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Tensión y simbolismo

Voy a sonar como un excéntrico Judas teatral pero verdaderamente el impacto que tuve en nuestro momento fue mínimo, de haber podido aportar a este más el momento hubiese terminado, en mi humilde opinión, como un ejemplo de qué hacer en lugar de que evitar. ¿ Por dónde empezar? Desde el hecho que el juego del cuchillo y los dedos no crea tensión por si mismos, hasta el hecho de que el build-up que teníamos con el corazón falló, al hecho de que se intentó tener este contraste de dos acciones solo para que no funcionara ni una ni la otra. En lo que está finalmente rota nuestra escena son dos cosas: pacing y clutter. Veamos pacing primero, el juego empieza rápido, y va subiendo de ritmo lento pero lo suficientemente rápido para perder interés y confundir a la audiencia, segundo el juego de staring es tan "pasivo" que el juego de los dedos distrae mucho y no podemos darnos cuenta del paro al final. Pasemos a clutter: había demasiados elementos en escena, el corazón y los juegos, el juego de los dedos no se veía pero aun así había ruido visual por los movimientos sutiles de hombro y manos, mientras que también el corazón requiere nuestra atención pero no ames de que el juego de miradas llame a la mirada. Hay muchas cosas en escena lo cual no ayuda a crear tensión pues no es posible el concentrarse en algo lo suficiente para que exista este investment, el pacing no crea tensión pues es muy rápido en partes que no debería ser (el principio ) y lento donde no debería (el final) y esto evita el desarrollo de ese pseudo estress que caracteriza a la tensión. El momento de Ricky, André y Diego fue simbolismo, fue corto y sencillo lo cual dio más impacto, menos es más. La cinta y los movimientos de Ricky funcionan y se complementan por lo inorgánicos que pueden llegar a ser estos acompañados por la cinta. La falta de palabras ayuda también a que la audiencia le de el símbolo que quiera. Es corto, al punto y con movimientos complementarios, esto lleva al desarrollo de un buen simbolismo.

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A.T.E.S

Atmósfera: Los miserables, la canción de apertura. En las piernas colocaron maquinas de  humo posteriormente entraron los convictos entraron, todos agachados y caminando muy cerca al suelo mientras los guardias se paran de manera recta. La música comienza con trompetas y sonidos fuertes acompañados por las voces de los prisioneros, el coro unisono de voces graves. Sentí que esta escena daba un atmósfera de opresión, todos los prisioneros pegados al piso, el humo obstruyendo la visión del resto del escenario y la música tan fuerte hasta abrumadora te dan la sensación de un lugar agresivo, fuerte y opresivo.

Tensión: Venganza sutil, silencios incomodos. En esta obra de mi teatro la audiencia está en un cuarto pequeño donde hay un prisionero quien, mientras esperamos a que llegue la protagonista, hace pequeños movimientos, respira agitadamente, no deja de temblar, está encadenado sin levantar la cabeza. El cuarto está con baja iluminación y antes de entrar se le dice a la audiencia que estará con un hombre peligroso en cadenas, los asientos están a 30cm a 1.30m  de distancia del prisionero. Creo que esto crea tensión debido a que primero te dan la advertencia, luego te meten a un cuarto pequeño con baja iluminación y decrepito, posteriormente ves al hombre rapado con esposas temblando, moviéndose, respirando agitadamente y considerando tu corta distancia (y francamente el hecho de que no sabes si el teatro es interactivo y siguiente que sabes tienes a alguien gritándote en la cara) crean una atmósfera de estrés y tensión para la audiencia

Emoción : Cats, luna. Cats es un musical muy enérgico, lleno de colores, saltos y siempre lleno de personajes en el escenario. Sin embargo en la canción de  Brillo de luna que canta Grisabella las luces se apagan, hay un cañón de seguimiento, los actores o se van o se hacen a los lados para no atraer atención y solamente se notan los colores del gris disfraz de Grisabella. Esto, junto con la balada de Brillo de Luna crean una emoción de tristeza.

Significado:Zorrubela: El despertar de Monterror, La vela. Cuando la protagonista comienza a contar sobre la vida de su hermana ella prende la vela, esta se mantiene encendida durante el relato, cuando la secuestran Zorrubela abanica la flama la cual casi se apaga y cuando la encuentran muerta, Zorrubela apaga la vela.  Esta vela significa la vida de la hermana de Zorrubela (fue el unico significado que encontre)

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Journal 1 Podcast

1. Identifica 3 cosas que te llame la atención de la vida de Julie Taymor pero que esté relacionado con su trabajo artístico. Es necesario incluir una explicación para cada una. Para hablar de la vida de Julie Taymor es necesario hacer una línea de tiempo, comienza como una niña quien tenia demasiado tiempo libre ya que sus papás eran permisivos y trabajaban. Ella entró al teatro de joven pero se dio cuenta que no le darían papeles que ella quería lo cual la empujo a tomar más el rol de directora puesto que quería imprimir su visión en lugar de interpretar personajes que no quería. Ella pasa a trabajar en Indonesia y Java y se da cuenta de los distintos paradigmas teatrales, así como el teatro de títeres, la ritualizacion de las presentaciones y como quienes presentaban el teatro hablaban de lo que querían así que creo una compañía que seguía esta filosofía de trabajo “libre” siendo ella la líder quien mostraba lo que ella quería ver en el teatro mezclando técnicas americanas con indonesias, así como el rechazo de una sola categoría, considerándose ella una creadora y diseñadora además de la directora. Esto nos lleva a su presentación del rey león, ella dice que con el dinero que recibió de regalías se puede dar el lujo de presentar lo que quiera en escena en otras obras y hacer más experimentación en su estilo de dirección sin “tener que darles lo que quieren” a la audiencia. 2. Explica cómo su vida ha influenciado el tipo de trabajo que hace. Su viaje a Indonesia fue una de las mayores cosas que impactaron su estilo de trabajo, el hecho de que el teatro índoles permita que una persona tome muchos roles de creador, encajo con la personalidad de Taymor, quien debido a su infancia y la forma en la que la criaron tiene una visión muy “libre” de la vida y en especial del teatro y como se define este, es esta mezcla de culturas así como su propia naturaleza que lleva a que su trabajo tanto de diseño como creación y dirección tienda a buscar romper ciertos paradigmas. Podcast:National Theater De las partes que entendí La directora se muestra que aunque no seas la demográfica de una pieza aun te puedes conectar a ella y enfoca su puesta en escena los sucesos actuales así como en los posibles sentimientos no dichos de los personajes, a diferencia de Taymor cuyo estilo es más físico el de esta directora es más psicológico y emocional que se inspira en lo que pasa alrededor de donde se va a presentar la obra.

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Obra leida Brothers Grimm Speculaton

Obra leída 1. ¿Cuál es la información principal de la obra? (título, época y lugar en el que se escribió, nombre del escritor, primera representación). The brothers Grimm speculaton de Don Zolidis escrita en 1999 y fue presentada en Inglemoor High School Kenmore en enero 18 del 2000. 2. ¿De qué trata la obra? En esta obra se intentan meter la mayoría de las obras de los Grimm comienzan rompiendo personajes con los actores siendo actores, luego proceden a actuar Rumpelstiltskin seguido por Rapunzel, Hanzel y Gretel una historia de cangrejos, el príncipe sapo Blancanieves y caperucita roja todas narradas de forma cruda y con la menor cantidad de diálogos posibles. Hay un personaje recurrente que es el demonio quien discute y arregla así como acelera partes de la obra. 3. ¿Qué crees que se quiso decir con este texto? El texto quiso decir que las historias del pasado tienden a ser repetitivas y messed up así como que el mensaje de una historia puede siempre ser condensado. 4. ¿Qué te hace sentir (considera todos o algunos de los 5 sentidos) la obra o momentos de ésta? La obra es tan rápida que leer las partes donde los narradores discuten desespera y agita por que sientes que estás perdiendo tiempo 5. ¿Te gustó la obra? La obra me gusto por que utiliza lenguaje corto, rompe la cuarta pared , es meta y es self aware al momento de darse cuenta de los mensajes de las historias

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Obra Leida “ Bedtime stories (Told by our dad) (who messed them up)

La obra se llama Bedtime Stories (As told by our dad)(who messed them up), fue escrita por Ed Monk el 3/22/2016 y se presentó por primera vez el 06/22/2016 por North Georgia Community Players. 

Un papá tiene que contarles historias para dormir a sus hijos por que la mamá de los niños, quien está embarazada, no puede. Entonces cuenta tres historias, una para cada hijo. La primera es la historia de la princesa y el guisante, una reina que ya no quiere hacer sus deberes decide irse a Las Vegas, sin embargo no puede irse a menos que su hijo se case y vuelva rey. Entonces ella decide casarse pero a él no le gustan las mujeres que le dan a escoger (el príncipe dice que es denigrante para ellas). La reina pierde esperanza hasta que una mucama le regresa una moneda  y muestra que es muy honesta, acto seguido la entrenan para volverla una princesa. El príncipe decide hacerle un examen para ver si es una princesa poniendo una caja de guisantes bajo su colchón para que no duerma. La princesa se duerme sin embargo los ronquidos del príncipe afuera la despiertan y pasa el examen. La siguiente historia The Boy who cried Dinosaur, un pastorsito ve un dinosaurio, llama al pueblo y no le creen, vuelve a verlo y no le creen otra vez esto se repite hasta que el dinosaurio engaña al pastor y se roba las ovejas.El último cuento es Rumpelstiltskin, este cambia a una chava cuya madre la cambia por una vaca diciendo que cambia el oro a paja.El príncipe la encierra en un cuarto para que ella convierte todo el oro en paja, si no lo hace la matara. En eso se aparece el de la limpieza, Rumpelstiltskin y se roba el oro dejando paja y diciéndole a la chava que lo hace por pie, ella no tiene así que le promete su primogénito, en prisa Rumpelstiltskin dice que si, la siguiente noche pasa lo mismo  y el príncipe y la chava se casan. Pasa el tiempo y ella le da su hija a Rumpelstiltskin el le dice que no la quiere así que le dice que si adivina su nombre le regresa la hija, acto seguido pide pizza hut para que el repartidor diga su nombre y la chava lo adivine.Al final el papa se duerme y los niños lo siguen molestando.

Creo que la obra refleja cómo las historias cambian de persona en persona y manera en la que la memoria tiende a cambiar detalles de manera que el significado o mensaje de algo cambia. También creo que es propaganda para convencer a la audiencia de no tener hijos debido a que son los personajes más molestos he infernales que cualquiera pueda leer.

La obra me hace sentir molestia, juraría que puedo escuchar a los niños gritan y físicamente me dolió la cabeza leyendo esto.

Ame el lenguaje y referencias que hacen en los cuentos pero odie cada segundo de los momentos en familia por lo molesto que escribieron a los niños.

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Obra Leida “The Seussification of Romeo and Juliet”

The Seussification of Romeo and Juliet, fue escrita por Peter Bloedel en 2014, fue presentada por primera vez el 4 de diciembre del 2014 en Fort McMurray Composite High School, Canada.

La obra trata de la pelea de las familias Monotone y Capitulate, estas familias comienzan una pelea debido a que los Monotone tienen una O en el estómago y los Capitulate una X. Ambas familias tienen hijos, los Capitulate tienen a Romeo y los Monotone a Juliet, estos jóvenes se enamoran y para el final del acto 1 se casan. Posteriormente Tybalt, miembro de la casa Capitulate asesina a Mercurio,un amigo de Romeo, Romeo prosigue a accidentalmente matar a Tybalt lanzando una daga(a la cual llaman bumballon y como prop es un globo) hacia atrás al intentar quitarsela a Mercurio del pecho, el príncipe destierra a Romeo a Verona y a Julieta se entristece porque  Romeo asesinó a su primo Tybalt. Lord Capitulate (padre de Julieta) forza a Julieta a casarse con Paris, ella se come Death Faking Nuts, nueces que hacen que parezca muerta. El monje que le da las nueces le manda un mail a Romeo sin embargo él no lo recibe porque su computadora se rompe la ve cree que está muerta y se suicidó comiendo una Authentic death cracker (galleta de la muerte) muere y cuando Julieta se despierta está tan triste que tambien come la galleta y muere.Finalmente las familias se vuelven amigas por la muerte de ambos jóvenes y sales a hacer actividades en grupo como esquí o peleas de lodo.

Lo que la historia y el texto quiere decir que Shakespeare es complicado, así como el hecho de que seria más fácil disfrutarlo con lenguaje coloquial también que el mismo mensaje de una historia tan trágica aún puede ser transmitido inclusive por lenguaje simple y comedico.

La obra me hace sentir feliz, es surrealista, esta llena de puns. El uso de rimas y el ritmo tan único hacen que durante la obra escuche las líneas de forma cantada,

La obra me gusto por el uso de lenguaje coloquial, la ocasional grosería y el uso super intenso de puns.

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Obra leída “Deathtrap”

La obra se llama Deathtrap, fue escrita por Ira Levi, fue publicada en N.Y en 1978. La primer presentación fue el 26 de febrero de 1978 en The Music Box Theater en Nueva York.

La obra trata de un escritor de teatro famoso quien hace historias de Thriller y asesinatos, cuando uno de sus estudiantes le manda su primer obra él comienza quejándose y diciendo a su esposa como la obra es perfecta y está celoso. Entonces él hace el plan de asesinar al escritor joven, su esposa lo convence de darle una oportunidad para que trabajen juntos. El escritor, de nombre Sidney, entonces decide invitarlo a su casa, el nuevo autor acepta y después de hablar se rehusa a trabajar con Sidney, a lo cual este se molesta y  utilizando tanto lo que sabe de asesinatos como unas esposas de Harry Houdini logra matar a Clifford (el escritor nuevo)

Lo que creo que quiso decir el texto es que los escritores de esa época estaban apresurados a escribir contenido a un punto de desesperación y también siento que es una crítica a cómo la sociedad ha romanizado la idea del asesinato al punto que se considera la primera opción para resolver un problema. 

Cuando establecen la oficina de Sidney, puedes sentir el olor a puro y cenizas de la chimenea así como el sonido del hielo golpeando un vaso de vidrio con licor. Creo que es el hecho de que a Sidney se caracteriza como un escritor viejo y al estilo 20’s. En general la obra no me hace sentir mucho, es la descripción de escenas que me hace imaginar debido a que la manera en la que se caracterizan los personajes da una atmósfera de película.

Me gusto la obra, porque al final Clifford sabe que lo van a asesinar, e inclusive se burla de eso con Sidney quien sin más pasa a asesinarlo.

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“Ya no me quieras tanto” Obra vista: prueba

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Obra vista“Ya no me quieras tanto”

La obra se llama Ya no me quieras tanto, fue escrita por Jorge A. Silva y dirigida por Sergio Esquivel Se presentó el domingo 3 de noviembre del 2019 en el teatro Nena Delgado (Im sorry Mike, I had to)

El tema principal de la obra es el amor y como este evoluciona con la edad, también en cierta forma el tema es la vida en pareja ya que la obra trata de una pareja de que lleva 45 años juntos y de cómo interactúan entre sí.

La historia toma lugar en dos narrativas, los 80 y el presente, en ambos se utiliza el mismo escenario y lugar :El departamento de la pareja. Este departamento está lleno de muebles de madera, mesitas viejas y con figurines de ángeles en cada rincón, un librero y una grabadora/tocadiscos/radio, había una abundancia de fotos y pinturas y de decoración de una casa mexicana ochentera como candelabros y sillas de madera entretejidas. La iluminación era simple, una luz que daba directamente al escenario y un foco tras una pared que indicaba el pasillo a la cocina.Las secuencias de sueños se indican cuando la iluminación se bajaba. La única vez que se utilizó un cañón de seguimiento fue al final cuando los personajes principales se abrazan llorando, todas las luces se apagan y solo queda el cañón el cual también se apaga cuando la protagonista dice “No me quieras tanto, quiéreme menos”.El vestuario de la esposa fue algo que cualquier mujer de más de 60 en monterrey usaría. Vestidos ligeramente largos de rayas, un camisón para dormir, un vestido estampado, etc. El esposo se mantuvo con dos atuendos únicamente, el traje que utilizaba en los 80 y una camiseta blanca con pants y sandalias con calcetines que utilizaba en el presente. La vecina se vestía con camison y sandalias (también con calcetines), el plomero se vistió de plomero ( inclusive tenia cinturon con herramientas) y el hijo que la esposa se imaginó usaba traje. Como era de esperarse la actuación mayormente era exagerada y fársica sin embargo en escenas importantes como cuando la esposa lamenta no tener hijos o cuando se abrazan al final de la obra verdaderamente se puede ver esfuerzo y realismo ya que estas escenas son fuertes y sienten no muestran tristeza.Siento que lo que se quiso decir es que el amor nunca se acaba, que no cambia y que una pareja siempre se va a querer por las buenas o las malas y creo que la escenografía ayuda a sostener esa idea ya que en los +20 años que transcurren en la obra el apartamento sigue igual, no se vuelve ni más ostentoso ni menos arreglado en cierta forma refleja el estado de la pareja y de su relación que después de 45 años sigue igual.En esta obra vi una caricatura exagerada y fársica de la relación de mis papás, es decir vi la relación de mis padres en la obra, los personajes pelean por muchas cosas (algunas inclusive absurdas) pero al final del día se amaban y siento que hasta cierto punto reflejaban a cómo son mis papás y como podrían ser en un futuro.

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“Sueño de una noche de canícula”Reporte

La  obra se llama “Sueño de una noche de canícula”, la presentaron alumnos del Tec. Es una adaptación de la obra de William Shakespeare y fue dirigida por David De la Garza Villarreal.

La obra se presentó el domingo 20 de octubre del 2019 en el Auditorio Luis Elizondo.

El tema principal de la obra es el amor ya que la historia trata de los problemas que sufren los personajes debido a esta y como se puede manipular el amor tan fácilmente.

La decoración fue la mejor parte de la obra, era una decoración de ambiente postapocalíptico así que lo que había de escenografía y fondo consistía en un desierto árido, una carretera destruida y paredes de concreto. La vestimenta consistía en ropa común pero sucia, desgarrada y generalmente piezas que no combinaban así como cuero, mucho cuero y cinturones. Esto fue siguiendo la estética(?) (aesthetic) de un apocalipsis al estilo mad max. El trabajo de los actores difiere considerablemente del de los actores de comedias musicales como School of Rock, es decir que a pesar de tener que hablar en versos shakesperianos aun así lograron mantener en cierta forma sentido de realismo. A lo que me refiero es que aunque anunciaban líneas destinadas a ser sobre exageradamente dramáticas, podrás ver el trabajo de los actores al mantener un sentido de la verdad donde se trabajaba la voz y sentían en lugar de mostrar. La iluminación se mantuvo obscura, es decir una luz de color morado se dio a la tarea de envolver el escenario mientras que ocasionalmente luces amarillas eran enfocadas en los actores. Mayormente esta luz dio a entender que la obra sucedía de noche. No puedo decir con certeza cual creo que fue la intención del director, sin embargo creo que el cambio de escenografía y vestimenta mientras que se mantenía la obra mayormente intacta fue una manera del director de decir que las historias y escritura de shakespeare así como sus mensajes son atemporales y que una historia puede tomar lugar en cualquier lado. Claro que si nos vamos a un análisis más profundo, podemos ver como el texto nos dice que, de acuerdo a mi interpretación, el humano vive en un desesperado estado de búsqueda por amor y compañía, esto se ve debido a que los personajes principales buscan el encontrar y unirse con su pareja. Inclusive la obra de Tisbe y Píramo en el prólogo es muestra de esto. Si es que el director entendió esto, su uso de la escenografía hace aún más fuerte este mensaje, en la obra original los personajes solo deben preocuparse por encontrar pareja y en el universo que propone el director la situación cambia, en esta situación postapocalíptica los personajes deberían de preocuparse sobre si encontraran comida, refugio o siquiera si podrán reconstruir la civilización sin embargo en lugar de enfocarse en estos asuntos de vida o muerte escogen como prioridad el amor. Si esto no refleja el mensaje de que el humano busca desesperadamente el amor a toda costa, no sé que lo hace.

Verdaderamente no me relacione mucho con la obra, excepto con el personaje de Puck (shocking, I know) el personaje es un bromista y habla demasiado, se equivoca en cosas muy simples y niega equivocarse, sino argumenta que la instrucción se le dio mal o fue poco específica, en si vi una versión mía amplificada

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Plan

Dia 1 (Quiero trabajar en Entonación, afinación y resonadores) 5 min Calentamiento: Este es un ejercicio corto y rápido para calentar. Consiste en sostener la mandíbula inferior e intentar llegar a la nota más alta posible sin abrir la boca ni mover los músculos de la mandíbula.(Ejercicio: https://www.youtube.com/watch?v=wCoJt29cYUc) 5 min Calentamiento : Ejercicio de Bostezo: Abrir la boca lo mayor posible y producir una nota. Repetir este ejercicio por los 5 minutos alternando entre las notas desde do a si. 5 min Raspberry: También conocidas como trompetas este ejercicio consiste en expulsar aire por la boca con los labios cerrados. 15 min Respiración : Según el sitio Vocal training international Este ejercicio es idóneo para la respiración y cómo mantenerla estable: Lo que tienen que hacer es pararse con los brazos extendidos hacia abajo y con las palmas de las manos abiertas viendo hacia adelante. También es importante que tengan la boca abierta durante todo el ejercicio aunque saquen el aire por la nariz para que no se tensen. Una vez que están en posición con las piernas abiertas al nivel de los hombros, entonces va a subir los brazos como si fueran un sol que va saliendo hasta que las palmas de las manos se junten arriba de su cabeza como si fueran egipcios. Desde que están abajo hasta que suben los brazos tienen que contar 10 segundos lentos mientras toman aire. Cuando están en el segundo 1 en teoría no tienen aire en los pulmones, y cuando llegan a 10 están completamente llenos. Entonces hay que aprender a dosificar la entrada de aire en esos 10 segundos. Pero lo más, más, más importante es que expandan sus costillas lo más que puedan mientras suben. Una vez que están sus palmas juntas arriba van a detener el aire y lo van a aguantar otros 10 segundos igual que como contaron los primeros. Y después viene lo interesante. Van a bajar los brazos sacando el aire de forma dosificada de la misma manera en como los subieron, es decir, en forma de sol pero al revés, ahora van para abajo. Lo importante y aquí es donde hay que poner atención, es que “las costillas no regresen a su posición y se mantengan abiertas”.(https://www.vocaltraining.com.mx/blog/ejercicios-de-respiracion-para-cantar) 15 min Afinación: Utilizando el piano voy a tocar cada nota y repetirla con mi voz, consecutivamente subire de escala. Planeo repetir este ejercicio dos veces: Primero diciendo cada nota y segundo sin mencionarlas. 15 min Resonadores: Voy a seguir este ejercicio que consiste en entonar con la boca cerrada una nota y cambiarla de octavas para trabajar los resonadores diferentes necesarios para interpretarlas.http://www.myvoiceexercises.com/how-to-improve-voice-resonance/ Dia 2(Este dia me quiero enfocar en Astrajinga y su voz) 5 min Calentamiento: Este es un ejercicio corto y rápido para calentar. Consiste en sostener la mandíbula inferior e intentar llegar a la nota más alta posible sin abrir la boca ni mover los músculos de la mandíbula.(Ejercicio: https://www.youtube.com/watch?v=wCoJt29cYUc) 5 min Raspberry: También conocidas como trompetas este ejercicio consiste en expulsar aire por la boca con los labios cerrados. 10 min Respiración : Según el sitio Vocal training international Este ejercicio es idóneo para la respiración y como mantenerla estable: Lo que tienen que hacer es pararse con los brazos extendidos hacia abajo y con las palmas de las manos abiertas viendo hacia adelante. También es importante que tengan la boca abierta durante todo el ejercicio aunque saquen el aire por la nariz para que no se tensen. Una vez que están en posición con las piernas abiertas al nivel de los hombros, entonces va a subir los brazos como si fueran un sol que va saliendo hasta que las palmas de las manos se junten arriba de su cabeza como si fueran egipcios. Desde que están abajo hasta que suben los brazos tienen que contar 10 segundos lentos mientras toman aire. Cuando están en el segundo 1 en teoría no tienen aire en los pulmones, y cuando llegan a 10 están completamente llenos. Entonces hay que aprender a dosificar la entrada de aire en esos 10 segundos. Pero lo más, más, más importante es que expandan sus costillas lo más que puedan mientras suben. Una vez que están sus palmas juntas arriba van a detener el aire y lo van a aguantar otros 10 segundos igual que como contaron los primeros. Y después viene lo interesante. Van a bajar los brazos sacando el aire de forma dosificada de la misma manera en como los subieron, es decir, en forma de sol pero al revés, ahora van para abajo. Lo importante y aquí es donde hay que poner atención, es que “las costillas no regresen a su posición y se mantengan abiertas”.(https://www.vocaltraining.com.mx/blog/ejercicios-de-respiracion-para-cantar) 20 min Este ejercicio explica cómo crear una voz más raspy y utilizarla para hablar y entonar (1:58-3:10)(https://www.youtube.com/watch?v=8l_XW5l-oPI) 20 min Similar al ejercicio de entonación, este se enfoca en replicar las notas producidas por el piano sin embargo me mantendré solamente en las escalas graves durantes estos 20 minutos con el fin de no solo aclimatarme a estas sino también de poder cambiar de tono normal a grave más rápido y natural. Dia 3 (Este es el dia donde junto todo) Debido a la naturaleza activa de Astrijinga y el hecho de que este personaje se caracteriza por una voz fuerte necesito llegar tener mucha energía para dar las líneas. 5 min Palomas: Serie de repetición de palomas por 3 minutos para poder entrar en estado enérgico y despertarme (a este punto del dia solamente tengo energía para irme a mi casa). 15 min Respiración 5 min Calentamiento: Este es un ejercicio corto y rápido para calentar. Consiste en sostener la mandíbula inferior e intentar llegar a la nota más alta posible sin abrir la boca ni mover los músculos de la mandíbula.(Ejercicio: https://www.youtube.com/watch?v=wCoJt29cYUc) 5 min Calentamiento : Ejercicio de Bostezo: Abrir la boca lo mayor posible y producir una nota. Repetir este ejercicio por los 5 minutos alternando entre las notas desde do a si. 10 min Ejercicio de voz raspy. 20 min Quiero combinar la entonación grave que ya trabaje, enfocarme en el resonador del pecho, hacer la voz raspy así hablar juntando estos elementos. Planeo leer en voz alta ya sea cuentos o chistes que se asemejen a las líneas de Astrajinga para familiarizarme con la melodía que utiliza para hablar y de qué forma su voz cambia cuando dice el punchline.

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Reflexion

En la presentación me sentí apresurada pero preparada, siento que necesitaba tiempo y la verdad no sabia como empezar. Siento que también se me olvidaban partes y cuando me acordaba las quería incorporar y eso causo que se volviera un poco confusa la presentación. La información que dije estaba bien y completa sin embargo mi punto débil definitivamente fue la estructura en la que hablaba, saltaba de tema a otra y me regresaba. Mi punto fuerte definitivamente fue la información ya que investigue muchas fuentes, historia, videos, libros y la verdad tenia más información de la que podía decir en 7 minutos sin embargo solamente tenia 7 y no estaba muy estructurada mi presentación.  La presentación está buen pero la “presentación” no. (get it?)

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Wayang Golek

Datos que se:

Wayang Golek es originario de la isla de Java en Indonesia.

Wayang Golek está tradición hermana de Wayang Kulit y Wayang Wong.

Las historias contadas son tradicionales javanesas, islámicas y también épicas Hindúes el Mahabharata y Ramayana.

Al género de historias javanesas tradicionales e islámicas se le conoce como Wayang golek menak y a los géneros de basados en épicas hindúes se le conoce como Wayang Golek Purwa.

El Wayang golek purwa es más popular y conocido alrededor del mundo.

El Wayang golek es un teatro de títeres, estos son 3D y tiene una varilla en el centro que les da soporte así como dos atadas a los brazos para que el titiritero pueda moverlas.

Se que quien controla a los títeres se llama Dalang

El dalang tiene poder sobre todos los aspectos de la función.

Los espectáculos de Wayang Golek son reservados para ocasiones especiales desde bodas hasta bautizos, tambien para eventos religiosos del pueblo.

Existen 5 tipos de titeres.

Los títeres cambian de movimiento, voz,  color y forma dependiendo de qué tipo son.

El dalang y su familia trabajan en el proceso de crear el títere, la cabeza la crea el dalang, el cuerpo los hijos y la ropa la esposa.

La vestimenta de los títeres es vestimenta tradicional de Java.

Datos que asumo:

Los cambios, colores y características diferentes de los títeres se basan en la mitología Hindú. Por ejemplo: Los personajes “malvados” son pintados de rojo con colmillos y ojos exagerados y narices largas, estas mismas características las comparten los antagonistas en las épicas, danzas y teatros Hindú.

El wayang es originario de Java alrededor de los años 800-1500, sin embargo el Golek se creó cuando la invasión islámica por parte de China introdujo los títeres de barras en la forma de los que se conocen ahora.

Datos que no conozco: 

De dónde vienen los payasos, el último de los grupos, no se como funcionan, tampoco las voces que hacen ya que son muy variados, no se cuantos hay, solamente sé que son o están conectados con las deidades.

No se cual es el método del Dalang para controlar mas de 1 titere

No se exactamente si el purwa es el más popular y usado.

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Reflexión

Mi momento privado consistió en una rutina que tengo, la cual es que mientras trabajo, ya sea trapeando o haciendo tarea ,generalmente, me distraigo con una de las canciones al estilo musical que tengo en mi playlist, en ese momento olvidó todo lo demás y siento como si estuviese en escenario presentando esa canción.Por eso para mi es un momento privado  ya que no solo es el hecho de que interpreto mis canciones favoritas, para mi, este momento privado representa el cumplir con mi meta de llegar a broadway, por más far fetched que suene, esa es la razón por la que siento que es privado, no tanto por el hecho de que esté haciendo caras y movimientos elaborados sino que para mi es imaginarme en escenario y visualizarme ahí presentando,  cuando acaba la canción, regreso a mi casa en méxico a terminar mi trabajo. Siento que este contexto es necesario para el análisis de la experiencia de hoy. Al comenzar siento que exteriorice mi nerviosismo muy notoriamente porque más que recrear mi momento estaba inconscientemente dando un espectáculo, lo que quiero decir es que no estaba interpretando mi momento sino más bien fue como imitarme a mí misma cuando hago mi momento en casa pero de manera muy exagerada, se podría decir que cuando comencé di una versión a la commedia del arte de cómo en realidad hago mi momento. Siento que un factor fue que había gente viendo, lo cual como me imagino es el caso de muchos me dio nerviosismo, así que exagere aún más la rutina en un intento de no hacer el ridículo , no fue sino hasta el comienzo de la canción “Be prepared” que me perdí totalmente porque esa es con la que generalmente me voy más rápido. Siento que me energice mucho más y olvide al resto del salón, de la nada ya estaba saltando alrededor de las sillas y visualizando a mi audiencia neoyorquina imaginaria, sin embargo si siento que me tomo tiempo el absorberme en el momento pero creo que al final lo logre.En si siento que el reto más grande fue dejar de temblar y el no ponerle atención a la audiencia para enfocarme en mi audiencia imaginaria sin embargo creo que ese reto lo supere debido a que utilice esa canción en especifico ya que siempre me va a distraer y a llevar a mi momento privado en mi casa así que siento que este fue mi momento clave donde deje de pensar y me metí totalmente en la experiencia.

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Mapa mental

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fuentes de mapa mental

The Wayang Golek Wooden Stick Puppets of Java, Indonesia. (n.d.). Retrieved from http://www.marlamallett.com/puppets.html

Indonesian Wayang Golek Puppets. (n.d.). Retrieved from https://theworldofpuppetry.weebly.com/indonesian-wayang-golek-puppets.html

Indonesia. (2016, May 4). Retrieved from https://wepa.unima.org/en/indonesia/

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Un Vaquero cruza la frontera...En silencio

La compañía se llama Gorguz Teatro,el texto original fue de Diego Enrique Osorno, fue adaptado por Emmanuel Pichardo, Salma Guzman y Alberto Ontiveros, y dirigido por Alberto Ontiveros. Se presentó el domingo 28 de julio del 2019 a las 5pm en la Sala Experimental del Teatro de la Ciudad. El tema principal fue el silencio, la historia es sobre la vida y peleas de el tío de Diego Osorno quien fue sordo, la historia se centra en los avances de la sociedad hacia la gente sordomuda así como también se centra en el silencio de los pueblos y los ranchos tras ser atemorizados por los zetas. El tema en sí es el silencio de su tío y cómo le trajo problemas así como el silencio del pueblo y la frontera donde el tio sordo nacio. La decoración son objetos que pertenecen y tradicionalmente se asocian con el estilo de vida de un rancho así como de la frontera y obviamente los vaqueros, sombreros vaqueros decorados con distintas temáticas como las cartas, un velo de novia, una ardilla etc., un toro mecánico que se utilizó por mayor parte de la función, también había maletas y radios viejos que formaban parte tanto de la decoración como de la utilería. La iluminación era una luz central que solamente cambiaba de color cuando se utilizaba el toro mecánico, cada uno de los actores decía una línea del monólogo, debían de actuar como rancheros y verdaderamente les creí, adaptan pequeños manierismos que yo he visto en gente de apodaca y de rancho (viví entre los ranchos 8 años) y genuinamente puedo decir que las expresiones, acentos y tonos eran adecuados además de creíbles y animados, le daban energía a la audiencia. El vestuario era variado, siempre manteniéndose en el tema del norte, chaquetas de cuero (*) faldas al estilo del folclor (la cual usaba un actor ) botas vaqueras y chalecos así como shorts de mezclilla y sombreros, toda la ropa estaba decorada con un motivo o tema diferente. La obra me gusto mayormente por la escenografía y el trabajo de los actores ya que era energético, gracioso y muy colorido así como llenos de detalle que ayudaban a crear ambiente y personaje. El tema en cierta forma lo puedo relacionar con mi vida ya que como la de muchos mi infancia se vivio con miedo por lo setas y la inseguridad en la frontera.   Describe la decoración, la iluminación, el trabajo de los actores, la utilería y vestuario.  

(*)