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Underground (1995)

Underground podría resumirse como "la tragedia de un 'nada' donde los hermanos matan a sus hermanos" que fue ganadora de la Palma de Oro.

En muchas escenas, la desaparición de una nación, vidas y todo lo demás se relata con un lenguaje cinematográfico impactante, involucrando al espectador. Si se escribieran estas escenas una tras otra, estas líneas se alargarían aún más. Pero lo más impactante creo que es el comienzo de la película:

Belgrado es bombardeado y en algunos momentos donde la sangre inocente se mezcla con los reflejos del horror a través de los ojos de los animales del zoológico de la ciudad, presenciar una verdadera atrocidad que ni el estómago ni el alma pueden soportar es la tarea que queda para el espectador que se contenta con ver esta película.

Blacky es croata, Marko es serbio. Aunque Emir Kusturica fue acusado de no ser imparcial hacia ambos lados, esto no cambia el resultado, aunque uno de los lados sea indudablemente más pesado, las pérdidas son de ambos lados. La mayor pérdida es la cultura, la respiración, la tierra y el país, y eso es Underground.

Sí, toda guerra es mala, no debería existir. Como en todas las guerras de ayer a hoy, la gente muere y otras criaturas, identidades compartidas y muchas otras cosas desaparecen por nada. Aunque lo que queda al final de cada guerra no sea prometedor, la esperanza es inevitable porque no se puede vivir sin ella. Entre las películas ambientadas en la misma geografía que nos muestran una de las mayores tragedias que los humanos infligen a otros, creo que las dos mayores herencias serán Before The Rain y Underground.

Mientras que las imágenes de Before The Rain graban la pérdida y la vergüenza en el cerebro, la música de Anastasia hace lo mismo en el alma. Aquí, Goran Bregovic graba la tragedia en el alma con su música. "Mesecina", "Auscensia" y "Underground Tango" son melodías poderosas pero al mismo tiempo intensas. "Auscensia" se convierte en un tango melancólico con la interpretación posterior de Cesaria Evora.

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Trans-Europ-Express (1967)

Alain Robbe-Grillet podría convertirse en uno de mis directores favoritos, ya que me encanta la libertad y la habilidad con la que juega y rompe la forma cinematográfica en algo verdaderamente único y diferente a todo lo que haya visto. Pero, por otro lado, también es innegable que es un pervertido y los fetiches con los que juega en sus películas son en su mayoría cosas que encuentro moralmente reprobables.

En Successive Slidings of Pleasure se centró demasiado en el cuerpo desnudo de una chica de 17 años y aquí le da al personaje principal un fetiche de violación. ¿Qué te pasa, Alain Robbe-Grillet? Pero esta es fácilmente la película menos problemática, porque en realidad no hay escenas de violación en la película, ya que el personaje principal Elías y la prostituta Eva representan sus fantasías de violación de una manera totalmente consensuada y, en realidad, termina siendo un personaje importante con carga temática. que conduce directamente a los acontecimientos del clímax y a una de las mejores escenas de toda la película (la secuencia de "Slave Girl").

Sinceramente, no estoy seguro de cuál me parece mejor, si Trans-Europ-Express o Deslizamientos sucesivos de placer. Pero sí sé que la encuentro un infierno.

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Atención a esa prostituta tan querida (1971)

A pesar de toda la grandiosa existencialidad, la filmografía de Fassbinder no carece de lecciones magistrales de "hacer mucho con poco", pero esta es definitivamente una de las mejores. Schygulla en el icónico vestido blanco es la mujer más hermosa del mundo, Magdalena Montezuma y Schroeter, Lou Castel, ¡Eddie Constantine como él mismo! Todo el Cast brilla, lleva la película por si sola. Pasiones histéricas en una carrera injusta contra la realidad. Si conoces historias sobre las características interpersonales y las conexiones humanas dentro del grupo antiteatro, es maravilloso reconocer cómo aquí se intercambian alegremente los roles y se parodian consistentemente los dramas reales. Es una adecuada ironía del destino que "Warnung vor einer heiligen Nutte" sea una película notablemente, mucho mejor que "Whity". Esto demuestra dónde se encuentra el verdadero arte en lo inesperado… Además, cabe mencionar el (injustamente utilizado y no licenciado en el momento de su estreno) soundtrack, que mezcla música popular contemporánea, Ray Charles y ópera de Donizetti, ¡es absolutamente espectacular!

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Arroz amargo (1949)

Esta pelicula tiene un trama de crimen en medio de la cosecha anual de arroz en el norte de Italia, donde las mujeres son llamadas de toda Italia para trabajar en los campos, De Santis mezcla los principios del neorrealismo italiano para crear una película comercial, chic y sensual.

"Arroz Amargo" cuenta la historia de dos mujeres: una ansiosa por dejar atrás una vida de crimen "emocionante", y otra queriendo, soñando por algo más que la pobreza.

Después de muchos años de una guerra, ¿quién puede culparlas por enamorarse de un hombre que promete una vida emocionante, si no estable?

"Arroz Amargo" es una película vital que ofrece al público un calor lento mientras plantea preguntas sobre esta nueva Italia después de la Segunda Guerra Mundial.

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Tierra en trance (1967)

Durante esta pelicula se puede ver claramente la influencia periodística de Glauber Rocha, donde el protagonista es un reportero que nos muestra la corrupción política desde su perspectiva. Aunque Rocha suaviza su estilo característico del Cinema Novo, sigue siendo intenso y movido, aunque algunos elementos se sienten exagerados.

La película se extiende demasiado en su crítica política, repitiendo un mensaje que queda claro desde el principio. Aunque mejora en comparación con otras obras del género, no logra conquistar del todo, quizás debido a su conexión con la Nueva Ola francesa.

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Dios y el diablo en la tierra del sol (1964)

Es una película que destaca dentro del mundo del cine de arte, aunque puede llegar a ser dificil de ver o que no sea para todos. Captura la insatisfacción de un trabajador rural y el viaje que emprende como su resultado.

La historia se ve envuelta por la violencia y el crimen cuando nuestro personaje principal se ve obligado a huir. Su encuentro con un bandido que busca violencia y oscurece aún más los eventos de la película. La esposa del protagonista también experimenta algunas situaciones interesantes a lo largo de la trama.

En general, "Black God, White Devil" es una extraña mezcla de misticismo y religión que resulta muy simbólica en su conjunto. A pesar de ello, mantiene un sentido de realismo para no alienar por completo a los espectadores. El mensaje principal gira en torno a descubrir y seguir el propio camino en la vida. Combinado con los elementos dramáticos de la historia.

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Charlotte et Véronique, ou Tous les garçons s'appellent Patrick (1959)

En este cortometraje de Jean-Luc Godard, vemos una historia bastante sencilla pero muy entretenida. Dos amigas, Charlotte y Veronique, tienen un encuentro con un hombre llamado Patrick, quien comienza a ligar con ellas y termina aceptando ambas en salir con el. La situación se vuelve entretenida cuando Patrick, sin darse cuenta, termina ligando con la amiga de Veronique, Charlotte, utilizando argumentos completamente opuestos a los que utilizó con Veronique.

La trama avanza hacia la inevitable revelación de que Patrick ha engañado a ambas, pero en el camino disfrutamos de diálogos ingeniosos y una atmósfera divertida.

El cortometraje es un buen ejemplo del estilo único de Godard y muestra su habilidad para crear una narrativa interesante con pocos recursos.

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La novia vestía de negro(1968)

La historia sigue a Julie Kohler, quien, tras un intento de suicidio frustrado por su madre, decide vengarse de los responsables de la muerte de su esposo. Con una lista negra, se embarca en una búsqueda de retribución, cambiando su identidad para seducir y eliminar a cada uno de los culpables.

Truffaut hizo esta película como un homenaje a su héroe del cine, Alfred Hitchcock. Algunos podrían decir que se parece mucho a las películas de Hitchcock, y aunque eso es cierto en parte, con la cinematografía a color, los encuadres y los trajes que a veces son tan hitchcockianos que casi parece una obsesión. Otras escenas son totalmente Truffaut, más al estilo de la Nueva Ola Francesa. Es una mezcla interesante que resulta en un gran éxito estético.

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Cero en conducta (1933)

Es un gran ejemplo de contar una historia con la cámara, no solo mostrándola.

La película sigue siendo esencial por su cinematografía innovadora y a veces impactante por los paneos que sustituyen los cortes, las tomas en movimiento en medio de la acción, los ángulos elevados que capturan el movimiento de los niños revolucionarios. Pero lo más destacado es la revuelta climática, representada en una magnífica escena de cámara lenta con plumas de almohadas cayendo como nieve sobre los "rebeldes" en el dormitorio.

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Roma, ciudad abierta (1945)

Esta pelicula tiene una perspectiva interesante sobre los efectos de la invasión alemana desde diferentes ángulos. La atmósfera que crea es poderosa y única, con una gran amplitud tanto en la presentación de la historia como en el valor de producción de las escenas.

El casting es maravilloso y los personajes están bien desarrollados. El diálogo es solido y profundo en ocasiones. La cinematografía es excelente, con un uso impresionante de la iluminación que da una sensación íntima a muchos momentos. La producción y los trajes también destacan por su calidad. Y la historia te atrapa con giros inesperados.

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À propos de Nice (1930)

Un cortometraje innovador de uno de los grandes directores franceses previos a la Nouvelle Vague, "À propos de Nice" es posiblemente el recorrido cinematográfico más artístico jamás realizado.

Vigo muestra una sutil crítica social en "À propos de Nice", donde, bajo la aparente alegría festiva, se esconde una sátira de la clase alta de Niza. Esta crítica puede pasar desapercibida al principio, pero se hace más evidente con un segundo visionado.

Su enfoque calmado y objetivo al condenar los excesos de la sociedad durante la Gran Depresión puede sorprender a los espectadores y hacer que pierdan el verdadero significado de la película.

Esto demuestra el talento de Vigo como director. Para comprender completamente la película, es esencial leer el ensayo de Vigo "Hacia un cine social".

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Toni (1935)

Esta película francesa es en blanco y negro y presenta un diálogo simple pero poderoso para la época. La actuación tiene un aire teatral pero también cinematográfico. Se observa un paralelismo entre la primera y la última escena con el tren, lo que sugiere que el lugar y la idea de libertad son una trampa, y el destino de Toni podría repetirse con otro inmigrante.

Hay muchos paneos de cámara que nos muestran el paisaje, y las canciones nos guían en las transiciones entre los puntos de la trama. Toni trata mal a Marie; él quiere estar con Josefa. Albert no sabe aceptar un no como respuesta, y desafortunadamente Josefa se casa con él y tienen un hijo. Demuestra ser un marido y padre horrible, incluso se refiere a su hijo como "bestia".

La película utiliza la luz para retratar diferentes emociones, como después del funeral de Sebastian o el intento de suicidio de Marie, donde la luz es más tenue. La edición durante el momento en que Marie intenta ahogarse mantiene la presión alta.

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Taris (1931)

Este cortometraje podría ser solo un tutorial de natación con el nadador olímpico francés Jean Taris, pero Jean Vigo le da un giro totalmente innovador. Usa técnicas como primeros planos, cámara lenta y hasta tomas en reversa para darle un toque único.

Incluso al final, Taris sale caminar sobre el agua con su abrigo que se disuelve en la alberca. Es este tipo de creatividad lo que hace que este documental tenga estilo y vida.