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Carlos Erik Malpica Flores
Carlos Erik Malpica Flores
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Carlos Malpica Flores: Los artistas heroicos de Venezuela
Durante el período colonial, la pintura en Venezuela fue utilizada como instrumento para la evangelización. Temas religiosos con estilos flamencos, italianos y españoles fueron influenciando lo que posteriormente fue la pintura del Nuevo Mundo y ya para el siglo XIX, comienzan a realizarse obras con estilo barroco cuyos temas fueron de género histórico con episodios de gestas heroicas y retratos de héroes militares y civiles. Estos son los cinco pintores de la corriente heroica venezolana.
Juan Lovera
Fue uno de los pioneros en cambiar el estilo religioso por el retrato, de manera que es considerado la figura más representativa de la pintura de transición entre la Colonia y la Independencia.
Al ser testigo presencial de los acontecimientos, se encargó de la realización de El 19 de abril de 1810 (1835) y El 5 de julio de 1811 (1838), ambas pertenecientes a la colección del Palacio Municipal de Caracas.
Martín Tovar y Tovar
Fue el encargado de exaltar las batallas de la Guerra de la Independencia de Venezuela como la Batalla de Carabobo (1887), Batalla de Boyacá (1895) y la Batalla de Junín (1895), así como de realizar los treinta retratos de los próceres de la Independencia y otras personalidades republicanas que se encuentran en el Salón elíptico del Palacio Federal Legislativo junto con La firma del Acta de la Independencia (1883).
Cristóbal Rojas
Produjo naturalezas y retratos propios de los hechos históricos locales. Sus obras son una exploración de nociones estéticas adelantadas para la época en las cuales supo añadir realismo, dramatismo y profundidad, tal es el caso de Ruinas de Cúa después del terremoto de 1878 (1882, colección privada).
Antonio Herrera Toro
Evocó, entre otros temas, tanto escenas históricas como escenas costumbristas. Son de su autoría las emblemáticas pinturas La muerte del Libertador (1883) y la Batalla de Ayacucho (1890).
Arturo Michelena
Dejó su impronta en el realismo, en la ambientación documental de los asuntos narrados, así como en su habilidad para captar el movimiento natural. Así lo demuestran Vuelvan Caras (1890), Miranda en la Carraca (1896, Galería de Arte Nacional), Asesinato de Sucre en Berruecos (1895), entre otras.
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Museo presenta muestra de mayor constructora alemana de la posguerra
El Museo Alemán de Arquitectura en Fráncfort presenta una exposición dedicada a la mayor constructora no estatal de viviendas sociales de la posguerra en Europa, «Neue Heimat«.
«Neue Heimat resolvió la escasez de viviendas en la posguerra», comentó el director del museo, Peter Cachola Schmal.
Añadió que los proyectos fueron el resultado de una interacción de intereses económicos y políticos, como así también una expresión y reflejo de la historia social alemana.
Durante más de 30 años, la empresa constructora «Neue Heimat«, propiedad de la Confederación Alemana de Sindicatos (DGB), construyó más de 400.000 apartamentos en suburbios de varias ciudades como Fráncfort, Bremen o Múnich.
La muestra «Die Neue Heimat (1950-1982) – Eine sozialdemokratische Utopie und ihre Bauten» (del alemán, una utopía socialdemócrata y sus construcciones) presenta elementos del archivo histórico, que incluye unas 25.000 fotos, producciones cinematográficas, planos y modelos originales, entre otros.
Los organizadores de la exposición decidieron deliberadamente no centrarse en el escándalo que hizo caer a «Neue Heimat» a principios de la década de 1980.
En aquel momento, el semanario alemán «Der Spiegel» reveló que varios dirigentes sindicales de la empresa constructora estaban implicados en negocios turbios de especulación de terrenos y compraventa de viviendas.
La exposición está abierta al público hasta el 11 de octubre de 2020.
Cabe destacar que el Museo Alemán de Arquitectura es un centro de exposiciones sobre arquitectura en Fráncfort del Meno, integrado a la Museumsufer. Constituye uno de los varios museos de Alemania que se dedican en exclusividad a la temática arquitectónica, en la tradición de las colecciones académicas del siglo XIX.
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Juan Luis Landaeta, un artista venezolano que cree en las expresiones de gran impacto
Juan Luis Landaeta vive en Nueva York desde hace siete años y emigró para estudiar gracias a una beca para realizar una maestría en escritura creativa en español. Desde que llegó, no para de producir obras de gran aceptación en el público estadounidense.
“Sobre todo, la cosa maravillosa del arte abstracto es que no tiene que decir nada (se ríe). Digamos no es un arte representativo, no puedo jugar sí me quedó bien el gato o no, o la foto del retrato”, expresó.
La situación de Venezuela es algo en lo que se mantiene atento, y lo motiva a seguir adelante en sus proyectos.
Recalcó que a los millones de venezolanos que se han ido a tocar frontera le ha tocado muy difícil, a pesar que muchos lo vean fácil.
“No solamente la coyuntura de la crisis personal que puede generar en cada quien el dolor de estar lejos de la familia, lejos del entorno pero en mi caso particular ha sido con una tremenda incógnita, o sea ¿Qué es ese sitio? ¿Cómo era? ¿Qué pasó? ¿Qué llevé a que ocurriera lo que está ocurriendo?”, indicó el venezolano.
Landaeta plantea que su deseo es que los artistas venezolanos puedan generar un diálogo, pero sin una uniformidad de pensamiento, sino con todas las voces juntas.
“Más allá de la excelencia de sus obras creo que es lo mínimo que podríamos esperar, que la obra esté bien hecha y que te guste. Yo lo que quiero para mi país, sobre todas las cosas, es que no vuelva a haber uniformidad de pensamiento, de criterio, porque eso deriva en autoritarismo”, manifestó el artista.
Ya presentó su obra en España y varias ciudades de Estados Unidos, entre ellas Washington, pero sigue agregando lugares para las presentaciones y llegar a su público que lo reclama, aunque eso no quita que su deseo también sea volver a trabajar en Venezuela.
Juan hizo un recorrido por el barrio donde vive en Nueva York, y dejó una crítica sobre cómo se limita a los jóvenes al momento de acercarse a una expresión artística, y señaló que la libertad de pensamiento, sin prejuicios, es lo mejor para comenzar a ser un pintor.
“La búsqueda en parte de quien se acerca a una disciplina artística, tiene que ver cómo con borrar todas esas preconcepciones y acercarse en la medida de lo posible, a un lenguaje de manifestación”.
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El Rijksmuseum en Ámsterdam
El Rijksmuseum significa en español: El Museo del Estado. Este museo existe desde hace 200 años y hoy pertenece a la lista de los museos más impresionantes del mundo.
Durante su existencia pasó por muchas transformaciones y después de ser renovado por completo, es considerado una de las atracciones que deben visitar obligatoriamente.
En el año 1800, abrió por primera vez su colección al público bajo el nombre de Nationale Kunstgallerij y desde entonces, se trasladó varias veces antes de establecerse en Ámsterdam.
En 1885 se reubicó a su hermoso y actual edificio, diseñado por el arquitecto holandés Petrus JH Cuypers, que tiene un estilo bastante holandés y fue construido con elementos del renacentismo e históricos neo-góticos que le dan su forma.
La posición única que adquirió el Rijksmuseum en el mundo a lo largo de los siglos proviene de la posesión de muchas obras maestras holandesas y pinturas del mundo artístico. Además de grandes obras como » El Reloj de la Noche» de Rembrandt, pinturas de Vermeer, Van Dyck y Jan Steen, como también cuenta con una colección excepcional de objetos antiguos de la cultura holandesa que incluyen grabados, dibujos y fotografías clásicas.
Rijksmuseum en el Aeropuerto de Schiphol Rijksmuseum Research Library
Hay una pequeña exposición del Rijksmuseum compuesta por ocho a diez pinturas en la terminal del Aeropuerto Schiphol de Ámsterdam. Esta exposición está abierta al público y las personas pueden tener acceso después de haber pasado por el control del pasaporte.
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Museo de Pensilvania redescubre su Rembrandt
Gracias a la tecnología moderna y a una minuciosa investigación, un cuadro de hace casi 400 años��atribuido a un artista desconocido del taller de Rembrandt, fue calificado como una obra del mismo maestro holandés.
Durante décadas el Museo de Arte de Allentown lo exhibía atribuyéndolo a “El estudio de Rembrandt”. Hace dos años el cuadro fue llevado a la Universidad de Nueva York para labores de preservación y limpieza.
Allí, los expertos retiraron capas de barniz oscuro y grueso que se habían acumulado durante siglos y empezaron a sospechar que el mismo Rembrandt era responsable de las delicadas pinceladas que había debajo.
“Nuestro cuadro tenía numerosas capas de barniz que opacaban bastante lo que se podía ver de las pinceladas originales y los colores originales”, declaró Elaine Mehalakes, vicepresidenta de preservación en el Museo de Arte de Allentown.
Los expertos usaron una serie de herramientas como rayos X, rayos infrarrojos y observación de electrones, para fundamentar su hipótesis de que el cuadro era obra de uno de los artistas más célebres de la historia de la pintura.
El estudio
El análisis reveló “pinceladas, cierta vivacidad de esas pinceladas, que caracterizan otras obras de Rembrandt”, expresó Shan Kuang, experta del Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York quien restauró el cuadro.
Expertos de otras organizaciones que examinaron la obra de 1632, luego de la restauración de dos años, coincidieron con las conclusiones de la universidad acerca de que se trata de un auténtico Rembrandt.
El museo no valúa la pintura y no tiene intención de venderla, pero las obras auténticas de Rembrandt alcanzan decenas de millones de dólares. El retrato, por ahora en la bóveda del museo, estará en exhibición a partir del 7 de junio.
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Museo alemán dedica muestra a legendario fotógrafo Peter Lindbergh
El Museo Kunstpalast de la ciudad de Düsseldorf presenta, cinco meses después de la muerte del legendario fotógrafo alemán Peter Lindbergh, una muestra sobre su obra, informó la sala a través de un comunicado.
La exposición titulada «Peter Lindbergh: Untold Stories» (Historias no contadas) muestra alrededor de 140 fotografías, desde principios de los años 80 hasta el presente.
Lindbergh trabajó en la preparación de su primera exposición de obras concebida por él mismo hasta poco antes de su muerte, el 3 de septiembre de 2019, a la edad de 74 años.
La muestra permite apreciar su extensa obra e invita a los visitantes a descubrir historias nunca antes contadas, según la información del museo de Düsseldorf.
La exposición abrirá sus puertas al público desde el 5 de febrero al 1 de junio. Posteriormente será mostrada en otros tres lugares.
Lindbergh realizó un aporte decisivo al fenómeno de las top models en la década de 1990. Sus obras pudieron verse en numerosas exposiciones, entre ellas por último en la ciudad que adoptó para vivir, París, así como en Múnich y Düsseldorf.
Se hizo famoso con sus intensas fotos de moda en blanco y negro que colocaron a la persona como elemento central. Hizo retratos célebres de las modelos Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Christy Turlington, Cindy Crawford, Kate Moss y Claudia Schiffer, así como también de actrices como Nicole Kidman o Julianne Moore.
El Kunstpalast destacó que una gran parte de las tomas nunca había sido mostrada antes.
Las otras estaciones posteriores de la muestra son el museo de artes aplicadas Museum für Kunst und Gewerbe de Hamburgo (20 de junio al 1 de noviembre), el museo estatal Hessisches Landesmuseum de Darmstadt (4 de diciembre al 7 de marzo de 2021) y el Museo de Arte Contemporáneo Donnaregina de Nápoles, Italia, (marzo a mayo de 2021).
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Museo de Hamburgo presenta obras del artista británico David Hockney
Una gran exposición sobre el pintor, dibujante y artista gráfico británico David Hockney, se inaugurará este sábado 1 de febrero en el Bucerius Kunstforum de Hamburgo, informó el museo a través de un comunicado.
Hockney fue un importante contribuyente del movimiento conocido como Arte Pop en la década de 1960, siendo considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.
Es importante destacar que el 15 de noviembre de 2018 su obra “Retrato de un artista” fue vendida por la casa de subastas Christie’s en Nueva York por un precio récord de 90,3 millones de dólares; consagrándolo como el artista vivo más caro del mundo.
El pintor de 82 años de edad, es considerado como el «Andy Warhol británico» y es uno de los artistas más importantes de la actualidad.
La muestra retrospectiva fue creada en cooperación con la Tate Gallery de Londres y reúne alrededor de 100 obras, la mayoría de las cuales provienen de la colección del museo británico.
Se podrán contemplar desde los primeros trabajos de cuando Hockney era estudiante de arte hasta la obra de gran formato «In The Studio» (En el estudio), de 2017.
«Lo que hace a Hockney especial y un gran artista es que el visitante es siempre parte de la obra. El observador siempre está en mente y es considerado por el artista, por eso sus obras tienen algo tan fascinante y conmovedor», explicó la directora del Bucerius Kunstforum, Kathrin Baumstark.
«The First Marriage» (El primer matrimonio), «Mr and Mrs Clark and Percy» (El Sr. y Sra. Clark junto a Percy) o «My Parents» (Mis padres), son algunas de las principales obras del artista que en esta oportunidad se reúnen por primera vez en una exposición en Alemania.
La muestra se podrá visitar hasta el 10 de mayo.
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Retratos de los Obama inician gira por cinco ciudades de EE.UU.
Los retratos oficiales del expresidente Barack Obama y la ex primera dama Michelle Obama de la Galería Nacional de Retratos iniciarán una gira nacional de cinco ciudades en junio de 2021.
El Instituto de Arte de Chicago exhibirá las obras del 18 de junio al 15 de agosto de 2021, anunció la galería a través de un comunicado.
Los retratos del expresidente de Estados Unidos, realizado por Kehinde Wiley, y de Michelle Obama, pintado por Amy Sherald, fueron develados en febrero de 2018.
Cabe destacar que Wiley y Sherald son los primeros artistas afroestadounidenses en ser elegidos para pintar un retrato oficial del presidente y la primera dama para la galería.
“Desde la develación de estos dos cuadros de los Obama, la Galería de Retratos registró una cifra récord de visitantes, no solo para ver estas obras en persona, sino para formar parte de la experiencia comunitaria de un momento particular en el tiempo”, destacó Kim Sajet, directora de la galería de Washington, en un comunicado.
“Esta gira es una oportunidad para que el público de diferentes partes del país sea testigo de la manera en que el arte del retrato puede involucrar a la gente en la belleza del diálogo y la experiencia colectiva”, agregó.
El retrato de Barack Obama incluye parras verdes y flores coloridas que rodean al 44to presidente estadounidense. También, crisantemo, que es la flor oficial de Chicago, brinda puntos coloridos al cuadro.
El fondo también incluye jazmín de Hawai, estado donde nació Obama, y lirio africano, que representa el lugar de nacimiento del padre de Obama: Kenia.
Después de su exhibición en Chicago, los retratos se dirigirán al Museo Brooklyn en Nueva York, el Museo de Arte del Condado en Los Ángeles, el Museo de Arte Superior de Atlanta y el Museo de Bellas Artes de Houston.
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Inauguraran el Museo del Cine de la Academia de Hollywood
En 2020, después de varias demoras, finalmente inauguraran el Museo del Cine de la Academia de Hollywood (The Academy Museum of Motion Pictures), que estará ubicado en la esquina de Wilshire y Fairfax Boulevard en Los Ángeles.
Construido en la capital cinematográfica del mundo, el museo se ubicará en la renovada y ampliada May Company, ahora el edificio Saban, en Wilshire Boulevard, al que se le sumará una estructura esférica.
El propósito del museo es mostrar cómo la industria fue cambiando con el correr del tiempo. Desde 1895, cuando se estrenó la primera película en blanco y negro, “La llegada de un tren” de 50 segundos de duración, que causó alboroto en el público, que nunca había concebido lo que podría ser una película en movimiento.
El museo de 28 mil metros cuadrados contará con más de 4.600 metros cuadrados de espacio de galería tanto para una exposición permanente altamente inmersiva como para un programa de diversas exposiciones temporales, dos salas de cine y espectáculos, un estudio educativo de última generación y espacios dinámicos para eventos públicos y especiales.
También, se basará en la colección incomparable de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, que contiene una amplia gama de producción de películas y objetos y tecnología relacionados con la historia, obras en papel e imágenes fijas y en movimiento que cubren la historia del movimiento imágenes en los Estados Unidos y en todo el mundo.
Las colecciones incluyen más de 12 millones de fotografías, 190 mil recursos de películas y videos, 80 mil guiones, 61 mil pósters y 20 mil dibujos de producción y vestuario. Además, más de 1.600 colecciones especiales de leyendas del cine como Cary Grant, Katharine Hepburn, Alfred Hitchcock y John Huston.
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La retrospectiva multisensorial de Ernesto Neto llega al MALBA
El artista brasileño, Ernesto Neto, llegó al Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) con una retrospectiva de su imponente obra. La exhibición se titula “Soplo” y estará disponible hasta el 16 de febrero de 2020.
Compuesta por 60 obras que invitan tanto a la contemplación como a la interacción con las mismas, Soplo arribó al MALBA en el pasado mes de noviembre.
Soplo es una retrospectiva dedicada al artista brasileño Ernesto Neto, proveniente de la Pinacoteca de San Pablo, Brasil. Reúne tres grandes cuerpos de obra: las que involucran los sentidos del espectador, desafiando el cuerpo e invitando a la inversión; las que piden activación por parte del espectador, apelan a la idea de cuerpo colectivo, en convivencia, y de carácter lúdico, y las que tienen dimensión ritual, que la práctica del artista viene adquiriendo hace algunos años.
Entre las influencias del artista se encuentra su aprendizaje junto a la comunidad indígena Huni Kuin, logrando una obra que conecta al humano, la naturaleza y lo espiritual.
“Me di cuenta de que todos eran artistas y de que todo era sagrado. Allí me dijeron, y aprendí, que la alegría es cura. Para los indígenas no existe separación entre la naturaleza y la espiritualidad: están unidas porque la espiritualidad no les fue robada por el cristianismo. Lo sagrado no está lejos, allá en el cielo, sino que está acá entre nosotros: en lo que hacemos, en cada movimiento, en cada palabra que escribimos.”, comentó Neto sobre esta experiencia.
La muestra está curada por Jochen Volz y Valéria Piccoli; el primero observa “desde el comienzo de su trayectoria, Ernesto Neto viene explorando y expandiendo radicalmente los principios de la escultura. Gravedad y equilibrio, solidez y opacidad, textura, color y luz, simbolismo y abstracción son las bases de su práctica artística, un continuo ejercicio sobre el cuerpo colectivo e individual, sobre el equilibrio y la construcción en comunidad”.
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El método químico que detecta cuadros falsos
En 2015 se estrenó “Falsos artísticos”, una exposición bastante especial que estuvo de gira por toda España. Las obras expuestas no venían de ningún museo o colección privada, sino de los almacenes de la Brigada de Patrimonio Histórico de la Comisaría General de Policía Judicial, unidad encargada de investigar todas las agresiones contra el patrimonio histórico, artístico y cultural.
En la visita se podían observar imitaciones de Joan Miró, Juan Barjola, González de la Serna o Manuel Millares, parte de la colección Roca incautada en la “Operación Malaya” contra la corrupción en el Ayuntamiento de Marbella. Pero también se podían admirar falsificaciones contemporáneas de gran altura, de autores como Pinazo, Rusiñol, Cecilio Pía, José Mongrell o Muñoz Degrain.
Debido al descubrimiento de la existencia de tanto plagio y cuadros, hoy en día hay varios métodos para aseverar la falsedad de una obra de arte, fundamentalmente análisis químicos ligados a instrumentación científica de alta gama. Muchos de estos métodos se basan en la búsqueda de anacronismos mediante técnicas de análisis como la espectroscopia infrarroja (FTIR) o la espectrometría Raman.
Con estas técnicas se pueden descubrir incongruencias temporales que alertan de que la obra no es auténtica, por ejemplo: lienzos que no se corresponden con la época del autor, retoques posteriores o pinturas con componentes (pigmentos y aglutinantes) actuales.
Estos métodos son muy utilizados para certificar la autenticidad de obras clásicas, cabe destacar que así fue como los responsables del Museu d’Art de Girona descubrieron que tres tablas del retablo de San Juan Bautista compradas en subasta y atribuidas al pintor renacentista Pere Mates (1490-1558) eran falsas, donde detectaron en ellas blanco de titanio, usado a partir de 1921.
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Galería Semper de Dresde alberga a “Marte” de Giambologna
La famosa figura de bronce del artista florentino Giambologna, conocida como “Marte de Dresde”, la cual es una representación del dios Marte, estará la primera exposición de reapertura de la Galería Semper de la ciudad de Dresde.
En este sentido, se conoció que la Galería tiene previsto abrir sus puertas al público el 29 de febrero. Además, este increíble lugar cuenta con la colección de esculturas y obras de hasta el año 1800, por lo que tendrán su nuevo sitio en el recién renovado complejo barroco Zwinger.
De esta forma, “Marte de Dresde”, la escultura de 40 centímetros que representa al dios de la guerra fue comprada en 2018 para el estado federado de Sajonia con la ayuda del Gobierno federal y de los demás estados federados, evitando así que fuera vendida al extranjero.
Según información ofrecida por el director del museo, Stephan Koja, durante una gira por Sajonia el año pasado, el «Marte de Dresde» atrajo a un total de 11.000 visitantes en tres lugares.
Cabe destacar que, el escultor renacentista Giambologna regaló personalmente la escultura al príncipe palatino de Sajonia Christian I en 1587. La estatuilla fue parte de las colecciones de arte sajonas durante más de 300 años hasta que la dinastía soberana de los Wettin se quedó de forma privada con ella y la vendió.
El «Marte» estuvo desde 1983 en poder del gigante químico germano Bayer AG, que decidió en 2018 subastarlo en Londres.
Protestas masivas y la intervención de las autoridades y de fundaciones consiguieron impedirlo y que en lugar de ello fuese vendido al Museo de Colecciones Estatales de Arte de Dresde, que desde hace años intentaba recuperar la valiosa obra. Sin embargo, no se ofrecieron detalles sobre la suma pagada por la estatua.
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Obra cinética del venezolano Elías Crespín decorará Museo de Louvre
La obra cinética titulada L’onde du midi, que se podría traducir como la onda del sur o la Onda del medio, del artista venezolano Elías Crespín formará parte del decorado permanente del Museo de Louvre, en París, a partir del próximo sábado 25 de enero. Se trata de la primera vez que un artista nacional recibe tal reconocimiento en una de las pinacotecas más famosas del mundo.
La instalación de la pieza se realiza con motivo del 30° aniversario de la célebre pirámide de cristal que se encuentra en la fachada de la edificación parisina. La obra de Crespín estará en lo alto de la escalera meridional del museo y está conformada por 128 tubos metálicos colgados de hilos motorizados, “cuyo movimiento dibuja una sutil coreografía”, indicó la nota de prensa difundida por el Louvre.
L’onde du midi pertenece a la categoría cinética de plano flexionarte, es una escultura móvil que presenta un plano horizontal rectangular de casi diez metros de largo cuando está en reposo. “Con su incesante movimiento, la escultura parece desafiar las leyes de la gravedad”, dice el comunicado del museo.
“Frente a ella, como hipnotizado, el espectador se ve sumergido en una danza lenta y grácil de formas infinitas e impredecibles. Su aleatoria con duración espacial nos sorprende sin parar, mediante formas que se expanden, se aplanan y se difractan; pasando del orden al caos, de lo simple a lo complejo”, destacó la reseña.
Con la exhibición de esta obra, que estará de forma permanente a la vista del público del museo, el venezolano sigue los pasos de otros creadores de arte contemporáneo internacional que también, con sus talentos e inventivas, enriquecieron el marco arquitectónico del Louvre, entre ellos George Braque, Anselm Kiefer, François Morellet, y Cy Twombly.
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Museo Judío de Berlín presenta nueva exposición permanente
Tras una reforma de más de dos años, el Museo Judío de Berlín inaugurará el 17 de mayo una nueva exposición permanente, según informó la institución a través de un comunicado.
En el edificio diseñado por el arquitecto Daniel Libeskind en Berlín-Kreuzberg, se mostrarán en 3.500 metros cuadrados la historia y el presente del judaísmo.
En cinco capítulos, la muestra reflejará la vida de los judíos en Alemania, desde la Edad Media hasta la actualidad.
El mismo día el museo inaugurará además una exposición para niños en el salón del antiguo mercado de flores frente a la construcción de Libeskind.
La nueva exposición permanente se centrará en la relación de los judíos con su entorno que en principio era cristiano y luego cada vez más secular. Según comunicó el museo, esta historia transcurrió entre la pertenencia y la exclusión, la buena convivencia y la violencia.
El mayor espacio estará dedicado a la persecución que sufrieron los judíos durante el nacionalsocialismo así como a la época posterior a 1945.
La muestra también ofrecerá información sobre temas judíos, por ejemplo, sobre qué es sagrado en el judaísmo y como se celebra shabat. En ocho estaciones, los visitantes podrán profundizar en la cultura y la religión judía.
Junto a objetos originales, la exposición apuesta por medios audiovisuales, realidad virtual, instalaciones artísticas y juegos interactivos.
El Museo Judío de Berlín abrió sus puertas en 2001 y la primera exposición permanente contó con once millones de visitantes.
El próximo 1 de abril la actual curadora jefa del Barrio Judío de Amsterdam, Hetty Berg, asumirá la dirección del museo berlinés.
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Museo Städel de Fráncfort presenta gran muestra sobre Van Gogh
El Museo Städel de Fráncfort, un lugar con una de las más importantes colecciones de Alemania, ahora presenta hasta febrero próximo la muestra más amplia de obras de Vincent van Gogh (1853-1890) de los últimos 20 años en el país.
Se exhiben allí más de 120 trabajos en papel del artista bajo el título «Making Van Gogh«. Es «la hasta ahora más grande y costosa presentación en la historia del Städel», informó el museo.
«Esta gran muestra relata el surgimiento del ‘mito de Van Gogh‘ alrededor de 1900 y de su papel como modelo para los expresionistas y como precursor de la pintura moderna en Alemania», detalló el museo.
El centro de la muestra son 50 obras clave de todas las etapas creativas del artista holandés. De acuerdo con los expositores, son combinadas con obras de artistas que tomaron a Van Gogh como ejemplo. En la exposición del Städel también se pueden ver trabajos de Max Beckmann, Otto Dix, Wassily Kandinsky y Ernst Ludwig Kirchner.
El curador Felix Krämer expresó que sin Van Gogh, la historia del arte alemana del siglo XX hubiera transcurrido de forma completamente distinta.
Por su parte, el director del Städel, Philipp Demandt, añadió que si bien el entusiasmo por este artista es actualmente un fenómeno casi global, esto era muy distinto hace más de 100 años.
Señaló también que la exposición examina el papel que tuvo la reacción a las obras del pintor en Alemania a principios del siglo XX para el «mito Van Gogh«.
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Carlos Malpica Flores: Museos alemanes promueven intercambio cultural con Irán
La Asociación Alemana de Museos está a favor de una mayor cooperación con las instituciones culturales en Irán y espera que surja una distensión en el conflicto entre este país y Estados Unidos, según indicó el presidente de la institución, Eckart Köhne.
«Vemos a los museos como embajadores de sus países que, mediante el intercambio, transmiten valores culturales como base de toda civilización y de una coexistencia humana pacífica», expresó.
Como director del museo regional de Baden, Köhne tiene doble motivo para apelar a la razón, pues su museo está planeando una gran muestra sobre los Grandes Reyes persas en octubre. «No es sólo una exposición. Es el primer intercambio directo entre un museo alemán y uno iraní«, señaló el director.
Asimismo, la institución de Karlsruhe presta antigüedades de la región mediterránea para una muestra en Teherán. A cambio, el museo regional de Baden recibe unas 200 obras de los siglos VI a IV a.C. de museos iraníes, entre las que se encuentran vasijas de oro y plata y numerosas cerámicas.
«Los colegas iraníes son muy profesionales. Nos conocemos bien y nos tenemos mutua confianza. Allí también se tiene la esperanza de que podamos continuar el intercambio en materia de cultura», acotó.
Después de todo, la cultura ofrece la oportunidad para tender puentes. «Intentaremos mantener el proyecto tanto tiempo como podamos. Si ya no hay diálogo en el plano cultural, ya nada será posible», señaló.
La exposición «Los persas: En la corte de los Grandes Reyes» se mostrará a partir del 10 de octubre de 2020 y hasta el 11 de abril de 2021 en el castillo de Karlsruhe y tiene como fin ilustrar el apogeo cultural del Imperio Persa y su papel relevante en un territorio que englobaba diversas culturas, desde Asia Central en el este hasta el Bósforo en el oeste y Egipto.
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Carlos Malpica Flores: Monumento del Holocausto registró récord de visitantes en 2019
El monumento a las víctimas del Holocausto de Berlín registró en 2019, con un total de 480.000 personas, el mayor número de visitantes desde su apertura en 2005.
Situado en el centro de la capital berlinesa, fue ideado por el arquitecto Peter Eisenman y se abrió al público en mayo de 2005.
Formado por un campo de estelas mortuorias y un centro de información subterráneo, recuerda a los millones de judíos que fueron asesinados durante el régimen nazi y se encuentra en las cercanías de la Puerta de Brandeburgo. La traducción literal del nombre alemán es «Monumento memorial a los judíos asesinados en Europa«.
La cuadrícula formada por 2.711 bloques de hormigón de diferentes alturas, permite que los visitantes elijan su camino de entrada y salida. Desde el sureste de su ubicación, se puede acceder a un espacio subterráneo.
«En tiempos en los que nuestra cultura del recuerdo de las víctimas del nacionalsocialismo y el monumento a las víctimas del Holocausto son cuestionados abiertamente por algunos, el gran interés de los visitantes por el centro de información es un signo de peso contra el revisionismo histórico y el antisemitismo, en favor del esclarecimiento de la historia y el recuerdo», expresó el director de la fundación, Uwe Neumärker.
Este lugar provoca una gran diversidad de opiniones entre sus visitantes. Para algunos, es una experiencia impresionante recorrer los pasillos rodeado por losas más altas cada vez y, para otros, se trata de un lugar bastante feo que ver.
Sea cual sea el resultado de la visita, lo que está claro es que este sitio es una parada obligatoria para todos los turistas que, sin hacer caso de lo que les cuenten, deben crearse su propia opinión.
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