、大提琴演奏、特寫拍攝等不同區塊，上方大銀幕的畫面皆為現場即時拍攝出的影像，技術部分的人員還安排在最靠近觀眾的下舞台區位，並且除了技術人員，所有演員不只穿梭在不同區塊表演的同時，也得迅速切換工作人員角色，才能於銀幕中準確地呈現所需的畫面。《茱莉小姐》中飾演女廚娘克莉絲汀角色的演員茱樂·伯溫(Jule Böwe)就形容：「每個影像都是被制定出來的，如何在技術上做到每個影像都能銜接地天衣無縫，追根究柢，我覺得這種表演很像舞蹈，像一齣舞蹈劇場。」因此觀眾不只可藉由上方銀幕以導演的角度觀看這個故事，更可以於舞台上，看到這個鏡頭畫面是如何被製造出來的，虛實交錯的體驗，觀眾將感受到多種層次的感知。

偷窺欲望的幻覺   重新詮釋大師經典劇作

這次帶來的作品《茱莉小姐》，原劇作是瑞典戲劇大師史特林堡早期的作品，故事敘述茱莉小姐在廚房裡與僕人尚恩的相遇。雖然尚恩的未婚妻，也是廚娘的克莉絲汀不時地在屋裡忙進忙出，最後甚至在廚房裡睡著時，但他們完全無視她的存在，於是漫漫夏日長夜中，茱莉小姐與僕人尚恩發生了關係。階級、性別、自由與慾望的翻轉與辯證，在劇作中精彩呈現。

可是這一次凱蒂·米契爾雖然沿用經典，但大幅刪減，並且以當中看似無關緊要的廚娘克莉絲汀的角度重新切入，用她的視野，重新看待這齣已經被無數大師詮釋過的劇作。凱蒂·米契爾說：「劇中的克莉絲汀長久以來都不被關心，事實上應該說是被長期忽視，因此我選擇了這個最不起眼、最不重要的角色，但她卻是代表著那時代大部分的婦女，一個勞動階層的女人。」在原劇作中，她的冷漠來自於察言觀色的世故，她看似無動於衷的反應，正在於她身為一個廚娘，一個旁觀的僕人，能從生活裡的各種細節嗅到蹊蹺。

因此這個版本的《茱莉小姐》，原來的茱莉小姐和尚恩針鋒相對的調情與爭吵都變成半隱身狀態，更深入處理的反而是藏在舞台指示和台詞裡的意識流，以及那些台詞之外、屬於克麗絲汀的視角，她沉默下的情緒，於腦中的獨白，並利用丹麥女作家克莉絲坦森的詩作，表達克莉絲汀對於存在所感受到的憂傷。因此觀眾借由銀幕上的即時影片，窺視這段故事中，另外一個女性的私密情感，也讓這個形式，恰如其份地顯示電影鏡頭獨有的偷窺性質，大玩解構與組構的多重層次表演。

《源泉》導演伊沃·凡·霍夫稱讚凱蒂·米契爾：「膽敢將文本以很個人的方式展現於舞台。」香港導林奕華也稱讚：「現場配音效與拍攝團隊宛如是廚娘的分身，玩味空間很大，聯想很多。《茱莉小姐》，真是『後無來者』的『第一部』。」這齣備受讚譽的作品，即將於4月27日至4月28日於國家戲劇院演出三場，歡迎觀眾進場體驗最特別的欣賞經驗。

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佛朗明哥犀利天后來台~2017TIFA 羅西兒‧莫琳娜舞團《雅朵拉森林》

攝影：張震洲

2017TIFA台灣國際藝術節檔檔精彩，在4月21日至23日即將登場有「佛朗明哥變色龍」之稱，來自西班牙的羅西兒·莫琳娜舞團，帶來奇幻原始又狂野的《雅朵拉森林》。

英國媒體5顆星評論  佛朗明哥犀利天后即將來台

《雅朵拉森林》為2014年由法國里昂國際雙年舞蹈節、巴黎夏祐國家劇院等共製作品。靈感源自希臘神話，探索在最原始、最自然的環境中，人性和動物的本能之間，究竟有什麼樣的差異？羅西兒時而扮演嫵媚妖嬈的魅惑者，時而化身成神聖不可侵犯的女戰神，穿梭於男子間的周旋遊戲。表演者除了羅西兒與2位男舞者外，還有歌手、鼓手、兩名吉他手與兩名長號手等6位樂手，看羅西兒如何高明地將這些音樂元素完美地融入了舞作中，帶領觀眾經歷一場強烈動感、神祕與懸疑交織的旅程。

英國媒體給予該舞作極高評價，《倫敦標準晚報》評論「不依循傳統陳規，她的表演叫人完全移不開視線」，《英國文藝報》評論「羅西兒已足以躋身佛朗明哥舞蹈界重量巨星之列，其深情炙烈堪比傳奇伊娃·葉爾芭波娜（Eva Yerbabuena），流暢完美更媲美名家莎拉．芭拉斯（Sara Baras），但除外，她更添一份令人無從揣度、不可預測的善變特質，此正恰是她獨一無二的個人特色。」

只有羅西兒可以超越羅西兒 當代佛朗明哥的先鋒

1984 年出生於西班牙馬拉加的羅西兒，是個天生的舞者，從3歲開始接觸舞蹈，7歲嘗試編舞，17歲時以優異成績自西班牙馬德里皇家舞蹈學院（Royal Dance Conservatory）畢業，躋身專業舞者之列巡演國際。年齡雖然非常輕、身材也偏嬌小，舞蹈技巧卻已臻完美。18歲時，莫琳娜獲得馬德里第11屆編舞暨舞蹈大賽首獎。26歲即獲得西班牙國家舞蹈獎，以改造傳統佛朗明哥舞蹈風格，開拓出獨樹一格的藝術語言，受到相當高的讚譽。28歲於紐約市立中心以《老金》（Oro viejo）的出色表演，吸引了當代芭蕾舞天王米卡爾．巴瑞辛尼可夫（Mikhail Baryshnikov）的注意，忍不住在表演結束後前往她的更衣室前守候，見到她的面時，甚至屈膝下跪以向她致上最崇高的敬意，成為當代舞蹈界的一段佳話。

羅西兒是當代佛朗明哥的先鋒，以其狂放不羈、離經叛道稱譽舞蹈界，不論是大膽的編舞創意或跨界合作，都令人驚嘆於她的才華與實力。《紐約時報》譽為「當代最了不起的佛朗明哥舞者！」��獲眾多獎項肯定，包括2015年MAX表演藝術獎、2015奧立佛舞蹈獎、2016英國國家舞蹈獎等。目前她正展開與現代舞界的最高殿堂─巴黎夏祐國家劇院的合作關係。

羅西兒：「我認為自己是個佛朗明哥舞者，我的靈感、我的來源都來自佛朗明哥，像Carmen Amaya、Mario Maya，以及El Farruco這些大師都是我學習的對象，但是我也對於除了佛朗明哥外面的世界感到興趣，我希望可以跳脫這限制，發掘這世界上更多可能，也找到我自己。」

《雅朵拉森林》4月21日至23日在國家戲戲劇院，一場神祕激情、充滿魅惑的舞蹈饗宴，即將震撼全台。

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話題編導組合再度攜手：四把椅子劇團 x 簡莉穎《叛徒馬密可能的回憶錄》

攝影 李佳曄

劇作家簡莉穎：「作品完成是因2015藝術基地駐館計畫的補助，有這個支持可以讓我做一年多的田野調查。劇本一開始走向是美國天使這個作品，比較80年代背景，但因經過田野跟訪談，讓這作品有轉向。我覺得文化應該與時俱進的，幸好有這田野幫助，讓我修正這觀念，重新提出我的問題。然後也加上訪談中每個人各立場與聲音，且真實跟記憶永遠有落差，還有加上我生活的時代，寫成叛徒馬密的劇本。這當中講述層面複雜且多元，講述我們曾經生活的時代，還有人跟人的關係可以不帶恨意走到結束。若疾病不是即刻致死，舉例來說，如果你的朋友三天後會死，你可能會愛他，但如果他還會活30年，你可能慢慢討厭他，這種因時間落差，當疾病開始日常化，可他仍然是個疾病，仍然具有他的悲劇，透過這個悲劇跟時代的關係，以及每個人在這時代的立場關係，我相信會帶給觀眾蠻多不同的感受。」

導演許哲彬：「首先很榮幸有這機會參加這次TIFA演出，這是我跟簡莉穎正式第三次合作。莉穎劇本挑戰非常大，不管導演、演員、設計來說也是很大的挑戰，她是以寫大劇場格局寫這劇本，不只格局大，劇本也非常長，角色也非常多，我們用10位演員扮演差不多20-30個角色。希望呈現這戲中群像感是非常重要的，帶有素人感，好像這些人被真實訪問，因我較不希望這戲有太多的重複扮演，在劇場裡面演員扮演重複角色，劇場性會比較重，當然會跟我原本對劇本感覺有落差，另一個比較挑戰的地方是在於戲的時間點涵蓋較廣，以90年代末期台灣為主，但同時又一條線是現代式，在時空上的跳躍、在場景上的跳躍非常多，所以在調度上會想辦法去抓這兩件事情的平衡。希望透過兩廳院駐館計畫可以扶植更多屬於台灣當代原創劇本，對所有導演可以真正透過文本成為故事的媒介，讓故事如實呈現。」

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2017台灣國際藝術節開賣一天秒殺完售《叛徒馬密可能的回憶錄》，即將在4/14至4/16於國家戲劇院實驗劇場閃亮登場，由國家兩廳院「2015藝術基地計畫」駐館藝術家簡莉穎與四把椅子劇團導演許哲彬繼《全國最多賓士車的小鎮住著三姐妹（和她們的Brother）》、《服妖之鑑》後，再度展現劇場最受注目年輕編導組合的創作光芒。

兩廳院駐館藝術家 反映當代社會縮影

為提供藝術創作者一個展現無限創意的平台，國家兩廳院自2014年起推出「藝術基地計畫」，發掘並支持極具潛力的國內藝術家，期望藉由兩廳院的資源，協助藝術家創作與研究發展，為台灣劇場帶來更豐沛的活力與能量。

「2015藝術基地計畫」駐館藝術家簡莉穎，在經過一年多HIV的相關田野調查，完成了《叛徒馬密可能的回憶錄》，藉由書寫同志、愛滋病歷史，特別聚焦於雞尾酒療法出現之後，當「病」不再只是死亡威脅、病患不只是文學悲劇的隱喻，回歸「人」之後，會是什麼樣子？故事起始於一場關於馬密的紀錄片發表會，女子均凡靠著馬密留下的一本日記，追訪了他身邊的親友，想要探究曾經收留許多病患及志工「馬密之家」解散的原因。日記的文字和受訪者的敘述交疊，真相究竟為何？馬密的說法是答案，還是一種可能的回憶錄？

簡莉穎×許哲彬 話題編導組合再度攜手

劇作家簡莉穎是劇場圈最炙手可熱的新生代編劇，作品質量兼具，聚焦性別議題及台灣當代文化，致力於書寫屬於台灣的原創文本，近年以《春眠》、《你變了於是��》、《羞昂APP》、《全國最多賓士車的小鎮住著三姐妹（和她們的Brother）》、《新社員》、《服妖之鑑》等劇作展現了她質量兼具的豐沛創作能量。導演許哲彬是四把椅子劇團藝術總監，近期導演作品有《服妖之鑑》、《刺殺！團團圓圓之通往權力之路》、《全國最多賓士車的小鎮住著三姐妹（和她們的Brother）》、《How To Be Good》等。此次兩位最受注目之年輕一代編導組合再度攜手合作，將會帶給觀眾什麼樣的驚喜？

《叛徒馬密可能的回憶錄》4月14日至16日於實驗劇場演出，並在眾所期盼下，加演9月29至10月1日水源劇場四個場次，再度創下秒殺完售佳績。本週首演即將登場，幸運買到票的粉絲們敬請期待！

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在兩個錯誤之間的時光，讓我們用藝術填滿它~尼德劇團《兩個錯誤間的時光》

2017TIFA台灣國際藝術節自3月3日璀璨登場後，一系列精彩密集的演出讓喜愛藝文的朋友大呼過癮，4月份開始許多重量級國內外演出團隊也要與台灣觀眾朋友見面，本週末（4月14日至16日）國家戲劇院即將上演尼德劇團作品，這是繼2013年《伊莎蓓拉的房間》後，尼德劇團再度來台，本次將與12名台灣舞者們重製《兩個錯誤間的時光》，導演楊．洛華茲(Jan Lauwers)與格蕾絲．艾倫．巴爾基(Grace Ellen Barkey)，將結合搖滾樂、現場演唱，及舞蹈、戲劇，帶來一場華麗無比的劇場派對！

在兩個錯誤之間的時光，讓我們用藝術填滿它

《兩個錯誤間的時光》對劇場巨擘彼得．布魯克鉅著《空的空間》提出反思，本劇開頭即指出《空的空間》中兩個謬誤，其一是「空的空間並不存在」、其二是彼得‧布魯克主張「一個人在某人的注視下，經過一個『空的空間』，就足以構成一個『劇場行為』」。而楊‧洛華茲進一步挑戰：「每一位觀眾及每一個行走中人都有其經歷影響了他的凝視，他的表演，他的溝通，以及他的詮釋。」他認為這是彼得‧布魯克的第二個錯誤。本劇顧名思義，即是在彼得‧布魯克的兩個錯誤之間，以藝術填滿它。尼德劇團將觀眾視為劇場的積極元素，而洛華茲與巴爾基，透過本作的歡鬧表象，模糊藝術與娛樂邊界，以提問、討論的方式來探索觀賞者與藝術家的社會角色。這是一個有趣的派對且讓人深思的派對。楊‧洛華茲期盼，透過尼德劇團在舞台上創造各種可能性但不提供解答，留給觀眾思考，這才是最有意義的事情。

《兩個錯誤間的時光》創作於2014年、在兩年內橫掃奧地利史岱爾秋季藝術節、柏林戲劇節，並於賽拉耶佛MESS藝術節摘下SOUND OF MESS獎項。被奧地利《新聞報》(Die Presse)喻為「一個充滿藝術性舞台感的「派對」，在多彩、騷動的舞台上尋求更多深度」。

《兩個錯誤間的時光》並不是被定型的作品，它是一個持續演化的演出，每次的演出當中皆會提出新的問題，從而產生出新的形式。台北版的加入方妤婷、王玟甯、范庭瑜、高詠婕、張雅為、陳彥斌、葉喚軍、廖健舜、劉俊德、鄭皓、盧子涵、賴澔哲等台灣舞者，尼德劇團也在10天的工作天與台灣舞者密集工作，探索新的演出可能性。

「我創作，我需要夥伴（need company）」

楊．洛華茲為當今比利時重要的劇場導演與藝術家，楊．洛華茲年輕時就讀於根特美術學院，現代美術打破一切傳統的精神感染了他，促使他投入集體創作，進而成為80年代「法蘭德斯新浪潮」的重要份子。1986年尼德劇團(Needcompany)成立，因為創作「需要(need)夥伴(company)」。尼德劇團大量與舞者、演員、音樂家等藝術家合作，將不同的元素混合在表演當中。在洛華茲的作品中，戲劇、舞蹈、音樂、物件與多媒體等元素的交互運用，看似各自獨立，卻又彼此交融；多焦點的場面調度與敘事線條，眾聲喧嘩，宛如意識流般自由浮現。洛華茲說：「在劇場使用其他媒體是很危險，而且大多數人對這些媒體都不太尊重。藉著將劇場只有一個核心的想法，改成根本沒有核心，而是有一系列的非核心，我在劇場中發現了自由。」

本劇另一位重要的創作者格蕾絲．艾倫．巴爾基(Grace Ellen Barkey)與楊‧洛華茲共同創立了尼德劇團，她的創作從劇場到美術館、從裝置到身體，一再挑戰了傳統上對視覺、戲劇、舞蹈、音樂等藝術的認知。對於本次《兩個錯誤間的時光》與台灣舞者合作，格蕾絲說：「對我們來說個人特質是最重要的選擇。」本次尼德劇團與將與所有表演者一起探索未知。

本演出兩廳院售票系統現正售票中，備有多種購票優惠，歡迎大家多加利用，購票請洽(02)3393-9888或至www.artsticket.com.tw查詢。

記者會現場攝影/周嘉慧 提供/國家兩廳院

劇照提供/尼德劇團 攝影/wolfgang silveri

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充滿愛與感動的扭轉奇蹟音樂喜劇~果陀劇場《愛呀，我的媽！》

果陀劇場自2009年的《我愛紅娘》後，睽違多年，終於在2017台灣國際藝術節中，再現大型中文音樂劇《愛呀，我的媽！》。在華人音樂劇中占有重要地位的鐵三角組合：梁志民、鮑比達、陳樂融，再創音樂劇新高峰，喜劇才子佳人曾國城、黃嘉千首度跨足音樂劇，配合眾多新生代優秀唱將與演員，華麗豐富的舞台效果，將震撼台灣的觀眾！

多變的時代 不變的真情 充滿愛與感動的扭轉奇蹟音樂喜劇

《愛呀，我的媽！》故事描述一對相依為命的母女，希望回到過去與過世的丈夫、父親相見，但陰錯陽差之下，母女兩人不只重返過去失敗，還演變成兩人互相交換靈魂，展開一段奇妙的變化與旅程。一連串意想不到的奇遇，但也因此解開母女心結，盡釋前嫌，扭轉命運，成就奇蹟。導演梁志民：「靈魂交換、錯置的故事在電影裡屢見不鮮，因為這提供了角色絕佳的表演空間，以及所謂『換位思考』的���確主題。」也因此，雖然劇情偏向非寫實，有許多奇情狂想的劇情發展；即便天馬行空，但就如同編劇暨作詞陳樂融所說的，這齣戲是：「被親情與愛情施加了魔法的作品。」

「我很喜歡維基百科上對『愛』的一段釋義：『愛』最佳的定義可能是主動行動，以真心對待某個生命體或物體，使其整體得到快樂。簡而言之，愛即主動使整體得到快樂。」一齣好看的戲不在於有多麼華麗的場面、聲光，也不僅僅只有優美的歌曲或是舞步，如果核心的『愛』沒有呈現出來，一切都是枉然。」導演梁志民這樣說，因此這一齣扭轉奇蹟的音樂喜劇，可以顯得如此動人，如此打動人心。

音樂劇除了需要戲劇元素張力十足之外，歌曲的動聽程度，也是非常關鍵。亞洲音樂教父鮑比達，花了許多時間，幾乎為每位演員量身打造每首演唱歌曲，讓他們可以發揮自己最大的特色與實力，滿足觀眾視覺與聽覺的享受。編劇暨作詞陳樂融也讓人驚嘆，因為每首歌曲是先寫好曲子，再譜上歌詞，困難程度被他戲稱這段創作過程為「辛苦耕耘的農作」，他說：「鮑比達大師先寫曲，我不斷接招，在那些難唱（當然也就難填上字）的旋律間，期待讓編劇無法貫徹的血脈，多多少少滲透進音樂的靈魂，進而增加戲劇的推進。」因此本劇中每一首歌曲，都是創作者嘔心瀝血的成果，也看出中文的音樂劇最困難的地方，就是歌曲不只是抒發角色心情，也需要扮演推演劇情的動力，難度之高，的確是非常大的挑戰。

眾星雲集的豪華陣容   震撼全面感官的極致饗宴

被導演梁志民讚譽其歌聲有著歌神張學友的溫柔特質的曾國城，除了首度挑戰音樂劇，更要一人分飾兩角，與金鐘喜劇女神黃嘉千、有著感人的對手戲，於宣告記者會演唱的歌曲《在看不見的地方等你》，曾國城飾演的早逝父親的與劇中飾演母女的黃嘉千、關詩敏，深刻的情感交織在歌聲中，親情與愛情的呼喚，讓人禁不住想落淚。但全劇不只這一首，還有許多精彩動人的歌曲，將於劇中呈現，讓人十分期待。

除了曾國城、黃嘉千，以及「華人星光大道」冠軍的關詩敏之外，戲劇偶像小生竇智孔、華納音樂力捧的Erika(劉艾立)、「超級偶像」冠軍艾怡良、以及劇場新星張仰瑄、許逸聖、蔡邵桓

等眾多實力歌手與演員，不只讓導演梁志民讚譽這次的演員組合，更將以動人的演技，動聽的歌聲，讓全劇洋溢著溫暖與情感，樂觀與正向，這也是導演希望帶給觀眾的主題，每個人即使立場與想法不同，若能抱持著愛來接納與成全，必定能夠如同劇中一樣，創造出讓人感動的美麗奇蹟。

攝影:周嘉慧

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世界之最！印度瑰寶~煦珈康的北印度音樂旅程

國家兩廳院第三度邀請到風靡葛萊美獎的印度西塔琴大師煦珈康(Shujaat Khan)隆重登台演出，西塔琴的琴音飄逸又神祕，連英國傳奇搖滾天團「滾石樂隊」與「披頭四」喬治哈里森都對它醉心不已。承繼七代的古典西塔琴(Sitar)造詣煦珈康大師將與塔布拉鼓、薩朗吉琴共鳴合奏，引領觀眾進入浩瀚的印度斯塔尼(Hindustani)音樂世界。

世界之最 印度瑰寶

印度西塔琴大師煦珈康被譽為當代最具影響力的印度古典樂手之一。繼2012我是這樣看世界、2014TIFA台灣國際藝術節相繼為台灣聽眾帶來即興與古典印度音樂，並獲得廣大觀眾迴響後，2017年他將以嶄新的樂種組合，引領觀眾進入帶有深厚文化底蘊的感官之旅：從古典到半古典、再從民間到伊斯蘭的蘇菲音樂，一揭北印度多元音樂的神秘面紗，一窺源自貴族娛樂、民間日常、以及宗教禮讚的繽紛聲響世界。而西塔琴深邃迷人的旋律與獨特滑音、搭配塔布拉鼓(Tabla)生動跳躍的鼓點，將再次以時而狂放、時而內斂的音樂脈動，延續記憶中美好感動。同時，本次也將帶來縱橫古典與民間的樂器—薩朗吉琴 (Sarangi)，以同樣能深深牽動著聽眾情緒的低嗓音質，伴隨大家一起沉浸在美妙的天籟聲響之中。

共賞北印度古典音樂與神秘的蘇菲音樂

   印度古典音樂有北印度及南印度兩大系統分別，前者又稱為印度斯塔尼 (Hindustani) 音樂，後者則稱為卡納提克 (Carnatic)。本場音樂會上半場��聚焦的是北印度古典音樂，源自古老的吠陀吟唱 (Vedas)；之後隨著政治勢力版圖的擴張與交流，豐盈並造就了北印度音樂的音聲色彩。而拉格 (Raga) 及塔拉 (Tala) 則是不可不知的兩大主要名詞。拉格指的是旋律結構，塔拉則是節奏架構。有趣的是，主奏的音樂家會根據不同時辰、季節或演出當下的情緒與心境等，選擇合適的拉格來演出，因此通常在上台前，不會告知伴奏的音樂家將選擇什麼拉格來演出。而北印度古典音樂，即是透過不同拉格及塔拉的組合，衍生出無窮無盡的音樂特色，並藉由承繼自不同樂派的音樂家底蘊，以自身獨特的演繹風格，進行音群之間的即興探索。如此擁有高度即興的音樂特色，兼具挑戰競技的風格，也正是聆賞本場音樂會的重點。下半場演出將加入薩朗吉琴，絕妙映襯煦珈康大師的特殊人聲吟唱，並首度帶來神祕的蘇菲音樂。蘇菲音樂源自波斯的蘇菲神秘主義，信仰者為求精神層次的提升，而孕育出獨特的蘇菲吟讚曲。通常以領唱與合唱交替相應的問答形式呈現，而合唱會配合塔布拉鼓強而有力的節奏來回應，強化迷眩的節奏色彩，召喚身心最終進入入神的狀態。全場綜合北印度古典音樂、地方民間音樂與蘇菲音樂，帶領觀眾陶醉在跨界、細膩與眾多元素交織而成的極致饗宴。

攝影：張震洲

[2017tifa]

里斯本的眼淚，永恆的流傳～葡萄牙法朵天王卡麥尼演唱會

攝影：周嘉慧

國家兩廳院在2017台灣國際藝術節，邀請葡萄牙法朵天王卡麥尼登台演唱，法朵是葡萄牙人鍾情的鄉音，是傳唱世界而經久不衰的民歌，卡麥尼至今發行過六張百萬暢銷專輯，魅力全世界，即將在3月31日於國家音樂廳展現法朵動人歌聲。

里斯本的眼淚　永恆的流傳

19世紀貧民區的里斯本，水手與他們的妻子，常唱著抒發生活困苦與別離的悲歌，因為來自生活真實體驗，歌聲往往打動人心，後來這種風格的歌曲有了名字－法朵 （Fado）。「法朵」源自拉丁文「命運」之意，如同美國的藍調、西班牙的佛朗明哥一樣，被視為最道地的葡萄牙民歌代表，2011年被聯合國教科文組織列為人類非物質文化遺產，內容經常圍繞著命運、生死、愛情、海洋與歸鄉。 

法朵是葡萄牙人鍾情的鄉音，是傳唱世界而經久不衰的民歌，唱出他們對逝去愛情的哀傷、對故去之人的思念、對平實生活的期盼。在葡萄牙很多人上餐廳不為享受美食，聽法朵才是他們的目的，法朵音樂魅力在於不必懂歌詞，也可以感受到歌聲裡激烈昂揚的感情，這是一種用極壓抑的力量發洩出來的歌聲，從中世紀傳唱到今天，醉人依舊。

卡麥尼傳統又創新的法朵　打動全世界

卡麥尼7歲那年，因為罹患了流行性感冒，不能出門，在家裡悶得慌，於是開始翻找父母親收藏的唱片，偏偏他們只有法朵歌曲，於是他只能聽這種音樂，從此就愛上它了，進而開始學習歌唱，在13歲時贏得法朵界的金曲大獎「Grande Noite do Fado」，迅速累積知名度，

1995年發行了第一張個人專輯《法朵之夜》之後，就一直在這個沒有太多男性經營的領域裡獨占鰲頭。卡麥尼從一開始演唱傳統法朵歌曲，到後來結合當代音樂元素，如：爵士樂、低音提琴，透過不同樂器、音樂類型的搭配演奏，創作出新的曲目及風格，為傳統音樂注入新的生命力。

很多人會以為，法朵與其他傳統一樣，隨著時間的推移，逐漸與我們的時代脫節，成為一種過時只適合老一輩欣賞的藝術，而卡麥尼卻成功將法朵結合現代音樂元素但又不失本色的推廣到全球，深獲許多傳統以及年輕一代的聽眾喜愛。他以實際行動證明，雖然法朵趕上了年輕世代的青春與自由精神，可是也不需要以革命推翻傳統，在法朵上實踐諸多革新的他，出乎意料地從未惹惱那些「純正派」的法朵聽眾，同時卻又博得年輕一輩聽眾的好評，卡麥尼的官方網站甚至誇大地宣稱：「他連唱電話簿都能醉人。」

3/31(五)葡萄牙法朵天王卡麥尼即將首次登台演唱，帶來超過20首歷年精選曲目，如果說音樂的魔力可以超越語言，那麼卡麥尼的法朵就有這種力量，誠摯邀請您走進國家音樂廳，盡情沉浸在卡麥尼的歌聲中，享受一個很葡萄牙的夜晚。

[2017tifa]

全新視角重塑莎士比亞經典悲劇 反映當代的《哈姆雷特》

攝影:張震洲

2017年台灣國際藝術節由國家兩廳院主辦，特別邀請奧斯卡‧柯爾斯諾瓦 x 立陶宛OKT劇團《哈姆雷特》Hamlet首度來台演出，鬼才導演奧斯卡．柯爾斯諾瓦曾榮獲歐洲劇場新現實獎、法國文藝騎士勳章等獎項，本劇更入選為第六屆戲劇奧林匹克劇目，立陶宛OKT劇團《哈姆雷特》將於3/31-4/2於國家戲劇院正式演出，精采可期，絕對讓你血脈賁張！

全新視角重塑莎士比亞經典悲劇 反映當代的《哈姆雷特》

導演奧斯卡•柯爾斯諾瓦認為《哈姆雷特》才是最能反映這個時代的戲劇，他創作的信念就是「以嶄新的手法，重新演繹經典劇本」、「以創造經典的精神，創作現代戲劇」，亦特別強調經典劇本與當代的關聯性，他認為現代劇場必須反映現代生活，有時候甚至還要超越現代，最好還能預測未來。OKT劇團《哈姆雷特》更以不同的視角切入，加強奧菲莉亞角色比重，其它的版本多遵循莎士比亞原著，奧菲莉亞失去愛情與父親之際，墜入河中與花相伴而亡。而奧斯卡•柯爾斯諾瓦導演則在劇中安排奧菲莉亞經歷兩次死亡，象徵她代表著一個命運的循環，暗喻哈姆雷特的母后葛特露年輕時其實就曾像奧菲莉亞一樣被視為父親的財產、被當作權力鬥爭的禮物。

一人分飾兩角 傳達當今政治形態樣貌

奧斯卡•柯爾斯諾瓦刻意讓觀者可在劇中一窺自己對於當今政治型態樣貌的多重想像，巧妙安排同一位演員扮演出現在丹麥王子面前的老王鬼魂以及殺兄娶嫂嫂的新王克勞地。藉由一人分飾兩角，淺移默化的表達兩個不同的政權交替並未帶來改變，兩位不同的王的”執政”其實是就像是同一張面孔，讓身為觀眾的我們，時而看見老王鬼魂，時而又轉變為弑兄的新王克勞地，留給觀者無限的想像空間。

九個鏡面梳妝台 重組編織成不同場景

奧斯卡•柯爾斯諾瓦亦擅長於利用強烈的舞台視覺及舞台道具的創意使用，全劇透過九個鏡面梳妝台不斷拆解、重組，幻化成各種不同場景。幕啟時觀眾即可見到一排九個鏡面梳妝台，演員們正襟危坐在鏡面前，開口不斷的向鏡中的自己問著：「我是誰？」在鏡面的瘋狂映射下，觀眾除了在鏡中看見演員與角色，同時彷彿也在鏡中看見了自己，重覆提問就是要讓你走進劇場來，不再只做為觀看者，奧斯卡•柯爾斯諾瓦企圖要讓觀眾重新思考在舞台上所見到的一切！

真正的劇場就在這裡 勇於大膽創新的立陶宛OKT劇團

創辦於一九九八年的立陶宛OKT劇團，從成立之初即堅持要保有完全的獨立自主。這樣的冒險讓他們做出相當大的犧牲，沒有穩定的財源、辦公室，甚至連個像樣的排練空間都沒有。會邁出這樣大膽的一步，只有一個理由：劇團堅持切斷與現有劇場現實面的一切聯繫，期許要能夠完全獨立並以當代劇場的語言，開創真實的劇場樣貌。台北藝術節藝術總監耿一偉說道：「立陶宛OKT劇團《哈姆雷特》用最當代的方式，詮釋現代年輕人面對時代的一個沒有辦法解決的問題！真正的劇場，就在這裡！」也在個人臉書專頁特別推薦這是改編《哈姆雷特》之中，被視為當代最重要的版本之一。國家兩廳院特別策畫邀請立陶宛OKT劇團《哈姆雷特》來台演出，希望能讓台灣的觀眾朋友們，目睹當今最大膽創新的演出，喜歡莎士比亞戲劇及哈姆雷特的觀眾朋友們，絕對不要錯過這場精彩的演出！

[2017tifa]

侷限中的自由～驫舞劇場蘇威嘉《自由步─身體的眾生相》

攝影：陳長志

2017台灣國際藝術節邀請「2016藝術基地計畫」駐館藝術家蘇威嘉帶來全新創作《自由步─身體的眾生相》，從肢體核心出發，在無設限中尋找靈感，回到最極簡的呈現方式，這次並與台灣最頂尖的兩位舞者陳武康、周書毅聯手合作，透過每一刻的動與靜、光與影，每一次奮力又貪婪的呼與吸，每一下身體延展的掙扎與燃燒，一步步帶領觀眾看到身體的眾生相。即將於本週四3/30-4/2在實驗劇場演出，三位大男生將會擦出什麼樣的精采火花？

兩廳院駐館藝術家 讓自由揮灑

兩廳院為提供藝術創作者一個盡情揮灑表演的舞台，於2014年起推出「藝術基地」駐館藝術家計畫，發掘並支持極具潛力的國內藝術家，期望藉由兩廳院的資源，協助藝術家創作與研究發展，為台灣劇場帶來更多的新活水。

《自由步─身體的眾生相》為2016駐館藝術家蘇威嘉所呈現「十年編舞計畫」之一，以必須誠實面對身體與開發舞步為限制，挑戰自我在創作上的極限，法國舞評形容為「將美感耕耘至極致的演出」，並獲得亞維儂報（AVI）大力讚賞及普羅旺斯報(La Provence)五星評論。蘇威嘉說：「有這個編舞想法是從2008年休學那年到紐約學舞，看到芭蕾舞大師Eliot Feld作品，30多年來，第一次看舞看到哭出來！那是很自然的、有感情的，純粹只有舞步的作品。」

侷限中的自由 挑戰舞者與編舞的極限

這次蘇威嘉更挑戰也精心挑選了兩位他心目中最佳男舞者─陳武康與周書毅再次合作，兩位都是雙子座，卻完全不同風格且各具特色，武康狂放不羈卻又細膩無比，書毅穩重高雅但又如火山蓄勢待發，在彼此經過各自人生不同階段的歷練下，累積了無比充沛的身體能量與故事。兩位超強舞者再加上天馬行空創意無界限的編舞家蘇威嘉，全然不同的自由步，將超乎你的想像，帶來全新的身體面貌與感受。蘇威嘉說：「我的眼睛很像攝影鏡頭，很容易看到旁人舞步中的破綻，但是在這兩人身上，幾乎每一格，都是非常享受的。」

驫舞劇場與蘇威嘉

蘇威嘉，高雄人，於2004年與陳武康、周書毅等人共組驫舞劇場，以不受拘束無限創意的集體創作、精準到位的舞蹈肢體表現，展現了獨樹一幟的舞蹈劇場風格，並獲得紐約時報「迷人、充滿想像力，來自台灣的全男子舞團」的讚許。共同創作作品有演出《M_dans》、《樓梯》、《速度》（台新藝術獎第六屆表演藝術類大獎）、《骨》、《正在長高》、《M_Dans 2010》、《我》、《繼承者》I / II / III、《兩男關係》（德國柯特尤斯編舞大賽首獎）、《馬上三人》、《裝死》。

3月30日至4月2日實驗劇場，蘇威嘉X陳武康X周書毅 三男聯手，《自由步─身體的眾生相》將解放你對自由的想像。蘇威嘉說：「越看不懂越好，放空你的腦袋，讓想像帶領你，這些片刻會跟著你一輩子。」

[2017tifa]

解剖理想與靈魂的掙扎，構造創作的動態場域～伊沃‧凡‧霍夫的多媒體顛覆劇場《源泉》

文：周伶芝

我們常說，生於世上，現實與理想的衝突是我們永恆的課題。生活、愛情、事業皆如是。而要完成一個舉世無雙的作品，幾乎是所有藝術家畢生的夢想，然而，無論是天才的瘋狂之舉，還是和魔鬼的交易，理想的創作似乎始終難逃世俗的審判和玩笑。梵谷生前潦倒落魄，藝術知己難尋，他的過世卻造成後續藝術市場的天價奇蹟，大概就是藝術史上最大的諷刺之一。

俄裔美籍小說家艾茵‧蘭德的作品《源泉》，於1943年問世，同樣鞭辟入裡地觸碰到理想與現實的孰是孰非。以1920年代摩天大樓競相平地高起的紐約為背景，透過一位初出道、堅持自身美學理念的天才青年建築師洛克，對比於另一位以利為先的競爭對手基亭，兩人在事務所、政府部門、商業市場等體系之中周旋、實踐、碰撞和角力的歷程，寫就一個關於信念的哲學史詩。

蘭德將她這部小說極具戲劇性的人生觀定義為「人的崇拜」，意即，不為庸俗利益作嫁，而是追求生命的無限潛能並昇華人類的高貴才能。崇尚創作自由的蘭德認為，表面上的利他主義看似寬容，其實是一種潛伏的異化，個人的貢獻只是淪為利益祭台上的犧牲。反之，像洛克這種才氣縱橫的創作者若能堅持獨特性到底，並完成天賦的責任，人類的生命才有意義。而這就是蘭德想在小說中闡明：人之自覺可做為跨越時代的「源泉」。

由比利時劇場導演伊沃‧凡‧霍夫領軍的阿姆斯特丹劇團，向來以獨特手法改編經典之作，犀利詮釋在世界各地獲得火紅的成功。著迷於電影的凡‧霍夫曾數度改編諸多名導佳作，從希臘悲劇、莎士比亞的歷史劇，到六十年代的電影大家，如：柏格曼、安東尼奧尼、帕索里尼、維斯康堤、卡薩維茲等等，都是他挑戰且再做當代創新的對象。在多媒體剪接的空間層次中，他特別強調不同觀看角度所能提供的開放性，並構造出偷窺和共謀、揭露人性黑暗面的電影劇場。此次來台的《源泉》，是凡‧霍夫首次改編長篇小說的多媒體劇場，2014年在亞維農藝術節首演時的挑釁辯證，激起了活力好評。

面對這樣一部幾乎是建築師聖經的經典小說，凡‧霍夫把焦點放在危險的平衡上。蘭德在原著裡明顯認同洛克的強硬不妥協，讓他在這個犬儒社會裡成為理想的預言和殉道者。但是同樣身為藝術家的凡‧霍夫，則想藉此重新思考「何謂創作的本質？」他打破是非的界線，平等展現每個角色的立場，以點明劇中人物所面對的複雜與兩難。好比：洛克堅持要在懸岩上蓋房子，而吉丁卻認為應該要炸掉岩石，兩位建築師在設計藍圖上為截然相反的看法針鋒相對，影像則留予奇妙的開放空間，讓觀眾自行判斷美學和實踐上的選擇傾向。故事的衝突也隨著兩個對手愛上同一個女人，在慾望關係裡變得更加白熱激烈，甚至是走向毀滅。 

凡‧霍夫將舞台空間設定為一個可以展現創作過程的動態場域。因為主角洛克是一位對材質忠誠的建築師，而建築的公共性，也表現出藝術與社會之間的聯結，或許可以說是藝術形式裡最具烏托邦色彩的一種。劇場版的《源泉》著眼於這種互動工作的聯結意涵，特地安排現場音樂家和技術人員在舞台上來來去去，以影像視覺化建築藍圖和慾望的方式，來體現理念和材質互相激盪的過程，甚至是象徵所有人在體系裡的掙扎與可能。

這個扣人心弦、每一刻都緊咬不放的作品充滿魅力，凡‧霍夫以多媒體的顛覆劇場，展現生活和創作的張力，並超越善與惡的固化準則。在靈魂的掙扎、背叛與釋放之中，帶我們看到我們未曾意識到、看不到或不想看到的瘋狂與生命慾望。

[2017tifa]

音樂大師們挑戰極限，世界首演全新創作～朱宗慶打擊樂團 《島․樂》

攝影：張震洲

2017TIFA台灣國際藝術節《島․樂》Our Percussion Music由國家兩廳院主辦、朱宗慶打擊樂團受邀演出，匯集五位台灣重量級大師級的作曲家，溫隆信、賴徳和、潘皇龍、錢南章、許博允，為朱宗慶打擊樂團量身打造全新作品，並將重現馬水龍及李泰祥兩位已故的台灣作曲大師經典作品《我是…》、《生民》，將於3/24 (五)晚上19:30於國家音樂廳帶來全新創作曲及經典曲目，歡迎您蒞臨現場親自感受《島․樂》的驚人魅力！

音樂大師們挑戰極限　把不可能變成可能

朱宗慶打擊樂團創辦人暨藝術總監朱宗慶在宣告記者會時特別說道：「這些老師們都是從三十年前就開始不斷地用用作品來激勵、開發我們。老師們的鼓勵讓我們把不可能變可能的！」本次能邀請到台灣五位作曲大師們同台演出，實為難能可貴!猶記得朱宗慶打擊樂團創團之際，委託作曲老師們譜寫新曲，團隊在一次又一次演繹曲子之中成長茁壯，將音樂帶到國內外每一個角落，樂團與作曲家們默默耕耘三十年，打擊樂終於在台灣落地生根、也讓後來學習打擊樂的朋友們有這麼多樣的曲目可以演奏。然而三十年過去，為了這次《島․樂》音樂會，每一位作曲家都卯足全力、堅持創作全新曲目，希望能夠產出更多優質的台灣經典擊樂作品，除了帶給本國的樂迷朋友們極致的音樂饗宴，更期待讓這塊土地能夠建立起有自己特色的音樂，讓國際來注視台灣這塊島嶼與豐厚的創作能量。

世界首演全新創作 重新演繹經典作品

《島․樂》音樂會中，五位重量級作曲家溫隆信、賴徳和、潘皇龍、錢南章、許博允將帶來全新創作：作曲家賴德和《無岸之河 不醒之夢》藉由曲子呈現出宇宙間各種事物其實都是亂中有序、自成道理；作曲家溫隆信《石頭上去了，鳥兒去哪裡？》創作靈感來自於彈弓，小時候在鄉下玩彈弓不忍射鳥，現在社會富足後人們卻濫殺飛鳥，藉由音樂喚起人們對大自然的尊敬；作曲家潘皇龍《風水輪流轉》將由五人輪流擔任領奏，場面活潑生動，像是遵循大自然的道理一樣，生生不息的循環著，藉由曲子來呈現民族平等及互相尊重的意義；作曲家錢南章《小小協奏曲》特別邀請兩位小朋友與團長吳思珊、資深團員黃堃儼及其他三位擊樂家共同演出，小朋友們與低音提琴的最萌身高差，配合著作曲家將詩改編成的「童謠」，讓整場打擊樂的充滿趣味；作曲家許博允《點‧線‧面‧體》認為所有東西都是從「點」開始，而整個點線面體基本上就是在講人的物像。《島․樂》亦將於音樂會上重現台灣作曲大師經典作品，作曲家馬水龍《我是…》，此首樂曲是根據當代作家馬森教授的詩譜寫而成，以女高音、長笛與打擊樂器(拍板、小鼓、風鈴、吊鈸、木琴、響木、風鑼、定音鼓)室內樂組合，來襯托詩的氣氛與意境。另外也將於音樂會上呈現作曲家李泰祥《生民》，此曲為1984年為雲門舞集舞作譜寫而成，為中西打擊樂器合奏，由前奏、正奏、間奏、後奏合組而成之祭典舞曲，其編制為四部鋼琴及打擊樂，該曲曾經有1985年人聲版、2001年有《十方樂集》演奏版，2002年為上海演出作第三次修訂，樂迷朋友們一定非常期待這次朱宗慶打擊樂團將會為大家帶來什麼樣的版本！《島․樂》僅此一場，票券售完為止，喜歡音樂的朋友們，絕對不可錯過這次《島․樂》於國家音樂廳3/24週五19:30的精采演出。

[2017tifa]

春雷乍醒，怒龍抬頭，王子復仇再現～明華園戲劇總團《龍抬頭》

攝影：周嘉慧

2017台灣國際藝術節將於3/24(五)-3/26(日)推出明華園戲劇總團大作《龍抬頭》，本節目為明華園12年前《王子復仇記》重新改寫製作，經典作品加上全新內容，並集合明華園鐵三角－傳統戲劇無敵小生孫翠鳳 、歌仔戲第一丑角陳勝在、當家小旦鄭雅升主演，令所有戲迷相當期待。

明華園臺柱登台掌控全場　青年軍對戲精彩飆演

明華園戲劇總團《龍抬頭》，由明華園首席編導陳勝國重新編寫12年前的《王子復仇記》，並由明華園資深臺柱演員孫翠鳳、鄭雅升、陳勝在，率領青年軍陳昭婷、陳昭賢、陳子豪、晨翎及明華園戲劇家族全體演員聯合獻演。

三位資深演員重新詮釋劇中角色，一出場便震攝全場，前輩們過招暢快淋漓，與新生代青年軍演出對手戲，更是展現精湛技藝，提升新秀的表演功力，青年軍陳昭婷在此劇中飾演媽媽孫翠鳳的母親秋月盈，從18歲的小宮女演到歷盡滄桑40歲老婦人，眼神、語氣、體態的不斷轉變，而全身都是戲胞武戲功夫一流的陳子豪這次「棄武從文」，從太子演到老皇帝，不耍刀槍竟然要和小旦戀愛，笑稱人生最漫長的3分鐘表演。

孫翠鳳表示：「與年輕演員同台演出是最直接傳承，透過對手戲的＂拋＂、＂接＂應對，可以讓年輕的演員感受深刻。」更呼應了本次TIFA的主題「時‧差」，這些經典作品經過時間的淬煉，演員的傳承，將以全新生命於當代重現。

春雷乍醒  怒龍抬頭  王子復仇再現　

在東方的禮教束縛下，復仇可以有多少面向？「仇恨」該如何堆疊？復仇之路又該如何前進？陳勝國表示：「在古老的東方封建帝制下，王位爭奪戰中，王子復仇的故事並不罕見，在東方的傳統戲台上，弒父、娶母此等嚴重違反倫常的『復仇」情節更是不常見。」重重的疑問讓他這十二年來不斷地反思，於是，挑戰自己的原創作品，再寫王子復仇記之《龍抬頭》，用明華園總團擁有的「一丑、二生、三旦」堅強的演員陣容，將仇恨堆疊到臨界點，讓復仇行動一觸即發！

節目啟售後就受到戲迷廣大迴響，2017台灣國際藝術節《龍抬頭》即將於本周五至日於國家戲劇院連演四場，節目即將完售，邀請觀眾把握最後購票機會，一起支持優質的傳統戲劇。

[2017tifa]

加拿大溫哥華影偶戲，燈光下的古靈精怪～加拿大蝸牛心偶戲團《烏鴉怎麼了》

攝影:張震洲

加拿大溫哥華影偶戲 笑果十足的喜劇作品

2017TIFA台灣國際藝術節加拿大蝸牛心偶戲團《烏鴉怎麼了》Caws& Effect，採用手工製作的多層次投影片、戲偶、面具和原創音樂，觀眾現場所聽到的音樂全部都由演員自己錄製的原創音樂，在舞台佈景上投射出像漫畫式的對話框來呈現兩隻烏鴉���對白，言談之中充滿逗趣的笑話，整場演出神奇地揉合了許多不同的藝術型式，台上所呈現的一切都由蝸牛心偶戲團的兩名藝術家—克蘿伊．齊娜(Chloe Ziner)與潔西卡．嘉貝兒(Jessica Gabriel)共同創作演出，歡迎觀眾朋友們於3/24(五)至3/26(日)到實驗劇場來欣賞這場精彩好玩、充滿驚喜的影偶戲！

燈光下的古靈精怪 烏鴉夢想創造新世界

《烏鴉怎麼了》是一齣現代寓言，故事描述在森林裡住了一對愛說俏皮話的烏鴉，他們的鳥巢出了問題，必須另覓居所。其中一隻烏鴉種下一顆神奇種子後，他們開始夢想創造出一個全新世界，並發生種種意想不到的事情。本劇利用兩台投影機和各式剪裁細緻精美的剪影鋪陳劇情，多彩多姿的場景以半透明的玻璃紙和其他現成的材料製作而成；操作戲偶的人同時也扮演劇中的角色。《溫尼伯自由報》（Winnipeg Free Press）盛讚：「整場演出的編排巧妙而流暢，嘉貝兒與齊娜就像是跳了一場雙人舞，完成了錯綜複雜的投影演出，既沒有絆倒對方，也不曾岔開主題。她們展現出來的靈巧與藝術才能，令人嘆為觀止。」流暢的音樂、動作與影像，共同推動著劇情發展，整齣戲十分活潑有趣。

絕佳默契雙人組影偶劇團-蝸牛心偶戲團

克蘿伊．齊娜(Chloe Ziner)與潔西卡．嘉貝兒(Jessica Gabriel)致力於利用投影機為主要光源的表演方式，發展出多層次敘事與演出型態。她們的表演呈現出各種視覺藝術、馬戲小丑和音樂的綜合體，兩位藝術家特別鍾情於探索傳統劇場以外的可能性，為觀眾創造出一種身歷其境的神奇經驗！蝸牛心偶戲團曾獲薩克頓劇場獎最佳投影設計提名，亦曾受邀參加許多藝術節演出，《烏鴉怎麼了》更曾在2015年安大略省的倫敦藝穗節中榮獲製作人精選和最大膽節目兩項大獎，也分別於2014、2015及2016年的溫尼伯、溫哥華、薩克頓、多倫多和艾德蒙頓等地前衛藝穗節中榮獲最佳戲劇的獎項，這齣影偶戲精彩美妙，彷彿是加拿大國家電影局製作的動畫影片搬上舞台，精采絕倫、絕對值得期待！

[2017tifa]

留聲機青年藝術家大獎俄系指揮～奧斯陸愛樂管絃樂團抵台

攝影/張震洲

2017TIFA台灣國際藝術節3/3登場，讓��典樂迷引頸期盼的「奧斯陸愛樂管絃樂團」也將於本周末（3月17日至18日）在國家音樂廳登場。由曾獲留聲機青年藝術家大獎的首席指揮瓦西里．佩特連科 (Vasily Petrenko)率領全團抵台帶來��利格、拉赫曼尼諾夫、西貝流士等作曲家的作品，當今最受歡迎的大提琴巨星提勒斯．莫克 (Truls Mørk)也將帶來深受樂迷喜愛的蕭士塔高維契與艾爾加的經典大提琴協奏曲。

留聲機青年藝術家大獎俄系指揮

奧斯陸愛樂管絃樂團現任首席指揮瓦西里．佩特連科是近年最具國際知名度也最耀眼的指揮之一，佩特連科2006年成為英國皇家利物浦愛樂史上最年輕的首席指揮，佩特連科更榮獲留聲機雜誌2007年年度年輕音樂家頭銜，在他的帶領下，皇家利物浦愛樂達到了許多人眼中演出水平與音樂性的高峰，觀眾人數急速上揚，所錄製的柴可夫斯基唱片曾獲得留聲機雜誌年度唱片的殊榮。佩特連科自2013年起接任奧斯陸愛樂管絃樂團。他繼承布隆許泰特（Herbert Blomstedt）、楊頌斯 (Mariss Jansons)、普烈文 (André Previn)、薩拉斯特(Jukka-Pekka Saraste)等著名指揮的任務，帶領奧斯陸愛樂管絃樂團往更上一層樓邁進。其中，擔任樂團常任指揮最久的楊頌斯亦於佩特連科過去在聖彼得堡求學時擔任其指導人，也讓這份任命有了些許的傳承味道。

當今北歐第一樂團

奧斯陸愛樂管絃樂團成立於1919 年，是挪威最具代表性的樂團，1879 年作曲家葛利格 (Edvard Grieg) 所創建的克麗絲蒂娜音樂協會 (Christiania Musical Association) 為該團前身。在楊頌斯 (Mariss Jansons)、普列文與薩拉斯特的帶領下，樂團不斷擴展曲目與提升水準，迅速累積國際聲譽，楊頌斯曾表示：「接掌奧斯陸愛樂管絃樂團時我才30歲，幾乎跟團員差不多年紀，我們非常用功，而且非常熱情，大家一起成長。」在楊頌斯掌舵之下，奧斯陸愛樂管絃樂團晉身全球前12大交響樂團，表現出色，樂團與楊頌斯灌錄的柴可夫斯基交響曲全集贏得一致好評，榮獲企鵝評鑑三星帶花殊榮。

純正北歐之聲  刻畫出難忘的浪漫樂章

奧斯陸愛樂管絃樂團此行來台將帶來多首深具北歐風情與俄系風格的浪漫選曲，包括葛利格、拉赫曼尼諾夫、西貝流士等作曲家的作品。當今最受歡迎的大提琴巨星提勒斯．莫克也將帶來深受樂迷喜愛的蕭士塔高維契與艾爾加的經典大提琴協奏曲。兩廳院售票系統現正售票中，備有多種購票優惠，歡迎大家多加利用，購票請洽(02)3393-9888或至www.artsticket.com.tw查詢。

[2017tifa]

顛覆德語劇場風貌～蘇黎世國家劇院《誰怕沃爾夫？》抵台

攝影：周嘉慧

由國家兩廳院主辦，首度邀請蘇黎世國家劇院作品來台，演出《誰怕沃爾夫？》Who’s Afraid of Hugo Wolf?為赫伯特‧弗里茲（Herbert Fritsch）所執導的第一齣｢音樂｣作品，2016年甫推出，便受到國際注目，這部作品以繽紛色彩的舞台與服裝讓人驚艷的視覺音樂劇場，戲謔喜劇的風格更是受到觀眾喜愛，這場特別演出即將於3/17-3/18於國家戲劇院與台灣觀眾見面。

顛覆德語劇場風貌　當今世上的劇場革新者

德意志廣播電臺（Deutschlandfunk）曾經這樣介紹赫伯特‧弗里茲：「劇場是『勝過一切』的，這是他的強項，也因此赫伯特‧弗里茲可謂當今世上的劇場革新者。｣赫伯特‧弗里茲曾擔任演員多年，一直是柏林人民劇院(Berliner Volksbühne)的演員，並且長期與導演卡斯多夫（Frank Castorf）合作。他最推崇默片的巨星卓別林的表演，認為光靠肢體動作而不只依靠台詞表演，反而更能夠打動人心，如同小丑默劇演出，讓觀眾大笑之餘，卻能夠流出心酸的眼淚。也因此當他58歲時，開始執導舞台作品時，刻意顛覆德語劇場中重視文學性，習慣表達深刻主題的方式，而以戲謔的鬧劇風格，帶來德語戲劇截然不同的風貌。

2017TIFA邀請來台演出的《誰怕沃爾夫？》，導演概念也是如此，五光十色，繽紛多彩的視覺設計，與同樣由赫伯特．弗里茲導演，2015年烏鎮戲劇節開幕節目《物理學家》The Physicists相似，不管是絢麗神奇的舞台，多樣奇異的人物造型，都給人一種超現實魔幻感受。而《誰怕沃爾夫？》中，顧名思義，劇中音樂雖然使用了奧地利音樂家雨果．沃爾夫的藝術歌曲，但歌曲樂風卻變成法國香頌、爵士藍調、動感流行相互穿插，所有的一切都大大顛覆對德語世界的刻板印象。

蘇黎世國家劇院首度來台   帶來五光十色的視覺音樂劇場

蘇黎世國家劇院為瑞士最重要的劇院，在第二次世界大戰期間，許多逃離納粹德國的藝術家來到了這個劇院，讓蘇黎世國家劇院大大提升藝術上的高度，輝煌的歷史也從此展開，比方戲劇大師布萊希特許多經典劇作都是在蘇黎世國家劇院進行世界首演，也因此它吸引了無數傑出的作家、導演、演員到此創作，共同形塑出蘇黎世國家劇院的獨特形象。現任藝術總監芭芭拉‧傅萊（Barbara Frey）為其中唯一女性總監，於2009年上任後宣告劇院的目標是：｢平衡但多元，包含新興導演與知名導演，除搬演偉大的經典作品外，並以跨領域改編而成的新作或新媒材作為劇院特色。｣也難怪近年常邀請赫伯特‧弗里茲創作，並以他著名的鬧劇特色，不斷受邀參加柏林戲劇節，這個德語戲劇界聲望最高的盛會。

《誰怕沃爾夫》乍聽之下，會讓熟悉劇場的朋友第一時間聯想到美國劇作家愛德華．阿爾比（Edward Albee）的戲劇經典《誰怕吳爾芙？》Who's Afraid of Virginia Woolf?，赫伯特‧弗里茲顯然有意如此影射，連劇作中的視覺靈感，也取材自美國抽象主義巴尼特‧紐曼（Barnett Newman）《誰怕紅黃藍？》Who's Afraid of Red, Yellow and Blue?系列畫作，這一系列畫作，紐曼特別要求觀賞者必須站在近距離觀賞，讓眼睛的肌肉處於過度緊張的狀態下，使觀者有一種迷失方向的錯覺。也因此《誰怕沃爾夫》利用一個旋轉舞台，加上可以自轉的紅黃藍三個大背板，的確在舞台構圖上創造了多樣且繽紛的效果，如同一個魔術方塊，讓導演盡情自由發揮。

奧地利浪漫樂派作曲家雨果‧沃爾夫（Hugo Wolf）曾如此描述他的創作方式：「我在凡事上都跟著直覺行動，當大量的電能累積在我的體內時，某些事就自然會萌生出來。」因此導演赫伯特‧弗里茲也大膽地把沃爾夫多首藝術歌曲，變化出各種曲風呈現，也因此雖然劇中用了多少德語師人的詩詞，包含愛德華‧莫瑞克（Eduard Mörike）、歌德（Göthe）、約瑟夫‧馮‧艾興朵夫

（Joseph von Eichendorff）等人，但卻用戲謔嬉鬧的方式，重新賦予這些文字的不同意義。赫伯特‧弗里茲說：「劇場終究就是歌劇，我從不刻意區分劇場與音樂劇場的差別。」

這齣劇如同一場嘉年華會，也如同一座深具美感與娛樂性的遊樂場，這齣大無畏的戲我們根本不用怕什麼，各種目不暇給的表演與音樂，只有歡樂，沒有憂愁，好好享受90分鐘的愉悅心情，這應該是導演最想讓觀眾感受到的結果。