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Precedentes Latinoamericanos

JOEL ESCALONA MEXICO

En 2010 fue destacado como uno de los 50 talentos emergentes de las Américas por la revista Arquine. 

Desarrolla diseño para clientes en México, EE.UU., Francia e Italia,  Ha recibido varios premios y reconocimientos en todo el mundo del diseño como la moderna decoración de Medios Internacionales Premio de China, el estudio ICFF en los EE.UU. o el Premio Iconos del Diseño 2010 por la revista Architectural Digest en Ciudad de México

Expuso su obra en muestras de diseño como la Maison & Objet en París y la Feria Internacional del Mueble Contemporáneo de Nueva York.

ALBERTO VILLAREAL MEXICO

Se centra en el desarrollo de productos de innovación tecnológica y cultural como muebles, artículos deportivos, transporte, electrónicos de consumo, etc. Posee más de 20 premios internacionales en la última década como el prestigioso Red Dot Luminary award, Chicago Athenaeum good design award, entre otros.

ALBERTO VILLAREAL

A participado en proyectos con Adidas, Nike, Mercedes-Benz, SanDisk 

• Dinámico, audaz, creativo, talentoso, técnico y estudioso de las nuevas tendencias para mantenerse a la vanguardia 

• Representa ser un argumento para que las empresas en Latinoamérica apuesten por el Diseño.

JORGE DIEGO ETIENNE MEXICO

Diseñador Industrial mexicano originario de la ciudad de Tampico. Diseñador que busca explotar conceptos nuevos y soluciones creativas a problemas cotidianos dejando siempre un rastro de tradición en sus Diseños.

HUMBERTO Y FERNANDO CAMPANA. BRAZIL (São Paulo)

RICARDO BLANCO ARGENTINA

Falleció en 2017. Fue un reconocido arquitecto y diseñador industrial argentino. • En su carrera alcanzó un protagonismo tal, que lo llevó a proyectarse internacionalmente como uno de los principales referentes del diseño argentino. • Es famoso por sus diseños de mobiliario, particularmente, ha creado una innumerable cantidad de sillas y sillones, todas con un diseño innovador y transgresor. • Se recibió de arquitecto en 1967 en la Universidad de Buenos Aires. Al año siguiente comenzó su labor profesional en la firma Stilka. Allí pudo desarrollar productos sobre la base de tecnologías no convencionales como el laminado en madera.

LUCY SALAMANCA COLOMBIA

• Vive en Italia y trabaja activamente con varias comunidades rurales de Colombia. Así ha logrado ayudar a conservar y desarrollar técnicas artesanales locales. • Trabaja a nivel mundial a favor del comercio justo y del diseño sostenible y está comprometida en la promoción de prácticas medioambientales y precios y salarios justos. • La labor de Salamanca va más allá del diseño formal puesto que también se ocupa de la creación de modelos de negocio sostenible en la producción artesanal. • Se ha asociado con varias comunidades, entre las que se cuentan los artesanos de Curití al noreste de Colombia, con quienes fabrica el mobiliario hecho de guadua y fibra de sisal presentes en esta exposición. Se invita a los visitantes a que se sienten en los bancos de la sala.

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Regionalismo crítico

EEn arquitectura, el regionalismo es una corriente cercana al eclecticismo que glosa y sintetiza algunos aspectos de las distintas arquitecturas regionales de España o de otros países. Algunos de los regionalismos existentes son el regionalismo español, el regionalismo latinoamericano y el regionalismo europeo.

Concepto usado por: Alex Tzonis y Kenneth Frampton, y se opone a la falta de contenido y al desarraigo de las obras modernistas. 

Usa elementos del contexto para dar un sentido de lugar y pertenencia a la arquitectura.

Es una forma particular del Postmodernismo.

• El regionalismo crítico no se refiere a la región en el sentido de la arquitectura vernácula, sino que es un enfoque progresista del diseño que busca mediar entre los lenguajes de la arquitectura del mundo y la local.

La arquitectura vernácula es aquella que se constituye como de tradición regional más auténtica. Esta arquitectura nació entre los pueblos autóctonos de cada región, como una respuesta a sus necesidades de hábitat.

Es la arquitectura que nace entre los pueblos autóctonos de cada región, como respuesta a sus necesidades de hábitat y las hace diferentes de otras edificaciones. Se adaptan al medio, y son realizadas por el mismo usuario, quien se apoya de la comunidad y el sistema constructivo de heredado ancestralmente.

Teepee Nativo Americano

Estilo Internacional 

El racionalismo, también llamado Estilo internacional o Movimiento moderno, fue un estilo arquitectónico que se desarrolló en todo el mundo entre 1925 y 1965, aproximadamente. Suele ser considerado como la principal tendencia arquitectónica de la primera mitad del siglo XX.

Se ha convertido en sub estilos, por ejemplo el Estilo Arquitectónico Vernáculo simple, de Glenn Murcutt, es una variante del regionalismo critico de Australia. 

Hace una aproximación a la arquitectura que lucha para contrarrestar la falta de espacio y falta de identidad del “Estilo Internacional” y la ornamentación de la arquitectura posmoderna.

El regionalismo arquitectónico nace primero, pero ha llegado su impacto hasta otros estudios

Glenn Murcutt es un arquitecto australiano. También es el presidente fundador de la Asociación de Arquitectura de Australia. Ganó la Medalla Alvar Aalto en 1992, y el Premio Pritzker en el 2002.

Le Corbusier: Charles Édouard Jeanneret Gris, más conocido a partir de la década de 1920, fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, urbanista, diseñador de espacios, pintor, escultor y hombre de letras suizo nacionalizado francés en 1930. 

La Unité d'Habitation es el nombre de un concepto de tipología residencial del movimiento moderno desarrollado por Le Corbusier, con la colaboración del pintor-arquitecto Nadir Afonso. El concepto fue la base de varios conjuntos de viviendas diseñados por él en toda Europa con ese nombre.

Alvar Aalto:  Fue un arquitecto y diseñador finlandés. Formó parte del Movimiento Moderno y participó en los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna). Ha sido el único arquitecto de la Segunda generación del Movimiento Moderno reconocido como «maestro», igualando a los grandes maestros del Periodo heroico del Movimiento Moderno Le Corbusier, Mies van der Rohe y Gropius.

Aalto nació en Kuortane, en el seno de una familia de cultura occidental clásica. Su padre, Johan Henrik Aalto, realizaba proyectos medioambientales, le puso en contacto con la protección finlandesa para con la naturaleza.

EL SANATORIO PAIMIO

La historia de la única obra italiana del arquitecto finlandés Alvar Aalto en Riola Vergato, pequeño municipio de la provincia de Bolonia, en el valle medio-alto del río Reno, es también la historia de las personas que, de modos diferentes, acompañaron, permitieron y esperaron su realización.

Mobiliario

Aalto Stool 60 

El diseño simple con patas en forma de L se adapta a casi cualquier interior. El taburete es fácilmente apilable, por lo que es útil tener asientos adicionales a la mano para los visitantes (no) esperados. Esta edición especial está disponible en Designcollectors con 3 patas (Stool 60) o 4 patas (Stool E60). Conjunto de 3 taburetes en los colores gris perla, madera desnuda y verde océano

Tadao Ando:  Arquitecto japonés. Nació en Osaka y adquirió conocimientos de arquitectura de forma autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y los Estados Unidos.

En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura. Contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibió formación en escuelas de arquitectura. 

En lugar de ello, su aprendizaje fue autodidáctico y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara.

La Iglesia de la Luz

Es muy importante que a la hora de proyectar el diseño de un edificio se tengan en cuenta estos detalles; es posible con un previo análisis  pueda predecir la cantidad de luz natural que ingresara al edificio y a la vez combinado con diseño de luz artificial , donde se lograrían óptimos de niveles de iluminancia, bajo niveles de deslumbramiento, eficiencia energética y confort visual.

Casa Waby: Está ubicada en la costa de Oaxaca a 30 min de la ciudad de Puerto Escondido sobre un terreno de 25 hectáreas. 

Todos los espacios de Casa Wabi han sido proyectados para acentuar el paisaje de la zona. Las instalaciones incluyen seis dormitorios privados, dos estudios compartidos, un salón de usos múltiples, una sala de proyección, una galería de exhibición, un jardín escultórico y múltiples espacios de esparcimiento. 

Museum Langen Foundation Si bien gran parte de su trabajo está en Osaka y en sus alrededores, también ha trabajado en el extranjero con varios proyectos importantes, como el Museo de Arte Moderno de Fort Worth en Texas y 152 Elizabeth, una torre residencial en Nueva York.

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NÓRDICA

Surge a principios del siglo XX y luego su apogeo es en los años 50`s, en Noruega, Dinamarca, Finlandia e Islandia.

Si bien el estilo nórdico se considera como un concepto muy moderno de la arquitectura y del diseño, su herencia es el propio medio natural, como espacio fundamental del que parte. 

Se define como la fusión entre tecnología y sabiduría, entre modernidad y tradición, entre metodología empírica y racionalismo básico.

Lo correcto es llamarlo “Nórdico” ya que incluye a Finlandia e Islandi.

Este estilo incluye diseños para el hogar, muebles y textiles, cerámica, lámparas y vidrio, aunque tiene presencia en rubros industriales tales como el diseño de automóviles, aparatos eléctricos y teléfonos móviles.

Diferencia Entre Países

Su agrupación es por factores geográficos e históricos, o porque comparten características en común: como su cultura y su idiomas.

Escandinavia: se compone por Suecia, Noruega y Dinamarca. Los tres países poseen un pasado en común, habitada por Vikingos y sus lengas son de origen germánico.

Países Nórdicos: Son los países Escandinavos más Finlandia e Islandia. Esta agrupación nace en Francia cuando se crea el Concilio Nórdico que buscaba definir afinidad cultural entre los cinco países.

Países Bálticos: son tres; Estonia, Lituania y Letonia. Todos ubicados en la ribera del Mar Báltico, pero no son los únicos en compartir estas costas.

ESTILO NÓRDICO EN DINAMARCA

Estilo conocido como Danés, es meramente funcionalista, se desarrolla bajo influencia de la Bauhaus.

Muchos de sus diseñadores utilizaron tecnologías industriales que se combinan con ideas de simplicidad y funcionalismo  

SusDestacan edificios, muebles y objetos domésticos, muchos de ellos icónicos como la silla Egg, de Arne Jacobson que la encontrará en la portada de nuestro grupo.

Le da a las viviendas ese aire entre triste, romántico y misterioso que nos resulta tan agradable de ver. De esta preciosa casa danesa, no saldrían las mismas fotos si se hicieran con nuestra intensa luz del sol mediterráneo. Los suelos, paredes y muebles se suavizan y los ambientes son muy relajantes.

ESTILO NÓRDICO EN FINLANDIA

El Diseño Finlandés se extiende a moda, muebles, vidrio, iluminación, textiles y productos del hogar.

Design from Finland, abaraca todo el diseño finés, en 2011 se crea esta marca.

Pertenece a la estilista y bloguera Minna Jones, enamorada del diseño escandinavo y lifestyle. Le gusta el buen diseño y la decoracion de interiores, aficionada a los mercados de pulgas, el reciclaje y la buena comida.

Simple, moderna, escandinava, sostenible y vintage. Su lugar favorito de la casa es la sala de estar ya que valora de ella el espacio espacio y la luz.

ESTILO NÓRDICO EN ISLANDIA

Comienza en la década de 1950, pero ha crecido rápidamente. Los diseñadores se han visto en la necesidad de ser más creativos e innovadores por la falta de materiales y fabricación del país.

ESTILO NÓRDICO EN NORUEGA

Su influencia es fuerte en la estética minimalista. Los productos más populares son muebles y lámparas.

El énfasis es en lo durable, bello, funcional, simple y formas orgánicas o naturales. 

Espectacular, el interior, las vistas, los acabados, la luz, los objetos.  

Decorada en un puro estilo nórdico moderno, la casa tiene los espacios comunes diáfanos, rodeados de grandes ventanales, todo en madera clara y blanco, como juega con los accesorios y los muebles, unas veces aquí y otras allá, la cuestión es no aburrirse y disfrutar de ellos en casa.

ESTILO NÓRDICO EN SUECIA

Su influencia también se considera minimalista con énfasis en la función y líneas simples y limpias.La artesanía tradicional es la más popular y su diseño en muebles. 

¿Por qué nos atrae tanto esta manera de vivir? Su cultura rebosa amor por la naturaleza, honestidad estética, y una mentalidad Hygee que nos ha cautivado. Y sí, a los suecos les encanta recibir. Bajo el cliché de su carácter frío y reservado, encontramos gentes a las que les encanta tener invitados y presumir de casa.

Este estilo fue promovido por:

Bruno Mathsson: muebles 

Märta Måås-Fjetterström 

Astrid Sampe: textiles 

Sixten Sason: industrial.

COLORES DEL ESTILO NÓRDICO

El estilo nórdico es, sin duda, una de las tendencias que llegó ya hace algún tiempo para instalarse entre nosotros… y no irse nunca. Nos encanta por su claridad, su limpieza visual y su gusto por todo lo natural. 

El blanco los caracteriza, usualmente en paredes, de otra forma lo cubren papeles tapiz con algún patrón moderno para darle color al espacio. El piso y el techo hay tendencia por el color hueso.

El gris y el beige son populares para combinaciones

Para tonos oscuros se encuentra como opción el Marrón.

Para muebles se usan los tonos marrones o color del café “Expresso”

Detalles y accesorios son de colores vibrantes, naranja, verde manzano, azul o amarillo. El blanco usualmente como fondo.

ELEMENTOS DE LA NATURALEZA

Este estilo trata de acompañarse siempre de elementos de la naturaleza. 

La madera es el más popular para muebles y detalles pequeños. 

El cuero y las pieles son otros materiales que combina este estilo.

Sillas, sofás, mantas y alfombras como accesorios.

Las plantas agregan color e incluyen la naturaleza a los espacios interiores, en lugares que se sienten fríos, las plantas siempre le darán un toque acogedor.

SU MOBILIARIO 

Las bases estilísticas del mobiliario estilo nórdico provienen, tal como su nombre indica, del Norte de Europa. Los diseñadores y fabricantes de muebles estilo nórdico en esa región trabajan una estética que equilibra multifuncionalidad y tradición; se preocupan por la ergonomía del cuerpo y la comodidad, también incluso espiritual.

Son muy bajos y con líneas rectas. 

Generalmente blancos, salvo por algún color oscuro. 

También dejan mucho los tonos naturales de la madera.

Los accesorios son elementos básicos, los cuadros y portarretratos, aportan a las paredes blancas detalles de color.

Marcos grandes en piezas de arte clásicas y piezas modernas. 

La cantidad de muebles es austera en espacios con este tipo de estilo, lo que buscan es un aporte de significado y decoración. Se reduce la cantidad de muebles para poder adquirir piezas duraderas y de mejor calidad.

Originalmente, por su ubicación geográfica y clima del norte, se utilizaban materiales locales y duraderos. Y en sus diseños no se incluyen adornos que puedan interferir en el uso o durabilidad del mobiliario.

Tradicionalmente, los espacios diseñados siguiendo este estilo escandinavo, se basan en la aplicación de colores poco saturados o pastel. En los últimos años, aparecen acabados como el latón o el cobre para los detalles o incluso como parte estructural del mobiliario estilo nórdico.

Styling Lene Ostenfeldt.Bo-Bedre

Fritz Hansen. Mesa Analog

Los acabados en madera de sillas y mesas contrastan de forma eficaz con un lienzo en blanco o con paredes en colores grises, verdes u azules, donde se integran incluso las carpinterías, generando planos de color completos. Se pueden usar también distintos acabados para una misma colección en un solo ambiente.

Gubi. Stool Walnut Table High

HAY – Trion Table – Neu13 Chair – Pion Lamp – Bent Wood

Foto Derek Swalwell.

El mobiliario estilo nórdico resulta atemporal, lo que le permite adaptase en distintos tipos de entornos. Gracias a su neutralidad estética encaja dentro de otros estilos. A diferencia de otras corrientes, la decoración nórdica coordina con otras influencias de forma natural.

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CONTEMPORÁNEO

El estilo contemporáneo es un estilo práctico y actual entre lo vanguardista y lo clásico. Para conseguirlo debemos elegir elementos interiores que transmitan un ambiente cómodo, simple y funcional.

Los diseños contemporáneos confieren a tu hogar sensaciones de espacios amplios y luminosos.

Su Decoración

Estilo contemporáneo en arquitectura e interiores. Dentro de la gran variedad de estilos en arquitectura y decoración de interiores que existen, vamos a hablar del estilo contemporáneo entendido como actual, es decir, que se encuentra entre los estilos más vanguardistas y los clásicos.

SU MOBILIARIO

Los puntos de luz interior deben escogerse para centrarse en elementos específicos. Hay que complementar con colores y elementos metálicos.

Los muebles son de líneas rectas y detalles discretos. ... Los muebles muy recargados o con mucho estampado no son parte de este género, ya que lo contemporáneo es un estilo práctico

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Art Decó

El movimiento surge como una forma de imprimir optimismo después de la depresión de la Primera Guerra Mundial. El art déco buscaba orientación hacia un futuro adoptando ideas modernas como una celebración hacia el progreso. El art déco es un movimiento artístico que predominó en la arquitectura, el arte, el diseño gráfico, el diseño interiores y el diseño industrial entre los años 1920 y 1939.

El art déco se caracterizó por la utilización de figuras geométricas delineadas con precisión y la utilización de colores fuertes y llamativos

El movimiento surge como una forma de imprimir optimismo después de la depresión de la Primera Guerra Mundial. El art déco buscaba orientación hacia un futuro adoptando ideas modernas como una celebración hacia el progreso.

El estilo del art déco tuvo influencias de las corrientes del vanguardismo que lo antecedieron como el cubismo y el futurismo, pero se diferencia por estar cargados de motivos de culturas antiguas como, por ejemplo, la egipcia, la asiática y la de Mesopotamia. En este sentido, el art déco es considerado el primer estilo decorativo global

My portrait (Self-portrait in the green Bugatti), Tamara Lempicka, 1929

Algunos de los representantes de la corriente artística del art déco son: Tamara de Lempicka, Jean Dupas, Erté y Paul Poiret. Ejemplos en la arquitectura podemos encontrar el famoso edificio Chrysler y el Centro Rockefeller en Nueva York, Estados Unidos.

Cartel de Exposición Internacional de Artes Decorativas 1925

Esta exposición recibió la denominación de de Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas y en cierto modo supuso el reconocimiento internacional hacia este estilo decorativo.

No se puede obviar que en este momento París representaba uno de los puntos fundamentales del lujo, el estilo y la moda internacional por lo que en cierto modo la exposición supuso el reconocimiento de este estilo.

Aunque en realidad encontramos importantes ejemplos de art déco en muchos puntos de Europa y Estados Unidos, cuando hablamos de art déco, nos viene de manera especial a la cabeza la ciudad de París. Es en esta ciudad donde gracias a figuras como Jacques Emile Ruhlmann, Jean Jacques Rateau, Eileen Gray, Jean Dunand, René Lalique, Maurice Marinot, Cartier o la firma Sue et Mar que el estilo art déco alcanza su mayor plenitud y desarrollo.

Sin duda alguna el art déco se caracteriza por su heterogeneidad y eclecticismo. Este hecho quizás fuera promovido al no existir dentro del art déco una consciencia de unidad o comunidad uniforme entre los miembros de este estilo artístico, gozando por lo tanto de una rica amalgama de influencias que facilitó que fuese fácilmente aceptado por todo el mundo. Gracias a lo cual, podemos encontrar en la actualidad maravillosos ejemplos de art déco en muchas ciudades del mundo.

El art déco constituyó un grito a la vida y a las ganas de vivir

 Refleja el sentimiento de la sociedad de entreguerras. Nos muestra una manera de ver y sentir el mundo que se reflejo perfectamente en la novela, el Gran Gatsby de F Sott Fitzgerald y que fue posteriormente llevada al cine por el director Baz Luhrmann, mostrándonos con gran acierto esa visión de la vida y este estado de ánimo.

Art Déco en la película El Gran Gatsby 2012

El art déco represento el color, el entusiasmo y la alegría de una época y de una sociedad en cambio, con ganas de vivir y en una aparente prosperidad.

En realidad constituyo un reflejo más de la sociedad en ebullición que desde la revolución industrial , y como consecuencia del profundo cambio social y cultural que se fraguó buscaba dar nuevas respuestas, llenas de ganas y ansias por lo que la vida les pudiera brindar.

En realidad la época del art déco fue la era del jazz y del glamour, fue lo que se denomino la generación perdida, ya que muchos de ellos perdieron la vida entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial.

El art déco, tal y como hemos comentado es un estilo ecléctico, influido por una multiplicidad de fuentes, y que se encuadra junto con otros estilos, dentro de lo que se ha denominado el modernismo.

Edificio Empire State.  Art Deco

Arquitectura Art Déco.

Otra característica de la iconografía art déco es la simetría, y las líneas fraccionadas, la geometrización de las formas, también serán recurrentes dentro de la iconografía general del movimiento art déco.

LA ERA DEL JAZZ Y EL ART DÉCO

El estilo art déco nace  y se desarrolla en un momento histórico, del cuál se impregnará de manera determinante. De este modo es curioso observar la retroalimentación mutúa que se produjo entre el Art Déco y el mundo del jazz. En cierto modo dentro del Art Déco se encentra  el ambiente y   todo lo que rodeo al mundo del jazz.

MOBILIARIO ART DECÓ

El Art Decó introdujo elegantes esquinas redondeadas, diseños aerodinámicos y un estilo futurista. Los asientos son con frecuencia ligeramente curvados hacia adentro, lo que sugiere intimidad y sensualidad. Las figuras humanas estilizadas con formas alargadas fueron emblemáticas influencias decorativas de este estilo utilizadas en estatuas, iluminación y obras de arte

Patrones geométricos

Los diseños geométricos proporcionan a menudo un contrapunto a las líneas redondeadas suaves de los muebles clásicos del estilo Art Decó. Los diseños de abanico se incorporaron a menudo utilizando triángulos en capas, y también eran comunes lo diseños circulares.

materiales y acabados industriales

Los materiales industriales fueron incorporados en el diseño o el acabado de muebles Art Decó. Metales, cromo, plástico y vidrio suelen combinarse con la madera para agregar elementos de textura y adornos reflectantes. Los acabados fueron brillantes o satinados. La madera fue fuertemente laqueada o esmaltada y pulida para lograr mucho brillo..

PAPEL TAPIZ

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Walter Peterhans

(1897-1960)

Walter Peterhans (12 de junio de 1897 - 12 de abril de 1960) fue un fotógrafo alemán más conocido como profesor y director de fotografía en la Bauhaus de 1929 a 1933 y en la Escuela Reimann de Berlín y su posterior inmigración a Chicago en 1938 para enseñar el curso de "entrenamiento visual" a los estudiantes de arquitectura en el Instituto de Tecnología de Illinois bajo la dirección de Mies van der Rohe.

Había diez modulos en este curso, que se cursaran durante cuatro semestres. El curso fue tan exitoso, que sobrevivió a Peterhans por más de treinta años.  En la Bauhaus, la enseñanza de Peterhans implicó el uso de las teorías de Kant, Platón y Pitágoras para mostrar cómo la belleza se construye en la mente, y cómo se puede crear en las obras de arte. 

En 1953 Peterhans fue parte de la facultad inicial de la Escuela de Diseño de Ulm (Hochschule für Gestaltung, 1953-1968) en Alemania, que se convirtió en una reconocida e influyente escuela de diseño. El trabajo propio de Peterhans en los años 30 era primer plano, naturalezas muertas, impresiones de gelatina de plata de objetos comunes, y vino a la Bauhaus invitado por Hannes Meyer.

En América se casó brevemente con la arquitecta estadounidense Gertrude Lempp Kerbis antes de casarse con Brigitte Schlaich, también arquitecta, en 1957.Su trabajos, fueron en su mayoria naturalezas muertas, con objetos cotidianos, acercamientos con un toque de abstraccion y algunos retratos con una estetica inquietante.

Museo Folkwang, Essen. 1993. Primera edición, primera impresión.

Excelente visión general del trabajo del profesor y líder del curso de fotografía en la Bauhaus.

Pasta blanda con sobrecubierta. 215 x 280 mm. 112 páginas. Concepto: Ute Eskildsen. Diseño: un Huef y Heinze. Coordinación: Christina Buschmann. Texto en aleman.

Walter Peterhans (12 de junio de 1897 hasta el 12 de abril de 1960) fue un fotógrafo alemán mejor conocido como profesor y líder de cursos de fotografía en la Bauhaus (desde 1929 hasta 1933) y en la Escuela Reimann de Berlín con Hugo Häring.

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Escuela de la Bauhaus

La Bauhaus o Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) fue una escuela de artesanía, artes, diseño y arquitectura que ha sido reconocida mundialmente por su aportación en el diseño.

Fundada en 1919 en Weimar, Alemania, la Bauhaus cuenta con tres periodos históricos importantes: su primer periodo con la dirección de Walter Gropius; su segundo periodo en 1925 con su traslado a Dessau y el nombramiento de un nuevo director Hannes Meyer, que más tarde sería destituido por Ludwig Mies van der Rohe; Y finalmente con el traslado de la escuela a Berlín y su inminente cierre a causa del régimen fascista en 1933. 

En el contexto de creciente industrialización en Europa, el progreso tecnológico, la masificación y la producción en serie, trajo consigo importantes cambios en el sector social y económico. El manifiesto de fundación de la Bauhaus alentaba el regreso de la artesanía y el arte como unidad y vinculación al ámbito social. 

Durante su primer periodo con Walter Gropius al frente de la Escuela, se impulsó la enseñanza a través de centros de asesoramiento de oficios manuales, artesanía e industria que más tarde se modificaría en el plan de estudios, por talleres donde trabajarían un material base con profesores como Gropius en el taller de muebles, Schlemmer en escultura de piedra y Kandinsky en pintura mural, por mencionar algunos.

Su segundo periodo considerado como el más prolífico, comienza en Dessau, tras difíciles negociaciones por una crisis financiera que los llevaría a mudarse en 1925. Inauguraron lo que sería una de las edificaciones más emblemáticas en el ámbito de la educación y la arquitectura con ventanales en muro cortina y hormigón armado. A este periodo se uniría Marcel Breuer en el taller de muebles y Herbert Hayer en tipografía, entre otros.

El ámbito político siempre estaría presente en la Bauhaus, debilitada poco a poco ante diferentes posturas, Gropius presenta su renuncia en 1928 destituido por Hannes Meyer y más tarde por Ludwig Mies van der Rohe, quien trató de excluir a la Bauhaus de cualquier conflicto político expulsando a estudiantes de orientación comunista.

Su tercer periodo no duraría mucho con la llegada al poder del Partido Nazi y el régimen fascista invadiendo toda Alemania, la Escuela es finalmente cerrada por la Gestapo en 1933.

Durante ese año, varios integrantes se mudarían a Estados Unidos para continuar con el legado de la Escuela en la Ciudad de Chicago y regresarían a Alemania en 1951 en Ulm bajo la dirección de Tomas Maldonado hasta 1966.

La Bauhaus sigue siendo una fuerte influencia en instituciones educativas de diseño al rededor del mundo, posturas alejadas de las líneas divisorias entre las disciplinas y cercanas a lo funcional. Un legado que permanece muy presente en la actualidad.

Seguramente te preguntes por qué fue esta Escuela, que tuvo que cambiar de sede hasta en tres ocasiones debido a la difícil situación política que existía en aquella época, una de las más importantes de la historia. 

Y es que poco a poco la Escuela Bauhaus sentó las bases de lo que hoy se conoce como Arquitectura Moderna. A través de sus artistas y su influencia en los alumnos, la Bauhaus creó una nueva estética sentando principalmente las bases de lo que en la actualidad se conoce como el diseño industrial y el diseño gráfico.  

DISEÑO DE MUEBLES

El movimiento Bauhaus se caracterizó por estar influenciado por el constructivismo ruso, el expresionismo y el neoplatonismo. Su estilo se basaba fundamentalmente en el arte sin ornamentación, donde la forma sigue la función, cuyo principio es que la forma de un edificio u objeto debiera estar basada primordialmente en su función o finalidad.

Sillón F51, de Walter Gropius

La Bauhaus tenía que ofrecer más que una especialización académica para cumplir con sus propósitos. Necesitaba nuevos métodos de enseñanza y para Gropius la base del arte estaba en la artesanía. Estaba convencido de que los artistas tenían que volver al trabajo manual. Por tanto, las clases las impartían artistas y artesanos. Los profesores procedían de distintas ramas artísticas. Entre ellos han desfilado Kandisnky, Itten, Muche, Marcks o Klee.

TIPOGRAFÍA

La escuela de diseño creó un nuevo estilo tipográfico. Las fuentes usadas eran Sans-serif. Herbert Bayer fue el publicista más destacado de la Bauhaus. Estudió en la escuela durante 4 años y Gropius lo nombró director de impresión y publicidad. En 1925 una fuente Sans-serif universal y geométrica (Architype Bayer).

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ESTILO VICTORIANO

El estilo victoriano es un estilo de arquitectura, moda, literatura, artes decorativas y visuales entre otras áreas. Se caracteriza por ser romántico y gótico. Se impuso durante el reinado de la reina Victoria de Gran Bretaña desde mediados y finales del siglo XIX (20 de junio 1837–22 de enero 1901).

Le caracteriza una mezcla de diferentes estilos, acompañada de una búsqueda de continuas novedades; que en general no tuvieron demasiado éxito, al resultar en una producción poco afortunada estéticamente. Sí es en cambio remarcable la calidad de los materiales empleados, en especial en los muebles de encargo, siendo la caoba el más importante.

El puritanismo dominante hace que la vivienda victoriana sea el lugar central de la vida familiar y social, en ella la burguesía da muestra de su nivel de bienestar, por lo que será a la vez acogedora y ostentosa. Será el comedor una habitación fundamental, ya que en ella se comerá y rezará. 

A la hora de su decoración se recurrirá al eclecticismo, los salones presentarán en alfombras, paredes y cortinas ricos colores, a la par de una profusión de pequeños detalles decorativos tal como figuras, lámparas o adornos, una habitación desnuda se consideraba de mal gusto y era el salón un escaparate en el que el propietario mostraba a los invitados sus intereses. 

   Características del Mobiliario:

La silla es gótica o isabelina, pero de respaldo abombado y patas rectas.

Los sofás del tipo chaise longue, confidente y tête à tête.

Las mesas de comedor rectangulares de esquinas en ángulo recto, sólidas y de patas torneadas.

Las mesas y mesitas de juego, de variadas formas.

El escritorio es muy popular, pequeños y con cajoneras laterales.

Los aparadores, que presidían el comedor, con un espejo tallado. En la Exposición de 1862 se mostraron dos de ellos, los llamados «Shakespeare» y «Robinson Crusoe» por la temática de sus motivos decorativos, hechos por Thomas Tweedy y su discípulo Gerard Robinson.

Las cómodas, altas y con espejo.

Los muebles del vestíbulo, para bastones y sombreros.

Las rinconeras, altas, acristaladas y con estantes para la exhibición de las piezas que contenían.

Los relojes de pared.

En cuanto a los materiales de fabricación:

Los muebles de madera de caoba (la más común) o roble y más tardíamente de nogal y satín. Se sometían a teñido para ennegrecerlos, al objeto de darles aspecto de antiguo.

Los muebles de hierro forjado.

Los muebles tapizados.

Al mueble victoriano le caracteriza más el ornamento que su forma, por ello se puso en boga el cartón piedra que se lacaba en color negro, adornándolo con nácar.

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ARTS AND CRAFTS

El movimiento Arts & Crafts surge como rechazo a la estética de la revolución industrial, fría y despersonalizada, que estaba invadiendo Europa a principios del siglo XX.

La revolución industrial primero, y el levantamiento ruso y la inminente 1ª Guerra Mundial más tarde fueron el caldo de cultivo perfecto para ese estilo algo deshumanizado y ‘demasiado’ funcional. Pero un poco antes de que todo esto llegara, unos románticos ingleses liderados por William Morris empezaron a tejer con flores tapices, paredes, alfombras, muebles… en unos maravillosos estampados y ornamentos que inspirarían más tarde el movimiento Art Nouveau, o auténticas joyas como las telas de Liberty.

Fundación Juan March (Madrid) y que en enero verá la luz en Barcelona, queda en evidencia la genialidad de este inglés tenía un enfoque casi renacentista a la hora de crear: igual diseñaba, que tejía, ilustraba, escribía o pintaba. Morris renunció a la contemplación aristocrática que era de esperar por su condición social acomodada, para convertirse en padre del movimiento Arts and Crafts, que defendía el placer en el trabajo y la sencillez de los detalles. 

Morris se fijó en la casa con una nueva mirada, casi como el primer interiorista de todos los tiempos, capaz de hacer sofisticados ‘renders’ en acuarela y de abrir un estudio propio en el mismísimo 449 de la calle Oxford Street de Londres.

El término Arts & Crafts se utiliza por primera vez en 1887 a raíz de la fundación de la Arts & Crafts Exhibition Society que organiza importantes exposiciones entre 1888 y 1916. Los arquitectos, diseñadores, artesanos, que engloban este movimiento defienden las artes decorativas y el trabajo artesanal, y se oponen a la industrialización y la producción en serie. Son, además, partidarios de la vida rural y las tradiciones locales.

El movimieto se extendió rápido por Europa y floreció con carácter propio en ciudades como Glasgow (Mackintosh), Viena (Hoffmann) y Barcelona (Gaudí), curiosamente en las segundas ciudades en importancia de cada país, lo suficientemente importantes para que existiera esa inquietud artísitica, pero al mismo tiempo alejadas de la deshumanización de las grandes urbes.  

El movimiento Arts & Crafts ya convertido en Art Nouveau, cruza el Atlántico para llegar a Estados Unidos de la mano del genial Frank Lloyd Wright quien integra elementos decorativos en sus famosas vidrieras.

Principios del movimiento:     

Reformar el diseño:

 Silla Caoba

Detalle de un dibujo de William Morris y John Henry                                              Dearle sobre una alfombra Bullerswood, c. 1889. 

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NEOCLASICO

Entre los artistas existía una convicción por crear una estética que le confiriera un nuevo sentido al paso de la tradición a la modernidad, bajo una escala de valores que se consideraban racionales y, en esa medida, universales. Entre ellos estaban:la libertad,la idea de patria,el heroísmo yel espíritu de sacrificio, rigor y autodominio 

El término neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.

El movimiento neoclasicista se originó en Francia, donde fue llamado simplemente clasicismo. Desde allí se extendió hacia el resto de Europa y América, de la mano con la expansión del Iluminismo o Ilustración, clave filosófica del movimiento neoclásico en todas sus manifestaciones.

Jacques-Louis David: El juramento de los Horacios. 1784. Óleo sobre lienzo. 3,26 m x 4,2 m

Características generales del neoclasicismo

Aunque en apariencia el arte neoclásico transmite cierta frialdad, en realidad pretendía ser un arte verdaderamente revolucionario en su intención al menos en su primera etapa. Los artistas genuinamente deseaban participar en el nacimiento de una cultura basada en la razón, la moral y el progreso. Por ello se plantearon seguir una serie de características y valores.

Jacques-Louis David: La muerte de Sócrates. 1787. Óleo sobre lienzo. 129,5 × 196,2 cm

El propósito y fin del neoclasicismo era la educación y la moralización de la sociedad con miras a la construcción del proyecto moderno. Los artistas y escritores creían que a través de sus obras ayudaban a difundir los valores necesarios para construir una sociedad racional, moral, culta y progresista que superara la ignorancia, a la que veían como madre de la intolerancia y el dogmatismo.

Anton Raphael Mengs: El triunfo de la historia sobre el tiempo. 1772. Óleo sobre lienzo.

Entre los artistas existía una convicción por crear una estética que le confiriera un nuevo sentido al paso de la tradición a la modernidad, bajo una escala de valores que se consideraban racionales y, en esa medida, universales. Entre ellos estaban:

la libertad,

la idea de patria,

el heroísmo y

el espíritu de sacrificio, rigor y autodominio

Arte de la Antigüedad Clásica:

El neoclasicismo retoma la indagación e investigación de la Antigüedad Clásica y le confiere un nuevo sentido: la interpreta como expresión “culta” y modelo ético de carácter universal y racional.

La inspiración en la Antigüedad Clásica ya se había visto en el Renacimiento, pero mientras los renacentistas acudían a ella como un método para conocer la naturaleza, los neoclásicos la interpretaban como una referencia moral en la cual fundar el “proyecto moderno”. Se trataba, pues, de una idealización moral del pasado grecolatino.

Mobiliario Neoclasicismo:

En el último tercio del siglo XVIII una misma sensibilidad, heredera del rococó, fructifica dos estilos separados por el Canal de la Mancha: el estilo Adam en Gran Bretaña y el estilo Luis XVI en Francia.

-Por los colores blanco, gris, plata y dorado. - Paneles grotescos planos, de dibujo leve, aéreos, aún herencia rococó, donde los motivos decorativos se reúnen por medio de cadenas o rosarios.

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DIRECTORIO

El estilo Directorio, describe un período en el diseño de artes decorativas, moda y especialmente muebles, concurrente con el Directorio Francés posterior a la Revolución (2 de noviembre de 1795 hasta 10 de noviembre de 1799). 

El estilo utiliza formas arquitectónicas neoclásicas, tallas mínimas, extensiones planas de chapas de granulado y pintura decorativa aplicada. Es un estilo de transición entre Luis XVI y el Imperio.

El estilo del Directorio fue establecido principalmente por los arquitectos y diseñadores Charles Percier (1764-1838) y Pier François Léonard Fontaine (1762-1853). 

En su uso de la forma arquitectónica neoclásica y motivos decorativos, el estilo anticipa el estilo Imperio un poco más tardío y más elaborado, que se introdujo después de que Napoleón estableciera el Primer Imperio Francés. 

El estilo del Directorio reflejaba la creencia revolucionaria en los valores de la Roma republicana:

“Las virtudes estoicas de la Roma republicana se mantuvieron como normas no solo para las artes, sino también para el comportamiento político y la moralidad privada. Los convenciones se consideraban a sí mismos héroes antiguos. Los niños llevaban el nombre de Brutus, Solon y Licurgo. Jacques-Louis David como rituales antiguos. Incluso las sillas en las que se sentó el comité de Salut Publique estaban hechas con modelos antiguos ideados por David … De hecho, el neoclasicismo se puso de moda “.

Principales características:

Las formas son más simples: las curvas discretas y las líneas rectas sin rigidez se combinan con gran elegancia. El estilo Directorio anuncia el estilo Imperio sin tener la pesadez. 

Tomando su nombre del Directorio, es decir del gobierno de los Directores que duró cuatro años, desde 1795 hasta 1799, este estilo no forma una entidad independiente, sino que debe definirse como un fenómeno de transición, haciendo que el vínculo entre Estilos Luis XVI e Imperio. 

En una palabra, es un estilo que proviene tanto del difunto Luis XVI como de los comienzos del Imperio. Ya bajo el reinado de Luis XVI, se había creado un movimiento que abogaba por una imitación más fiel de los modelos antiguos; sin embargo, fue solo con el Imperio que alcanzó su plena madurez. 

Si la Revolución de 1789 no fue el origen de un cambio radical en el campo de los muebles, aún permitió acelerar el movimiento, respondiendo precisamente el gusto de los revolucionarios por los ideales republicanos de las sociedades de la Antigüedad.

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REGENCIA

Caracteriza a este estilo es el paso de lo majestuoso del Luis XIV a las formas gráciles y femeninas, un tanto decadentes, del período Luis XV. Es una época donde la mujer se ve mimada, elogiada, y galanteada excesivamente, por lo tanto su influencia es notable; cuestión que se manifiesta luego en las formas rococó.

En este período se acentúa aún más la atención por el hogar, así vemos como surgen nuevas dependencias, entre ellas el Boudoir, salón femenino enlazado con el dormitorio; el comedor; la biblioteca; salón de fumar; salón de conversación, etcétera.

Nace en esta época la ornamentación basada en la rocalla, que consiste en la decoración a base de rocas y conchas, cascadas y juegos de agua.

Características:

Amplio dominio de la curva, en respaldos, asientos, brazos y patas; aparece la pata S, llamada contorno de ballesta.

La madera fundamental sigue siendo el nogal. En el norte se emplea el roble y en el sur se comienza a utilizar la caoba.

Se inicia la utilización masiva de la tapicería.

Los principales materiales decorativos son lacas, sustituidas después por el barniz; el mármol para los tableros de mesa; los estucos y la pietra dura italiana.

Las curvas en todo el mueble son simétricas.

La concha es el principal motivo ornamental.

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LUIS XVI

(Versalles, Francia, 1754 - París, 1793) 

Rey de Francia y duque de Berry. Heredero de Luis, delfín de Francia, y nieto de Luis XV, en 1770 contrajo matrimonio con la hija de la emperatriz de Austria, la archiduquesa María Antonieta, quien le dio cuatro hijos. 

Hombre de buenas intenciones pero débil de carácter, poco interesado en los asuntos políticos, se dejó influenciar por la reina y por una camarilla de cortesanos.

Su llegada al trono hizo pensar en grandes reformas del Estado, pero su falta de carácter, las intrigas de su corte y la oposición de los nobles le impidieron llevar a cabo las medidas oportunas. En cuanto a política exterior tuvo más éxito, debilitando a Gran Bretaña y manteniendo la paz en Europa.

Luis XVI retratado por Callet, Museo del Prado, Madrid.

El duque de Choiseul decide aliarse con Austria con el propósito de poner fin a la prosperidad de Gran Bretaña y Rusia, por lo que pide la mano de María Antonieta de Austria, archiduquesa de Austria e hija de Francisco de Lorena y la emperatriz María Teresa, para desposarla con el delfín.

En el verano de 1776 llegó a Francia la noticia de la proclamación de independencia de las colonias americanas de Inglaterra. Ya en el año anterior tuvieron lugar negociaciones entre las colonias y Francia. Finalmente, Vergennes convenció a Luis XVI para entrar en la guerra por la libertad de las colonias, en detrimento de los hostiles ingleses. El objetivo de Francia era recuperar las colonias perdidas en la guerra de los Siete Años.

MOBILIARIO:

El estilo Luis XVI, también llamado Louis Seize, es un estilo de arquitectura, mobiliario, decoración y arte que se desarrolló en Francia durante el reinado de 19 años de Luis XVI (1774-1793), justo antes de la Revolución Francesa. Vio la fase final del estilo barroco y el nacimiento del neoclasicismo francés. El estilo fue una reacción contra el adorno elaborado del período barroco precedente.

Fue inspirado en parte por los descubrimientos de pinturas, esculturas y arquitectura romanas antiguas en Herculano y Pompeya. Sus características incluyen la columna recta, la simplicidad del dintel posterior y el arquitrabe del templo griego. También expresó los valores inspirados por Rousseau de regresar a la naturaleza y la visión de la naturaleza como un modelo idealizado y salvaje pero aún ordenado e intrínsecamente digno de las artes a seguir.

Fue inspirado en parte por los descubrimientos de pinturas, esculturas y arquitectura romanas antiguas en Herculano y Pompeya. Sus características incluyen la columna recta, la simplicidad del dintel posterior y el arquitrabe del templo griego. 

También expresó los valores inspirados por Rousseau de regresar a la naturaleza y la visión de la naturaleza como un modelo idealizado y salvaje pero aún ordenado e intrínsecamente digno de las artes a seguir.

Se crearon escritorios y gabinetes magníficamente elaborados para el Palacio de Versalles y otras residencias reales por los ebanistas Jean-Henri Riesener y David Roentgen, utilizando incrustaciones de maderas finas, especialmente caoba, decoradas con bronce dorado y nácar. Jean-Henri Riesener y Georges Jacob también hicieron conjuntos de sillas y mesas igualmente finos.

Las tapicerías reales de Gobelins, Aubusson y Beauvais Tapestry continuaron fabricando grandes tapices, pero una parte cada vez mayor de su negocio fue la fabricación de tapicería para los nuevos juegos de sillas, sofás y otros muebles para las residencias reales y la nobleza. El papel tapiz también se convirtió en una parte importante del diseño de interiores, gracias a los nuevos procesos desarrollados por Reveillon.

Estética

Principales características:

Los muebles de Luis XVI se oponen al estilo Luis XV: rechaza las formas rococó del estilo Luis XV y vuelve al rigor de las formas geométricas inspiradas, entre otras cosas, por el descubrimiento de los restos de la antigüedad en Herculano y Pompeya (dos ciudades cerca de Nápoles engullidas por la erupción volcánica del Vesubio). La estructura del mobiliario se realza con formas rectilíneas. Las formas rigurosas como el rectángulo, el cuadrado, la ronda y el óvalo tomados de la arquitectura neoclásica. La base de los muebles toma los elementos del estilo antiguo, incluido el pie estriado o la columna cuadrada.

Los elementos ornamentales también son minimalistas. Los adornos tienen una forma simétrica y su inspiración se encuentra en la naturaleza vegetal y los temas antiguos. Entre los elementos más clásicos están el lazo de cinta, el festón y la cortina. Los dorados se fijan mediante pequeñas teclas en palos o ángulos (donde sirven para reforzar los puntos débiles de los muebles).

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IMPERIO

Es un estilo artístico dominante, esencialmente, en decoración de interiores, mobiliario y moda, que se inserta dentro del movimiento neoclásico, y en concreto del neoclasicismo tardío. Toma su nombre del periodo de gobierno de Napoleón en Francia, conocido como Primer Imperio Francés.

A pesar de su nombre, el estilo se desarrolla antes de la proclamación del Imperio en 1804, teniendo su punto de origen en las campañas militares de Italia (1797) y Egipto (1798). En Francia, al estilo Imperio le antecede el estilo Directorio y le sucede el estilo Restauración.

El estilo Imperio rechazó las formas primitivas y puras que habían caracterizado el neoclasicismo del siglo XVIII, y en especial del estilo Luis XVI, para abrazar las formas reiterativas, la extravagancia y la contundencia. También Napoléon, como en su momento los líderes revolucionarios, veía un poder propagandístico en el arte.

En resumen, podemos afirmar que bajo el estilo Imperio la influencia de la Antigüedad se borra de contenido al mismo tiempo que se acentúa el valor de lo formal y teatral, su decorativismo anuncia ya, los revivals del siglo XIX.

Características:

estricta simetría en las composiciones murales y organización de las estancias.

los muebles se alejan de las formas sinuosas del estilo Luis XV o ligeras del estilo Luis XVI, adoptan una apariencia rígida, maciza y formas geométricas básicas.

los motivos son esencialmente guerreros (trofeos, lanzas, fasces...) o clásicos (esfinges, leones, águilas, ninfas...).

a veces se incorporan motivos exóticos del Antiguo Egipto.

se recuperan los colores intensos y saturados perdidos durante el siglo XVIII, que prefirió el blanco o los tonos pastel.

los muebles se hacen en madera vista, sin pintar, como la caoba o el nogal.

ausencia de marquetería.

predominio de elaboradas incrustaciones de bronce.

muebles nuevos: lit en bateau, psyché o sillas en "pied en sabre".

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RESTAURACIÓN

Estilo Restauración puede referirse a:

Estilo Restauración (Inglaterra), siglo XVII

Estilo Restauración (Francia), siglo XIX.

El estilo de la Restauración, también conocido como estilo carolino (del latín Carolus (Carlos), se refiere a las artes decorativas populares en Inglaterra desde la Restauración de la monarquía en 1660 a finales de los años 1680 por el rey Carlos II (reinó 1660 – 1685)

Al regreso del rey y su corte del exilio en el Continente llevó al reemplazo de la severidad puritana del estilo cromwelliano con un gusto por la magnificencia y la opulencia y la introducción de las influencias artísticas neerlandesas y francesas. 

Esto se hace evidente en el mobiliario en el uso de marquetería floral, nogal en lugar de roble, soportes y patas retorcidas, barnices exóticos, asientos y respaldos de mimbre en las sillas, suntuosas tapicerías con terciopelo y asientos de bambú, así como las bases esculpidas y ornamentadas en dorado.

La plata de la Restauración está caracterizada por motivos en relieve de tulipanes y hojas y frutas naturalísticas. Se introdujeron nuevos tipos de muebles.

El creciente poder de la Compañía Británica de las Indias Orientales produjo un alza de las importaciones de productos ecóticos como la porcelana china y japonesa, así como el té, los barnices y tejidos de chintz de la India.

Esto llevó a una moda por las chinoiseries, que se refleja en laca de imitación japonesa, decoración en azul y blanco sobre la cerámica, escenas de figuras y paisajes al estilo chino sobre la plata y nuevas formas de usar la plata, como las teteras, así como cortinajes y otra ropa de cama colorida al estilo indio.

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Robert Adams

Arquitecto escocés que se convirtió en el diseñador de residencias más destacado de Escocia durante esa época. Finales del siglo XVIII, y líder del renacimiento neoclásico en Inglaterra y Escocia desde 1760 hasta su muerte.

Recorrió Europa gracias al Grand Tour de Francia e Italia, estudiando arquitectura clásica y perfeccionando sus habilidades como dibujante. Durante su viaje, estudió intensivamente las ruinas del palacio de Diocleciano en Split, Dalmacia, publicando Ruinas del Palacio de Diocleciano en 1764.

Se inspiró en gran parte por el tipo de mobiliario de la antigua Grecia y Roma y solían decir que una de las razones del éxito de sus diseños, junto a sus hermanos, era su afán de diseñar hasta el más mínimo detalle dentro del mobiliario.

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George Hepplewhite

(fallecido en 1786, Londres), ebanista inglés ydiseñador de muebles cuyo nombre se asocia con un elegante estilo de neoclasicismo , un movimiento que ayudó a formular en las artes decorativas.

Poco se sabe de la vida de Hepplewhite, excepto que fue aprendiz del fabricante de muebles inglés Robert Gillow de Lancaster , fue a Londres y abrió una tienda en Redcross Street. Aparte de su observación en el diseño de una silla de que había sido "ejecutada con buenos resultados para el Príncipe de Gales", no hay otra evidencia que demuestre que Hepplewhite's era una firma de moda; Además, las cuentas reales no tienen registro de la silla. Después de su muerte, su patrimonio fue administrado por su viuda, Alice, quien continuó con el negocio.

El estilo y la reputación de Hepplewhite descansan en su Cabinet-Maker and Upholsterer's Guide (1788), que contenía casi 300 diseños para muebles y otros muebles. Las placas en la Guía no están firmadas, pero se incluyen 10 diseños firmados "Hepplewhite" o "Heppelwhite" en elLibro de precios del gabinete del fabricante de Londres (1788)

Los muebles basados ​​en los diseños de la Guía son raros, y ninguna pieza se puede atribuir definitivamente a la firma de Hepplewhite, ni se puede establecer su responsabilidad personal por los diseños.