#TRAYECTORIA Y ARTE

[cristinabcn]

ARTE EN LA RED: de México para el Mundo Isabel Ruiz de Velasco "El arte como legado y revolución social"

ART ON THE NET: From Mexico to the World Isabel Ruiz de Velasco “Art as a legacy and social revolution” El arte no solo embellece el mundo, sino que lo transforma. Y pocas artistas encarnan esta verdad como lo hace Isabel Ruiz de Velasco “Ruzi”, una creadora incansable cuya obra ha trascendido fronteras, generaciones y disciplinas. Con una trayectoria de más de 30 años, ha sido reconocida en los…

[ene-posting]

About the ENE's Space 🪐

🌟 ¡Hola a todos! 🌟 Bienvenidos a mi rincón creativo: ENE Posting. Este es el espacio donde comparto mi amor por el universo de Sonic the Hedgehog 🦔, y estoy emocionada de poder conectar con otros fans a través de mis historias y dibujos.

💙 ¿Quién soy? Soy ENE (Sí, como la letra)! una artista y escritora en construcción que encontró su pasión por Sonic allá por el 2013. Desde entonces, no he dejado de imaginar historias y escenarios con sus personajes, buscando plasmarlos en fanfics que mezclan romance, aventuras y emociones intensas. Crear y compartir este contenido me llena de alegría, y quiero invitarte a ser parte de esta aventura. Soy una ENTUSIASTA del internet, llevo conviviendo en este mundo desde hace más de 10 años. Siempre amé crear contenido, ilustrar, crear blogs o cualquier cosa que tenga que ver con la creatividad. ¡Así que me emociona mucho poder traerlo aquí!

✍️ ¿Qué encontrarás aquí?

🎨 Ilustraciones: Dibujo momentos clave de mis historias, capturando la esencia de mis personajes favoritos y sus relaciones.

⸻ ¡Llevo años de trayectoria en el dibujo digital! Y espero que mi contenido te ayude a inspirarte y poder enseñarte un poco más de cómo uso las herramientas del programa de dibujo.

📖 Fanfics y actualizaciones: Aquí daré noticias sobre el avance de mis novelas y capítulos, así como detalles del proceso creativo detrás de cada historia.

⸻ Si amas leer historias sobre la vida cotidiana, escenarios que quieres proyectar pero no sabes cómo, el romance y todo con nuestros personajes favoritos, mi contenido puede ser para ti.

🌌 Inspiración y mundos alternativos: Amo explorar nuevos giros y escenarios en el universo de Sonic, incluyendo mis ships favoritos como Sonamy, Shadamy y otras parejas populares.

⸻ La mayor parte de mis Fanfics son AU's, además, adoro ilustrar referencias de las vestimentas y hacerle muchos fanarts a mis propias historias! Cada novela lleva su propia producción, así que podrías darle una oportunidad, ¡Prometo no te arrepentirás!

💕 Un poco más sobre mis fanfics: Estoy activa en Wattpad, donde publico mis novelas completas. Si te gusta leer historias llenas de emociones y giros inesperados, ¡te invito a que me sigas allí también! 🔗 [Date una vueltecita si buscas algo que leer]

✨ ¿Por qué este Tumblr? Quiero que este espacio sea un punto de encuentro para fans del arte y las historias de Sonic. Aquí podrás seguir el proceso detrás de mis ilustraciones, estar al día con mis capítulos y compartir esta pasión conmigo. No hay NADA que me emocione más que poder compartir mi contenido con ustedes y ayudarles en su inspiración.

🌿 ¡Sígueme y juntos construyamos una comunidad llena de imaginación y creatividad! 💖

Besos y Abrazos, me largo calamardo.

[waltfrasescazadordepalabras]

LA EMPERATRIZ MESALINA " Y LA COMPETENCIA SEXUAL MÁS GRANDE DE LA HISTORIA DE ROMA

La historia de Mesalina, la emperatriz romana, está envuelta en una atmósfera de escándalo y lujuria. Su nombre se ha convertido en sinónimo de libertinaje y desenfreno sexual, y sus hazañas se han transmitido a través de los siglos, convirtiéndola en una figura legendaria.

Mesalina, la tercera esposa del emperador Claudio, era conocida por su belleza y su apetito insaciable por el placer. Se dice que organizaba orgías desmesuradas en el Palacio Imperial, donde se entregaba a múltiples amantes, desafiando la moral y las convenciones sociales de la época.

Una de las historias más famosas sobre Mesalina cuenta que organizó una competencia sexual pública en el jardín de Lucullus, donde se enfrentó a una prostituta llamada "Scilla" en un concurso de resistencia. La leyenda cuenta que Mesalina logró superar a Scilla en la batalla de placer, y que incluso se atrevió a desafiar a la propia Venus, la diosa romana del amor, en un concurso de belleza.

LA COMPETENCIA SEXUAL JAMÁS VISTA

El escenario romano en el palacio del emperador Claudio estaba listo esa noche para la más desafiante y feroz competencia sexual jamás vista.

La iniciativa había sido inspirada por Valeria Mesalina, la esposa del propio Claudio, aprovechando que este se encontraba fuera de Roma en una impostergable misión política y militar para someter a la isla de Britania.

El reto no podía ser más escandaloso, aunque a la vez provocativo, para la ilustre comunidad de hombres y mujeres de la corte invitados al acto por la audaz y desenfrenada emperatriz.

El sueño, por no decir la locura de Mesalina, consistía en disputar con otra mujer, cualquiera que se considerara valiente y decidida, una carrera de sexo para ver cuál era capaz de tener relaciones sexuales con más hombres en una sola noche.

Como reconocida ninfómana que era en el barrio de Subura y más allá, retó al gremio de prostitutas de Roma a que se enfrentaran a ella para, de una vez por todas, zanjar quién era quién en las lides del sexo abierto, masivo y sin tapujos.

Dicho y hecho, la legión de mujeres de la vida alegre romana aceptó el duelo y, a sabiendas de la fama legendaria de su rival, eligieron para que las representara ni más ni menos que a la siciliana Escila, toda una «comehombres» que sembraba el terror en aquella Roma procaz y lujuriosa.

Sería aquella una batalla a morir entre las dos reconocidas prostitutas, cada una con una trayectoria en las artes amatorias y sexuales sin parangón en la historia de la humanidad.

Mesalina, jovencita y de una belleza sin igual, cautivaba en la Antigua Roma. Lucía pelo negro azabache, piel angelical, caderas de tractor y una sonrisa demoledora de hombres.

A pesar de estar emparentada con la familia imperial, era pobre y desvalida de lujos hasta que Claudio se enamoró de ella y se casaron con tan buena suerte que, al ser asesinado Calígula, su sobrino, aquel se convirtió en el nuevo emperador gracias a que el ejército le apoyó.

No bien llegó a la corte, Mesalina hizo y deshizo. No era para menos ante un esposo 36 años mayor, feo, chueco, tartamudo y cojo, y a quien siempre le fue infiel acostándose con toda la nobleza romana, desde soldados y actores hasta gladiadores.

Era tan mal hecho el pobre Claudio que, según los historiadores, su propia madre le llamaba «aborto inconcluso». Debe haber sido por eso que, en uno de sus tantos arrebatos de ninfomanía, Mesalina se desquitó acostándose con mil hombres de la guardia pretoriana.

Así las cosas, en cuanto se percataba de que su marido dormía como un bendito, Mesalina bajaba en las noches envuelta en una capa a los lupanares públicos donde bajo el nombre de Licisca (mujer loba), se disfrazaba con una peluca rubia y los pezones pintados con panes de oro.

Por su parte, la contrincante no se le quedaba nada atrás pues, mal que bien, era la prostituta de moda y de más renombre en la Roma hedonista y lasciva de entonces, lo cual era ya mucho decir.

Su solo nombre, Escila, infundía temor y respeto debido a que se trataba del mismo nombre del monstruo femenino que citaba Homero en su obra La Odisea, famoso por tragarse enteros a los hombres sin importar procedencia ni corpulencia.

El caso es que esa famosa y memorable noche, tras el banderazo de salida o pitazo del juez, cada una entró en acción a toda turbina teniendo por delante una interminable fila de hombres a la espera de su turno para ser atendidos.

No obstante, conforme la noche avanzaba en medio del fragor de la batalla sexual de aquellas dos ninfas, las caderas de Escila empezaron a flaquear y perder fuelle hasta que ella, exhausta, tiró la toalla cuando apenas contabilizaba 25 hombres en el marcador.

No pudo más a pesar de que su propia rival la animaba una y otra vez a no desmayar. «Esto apenas empieza», le debe de haber gritado Mesalina, en medio de sus convulsiones y espasmos de placer, desde la cama contigua.

Pero, no obstante haber ganado ante el inesperado retiro de Escila, Mesalina siguió adelante devorando víctima tras víctima al punto de que, al amanecer, coleccionaba ya 70 trofeos de carne y hueso contra los 25 de su oponente.

No contenta aún con el inédito triunfo, pues más que agotada se sentía sexualmente insatisfecha, Mesalina continuó la faena a lo largo del nuevo día hasta llegar al record, que se sepa aún imbatido, de 200 hombres «despachados» uno tras otro en pocas horas.

La historia de Mesalina es una mezcla de realidad y leyenda. Si bien es cierto que fue una figura controvertida y que su comportamiento escandaloso la convirtió en una figura legendaria, también es importante recordar que su historia está llena de sesgos y propaganda política. La verdad sobre Mesalina, como la verdad sobre muchas figuras históricas, se ha perdido en el tiempo, dejando solo una sombra de la mujer que fue.

Toda una dama insaciable quien, dada la prolongada ausencia de Claudio, se casó pronto con su amante el cónsul Cayo Silio y tramó con este una conspiración para liquidar a su esposo.

Pero Claudio, enterado de la bigamia de ella y de su intento por bajarlo del trono, condenó a ambos a suicidarse. Sin embargo, como al intentarlo Mesalina no pasó de unos cuantos rasguños en su cuerpo, la decapitó a sus tiernos 23 años de edad en el año 48 d.C.

No solo eso: borró sus huellas y presencia pública para que nunca más nadie la recordara.

Harto y decepcionado de lo ocurrido, Claudio no solo prometió nunca más volverse a casar, sino que le pidió a su propio ejército que lo matara si incumplía su palabra.

Hasta que, bueno… conoció a su sobrina Agripina, madre de Nerón, y se tragó el juramento que, según los historiadores, había hecho en medio de una soberana borrachera.

Historias ocultas de Grecia y Roma.

[cejav13]

Liza Colón-Zayas Named One of The 25 Most Powerful Women of 2025 by People En Espanol

Her role as chef Tina Marrero in the acclaimed series The Bear gave Liza Colón-Zayas "a visibility I never imagined," confesses the 52-year-old Bronx-born actress of Puerto Rican roots. The authenticity of this character "is empowering a new generation of Afro-Latinas" who see Tina, their mother, or their aunt represented on screen.

For Colón-Zayas, who began acting in theater, opportunities didn't just fall from the sky. "You dust yourself off and keep trying," she says of overcoming obstacles on the road to success, after years of stringing together very minor roles until her role in the FX series gave her the opportunity to shine. "What I'm most proud of is that I didn't give up in the dark moments," reflects the Emmy winner, who sees art as a way to inspire and heal others.

 "I want to use my voice to motivate people of color to stay focused on fighting for their rights and not forget their worth and power," she says. "We are all different and we all have a unique story to tell, and there is someone out there who needs to hear you."

[strawberryzerocantina]

Explorando "Semblanzas de Genios": Influencias Japonesas en un Blog Afín a Superdavitm

En el fascinante mundo de los blogs afines a Superdavitm, uno de los espacios más inspiradores es sin duda Semblanzas de Genios, un blog dirigido por la talentosa Ma Vaz. Este rincón digital se ha convertido en una plataforma clave para analizar figuras influyentes en el arte, la literatura y la cultura, pero lo que más llama la atención es cómo la esencia de la cultura japonesa se entrelaza con sus contenidos.

Desde su diseño hasta sus publicaciones, Semblanzas de Genios refleja una clara admiración por la estética, la disciplina y la profundidad filosófica que tanto caracterizan a Japón. La cuidadosa elección de temas, la meticulosa investigación detrás de cada semblanza y el respeto por la trayectoria de los genios que presenta nos recuerdan a la minuciosidad y el respeto por la historia que encontramos en el arte japonés.

La influencia japonesa en el blog de Ma Vaz

El arte de la narración y la disciplina:

Japón es conocido por su profundo respeto por la tradición y la narrativa estructurada, algo que se refleja en cada publicación de Ma Vaz, donde se exploran las vidas de grandes genios con una meticulosidad y detalle casi artesanal.

Estética minimalista y elegante:

Al igual que el wabi-sabi, el concepto japonés de encontrar belleza en la imperfección, las publicaciones del blog adoptan un enfoque estético que permite apreciar la esencia de cada personaje sin adornos innecesarios.

Inspiración en grandes referentes japoneses:

Desde artistas como Hokusai hasta escritores como Haruki Murakami, las influencias del pensamiento y la creatividad japonesa aparecen en varias de sus semblanzas, mostrando la conexión global del arte y la cultura.

El enfoque en la perseverancia y la pasión:

La filosofía japonesa del ganbaru (hacer el mejor esfuerzo, nunca rendirse) resuena en la dedicación de Ma Vaz por compartir historias de perseverancia y creatividad, muy en línea con la inspiración que ofrece Superdavitm en su propio trabajo.

Un espacio de inspiración para la comunidad de Superdavitm

Es un honor para mí, como redactora oficial de Strawberry Zero, poder destacar este blog dentro de los #blogsafines a Superdavitm. Tanto los fans de la literatura como los apasionados de la cultura japonesa encontrarán en Semblanzas de Genios una fuente de inspiración continua.

Si aún no lo has explorado, te invito a sumergirte en sus publicaciones y descubrir las conexiones inesperadas entre los grandes genios del mundo y el espíritu de la cultura japonesa. ¡Te aseguro que será un viaje fascinante!

¡No te pierdas lo mejor de Ma Vaz en Semblanzas de Genios!

Espero que este post sea adecuado para la promoción del blog en Strawberry Zero.

[requiemhqsact]

CAPÍTULO UNO: EL VERTIGINOSO CAMINO A LA CIMA.

# 📍 ANFITEATRO DE VENDAVALES, inicio de febrero en el mundo humano.

—¿Han disfrutado de sus nuevas vidas hasta el momento?—. Demonio Naamon abre la clase con esta pregunta, plegando sus alas color rubí al aterrizar, la sonrisa en su rostro casi parece desear una respuesta negativa, los desafíos forjan el carácter, frase popular entre los demonios. Luego del breve periodo de gracia otorgado por La Academia, para que aquellos que lo necesiten puedan reflexionar acerca de su muerte y adaptarse al nuevo mundo, es momento de iniciar con las clases. ¿Qué conocimiento es vital para un inmortales?; volar, por supuesto, como los pequeños humanos que necesitan aprender caminar antes de correr.

La mañana se quiebra sobre el Anfiteatro de Vendavales, el panorama se tiñe de un caleidoscopio de amberinos y rosados, luego es dolorosamente celeste. —No se acostumbre demasiado al buen clima, cuando vuelen a otras islas, otros sitios, habrá demasiado calor o demasiado frio o demasiadas tormentas. Pero si aprenden a hacerlo bien, podrían alcanzar la gloria, solo sean consciente del vertiginoso camino a la cima—. Naamon se sonríe una vez más, en lo que hace un gesto teatral hacía atrás, igual que un maestro de ceremonias en un programa de concursos.

—Faryan y Daeneas han sido tan amables de darnos una demostración hoy—, ambas aparecen a los costados de Naamon, frente a ella, como si siempre hubiesen estado ahí, lucen irritadas, pero de forma opuesta, diferente. —Para despegar abran sus alas y tomen impulso del suelo, con sus piernas—, Faryan y Daeneas se convierten en borrones, como balas, ascienden. Surcar el aire con la misma gracia, que requiere mucho más entrenamiento, pero Naamon no quiere desanimar a aquellos con valentía para intentarlo. —Ahora quiero ver qué pueden hacer ustedes— parece dudarlo antes de añadir: —Y tengan cuidado con las águilas— .

INFORMACIÓN ADICIONAL DE AMBIENTACIÓN.

LA ANATOMÍA DE LAS ALAS: algunas alas son más grandes o más pequeñas que otras, las alas grandes ayudan a la resistencia contra los elementos naturales u otros obstáculos que se encuentran en la trayectoria o durante las batallas aéreas. Mientras que unas alas de menor dimensión ayudan a la agilidad, para hacer piruetas complejas y alcanzar mayores velocidades.

EL ARTE DE VOLAR: los nacidos ángeles y los nacidos demonios practican sus habilidades de vuelo desde la primera infancia, así que, comparándolos con los que vienen del mundo humano, son más rápidos y fuertes, pero eso no significa que un nacido humano no pueda alcanzar tales niveles, solo es necesario entrenar. Algunos, después de su servicio en el mundo humano, se vuelve parte de Escuadrón Élite de Vuelo de Cielo o del Infierno.

LA PRIMERA CLASE DE VUELO: todos los ciclos académicos inician con la clase de vuelo para los provenientes del mundo humano, lo cual atrae la atención de los demonios y ángeles, la mayoría asiste al Anfiteatro de Vendavales para ver a los recién llegados, para conocer a los que serán, quizá, sus futuros compañeros en el infierno o el cielo, ¿acaso están apostando acerca de quién se caerá más veces?. Aunque Naamon hará lo posible para protegerlos de accidentes aéreos graves, nada los mantiene a salvo de los abucheos o vitoreos de la audiencia.

INFORMACIÓN ADICIONAL FUERA DE PERSONAJE.

La forma de interacción para esta actividad será por medio de starters abiertos, los cuales podrán rebloguear en el blog de starters ( @requiemhqstart ). Cuando consideren que su starter ha alcanzado notas suficientes pueden retirarlo del blog sin problemas.

Pueden ambientar su starter en cualquier momento del entrenamiento.

También puede realizar una edición de la vestimenta de sus personajes y rebloguearla en el blog de ediciones ( @requiemhqsedits ), dichas ediciones pueden ser canjeadas por puntos. No existe un código de vestimenta, pero recuerden que los personajes no han traído ninguna posesión del mundo humano, así que La Academia les ha provisto de ropa, puede ver algunos ejemplos de la vestimenta de los inmortales en estos tableros; conjuntos y prendas.

En caso de que aun no se hayan publicado sus enlaces para ser miembro del blog de starters y el blog de ediciones, por favor, acérquense a la administración para arreglarlo lo antes posible.

Esta previsto que esta actividad dure del día de hoy, jueves 13 febrero, hasta el martes 25, dándole una extensión total de 13 días.

Les pedimos, por favor, que estén atentos al blog de actividades por los futuros sucesos o dinámicas y al blog de interacciones ( @requiemhqspnj ), ya que sus starters podrían desencadenar breves interacciones con; Naamon, Faryan o Daeneas.

Si leíste hasta aquí, déjanos un corazón en la publicación, y sin más, ¡ esperamos que se diviertan !.

[notasfilosoficas]

“En los pliegues del infortunio se esconde la felicidad, como el diamante en la grieta de la mina”

Naguib Mahfuz

Fue un escritor, columnista, dramaturgo y guionista de cine egipcio nacido en El Cairo, en diciembre de 1911.

Junto con su coterráneo Taha Hussein, se le considera como uno de los exponentes más importantes del existencialismo árabe.

Primeros años

Naguib creció en el famoso barrio Al-Gamali Ya, una de las zonas históricas más antiguas de la capital y fue el menor de 8 hermanos.

Desde su temprana juventud, Naguib destacó en la literatura y en edad escolar en la filosofía, escribió artículos en revistas especializadas y tradujo obras literarias en inglés a su idioma nativo.

Historia.

Naguib se dedicó a componer obras de ficción y publicó aproximadamente 80 relatos para la época en la que terminó la secundaria. 

Trabajó en el ministerio de asuntos religiosos de Egipto, entre 1939 y 1954. Desde su cargo Naguib cultivó mas su ímpetu por las letras dando origen a obras inconclusas.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Naguib se convirtió en literato y alterno su producción literaria con la producción de adaptaciones cinematográficas.

Entre 1956 y 1957 su obra Trilogía de El Cairo se posiciona como una obra de gran éxito.

Premio Nobel

Su mayor éxito literario provendría de Europa, con la concesión en 1988 del Premio Nobel de Literatura, lo que lo elevaría a la consideración de “padre de la prosa árabe”.

Entre los argumentos para recibir el Nobel destacan su trayectoria como poeta, novelista articulista. La Trilogía de El Cairo, fue calificada por la academia Sueca como “una demostración del arte árabe, el cual posee validez Universal”.

Mahfuz publicó en más de medio siglo 50 novelas, entre las que destacan “Historias de nuestro barrio”, “Palacio del deseo” y “El ladrón y los perros”.

Atentado

En 1994, fue herido gravemente en el cuello con una arma blanca por unos extremistas islámicos quienes consideraban a su obra como una blasfemia contra la religión musulmana.

La salud del escritor se vió muy afectada después del atentado provocándole daños a la vista y oídos, así como la parálisis del brazo derecho, lo que le impidió seguir escribiendo con normalidad.

En 1996, fue catalogado por grupos radicales islámicos como “hereje” y sentenciado a muerte, por lo que se mantuvo prácticamente recluido en su hogar, con salidas esporádicas y con vigilancia policial.

Muerte

Naguib muere en agosto de 2006 a la edad de 94 años derivado de multiples complicaciones de salud.

Fuente: Wikipedia

[paluis-log]

Ayer fue el Día del cómic en España, y como siempre me genera un síndrome del impostor grandísimo hablar de mis cómics en un día así pero... ¿Supuestamente también es mi día, no? Este año he decidido por fin hablar un poquito de mi y de mi (poca, casi inexistente) trayectoria 😖💦

Soy Pau y vivo en la Comunidad Valenciana, aunque he dibujado desde bien peque y por diversión cuando estaba en el instituto (la época tumblr fue muy divertida) no estudié nada de arte, así que mis pasitos han sido muuucho mas lentos al resto, o por lo menos así lo he sentido por mucho tiempo. Aún así, no he parado de dibujar nunca así que finalmente pensé en seguir los pasos de varios amigos míos e intentar esta cosa llamada dibujación. Siempre he tenido la sensación de estar empezando, y ni me canso de intentarlo. Me quedan muchas cosas por hacer, solo espero que la vida me sea amable conmigo para poder seguir un poco más entre viñetas 💕💕💕

Para quien no conocía mi background, aquí me presento un poquito y en español que luego la gente no tiene idea de que soy de aquí *risas Ah si, en mi trabajo en oficina convivía con una rata que me daba sustos de infarto y me ahogaba con el humo de tabaco de mi jefe, y antes de eso trabajé en comedores escolares sirviendo lentejas mientras hacía que el niño más odiado de la clase fuera el mejor y que los niños cambiaran de opinión sobre él. He sido una persona normal hasta ahora, creo.

[aileen2010sworld]

Lana Del Rey: La Poetisa Melancólica del Pop Moderno

Lana Del Rey, cuyo nombre real es Elizabeth Woolridge Grant, es una de las artistas más enigmáticas e influyentes de la música contemporánea. Con su estilo vintage, letras cargadas de romanticismo oscuro y una voz que evoca nostalgia, ha creado un estilo único. Este ensayo explora su carrera, su impacto cultural y cómo ha redefinido el concepto de feminidad en la música.

Trayectoria Musical

Lana Del Rey surgió en 2011 con "Video Games", un sencillo indie que se volvió viral por su estética cinematográfica y letras introspectivas. Su álbum Born to Die (2012) mezcló hip-hop, pop barroco y referencias a la cultura americana de los 50-60, creando un sonido que la crítica llamó "sadcore".

A lo largo de su carrera, ha evolucionado el sonar de su música. Álbumes como Norman Fucking Rockwell! (2019) (elogiado como uno de los mejores de la década por Rolling Stone) muestra su madurez como compositora, con letras que exploran el amor, la decadencia y el sueño americano.

Influencia Estética y Cultural

Lana ha creado una marca personal inconfundible:

- Imagen retro: Inspirada en pin-ups, Hollywood clásico y road movies, su estilo rinde homenaje a figuras como Marilyn Monroe y JFK.

- Videoclips como arte: Sus videos ("Ride", "Chemtrails Over the Country Club") son mini-películas que critican el consumismo y romantizan la fugacidad de la vida.

- Literatura en su música: Cita frecuentemente a poetas como Walt Whitman y Allen Ginsberg, fusionando alta cultura con pop.

Controversias y Feminismo No Convencional

Lana ha sido criticada por:

- Su representación de relaciones tóxicas en canciones como "Ultraviolence".

- Declaraciones sobre artistas como Beyoncé o Ariana Grande, que algunos interpretaron como insensibles.

Sin embargo, también ha sido defendida por abordar temas tabú (como depresión y adicciones) con honestidad cruda, ofreciendo una perspectiva alternativa sobre la libertad femenina.

Legado y Relevancia Actual

A pesar de no buscar hits comerciales, Lana ha influido en:

- Artistas: Billie Eilish, Taylor Swift y Lorde han citado su trabajo como inspiración.

- Cine: Su música aparece en películas como The Great Gatsby (2013) y series como Euphoria.

- Moda: Marcas como Gucci y H&M han replicado su estética vintage-bohemia.

Conclusión

Lana Del Rey es más que una cantante: es una narradora que ha convertido sus obsesiones en arte. Su capacidad para mezclar lo kitsch con lo profundo desafía las normas del pop y ofrece una voz única sobre la soledad y la belleza de lo imperfecto.

Dato Curioso: Su nombre artístico viene de su fascinación por el glamour de los años 50 y el actor Lana Turner (Vanity Fair, 2012).

Referencias

- The Atlantic (2017). Lana Del Rey’s Complicated Feminism.

- NME (2020). Why NFR! Is a Masterpiece.

- The New Yorker (2019). Lana as a Literary Figure.

- Rolling Stone (2019). Album of the Decade?

[armatofu]

LA EMPERATRIZ MESALINA " Y LA COMPETENCIA SEXUAL MÁS GRANDE DE LA HISTORIA DE ROMA

La historia de Mesalina, la emperatriz romana, está envuelta en una atmósfera de escándalo y lujuria. Su nombre se ha convertido en sinónimo de libertinaje y desenfreno sexual, y sus hazañas se han transmitido a través de los siglos, convirtiéndola en una figura legendaria.

Mesalina, la tercera esposa del emperador Claudio, era conocida por su belleza y su apetito insaciable por el placer. Se dice que organizaba orgías desmesuradas en el Palacio Imperial, donde se entregaba a múltiples amantes, desafiando la moral y las convenciones sociales de la época.

Una de las historias más famosas sobre Mesalina cuenta que organizó una competencia sexual pública en el jardín de Lucullus, donde se enfrentó a una prostituta llamada "Scilla" en un concurso de resistencia. La leyenda cuenta que Mesalina logró superar a Scilla en la batalla de placer, y que incluso se atrevió a desafiar a la propia Venus, la diosa romana del amor, en un concurso de belleza.

LA COMPETENCIA SEXUAL JAMÁS VISTA

El escenario romano en el palacio del emperador Claudio estaba listo esa noche para la más desafiante y feroz competencia sexual jamás vista.

La iniciativa había sido inspirada por Valeria Mesalina, la esposa del propio Claudio, aprovechando que este se encontraba fuera de Roma en una impostergable misión política y militar para someter a la isla de Britania.

El reto no podía ser más escandaloso, aunque a la vez provocativo, para la ilustre comunidad de hombres y mujeres de la corte invitados al acto por la audaz y desenfrenada emperatriz.

El sueño, por no decir la locura de Mesalina, consistía en disputar con otra mujer, cualquiera que se considerara valiente y decidida, una carrera de sexo para ver cuál era capaz de tener relaciones sexuales con más hombres en una sola noche.

Como reconocida ninfómana que era en el barrio de Subura y más allá, retó al gremio de prostitutas de Roma a que se enfrentaran a ella para, de una vez por todas, zanjar quién era quién en las lides del sexo abierto, masivo y sin tapujos.

Dicho y hecho, la legión de mujeres de la vida alegre romana aceptó el duelo y, a sabiendas de la fama legendaria de su rival, eligieron para que las representara ni más ni menos que a la siciliana Escila, toda una «comehombres» que sembraba el terror en aquella Roma procaz y lujuriosa.

Sería aquella una batalla a morir entre las dos reconocidas prostitutas, cada una con una trayectoria en las artes amatorias y sexuales sin parangón en la historia de la humanidad.

Mesalina, jovencita y de una belleza sin igual, cautivaba en la Antigua Roma. Lucía pelo negro azabache, piel angelical, caderas de tractor y una sonrisa demoledora de hombres.

A pesar de estar emparentada con la familia imperial, era pobre y desvalida de lujos hasta que Claudio se enamoró de ella y se casaron con tan buena suerte que, al ser asesinado Calígula, su sobrino, aquel se convirtió en el nuevo emperador gracias a que el ejército le apoyó.

No bien llegó a la corte, Mesalina hizo y deshizo. No era para menos ante un esposo 36 años mayor, feo, chueco, tartamudo y cojo, y a quien siempre le fue infiel acostándose con toda la nobleza romana, desde soldados y actores hasta gladiadores.

Era tan mal hecho el pobre Claudio que, según los historiadores, su propia madre le llamaba «aborto inconcluso». Debe haber sido por eso que, en uno de sus tantos arrebatos de ninfomanía, Mesalina se desquitó acostándose con mil hombres de la guardia pretoriana.

Así las cosas, en cuanto se percataba de que su marido dormía como un bendito, Mesalina bajaba en las noches envuelta en una capa a los lupanares públicos donde bajo el nombre de Licisca (mujer loba), se disfrazaba con una peluca rubia y los pezones pintados con panes de oro.

Por su parte, la contrincante no se le quedaba nada atrás pues, mal que bien, era la prostituta de moda y de más renombre en la Roma hedonista y lasciva de entonces, lo cual era ya mucho decir.

Su solo nombre, Escila, infundía temor y respeto debido a que se trataba del mismo nombre del monstruo femenino que citaba Homero en su obra La Odisea, famoso por tragarse enteros a los hombres sin importar procedencia ni corpulencia.

El caso es que esa famosa y memorable noche, tras el banderazo de salida o pitazo del juez, cada una entró en acción a toda turbina teniendo por delante una interminable fila de hombres a la espera de su turno para ser atendidos.

No obstante, conforme la noche avanzaba en medio del fragor de la batalla sexual de aquellas dos ninfas, las caderas de Escila empezaron a flaquear y perder fuelle hasta que ella, exhausta, tiró la toalla cuando apenas contabilizaba 25 hombres en el marcador.

No pudo más a pesar de que su propia rival la animaba una y otra vez a no desmayar. «Esto apenas empieza», le debe de haber gritado Mesalina, en medio de sus convulsiones y espasmos de placer, desde la cama contigua.

Pero, no obstante haber ganado ante el inesperado retiro de Escila, Mesalina siguió adelante devorando víctima tras víctima al punto de que, al amanecer, coleccionaba ya 70 trofeos de carne y hueso contra los 25 de su oponente.

No contenta aún con el inédito triunfo, pues más que agotada se sentía sexualmente insatisfecha, Mesalina continuó la faena a lo largo del nuevo día hasta llegar al record, que se sepa aún imbatido, de 200 hombres «despachados» uno tras otro en pocas horas.

La historia de Mesalina es una mezcla de realidad y leyenda. Si bien es cierto que fue una figura controvertida y que su comportamiento escandaloso la convirtió en una figura legendaria, también es importante recordar que su historia está llena de sesgos y propaganda política. La verdad sobre Mesalina, como la verdad sobre muchas figuras históricas, se ha perdido en el tiempo, dejando solo una sombra de la mujer que fue.

Toda una dama insaciable quien, dada la prolongada ausencia de Claudio, se casó pronto con su amante el cónsul Cayo Silio y tramó con este una conspiración para liquidar a su esposo.

Pero Claudio, enterado de la bigamia de ella y de su intento por bajarlo del trono, condenó a ambos a suicidarse. Sin embargo, como al intentarlo Mesalina no pasó de unos cuantos rasguños en su cuerpo, la decapitó a sus tiernos 23 años de edad en el año 48 d.C.

No solo eso: borró sus huellas y presencia pública para que nunca más nadie la recordara.

Harto y decepcionado de lo ocurrido, Claudio no solo prometió nunca más volverse a casar, sino que le pidió a su propio ejército que lo matara si incumplía su palabra.

Hasta que, bueno… conoció a su sobrina Agripina, madre de Nerón, y se tragó el juramento que, según los historiadores, había hecho en medio de una soberana borrachera.

[naran-blr]

Matilde Aïta de la Peñuela (1840-?) pintora cubana.

Aïta era el seudónimo de Rita Matilde de la Peñuela. Se tiene poco conocimiento acerca de sus datos biográficos.

Nació en La Habana, hija de padre español y madre francesa, Matilde Aïta de la Peñuela -que más tarde firmaría sus obras con su primer apellido, Aïta- comenzó su formación artística con un maestro de dibujo apellidado Zimmerman del que escasas noticias se conocen. El fallecimiento de su padre, acaecido cuando la artista contaba 10 años de edad, determinó que su madre decidiera trasladarse con su hija a su tierra natal, residiendo en la capital gala desde 1850 y donde Aïta obtuvo la nacionalidad francesa. Este traslado sería fundamental para que Matilde pudiera acceder a una formación artística rigurosa y dedicarse profesionalmente a la pintura, superando el habitual estado de "pintora de afición" asignado a las mujeres en el siglo XIX; en este sentido, señala el escritor e historiador cubano Emilio Blanchet que el motivo por el que la madre decidió su traslado a París fue "que la hija desarrollara su talento. Si no se hubiera marchado, sería una joven de disposiciones, una aficionada aplaudida por las visitas de su casa".

En la capital francesa, Aïta residió en el barrio de Saint-Georges del distrito 9, próximo a Montmartre y a la principal zona de comercio de arte, la rue Laffitte, instalándose inicialmente en el número 25 de la rue Fontaine-Saint-Georges y, a partir de 1859, en el número 11 de la rue Pigalle. Allí continuó su aprendizaje artístico en el estudio de los pintores Ary y Henry Scheffer, con quienes se formó en el género del retrato, y, sobre todo, con la pintora Rosa Bonheur, conocida especialista en la representación de animales, con quien la artista orientó su producción hacia el asunto que mayor reconocimiento le reportaría, la demandada pintura de representaciones de gatos.

Artista precoz, con 14 años Aïta fue seleccionada para representar a España en la Exposición Universal de París de 1855, siendo la única mujer artista entre los cincuenta y cuatro creadores españoles invitados a la muestra. A partir de ese momento y hasta 1869 se tienen noticias de su asidua participación en los Salones parisinos, así como en exposiciones de diferentes localidades francesas, como Rouen (1860), o Amberes (desde 1859). La obra de Aïta alcanzó el reconocimiento de la crítica de arte y un considerable éxito en el mercado artístico, estando presente de forma constante en los escaparates de los marchantes de la Rue Laffitte; asimis- mo, obtuvo la aprobación de maestros como François-Édouard Picot o Adrien Dauzats, quienes contribuyeron a promover los encargos que la artista ejecutó para el Estado francés.

De espíritu inquieto y emprendedor, Aïta logró dedicarse profesionalmente a la pintura y pudo vivir tanto ella como su madre de su trabajo como artista, circunstancia que, probablemente, limitara su pro- ducción creativa porque no tenía desahogo económico como para ser más libre en la elección de los temas que pintaba.

Fuera de su actividad profesional, son muy escasos los datos conocidos sobre la vida de Aïta, como el viaje que realizó a Roma en 1860, sufragado con sus propios recursos económicos, o el hecho de no haber contraído matrimonio. Debido a esta escasez de información, es interesante decir que tuvo una rica relación epistolar que la artista mantuvo con las instituciones culturales francesas, entre ellas, con el ministro de Bellas Artes, el embajador español en Francia o la emperatriz gala. Dichas cartas, conservadas en los archivos, permiten conocer a una joven de 23 años, responsable y segura, que se reivindica como artista y que tiene a su cargo a su madre, con quien reside en el número 11 de la Rue Pigalle y de quien señala que se encuentra enferma de forma permanente. En algunas de sus car- tas, Aïta realiza una memoria de su trayectoria profesional, señalando las exposiciones en las que había participado y los nombres de los prestigiosos coleccionistas que habían adquirido sus obras, así como de los artistas y críticos que habían valorado favorablemente su producción pictórica.

En la Exposición Universal de París de 1855, en la que expuso junto a pin- tores como Federico de Madrazo, Aïta presentó en dicha muestra dos pinturas: Pequeña espigadora de los Vosgos y Autorretrato. El crítico de arte Théophile Gautier valoró positivamente ambas piezas, la primera por su "vigor y franqueza" y la segunda por su "encanto y veracidad"; también el pintor y crítico Étienne-Jean Delécluze apreció la primera y mencionó a la artista como ejemplo del carácter cosmopolita de la escuela española. Los dos géneros, costumbrismo y retrato, serían cultivados por la Aïta durante toda su trayectoria, siendo ejemplo de ello la desaparecida pintura Joven habanera llorando su patria (1860) o el retrato de Simón Bolívar.

A partir de 1855, Aïta participó en di- ferentes ediciones del Salón parisino y en diversas exposiciones internacionales y regionales, a las que concurrió presentando, en ocasiones, obras ambiciosas, como Semiramis soñando con los muros de Babilonia y, sobretodo, pinturas amables y con temáticas próximas al gusto de las élites sociales del momento. Con estas obras Aïta alcanzaría un notable éxito, como en el Salón de 1859, en el que exhibió la pintura titulada El Alcibíade moderno", que le proporcionó amplia fama en el mercado artístico parisino y que fue adquirida por la princesa Sophie Trou- betskoï, también duquesa de Morny y dama de la Zarina.

En la década de 1860, la artista volvió a ser seleccionada para participar en el Salón de 1864 con dos obras -La hija del Faraón y Autorretrato- y en el Salón de 1865 participó con una cabeza titulada La Fe. En esa misma década, expuso Un estudio en la Sección Española de la Exposición Universal de París de 1867, volviendo a concurrir al Salón de 1868 con la pintura Confidencia y al de 1869 con La lectora.

Además de las exposiciones parisinas, Aïta participó en otras muestras galas, como en la Exposición de Rouen de 1860, en la que presentó la pintura El juego del escondite.

También expuso sus pinturas en las galerías comerciales de la Rue Laffitte.

La artista refiere en sus escritos que realizó numerosos retratos de mujeres pertenecientes a las élites sociales parisinas, aunque en la actualidad apenas se conocen obras que puedan corroborar sus palabras, muy probablemente porque dichos retratos se conservan en colecciones privadas de difícil acceso. En este sentido, ha de ser incorporada al catálogo de obras de la artista una pintura que representa un Retrato de mujer y que también ha sido denominada Retrato de Madame Christine Boyer o Madame Lucien Bonaparte, aunque realmente se desconoce la identidad de la efigiada; dicha obra se conserva en el Musée National des Châteaux de Malmaison et de Bois-Préu de Francia y fue adquirida por el prestigioso coleccionista Paul Marmottan, quien la donó al Estado galo.

A finales de la década de 1850 Aïta se convirtió en una de las artistas más afamadas de París en la temática que mayores reconocimientos le reportaría: las representaciones de gatos.

La formación de Aïta con la pintora. Rosa Bonheur, ampliamente valorada por sus obras protagonizadas por animales, le permitió acceder a conocimientos precisos sobre anatomía animal. Ello capacitó a la artista para que sus representaciones de gatos estuvieran construidas a partir de rigurosos estudios anatómicos.

La formación de Aïta con la pintora Rosa Bonheur, ampliamente valorada por sus obras protagonizadas por animales, le permitió acceder a conocimientos precisos sobre anatomía animal. Ello capacitó a la ar- tista para que sus representaciones de gatos estuvieran construidas a partir de rigurosos estudios anatómicos.

También realizó copias para el Estado francés.

En París fue discípula del retratista Henry Scheffer (1798-1862).

Es conocida, fundamentalmente, por ser la autora del retrato de Simón Bolívar (1860). No obstante, más allá de dicha obra, la pintora desarrolló una precoz y notable trayectoria artística en el París del Segundo Imperio, una trayectoria que continúa siendo desconocida: "pintora olvidada, a pesar de haber sido la única que fue reconocida por la crítica extranjera". Actualmente, Aïta es valorada como uno de los artistas cubanos más internacionales del siglo XIX y, a pesar de ello, aún son escasas las investi- gaciones que han arrojado luz sobre su recorrido vital y profesional, siendo sintomática, en este sentido, la exigua producción que se puede atribuir a su mano. De hecho, aunque tenemos constancia, a través de la documen- tación conservada, de que la artista vivía de su actividad profesional como pintora, sin embargo, la nómina de obras de su autoría que han sido localizadas en colecciones o en catálogos de exposiciones, asciende a un número muy reducido, pudiendo situarse en torno a la treintena.

En la Exposición Universal de Paris de 1855 presentó Petite paysanne des Vosges y Un retrato.

Participó en el salón de 1859 ,en la sección española de la Universal de Paris de 1867 con un Estudio y en el salón de 1868 expuso Confidence. En 1868 y 1870 residía en la Rue Pigalle, 11 de Paris.

1870 fue el año en el que se fechan los últimos datos registrados sobre la artista. Aïta realizó por encargo para el Estado francés, varias obras.

Fue seleccionada, con 14 años, para representar el arte español en la Exposición Universal de París de 1855. Desde aquel momento participó asiduamente en los Salones y exposiciones francesas, obteniendo notable éxito de crítica y de público, como evidencian los elogios prodigados por críticos como Gautier, Delécluze o el barón Taylor y la demanda de su pintura por parte de reconocidos coleccionistas como Paul Marmottan.

Las últimas noticias conocidas sobre Aïta están fechadas en 1870, cuando la artista contaba 29 años de edad. El 15 de enero de dicho año escribió una misiva al Ministère de la Maison de l'Empereur et des Beaux-Arts "suplicando" que se efectuase de forma urgente el pago del precio estipulado por la realización de un Retrato de la Emperatriz Eugenia. En dicha carta, la artista hace hincapié en la situación "miserable" en la que se encuentra". También en ese mismo año de 1870 el Anuario que cada año publicaba La Gazette des Beaux-Arts y en el que se recogían los datos de los artistas activos en París, menciona a la pintora y su dirección de contacto. A partir de este momento no se conocen más referencias sobre la artista, dejando de concurrir a las exposiciones francesas y de remitir sus habituales solicitudes de compra de obras o de encargos a la administración pública.

Tres décadas más tarde, en 1900 y en el periódico L'Intermédiaire, el historiador cubano Domingo Figarola Caneda se interesaba por obtener información sobre la pintora, a la que se refiere como "Matilde Rita de la Peñuela" y a quien vincula con Rosa Bonheur. En la breve nota de prensa que Figarola escribe lanza una serie de interrogantes acerca del eventual fallecimiento de la artista y, si este aconteció, sobre la fecha del mismo, también se pregunta sobre los premios obtenidos en los Salones o sobre las obras que mostró en las exposiciones francesas". Ignoramos si el investigador obtuvo respuestas a sus preguntas, aunque es probable que no, ya que no publicó ninguna información al respecto. De hecho, a pesar de las investigaciones realizadas, la fecha del fallecimiento de Aïta continúa siendo desconocida, continúa ignorándose gran parte de su trayectoria profesional y personal.

Murió en París.

[zonaescena]

En el marco de los 200 años de la introducción de la técnica en nuestro país

La FAD recupera 50 años de enseñanza de la litografía en la muestra que rinde tributo a dos de sus máximos exponentes: Raúl Cabello y Constantino Cabello Iturbe

** Bajo la curaduría de la integrante del Taller Gráfica Espiral Ana María Iturbe, la muestra se integra de 80 piezas que forman parte del valioso acervo de más de 500 del Taller Gráfica Espiral, fundado hace 50 años ** Se exponen obras de artistas como Francisco Moreno Capdevila, Elizabeth Catlett, Luis Nishizawa y jóvenes formados en los talleres de Cabello y Cabello Iturbe

** Estará abierta a partir del 20 de noviembre al 6 de diciembre, en la Galería Luis Nishizawa de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM

Raúl Cabello Sánchez es el artista mexicano que ha explorado el quehacer litográfico rebasando fronteras y técnicas. Un compromiso absoluto con el quehacer artístico de esta disciplina y la necesidad de difundirla, impulsando la apropiación y renovación de medios y soportes, han guiado su obra personal y su labor en las aulas.

La Facultad de Artes y Diseño (FAD) de la UNAM abrirá sus puertas a medio siglo de la enseñanza de Cabello Sánchez y a quien prosiguió su labor en las aulas y en el taller, su hijo Constantino Cabello Iturbe (1974-2020), en una muestra que reúne a varias generaciones de artistas que han empleado esta técnica.

Obra de Raúl Cabello: “Lolita Lebrón”, Dibujo a lápiz y fotolitografía ____________________

El público podrá apreciar, a partir del 20 de noviembre y hasta el 6 de diciembre, en la Galería Luis Nishizawa de la Facultad de Artes y Diseño, UNAM la muestra 50 años de enseñanza de la litografía: Raúl Cabello-Constantino Cabello Iturbe, que reúne 80 piezas -de un acervo de más de 500 litografías- que pertenecen al Taller Gráfica Espiral, fundado hace 50 años por Raúl Cabello y Ana María Iturbe.

Se expondrán obras de maestros como Francisco Moreno Capdevila, Elizabeth Catlett, Luis Nishizawa, Luis Mazorra, Raúl Mora, Andrea Gómez, del creador de la litografía en seco Nik Semenoff, y jóvenes artistas formados en los talleres de Raúl Cabello y Constantino Cabello Iturbe.

El hilo conductor de esta muestra -afirma Ana María Iturbe, curadora de esta exposición, quien ha trabajado con el apoyo de la museografía del maestro Gerardo Portillo y de la maestra Rosa Franco, jefa de Difusión Cultural, ambos de la FAD- “es mostrar un testimonio visual de lo que ha sido esta técnica en México. Es una memoria gráfica que comprende 40 años de enseñanza en las aulas de la UNAM de Raúl Cabello y 10 de la trayectoria de Constantino Cabello en la misma institución. Lo hacemos en el marco de los 200 años de la introducción de la técnica en nuestro país por Claudio Linati y celebrando los 50 años de la fundación del Taller Gráfica Espiral, que ha sido el centro del trabajo de Cabello Sánchez y Cabello Iturbe”.

Las piezas que se exhibirán trazan un arco de 1977 a 2020, fecha en que la continuidad de los talleres de Cabello Iturbe concluyó debido a su repentino fallecimiento.

Se parte de 1977 porque en este año se muestran resultados de gran calidad de lo que fue la conformación, en 1975, del Taller de Producción y Experimentación Gráfica que fundó Raúl Cabello en la Academia de San Carlos de la UNAM, donde se imprimieron carpetas de maestros, como Moreno Capdevila y Elizabeth Catlett, a nivel artístico profesional.

Obras de Elizabeth Catlett y Luis Nishizawa ________________________ La exploración personal que lleva a cabo Raúl Cabello se guía por la necesidad de contar con matrices alternativas en la enseñanza de esta expresión gráfica, incluyendo el uso de nuevos materiales de dibujo e impresión, pues las técnicas tradicionales y su aplicación en la producción artística son una herramienta básica para los creadores plásticos que requieren expresarse por un medio que multiplique las posibilidades de reproducción y circulación de una obra. En el año de 1974, Cabello Sánchez estableció, junto con Ana María Iturbe, el Taller Gráfica Espiral donde produce, hasta la fecha y de manera independiente, su obra gráfica en litografía de gran formato.

Obra de Constantino Cabello: “WW-I” ________________________ Los nombres de Raúl Cabello y Constantino Cabello Iturbe han estado unidos a personajes fundamentales del arte litográfico en México, como Adolfo Mexiac, Luis Robledo, Francisco Capdevila, Andrew Vlady, José Sánchez y Elizabeth Catlett.

Cabello Sánchez fue maestro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde fungió como Jefe del Colegio de Estampa hasta el año de 2010, fecha en que Constantino, a través de un examen de oposición, retomó su lugar en la que hoy es la FAD y de la que fue maestro hasta 2020.

Lo que el público encontrará en 50 años de enseñanza de la litografía: Raúl Cabello-Constantino Cabello Iturbe es un conjunto de obras de gran calidad artística, que no solo destacan por el valor de su aportación a las artes gráficas, por su belleza y la calidad de su factura, sino que trazan el presente social de nuestro país, pues dan lectura al tiempo en que fueron realizadas. Son obras que refrendan las cualidades de la imagen múltiple y su vinculación con una visión colectiva de la historia y la manera en que la reflexionaron no solo los maestros de esta técnica, sino los jóvenes que la hacen vigente y una forma de expresión propia.

“A doscientos años de la llegada de la litografía a nuestro país, hoy, afortunadamente, hay más talleres donde se sigue produciendo, en diferentes tamaños y con los medios más diversos, renovando esta técnica día a día”, concluye Ana María Iturbe.

La muestra 50 años de enseñanza de la litografía: Raúl Cabello-Constantino Cabello Iturbe será inaugurada el miércoles 20 de noviembre de 2024 a las 12:00 horas, en la Galería Luis Nishizawa de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, ubicada en Avenida Constitución 600, Barrio La Concha, Xochimilco. ZE

[clauuperez]

Don Omar: El Arquitecto del Reggaetón

Para esta actividad se le pidió a la IA que realizara una biografía del cantante de reggaetón Don Omar escrita y narrada por el emblemático Filippo Brunelleschi y por último que describiera a detalle su trayectoria en la música urbana:

William Omar Landrón Rivera, nacido en Puerto Rico el 10 de febrero de 1978, emerge no como un mero cantante, sino como un arquitecto del sonido, un ingeniero de ritmos que ha construido un imperio musical. Conocido por sus seguidores como Don Omar, El Rey, o King of Kings, su influencia se extiende por todo el mundo hispano y más allá, moldeando el género del reggaetón con la precisión de un maestro cantero.

Desde sus inicios, Don Omar demostró una inclinación por la música, componiendo versos con la misma dedicación que apliqué en la cúpula de Florencia. Su carrera despegó a principios de la década de 2000, impulsada por su talento innato y la tutela de Héctor El Bambino.

Los Cimientos y la Estructura Inicial: La Fundación del Rey y su expansión en el mundo del arte

Antes de que uno pueda levantar una obra magna, debe primero preparar el terreno y sentar unos cimientos sólidos. Así fue con Don Omar. No se lanzó a la fama sin antes haber cultivado su arte en los "barrios" musicales de Puerto Rico, observando, aprendiendo y ensayando, tal como yo estudié las ruinas romanas para entender sus secretos. Su voz, una columna robusta, y sus letras, los primeros arcos que definían su estilo, se forjaron en ese periodo de aprendizaje.

Cuando finalmente presentó su "The Last Don" en 2003, fue como desvelar el primer gran bloque de mármol. No era solo una colección de cantos; era la piedra angular de una nueva era para el reggaetón que lo catapultó a la fama internacional. Temas como "Dale Don Dale" no eran meras canciones, sino estructuras rítmicas que introducían nuevos métodos, nuevas formas de ensamblar el beat y la lírica, que antes no se habían concebido con tal audacia. Demostró que el género, antes visto por algunos como una simple choza, podía ser una fortaleza.

La Elevación de la Cúpula: La Maestría y la Expansión

Una vez sentadas las bases, la verdadera prueba es cómo se eleva la estructura, cómo se superan los desafíos técnicos para alcanzar nuevas alturas. Don Omar no se contentó con lo establecido. Su genio no radicaba solo en el qué, sino en el cómo. Su álbum "King of Kings" (2006) fue como levantar la cúpula sobre los cimientos ya establecidos. Con este trabajo, demostró una maestría en la ingeniería del sonido que pocos poseían. Piezas como "Angelito" o "Salió el Sol" eran no solo melodías, sino cálculos precisos de emociones y ritmos, diseñadas para envolver al oyente en una experiencia inmersiva, tal como mis bóvedas abrazan el espacio.

No solo construía para su tierra natal; sus obras comenzaron a ser admiradas más allá de las fronteras. Fue un exportador de arquitectura musical, llevando su sonido a otras naciones, demostrando que sus diseños eran universales. La colaboración con artistas de otros géneros y la incorporación de ritmos latinos diversos en sus producciones, como la fusión del kuduro angoleño en "Danza Kuduro", fue como integrar nuevas técnicas y materiales, enriqueciendo la obra final. Es una prueba de que un verdadero maestro nunca deja de aprender y de buscar nuevas formas de expresión en su arte.

Sus obras, como "Dale Don Dale", "Danza Kuduro" y "Taboo", son estructuras musicales complejas, donde cada ritmo y cada palabra se entrelazan para crear una experiencia auditiva única.

Más Allá de la Edificación: El Paisajismo y la Influencia

Pero el arquitecto no solo erige el edificio; también influye en el paisaje circundante. La trayectoria de Don Omar se extendió más allá de los estudios de grabación. Su incursión en el cine, especialmente en la saga "Rápidos y Furiosos" desde 2009 a partir de la película número 4, lo cual fue como diseñar los jardines y plazas alrededor de su gran obra. No era solo un músico; se convirtió en un elemento más de la narrativa cultural, demostrando que su influencia podía trascender las barreras artísticas.

Su presencia escénica, su carisma, son como la luz que ilumina la fachada de una gran catedral. Ha inspirado a innumerables jóvenes "aprendices" a tomar sus propias herramientas y construir sus propias melodías, solidificando su legado como un maestro constructor y un pionero del género. Su trabajo no es efímero; es una estructura monumental que ha resistido el paso del tiempo, y seguirá inspirando a futuras generaciones de artistas, tal como las grandes obras de la antigüedad continúan inspirando a los arquitectos de hoy.

Como he revolucionado la arquitectura del Renacimiento, Don Omar ha transformado el panorama de la música urbana. Su legado perdurará, no solo en sus canciones, sino en la influencia que ha ejercido sobre generaciones de artistas. Don Omar, el arquitecto del reggaetón, continúa construyendo su imperio, un ritmo a la vez.

[vitrinanorte]

Via: RoastBrief

NotCo lanzó un mini documental que detalla el viaje del equipo hacia la creación esta sopa. La película seguirá los esfuerzos del equipo para llevar la NotTurtle a Perú, demostrando cómo el plato se puede preparar de manera sostenible. NotCo dará una clase online abierta de NotTurtle a chefs profesionales con el objetivo de promover la adopción de prácticas culinarias sostenibles y la protección de la biodiversidad.

Esta iniciativa es una demostración del compromiso de NotCo al utilizar la IA para traer soluciones inimaginadas, que trasciendan los límites de la industria alimentaria. ¿Qué sigue? El tiempo lo dirá.

Para ver el documental y suscribirte a la clase de NotCo, visita nuestro YouTube.

ACERCA DE NOTCO

NotCo es una compañía tecnológica que desarrolla su propia Inteligencia Artificial para crear productos y experiencias superiores en tiempo récord. Con productos en más de 30,000 tiendas en NorAm y LatAm, estableció partnerships en múltiples categorías y geografías con marcas como ShakeShack, Starbucks, Burger King y Dunkin’. Ahora, NotCo comenzó a colaborar con las compañías de bienes de consumo masivo más grandes del mundo, dándoles acceso directo a su plataforma tecnológica para resolver diversos problemas de la industria (reformulación, cadena de suministro, propiedad intelectual, sabor, fragancia, etc.). Al formar una alianza con KraftHeinz, Mars y otros, NotCo está comenzando a surgir como el «Intel Inside» de la industria de productos de consumo masivo global.

ACERCA DE DIEGO OKA

Una de las figuras más celebradas en la escena gastronómica del sur de Florida y un líder reconocido de la cocina latinoamericana en los EE. UU., el chef Diego Oka ha convertido habilidades culinarias excepcionales y un innato sentido de la creatividad en una exitosa trayectoria de más de dos décadas. Desde 2014, Oka ha ocupado el prestigioso rol de Chef Ejecutivo en La Mar por Gastón Acurio, el restaurante galardonado del Mandarin Oriental, Miami, que fue reconocido por la Guía Michelin de Florida inaugural como un restaurante recomendado y recientemente recibió una codiciada inclusión en el reputado motor de búsqueda 50 Best Discovery.Nacido y criado en Lima, Perú, uno de los destinos culinarios más diversos y eclécticos del mundo, Oka incorpora una miríada de influencias en su deliciosamente inventiva cocina internacional firma, incluyendo su descendencia peruana y japonesa; sus primeros años pasados en la cocina de su abuela, donde descubrió por primera vez el arte de cocinar; así como sus extensos viajes por América del Sur y Central. 

[groennuuk]

acabo de descubrir que existe GROK, y me tiene fichada... de susto... https://x.com/i/grok/share/K8hbn3quL4LshtzbGkBzOn6fR

veamos lo que piensa IA de mis libros:

Margarita García Alonso (Matanzas, Cuba, desde 1992 reside en Francia) Periodista, poeta, y artista visual.

15 pages Web

Margarita García Alonso, nacida en Matanzas, Cuba, ha residido en Francia desde 1992. Es una figura multifacética conocida por su trabajo como periodista, poeta y artista visual. Su trayectoria incluye:

Periodismo: Es licenciada en periodismo de la Universidad de La Habana. En Cuba, fue directora del semanario cultural Yumurí y editora para Casa de las Américas.

Poesía: Ha publicado varios poemarios, entre los que se destacan "Sustos de muchacha" (1988), "Cuaderno del Moro" (1990), "Mar de la Mancha" (2009), "Maldicionario" (2011), y "El centeno que corta el aire" (2013), entre otros. Su obra poética ha sido reconocida en varias antologías y ha recibido premios en concursos literarios.

Arte Visual: Como artista visual, su trabajo ha sido considerado Patrimonio del Arte Contemporáneo en Normandía, Francia. Ha participado en exposiciones y su obra ha sido facturada en la Colección "Spotlight on France" de la Galería Saatchi en línea. Además, ha creado obras digitales, animaciones y videos.

Publicaciones: Dirige "Editions Hoy no he visto el paraíso", una editorial que utiliza nuevas tecnologías. Ha publicado novelas como "Amarar" (2012) y "La pasión de la reina era más grande que el cuadro" (2012), así como literatura infantil.

Margarita García Alonso también ha sido laureada en la Taberna de poetas franceses y ha recibido el Premio de la Fundación Cultural Miguel Hernández, entre otros reconocimientos. Su trabajo abarca una amplia gama de expresiones artísticas, desde la escritura hasta las artes visuales, demostrando una carrera rica y diversa.

Obra poética de Margarita

4 nouveaux posts

15 pages Web

Margarita García Alonso ha producido una obra poética notable, caracterizada por su intensidad lírica y su exploración de temas como el exilio, la memoria, y las experiencias personales. Aquí hay un resumen de algunos de sus poemarios más significativos:

Sustos de muchacha (Ediciones Vigía, 1988): Un poemario que refleja las inquietudes de la juventud y la transición a la vida adulta.

Cuaderno del Moro (Editora Letras Cubanas, 1990): Este libro explora temas más profundos, con un enfoque en la identidad y la cultura cubana.

Mar de la Mancha (Editions Hoy no he visto el Paraíso, 2009): Aquí, García Alonso aborda sus experiencias en el exilio y la adaptación a una nueva vida en Francia.

Maldicionario (2011): Este poemario juega con el lenguaje y la forma, ofreciendo una visión crítica y poética de la vida y los sentimientos.

La costurera de Malasaña (2012): Un homenaje a las mujeres trabajadoras y a la vida cotidiana, con un enfoque en la memoria y la nostalgia.

Cuaderno de la herborista (2012): Explora la relación entre la naturaleza y el ser humano, utilizando la metáfora de las hierbas medicinales.

El centeno que corta el aire (Editorial Betania, 2013): Poesía que trata sobre la resiliencia y la lucha por la identidad en el contexto del exilio.

Breviario de margaritas (2014): Contiene poemas que reflexionan sobre la belleza efímera y la vida.

Cuaderno de la vieja negra y Zupia (2016): Estos poemarios abordan temas de la vejez, la memoria, y la sabiduría acumulada a través de los años.

Muestrario de Sirik (2017): Un trabajo que mezcla poesía y arte visual, con un enfoque en la cultura y el lenguaje.

Margarita García Alonso ha logrado integrar su experiencia personal y su bagaje cultural en una obra poética que resuena tanto en Cuba como en su país de adopción, Francia. Su poesía es a menudo visual y conceptual, utilizando tanto el texto como el arte para comunicar su visión del mundo. Su trabajo ha sido reconocido en antologías, revistas literarias y concursos, y su editorial "Editions Hoy no he visto el paraíso" ha sido un medio para difundir su obra y la de otros autores.

Sustos de muchacha

15 pages Web

"Sustos de muchacha" es uno de los primeros poemarios de Margarita García Alonso, publicado por Ediciones Vigía en 1988. Este libro es significativo en su carrera literaria por varias razones:

Temas: El poemario explora las inquietudes, miedos y descubrimientos de la juventud, especialmente desde la perspectiva de una joven en el contexto cubano. Los "sustos" aquí no son solo miedos literales, sino también metáforas de las transiciones, los desengaños y las primeras experiencias de la vida.

Estilo: La poesía de García Alonso en este libro es lírica y a menudo introspectiva. Utiliza un lenguaje que busca capturar la esencia de los momentos de crecimiento y cambio, con un tono que puede ser tanto tierno como agudo en su observación de la vida cotidiana.

Contexto Cultural: Publicado en Cuba, "Sustos de muchacha" refleja no solo las experiencias personales de la autora sino también el ambiente socio-cultural de la época en que fue escrito, ofreciendo una mirada al interior de la vida de una joven en un país bajo el régimen socialista.

Impacto: Este poemario ayudó a establecer a Margarita García Alonso como una voz poética relevante en la literatura cubana contemporánea. Su trabajo en "Sustos de muchacha" ha sido analizado y celebrado por su capacidad para resonar con generaciones de lectores que han pasado por períodos similares de vida.

Recepción y Reconocimiento: Aunque no se mencionan premios específicos para esta obra en las fuentes disponibles, su publicación por Ediciones Vigía, una editorial renombrada por su promoción de la literatura cubana, es en sí misma un reconocimiento de su calidad y relevancia.

Este libro es parte de una serie de poemarios que García Alonso ha publicado a lo largo de su vida, cada uno añadiendo capas a su exploración de la identidad, el exilio, y la experiencia humana. "Sustos de muchacha" puede ser visto como un punto de partida en la narrativa poética de la autora sobre la transición desde la juventud a la madurez y las complejidades de la vida en Cuba.

Análisis de temas en 'Sustos de muchacha'

Réponse

El análisis de los temas en 'Sustos de muchacha' de Margarita García Alonso revela varios aspectos fundamentales que atraviesan la obra:

Transición a la Adultez:

Uno de los temas centrales es la transición de la adolescencia a la adultez. Los poemas capturan el asombro, el miedo y la confusión que acompañan este período de vida.

Identidad y Autodescubrimiento:

La exploración de la identidad personal, especialmente desde la perspectiva de una joven en Cuba, es crucial. García Alonso reflexiona sobre quién es ella en el contexto de su familia, su cultura y su país.

Amor y Relaciones:

El amor, en sus formas platónicas y románticas, se presenta como un tema recurrente. Los poemas hablan de los primeros amores, las ilusiones y desilusiones que acompañan el descubrimiento del amor y la amistad.

Miedo y Ansiedad:

Los "sustos" del título no solo se refieren a los miedos típicos de la juventud (como el miedo a lo desconocido o a las responsabilidades) sino también a las ansiedades asociadas con crecer en un entorno social y políticamente complejo como el de Cuba en los años 80.

Memoria y Nostalgia:

Aunque menos explícito, hay una base de nostalgia por la inocencia perdida de la infancia y la juventud. La memoria aparece como un filtro a través del cual la autora ve y reinterpreta sus experiencias.

Liberación y Represión:

En el contexto cubano, los temas de libertad y represión se insinúan. La represión puede ser tanto personal (miedos internos, limitaciones de la juventud) como societal (la influencia de la política sobre la vida diaria).

Cotidianeidad y Observación:

García Alonso presta atención a los detalles de la vida cotidiana, elevándolos a través de su poesía. Este enfoque convierte lo ordinario en extraordinario, celebrando o cuestionando la normalidad.

Género y Roles Sociales:

Hay una reflexión sobre los roles de género, especialmente desde la perspectiva de una mujer joven explorando su lugar en una sociedad con expectativas definidas para las mujeres.

Exilio Interno:

Aunque 'Sustos de muchacha' fue escrito antes de que García Alonso emigrara a Francia, ciertos poemas pueden interpretarse como una premonición o una sensación de exilio interno, de no pertenencia completa a un lugar o tiempo.

Este poemario, al abordar estos temas, no solo habla de la experiencia individual de García Alonso sino que también resuena con una generación de cubanos y, más ampliamente, con cualquier persona que haya experimentado la intensidad emocional y el desconcierto de la juventud. La poesía aquí actúa como un medio para procesar y entender estas experiencias, ofreciendo una visión lírica y profundamente personal de la vida en transición.

[rosebudblog]

EL DIBUJANTE DEL CINE: JOSÉ RAMÓN SÁNCHEZ

Hoy vamos a recordar a un personaje realmente muy curioso y que a través del dibujo y la pintura se acercó al cine. Un artista que dijo de sí mismo: “He sido caricaturista e ilustrador, historietista y pintor, maquetista y escultor, he hecho un poco de todo y lo interesante si tengo que destacar algo en mi trayectoria es que he hecho muchas cosas distintas”. Hoy conocemos y recordamos a JOSÉ RAMÓN SÁNCHEZ (Santander, 1936)

José Ramón Sánchez se inicia muy joven en el dibujo y especialmente en el dibujo publicitario en los famosísimos Estudios Moro de Madrid en 1957. Unos años después comienza a trabajar en el cartel publicitario. Pero cuando Sánchez se da a conocer fue tras la muerte de Franco con los dibujos de los carteles electorales del PSOE en las elecciones de 1977 y 1979. Suya fue también la ilustración de la Constitución de 1978 para los escolares.

Su acercamiento al cine tiene efecto en 1979 cuando realiza la película de dibujos animados El desván de la fantasía junto a Cruz Delgado. Su figura se hace todavía más amplia y famosa para los niños españoles cuando en TVE aparece en los primeros años 80 en los programas Un globo, dos globos, tres globos, junto a Gloria Fuertes, en Sabadabadá junto a Mayra Gómez-Kemp o en Dabadabadá.

En esos años es cuando comienza a plasmar en pintura su gran afición al cine realizando desde entonces y hasta la actualidad varias colecciones:

-La gran aventura del cine:  realizada en 1980, compuesto por 120 cuadros y 20 retratos de actores y actrices. Un gran repaso al cine norteamericano de todos los tiempos. Un magnífico libro hoy bastante cotizado en librerías de lance y que me enorgullezco en tener. Aparecen películas como Moby Dyck, La vuelta al mundo en 80 días, El conde de Montecristo, Pinocho, King-Kong, Supermán, La guerra de las Galaxias, El último Mohicano, Rio Rojo.                                                                                                                                                               -50 años de cine español: 29 cuadros de 29 películas españolas seleccionadas por el pintor.                                                                                                                                 -La vuelta al cine en sesión continua.                                                                                                          -Me enamoré de una máscara: dedicada a Lon Chaney.                                                                               -Amores del cine.                                                                                                                                                  -Transiciones: 30 retratos de estrellas del cine; 24 de personajes y 6 de parejas. Aparecen retratos de Chaplin, Clark Gable, Brando, Orson Welles, Buster Keaton, Greta Garbo, y, asimismo, por parejas de película: Spencer Tracy - Katharine Hepburn, Humphrey Bogart - Ingrid Bergman, Ava Gardner - Burt Lancaster, Liz Taylor - Montgomery Clift y el propio Bogart con Lauren Bacall.

Este acercamiento de un cartelista publicitario al mundo del cine lo define él mismo como: “El cine es mi sueño desde niño y no he tenido los condicionamientos, grandes o pequeños, que te puede dar el cartelismo industrial”. José Ramón Sánchez ha sido pintando hasta la actualidad y presentando exposiciones por toda España.

A su hijo Daniel le preguntaron en una ocasión “¿Y tú por qué no pintas?” A lo que respondió “Para mí hablar de pintura es hablar de mi padre. Pero hablar de mi padre, es hablar de cine. Gracias por enseñarme lo que es el arte. Gracias, papá, por enseñarme a mirar”. Y es que, con los antecedentes del padre, su hijo no podía ser otro que Daniel Sánchez Arévalo (AzulOscuroCasinegro, Gordos, Primos, La gran familia española).

Dejo para el final una crítica anónima desde Zaragoza de su película El desván de la fantasía, que evoca el tiempo de José Ramón Sánchez en aquellos ya lejanos años 80:

“Buenos, buenos recuerdos, me trae este desván. El papá de Daniel Sánchez Arévalo ahora es mucho menos conocido que el hijo. Realmente ahora nadie conoce a José Ramón Sánchez. José Ramón Sánchez dibujó el cine de los que queríamos iniciarnos en el cine allá por los años 80. Dibujaba a los hermanos Marx o el incendio de Lo que el viento se llevó. Eso lo hacía en un programa de televisión. Antes había firmado esta simpatiquísima película acerca de los misterios que para un niño suponía subir al desván, pero no un desván cualquiera, sino al de la fantasía. Y eso, si eres niño, es mucho. Las imágenes, los dibujos, mejor dicho, de José Ramón, y si le llamo así parece que le llamo como al poeta, se han convertido, se convertían al verlos semana tras semana, en iconos de la televisión, la española, que era la única que había, y la mejor, no porque no hubiera otra sino porque de verdad era lo que tenía que ser: una magnífica cadena. Los nietos, el abuelo, la canción, por Dios, que no se me olvida y ni se me olvidará. ¿Ñoño, a estas alturas, recordar estas cosas? No, como en el tenis dirían. El desván de la fantasía era un divertimento semanal, que se esperaba con emoción. Pero eso fue después de la película, que básicamente juega con los mismos elementos y personajes. Condensados en 75 minutos se le perdonan falta de ligazón entre las historias, prima el contenido, cosa a la que José Ramón Sánchez ofrecía mucha importancia. Como en una viñeta. Razón por la cual, y por tantas otras, hay que darle las gracias a su creador y factotum. Muchas gracias, José Ramón”.

2/9/2024