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El palacio de Wilanów en Polonia es un ejemplo claro de la arquitectura Barroca. Se puede notar la inspiración en el clasicismo renacentista pero la ruptura con el equilibrio clásico es evidente, incluso después de las modificaciones que se le han hecho a la edificación a lo largo del tiempo. Además a simple viste se puede ver una de las características del arte Barroco en general: la exuberancia decorativa. 

Ostrowski, J. (2011). El arte polaco del Renacimiento al Rococó. Madrid: Universitätsbibliothek Heidelberg. Recuperado de http://archiv.ub.uni-heidelberg.de/artdok/3002/1/Ostrowski_Jan_K_El_arte_polaco_2011.pdf

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El realismo holandés es una de las corrientes más destacadas que se manifestaron durante la época del Barroco. Los protagonistas de estos cuadros son tomados de los alrededores del mismo artista, no hay una idealización de nada, a diferencia de las obras religiosas del Renacimiento italiano o la Edad Media, son cuadros absolutamente basados en la realidad. ‘’Mujer de un pescador oteando el horizonte sobre una duna’’, de Jozef Isräels, uno de los mayores representantes del Realismo, muestra la escena de uno de sus temas más representados: los pescadores. 

Isräels, J. 1900. Mujer de un pescador oteando el horizonte sobre una duna. Óleo sobre tabla. Recuperado de: https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/israels-jozef/mujer-pescador-oteando-horizonte-sobre-duna

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Caravaggio es uno de los principales representantes del realismo en el Barroco. Es evidente que los defectos ya no se esconden, las arrugas se ven claramente, como la llaga en las costillas de Jesús. La luz y el color tienen un especial tratamiento que exalta las figuras, y en las ropas se nota el movimiento, no son figuras rígidas. 

Caravaggio. 1600-1604 aprox. Descendimiento de la cruz. Óleo. Recuperado de: http://www.museivaticani.va/content/museivaticani/es/collezioni/musei/la-pinacoteca/sala-xii---secolo-xvii/caravaggio--deposizione-dalla-croce.html

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La inmaculada Concepción de Aranjuez de Bartolomé Esteban Murillo es un claro ejemplo del naturalismo implementado durante el Barroco. Las formas se muestran de una forma absolutamente real y los defectos no se esconden. El uso de la luz es importante, hay un juego de color y sombras que exalta la escena de la ascensión de la Virgen. Y aún más evidente es la expresividad en la cara de esta, característica muy importante también para los pintores del Barroco. 

Murillo, B. 1675. La inmaculada concepción de Aranjuez. Óleo. Recuperado de: https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/la-inmaculada-concepcion-de-aranjuez/aa4580d5-7c28-45de-a9a2-03073e3cbac5

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(El Siglo XVIII ).Daniela Tarabra. Página 39. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (1747)Giovanni Paolo Panini.

Fiesta en el Teatro Argentina de Roma para las segundas nupcias del delfín de Francia

En esta pintura se puede detallar la profundidad y grandeza intimidante de los teatros de la época del Rococó. Muy comunes son los grandes candelabros que cuelgan del techo, siendo ostentosos y cargados de cristales. En esta obra se puede observar como se popularizo el teatro en la época, y como los escenarios de este lugar eran igualmente pensados y detallados para que no se dejara un espacio sin significado alguno. 

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(El Siglo XVIII ).Daniela Tarabra. Página 24. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (1732) Pietro Piffetti y Francesco Ladatte.

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Mueble de dos cuerpos

Durante este Periodo de Rococó, ni los objetos más cotidianos se quedaban atrás en la exageración, ya que los artistas buscaban llenar simples muebles de relieves con figuras que se asemejan mucho a cosas como flores. Los espejos eran bastante comunes en la época, por comunes hago referencia a que se veían mucho como si la vanidad fuera lo más importante del mundo, lo cual para el tiempo lo era. Se puede detallar como las patas tienen un movimiento placentero y también como sus terminaciones son exageradas en decoración.

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(Historia Universal del Arte Hispánico: Esculturas Góticas ). Durán Sampere. Página 109. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (1226-1493) N/A.

Catedral de Toledo: Puerta fachada del Reloj

Lo que esta imagen resalta la grandeza de dichos marcos para puertas, y la profundidad de estas ya que la puerta no se encontraba nunca al mismo nivel de la pared si no que se hacían hundidas. También se puede ver claramente que los arcos de las puertas se hacían más o menos 4 veces más grandes de lo que era la puerta en realidad. En la parte inferior de la foto se puede ver la puerta real.

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(Historia Universal del Arte Hispánico: Esculturas Góticas ). Durán Sampere. Página 50. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (S. XIII) N/A.

Catedral de León: Tímpano y Dintel de la Portada Principal

Las esculturas góticas son en su totalidad representaciones de la religión extrema, en esta imagen se puede detallar el relieve de las esculturas, y como le meten también objetos como instrumentos y el ropaje de las personas es bastante detallado. A parte de todos los humanos en estas esculturas, en esta imagen se puede ver de cerca los detalles de los relieves en las partes de la pared donde no hay ninguna escena ocurriendo. En la parte inferior de la imagen se ven estas flores delicadas que dan la idea de que no querían dejar ni un pedazo sin decoro.

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(El Siglo XVIII ).Daniela Tarabra. Página 10. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (1734-1739) François de Cuvilliés.

Salon de los Espejos en Amalienburg, Munich

De este tipo de salones se saca mucho lo que era el Rococó, donde lograban que los colores fueran bastante brillantes y que combinarán. En esta imagen se puede notar el nivel de detalle en los relieves de las paredes, y como gracias al mismo color la luz es más brillante en la habitación.

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(The Controversy of Renaissance Art ). Alexander Nagel. Página 209. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (1506) Lorenzo Vechietta.  

Sacrament Tabernacle

En las iglesias y catedrales se hacían grandes altares de adoración a dios, los cuales se ornamentaban mucho con decoraciones y se ponían en lugares específicos que los hiciera ver grandes con ayuda del fondo y el espacio a su alrededor. En el fondo de estos altares se utilizaban imágenes representativas del cielo como los angeles y los santos. La luz en la parte superior del altar se interpreta como Dios mismo.

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(Historia Universal del Arte Hispanico: Esculturas Góticas ). Durán Sampere. Página 31. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (1221-) N/A.

Catedral de Burgos

Durante la época gótica la decoración en la catedrales se basaba en exceso de esculturas, en su gran mayoría personas, en las entradas de las iglesias o catedrales. En esta época hacían sus obras muy recargadas, como se puede observar en la imagen casi no hay espacio para meter algo mas, algunas partes como por ejemplo el triángulo “redondo” en la parte superior de la puerta es una especie de narración o de una escena mientras que el resto son santos o ángeles sin interacción alguna.  

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El Cristo Muerto

Nuevamente se ven las relaciones con la Biblia de la época del renacimiento, pero algo que es mas notable de lo normal en esta es la forma en como se contrastan los colores oscuros y los brillantes, dejando claro que es espacios negativo de menos importancia y quien es el centro de la obra, siendo en este caso Cristo y los ángeles al rededor de el, como se ve en la pintura sus pieles son pálidas resaltando en el negro del espacio y sus prendas de colores que aunque resaltan no lo hacen lo suficiente para opacar a los cuerpos humanos.

(The Controversy of Renaissance Art ). Alexander Nagel. Página 96. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (1526-27) Rosso Florentino.

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(The Controversy of Renaissance Art ). Alexander Nagel. Página 69. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (1505) Giovanni Bellini.  

Virgin and Child with saints Peter, Catherine, Lucy, and Jerome.

Esta obra de la época del renacimiento usa la misma técnica de difusión en los bordes que le da más volumen a las figuras humanas, y también se puede observar una profundidad de imagen que da la impresión de estar en tercera dimensión que es dado por el marco del cuadro, que al ser columnas reales ayudan con la ilusión. De este periodo se saca mucho la religión como inspiración, la imagen de la virgen con el niño son muy comunes.

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Mona Lisa

Una de las obras más reconocidas a nivel mundial, que fue pintada en la época del renacimiento es la clara muestra de lo que se desarrolló en el renacimiento como los bordes difuminados que le dio más profundidad y vida a las pinturas. Esta técnica fue desarrollada por Leonardo Da Vinci, quien fue la cara representativa de esta época. En la pintura se puede tener un conflicto de entendimiento respecto a si la mujer de la pintura está sonriendo o esta seria, lo que llevó a hacerla más reconocida dado que se interpreta esta como la sonrisa más real o más sincera que se pudo haber pintado en la época.

(The Controversy of Renaissance Art ). Alexander Nagel. Página 33. Universidad de los Andes, Biblioteca General Ramón de Zubiría. (1503) Leonardo Da Vinci.

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Esta es una ilustración en tela ubicada en Londres que data del siglo XII d.c. y representa el Descenso de Cristo a los Infiernos. La característica más importante de esta obra es el tamaño colosal de Cristo, tan grande que tiene que inclinarse para caber dentro del marco. Es interesante que a comienzos de la Edad Media, el tamaño grande era un símbolo de maldad, pero esa concepción se vuelve volátil y pasa a poder representar poder. Nuevamente, el realismo no es importante, sino el éxito en la comunicación del sentimiento del autor. 

(Representing Christ as a Giant in Early Medieval Art). William Travis. Página 169. JSTOR (http://www.jstor.org.ezproxy.uniandes.edu.co:8080/stable/pdf/1482979.pdf?refreqid=excelsior%3Aef39ad8ca8597acdde3a228dc4935123). (1999). Autor desconocido.

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Esta es una estatuilla de madera llamada ‘’Virgen entronada e infante’’ hallada en Francia y data del siglo XII d.c. Su tamaño y su peso sugieren que la movilidad era algo importante para este tipo de obras, tal vez para llevarlas a labores de evangelización. Su composición no es una copia fiel de la realidad, y sirve como un puente para el espectador entre sus nociones conocidas del mundo terrenal y el inalcanzable mundo divino. 

(Bulletin (St. Louis Art Museum), New Series, Vol. 20, No. 3, Medieval Art). Judith Walker Mann. Página 4. JSTOR (http://www.jstor.org.ezproxy.uniandes.edu.co:8080/stable/pdf/40716305.pdf?refreqid=excelsior%3A5395ed866283103ca257fde35b342ed1). (1992). Autor desconocido.

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Esta imagen fue tomada de un libro de coros de finales del siglo XIII en Italia, y representa una imagen del Apocalipsis. De nuevo se evidencia el propósito de la obra: enseñar y edificar a los creyentes del medioevo por medio de la ilustración basada en los hechos de la Biblia. No es una copia fiel a los relatos, y está intervenida por la interpretación del autor. Tampoco se preocupa por mostrar los cuerpos humanos con proporción y realismo, simplemente busca comunicar una historia.

(Bulletin (St. Louis Art Museum), New Series, Vol. 20, No. 3, Medieval Art). Judith Walker Mann. Página 48. JSTOR (http://www.jstor.org.ezproxy.uniandes.edu.co:8080/stable/pdf/40716305.pdf?refreqid=excelsior%3A5395ed866283103ca257fde35b342ed1). (1992). Autor desconocido.