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El Museo Guggenheim de Bilbao y el Palacio Kursaal de San Sebastián

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

16 de diciembre de 2024

El Museo Guggenheim de Bilbao y el Centro de Congresos y Auditorio Kursaal de San Sebastián son ejemplos paradigmáticos de la contemporaneidad arquitectónica vasca, el primero con una forma e intención que lo confirió reconocimiento internacional y el segundo con un geometría ordenada y contextual que, sin embargo, le permite llamar a la ciudad a una relación inevitable. Así, el primero presenta un diseño que transforma el paisaje de la ciudad de Bilbao, a la que logra redefinir; el segundo, por el contrario, se integra en el paisaje de la ciudad de San Sebastián, eludiendo o no transformando su entorno. Estas manifestaciones están constituidas por aquellas dos maneras diferentes, aunque válidas, de abordar la relación entre arquitectura y ciudad.

El Museo Guggenheim de Bilbao se destaca en su tendencia escultórica y en su poder de transformar el contexto urbano. Diseñado por Frank Gehry e inaugurado en 1997, el Guggenheim exhibe un diseño en el que las formas curvas y los materiales innovadores como el titanio crean estructuras que parecen fluir como el río Nervión que lo bordea. El diseño no solo puede ser considerado en sí mismo como una obra de arte, sino que también sirve como motor de regeneración urbana, facilitando el turismo y modificando el estereotipo de Bilbao y de su evolución hacia una ciudad global; una circunstancia que se ha llegado a denominar como efecto Guggenheim y que fundamenta el aprendizaje de la arquitectura en cuanto a que puede ser entendida como una forma de arte y como una construcción simbólicamente significativa en su ámbito cultural y económico.

En el polo opuesto, el Palacio Kursaal de San Sebastián, ideado por Rafael Moneo e inaugurado el 1999, sigue un camino más contextual y austero. Integrado por dos cuerpos cúbicos de vidrio translúcido, el Kursaal se asemeja a las rocas del litoral que lo golpean junto a la playa de Zurriola. Conectar con el paisaje natural y urbano que envuelve al edificio era la intención de Moneo, a quien le interesaba que el edificio pudiese comunicarse sin imponer su presencia.. Por otra parte, el uso de formas y materiales sencillos confirma su carácter funcional de centro cultural y de congresos, pero a la vez ; porque aquí queda latente que la arquitectura puede igualmente ser poderosa dándole más importancia a la armonía con el lugar que a serlo visualmente.

El Palacio Kursaal de San Sebastián y el Museo Guggenheim Bilbao constituyen dos maneras de concebir la arquitectura que se corresponden con otros contextos y objetivos. Mientras que el Guggenheim se3299 sienta en la monumentalidad y la transformación urbana, el Kursaal es más un espacio para el encuentro y el respeto por su contexto. Ambos tipos de proyecto, incluso opuestos entre sí, ponen en evidencia el recurso que se refleja en la capacidad de la arquitectura del presente en un proceso que muestra la manera en la cual la arquitectura puede afectar la identidad de la ciudad, ya sea como ícono internacional o como la aquiescencia y la aceptación del paisaje más inmediato. Así, tanto Moneo como Gehry dan valiosas lecciones sobre la manera de tratar la complejidad en el tratamiento de los diferentes elementos de la arquitectura, las relaciones entre diseño, ciudad y cultura.

Foster, H., & Gehry, F. (2001). Frank Gehry: The complete works. Phaidon Press.

Moneo, R. (2004). Apuntes sobre 21 obras. Gustavo Gili.

Stoller, E. (2000). Frank O. Gehry: Guggenheim Museum Bilbao. Princeton Architectural Press.

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“El Elogio de la Luz y el Estilo Escultórico del Museo Guggenheim de Bilbao”

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

16 de diciembre de 2024

El emblemático Museo Guggenheim de Bilbao, diseñado por el arquitecto Frank Gehry y que fue inaugurado en el año 1997, es una construcción que redefine la interrelación entre la arquitectura, la luz y el espacio urbano. Este edificio, que fue concebido del no-todo en el contexto del movimiento deconstructivista, es al mismo tiempo, una obra que está muy relacionada con su contexto y también con el medio natural de Bilbao. Por un lado, Gehry opta por un diseño escultórico, que se caracteriza por presentar formas curvas y por el uso de materiales innovadores que también tienen que ver con la identidad de la ciudad. Por otro, la luz, tanto natural como reflejada, convierten al Guggenheim en una estructura viva, móvil. Estas características no solamente cambiaron la arquitectura del museo, sino que transformaron la imagen de Bilbao como ciudad global.

En el escultural estilo de Frank Gehry, tal como puede observarse en el Guggenheim de Bilbao, se basa la creación de formas complejas, fluidas que rompen en mil pedazos con la arquitectura tradicional. Inspirándose en el entorno natural o en la historia industrial de Bilbao, Gehry se focaliza en un edificio que tiene la sensación de fluir tal como lo hace el agua del río Nervión que lo rodea. Las curvas recubiertas en titanio pueden hacer rememorar el movimiento, pero a la vez rinden tributo a la historia naval de la ciudad. Es precisamente esta concepción escultórica unida a una sofisticada ensensibilidad artística la que permite la provocación de una conexión simbólica del museo con la ciudad, convirtiéndose no solo en un edificio de museo, sino ya en un ícono arquitectónico, y tanto en un símbolo de la innovación, como en un símbolo de una identidad local.

La luz se convierte en la experiencia del Guggenheim de Bilbao, exterior e interiormente configurada. Las planes de titanio reflejan el entorno, atrapan los cambios en la luz del día y ofrecen distintas apariencias del edificio según la hora del día y el clima. De esta forma el Guggenheim se convierte en un edificio vivo que dialoga permanentemente con el cielo, el agua y la ciudad. En el interior lo que Gehry busca es utilizar la luz natural para destacar las formas escultóricas del interior de las galerías y enriquecer la experiencia de las exposiciones. Esto demuestra que la luz deja de ser un recurso técnico para convertirse en un recurso que produce el diseño arquitectónico, que pone al edificio en comunicación con el entorno.

El Museo Guggenheim de Bilbao no se limita a ser sólo un edificio sino que es también una escultura arquitectónica donde se unen la forma y la luz y el espacio urbano para dar lugar a una experiencia en la que se percibe la arquitectura bajo un prisma único. El estilo de Gehry, a menudo vinculado a la fluidez de la forma y a la experimentación con los materiales, rinde homenaje a la historia del lugar y al mismo tiempo proyecta una visión de modernidad. El uso de la luz, además, potencia la comunicación del Guggenheim con su entorno además de contribuir a la formación de un nuevo símbolo de transformación arquitectónica y cultural. En el Guggenheim, la luz y la escultura arquitectónica se dan la mano para no sólo redefinir la arquitectura del museo sitio sino también para cambiar la caracterización de la ciudad que lo acoge.

Balfour, A. (1999). Guggenheim Bilbao: Museo del siglo XXI. Thames & Hudson.

Fundación Juan March. (2016, 8 junio). El Guggenheim de Bilbao: arquitectura y espectáculo | Luis Fernández-Galiano [Vídeo]. YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=rBLnqIbdWDk

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Contrastes en el Diseño: “El Universalismo de Mies van der Rohe y la Singularidad de Gaudí”.

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

16 de Diciembre de 2024

La arquitectura puede moverse entre dos extremos, el diseño universal de Mies van der Rohe y el diseño personal de Antoni Gaudí. El primero, con su lema de “menos = más”, recoge una propuesta de una arquitectura universal centrada en la simplicidad o la razón de la arquitectura. En el caso del segundo, el diseño que ha pugnar por un planteamiento profundamente personal, donde la ornamentación y la naturaleza son dos grandes ejes de su proyecto; ambos representando, como se ha mencionado, formas de orientar la necesidad humana que conlleva la arquitectura, una por la neutralidad, la posibilidad de ser adaptada a cualquier situación y otra vinculada a expresar identidad y singularidad.

Como puede observarse, la propuesta de Mies van der Rohe fue claramente universal, sencilla y en parte, adaptable. Por lo tanto, su apuesta se centraba en la creación de un espacio que no exigía desarrollar una narración, se trataba de un espacio a utilizar por todo el mundo. El Pabellón de Alemania de Barcelona (1929) o La Casa Farnsworth (Falcon, 1951-1958) son ejemplos claros de que la pureza de las líneas y el uso de materiales como el vidrio y el acero eliminaran lo superfluo para hacer del lugar lo más útil y estéticamente atemporal posible. Esta es una forma en la que los edificios se adaptarán a la cultura y clases sociales de la gente con la que van a entrar en contacto, demostrando así una forma poderosa de universalidad cuando se habla de la neutralidad.

Por el contrario, Antoni Gaudí definió un diseño sumamente personal que tenía su origen en la naturaleza, la religión y su forma de ver el arte. Sus obras (la Sagrada Familia, el parque Güell) destacaban por una complejidad ornamental, por el uso de las formas orgánicas y por establecer una relación emotiva con el entorno. Gaudí no buscaba la neutralidad sino crear espacios que narrasen, que comunicarán una identidad. Cada una de sus obras, mosaicos, formas escultóricas, estaba pensada para emitir un mensaje o provocar en el espectador una respuesta emotiva.

El contraste entre el diseño universal de Mies van der Rohe y el diseño personal de Antoni Gaudí es un claro ejemplo de cómo distantes enfoques arquitectónicos van dirigidos a satisfacer las necesidades humanas de formas completamente distintas. Entre el fundamentalismo de Mies, quien consideraba la funcionalidad y la adaptabilidad del espacio, en un intento por crear espacios que fuesen universales en el transcurso de su cultura y de su tiempo, y el de Gaudí que enfatizaba la expresión individual y el valor de la conexión emocional, ambos diseños subrayan la riqueza de la arquitectura como disciplina donde lo universal y lo personal son dos caras de la misma moneda y forman parte de un proceso que deja huella en la experiencia humana respecto al espacio construido.

Curtis, W. J. R. (1996). Modern architecture since 1900 (3rd ed.). Phaidon Press.

Collins, P. (1998). Changing ideals in modern architecture, 1750-1950. McGill-Queen’s University Press.

Schulze, F., & Windhorst, E. (2012). Mies van der Rohe: A critical biography (2nd ed.). University of Chicago Press.

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El Legado de Pollock y la Abstracción: “Una Puerta al Arte Contemporáneo”

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

3 de diciembre de 2024

La producción estética de Jackson Pollock, su herencia y la abstracción que le continuó, hizo inevitable la concepción del arte moderno, de manera que su obra se constituyó como una frontera para la historia del arte del siglo XX. La técnica y efecto de obras como Blue Poles volvieron a codificar la relación que existe entre el artista, la pintura, el roce y las órdenes del espectador, suponiendo un vuelco en la narración de la historiografía del arte moderno. El ensayo de Kirk Varnedoe titulado Pictures of Nothing: Abstract Art Since Pollock exhibe precisamente cómo Pollock abrió la puerta para el arte abstracto formalista, con su complejidad conceptual y con el minimalismo. Estas proposiciones abren la posibilidad de entender cómo Pollock y sus herederos desarrollaron otra visión del arte contemporáneo.

El método innovador de Pollock y su impacto cultural definieron la pintura referida al siglo XX. Blue Poles, una de las obras más emblemáticas por su técnica de “drip painting”, donde la misma pintura se entendía como un ámbito de acción, hizo desaparecer el tipo de representación de lo figurativo y permitió al espectador experimentar la energía y emoción del proceso, etc. Documentales como el titulado como Jackson Pollock: Blue Poles evidencian cómo Pollock había transformado la propia superficie del lienzo en un ámbito abierto para la pura expresión del artista y cómo había desplazado los límites de la pintura convencional. Pollock no sólo construía arte abstracto sino que rompió con la propia idea de qué era el arte.

El análisis crítico de Kirk Varnedoe en su obra Pictures of Nothing: Abstract Art Since Pollock insistía en la pervivencia de Pollock dentro del desarrollo del arte abstracto. Señalaba que el arte de Pollock había llevado al arte a desvincularse de la representación y a adentrarse en la exploración conceptual. Como consecuencia, esto le dio la oportunidad a otros artistas (los minimalistas y los conceptualistas, entre otros) para cuestionar la materialidad del arte y para ahondar en la idea pura. La influencia de Pollock en la historia del arte, por tanto, no era sólo circunstancial a su época, sino que se había convertido en los cimientos de una historia del arte que ha seguido alimentándose sin descanso desde los años 50 del siglo XX y que llega hasta el arte contemporáneo en la actualidad.

La influencia de Jackson Pollock a lo largo de la pintura y el arte abstracto, tal y como se pone de manifiesto en Blue Poles y en los trabajos de Kirk Varnedoe, definió el deber del arte en el siglo XX. La conjugación entre sus aportaciones técnicas y su contribución conceptual demuestra que el arte abstracto, lejos de ser "nada", se convertía por el contrario en un formato del que servirse para indagar acerca de ideas fundamentales y sentimientos universales. Pollock no sólo modifica de un modo absoluto el lienzo, sino también la propia percepción del arte, estableciendo las bases del arte contemporáneo y reafirmando la relevancia del procedimiento en el ámbito de la expresión artística.

Pollock, J. (1952). Blue Poles: Number 11. Colección Nacional de Australia, Canberra.

“Do You Want a Drawing?” (n.d.). 2 minutes to learn everything about modern and contemporary art.

Varnedoe, K. (2006). Pictures of nothing: Abstract art since Pollock. Princeton University Press.

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Le Corbusier y el Orden Clásico: “De la Tradición a la Modernidad Arquitectónica”

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

3 de diciembre de 2024

El orden de la arquitectura clásica, basado en la proporción y la armonía, fue resituado por Le Corbusier en el siglo XX, dado que incorporó tales principios a las exigencias funcionales de la modernidad. Para ello, Le Corbusier asumió y reinterpretó los principios del orden clásico, mediante su teoría y práctica. En este sentido, empezando por conceptos como el Modulor y proyectos como la Villa Savoye, la concepción de orden pasó a expresarse como un lenguaje arquitectónico contemporáneo. Estas proposiciones se convierten en el testimonio en el cual Le Corbusier no sólo mantuvo valores clásicos, sino que los revisó a fin de hacerlos coincidir con un mundo en cambio.

Le Corbusier reinterpreta la transmisión de principios clásicos, desde su funcionalismo y, por ende, la b��squeda por integrar las proporciones armónicas a las exigencias del siglo XX. En la obra, Vers une Architecture, celebró la belleza racional del Partenón, al tiempo que contrasta esta perfección con la propia funcionalidad de las máquinas modernas, evidentemente enfatizando que el orden debía ser una respuesta tanto a la forma como a la función. Esto se cristaliza en los "cinco puntos de la arquitectura moderna", donde se vuelven a concebir elementos tradicionales, de tal forma que los pilotis evocan las clásicas columnas pero desatan el espacio habitado; o en el caso de la ventana corrida y la fachada libre, que reconfiguran tanto la luz como la proporción en función de las exigencias funcionales. Entonces, el orden clásico busca ser un punto de partida en la medida en que se puede adaptar a nuevas realidades.

Le Corbusier transformó los principios clásicos a través del Modulor, y de proyectos como el de la Villa Savoye. El primer concepto fue el Modulor, que se encuentra basado en la sección áurea y en la escala humana y que establecía un sistema de proporciones universales con el que se intentaba establecer un equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo. En lo que se refiere al segundo concepto, la Villa Savoye es un proyecto que propone una interpretación del clásico “templo clásico” priorizando la pureza geométrica y la funcionalidad, de este modo alcanzando un equilibrio entre el legado clásico y lo contemporáneo. Las obras de Le Corbusier ponen de manifiesto la manera en la que se vale del orden clásico no sólo como fuente de inspiración sino también como un concepto flexible ante nuevas propuestas.

El orden clásico en la arquitectura, reinterpretado por Le Corbusier penetró como una base sólida en la construcción y la transformación de un nuevo lenguaje arquitectónico, por medio de la búsqueda de un enfoque funcionalista y la ejecución de diversas herramientas como el Modulor, integrando los principios clásicos a las exigencias de la modernidad; de esta manera, Le Corbusier supo preservar el valor del orden clásico a la vez que lo transformó para llegar con su arquitectura a unas dinámicas del siglo XX.

Corbusier, L. (1923). Vers une architecture. Éditions Crès.

Corbusier, L. (1954). Le Modulor: Essai sur une mesure harmonique à l’échelle humaine applicable universellement à l’architecture et à la mécanique. Éditions de l’Architecture d’Aujourd’hui.

Frampton, K. (1992). Modern architecture: A critical history (3rd ed.). Thames & Hudson.

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Filipo Brunelleschi: “Pionero del Renacimiento y la Transformación de la Arquitectura”

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

2 de diciembre de 2024

Durante el Renacimiento se produjo una reactivación artística y cultural en Europa y Filipo Brunelleschi fue una de las personalidades más relevantes de entonces, ya que transformó algunas líneas en la arquitectura, gracias a la implementación de nuevas técnicas y el uso de lo clásico. Por eso, la tesis principal de esta obra sostiene que no es solamente la construcción arquitectónica que Brunelleschi transformó mediante la introducción de la perspectiva lineal y la cúpula de Santa María del Fiore, sino que se creó un Nuevo Mundo que definió la arquitectura del Renacimiento. Estas contribuciones, tanto teóricas como prácticas, ejemplifican el impacto profundo que tuvo en el Renacimiento.

Una de las contribuciones más relevantes realizadas por Brunelleschi al arte de la pintura fue la creación de la perspectiva lineal, método que permitió representar el espacio tridimensional exacto en una superficie bidimensional. Esto supuso una auténtica revolución no sólo para la pintura sino también para la planificación arquitectónica. Siendo capaz de mostrar experimentalmente la técnica, como se muestra en la famosa representación del Baptisterio de Florencia, Brunelleschi ofreció a los arquitectos y a los artistas del Renacimiento una herramienta conceptual que les permitió elaborar obras armoniosas, de asombroso realismo. Tal avance no sólo refrendó su reputación como un genio, sino que situó a la arquitectura como una disciplina capaz de integrar la ciencia, el arte y la matemática.

La cúpula de la Catedral de Florencia es la más clara encarnación del ingenio constructivo de Brunelleschi. Con clara indicación de que su diseño y construcción eran innovadores y no tenían precedentes, la cúpula supuso un reto a las limitaciones técnicas de su tiempo a través de la utilización de una estructura autoportante de doble cáscara y de un ingenioso sistema de andamios móviles. Su diseño no solo resolvió un problema arquitectónico que había desconcertado a generaciones anteriores sino que incluso encarnó la actitud del Renacimiento: un equilibrio entre la innovación técnica y el respeto por los ideales clásicos. La obra monumental también definió la skyline de Florencia y fue el modelo para muchos proyectos arquitectóricos desarrollados posteriormente en toda Europa.

Brunelleschi, con su invención de la perspectiva lineal, modificó el pensamiento que venía siendo empleado hasta entonces por artistas y arquitectos a la hora de percibir- y representar - el espacio, pero fue también con la construcción de la cúpula de Santa María del Fiore con lo que estableció un nivel técnico y estético sin parangón. Eso sí, lo que se deduce de las distintas invenciones de Brunelleschi corresponde a una prueba más de su tesis que sostiene que la arquitectura no solo se convirtió en capaz de revivir los ideales clásicos sino que también podía establecerse como una disciplina que, a través de la ciencia y la inventiva, podía configurarse completamente a sí mismna. Por este tipo de razones, Brunelleschi acaba estableciéndose como uno de los nombres más significantes que rescatará-históricamente hablando- la historia de la arquitectura y el ingenio del Renacimiento.

NOVA, PBS. (2010). Building the Great Cathedrals [Video]

King, R. (2013). Brunelleschi’s Dome: The Story of the Great Cathedral in Florence. Bloomsbury Publishing.

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“Ingenio y Simbolismo en la Arquitectura Antigua y Gótica”

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

9 de noviembre de 2024

La historia de la arquitectura monumental, desde el Partenón en Grecia hasta las grandes catedrales de Europa, muestra cómo el ser humano ha usado su ingenio para crear estructuras que han existido en el tiempo y superado las limitaciones de su época. Los documentales Secrets of the Parthenon, Building the Great Cathedrals y Great Cathedral Mystery presentan dos ideas principales: primero, que los arquitectos antiguos usaron conocimientos avanzados de matemáticas y física para diseñar estas estructuras, y segundo, que estos edificios reflejan no solo habilidad técnica, sino también un fuerte simbolismo religioso y cultural. Estas dos ideas están conectadas, ya que el conocimiento técnico permitió la creación de monumentos que representan la espiritualidad y cultura de las sociedades que los construyeron.

En Secrets of the Parthenon, se habla del uso de matemáticas avanzadas y geometría en el diseño del Partenón en Atenas. El documental explica cómo los griegos usaron principios geométricos complejos para construir un edificio que parece perfectamente recto, aunque en realidad tiene ligeras curvaturas que corrigen ilusiones ópticas. Esta precisión matemática fue crucial para lograr el equilibrio y armonía del templo, dos valores muy importantes para la cultura griega.

Building the Great Cathedrals habla de las catedrales góticas de Europa no solo eran logros técnicos, sino también símbolos de fe y espiritualidad. El documental muestra cómo los arquitectos medievales diseñaban las catedrales para expresar ideas religiosas. Por ejemplo, las catedrales estaban orientadas hacia el este, hacia el sol naciente, para simbolizar la resurrección de Cristo. Las alturas y los vitrales que iluminaban el interior también representaban una conexión con lo divino. Este diseño fue posible gracias a innovaciones como los arbotantes y las bóvedas de crucería, que permitieron construir muros más delgados y espacios más altos y luminosos. Así, la arquitectura combinaba técnica y simbolismo para crear una experiencia visual y emocional.

En Great Cathedral Mystery, ambas ideas se conectan al explorar el misterio de la cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore en Florencia, una obra de Brunelleschi. Este documental muestra cómo el arquitecto usó conocimientos avanzados de matemáticas e ingeniería para construir una cúpula sin soportes externos. Brunelleschi diseñó una estructura interna de doble capa y usó un sistema de engranajes para levantar materiales, demostrando un dominio técnico excepcional. Al mismo tiempo, la cúpula simbolizaba el poder y la devoción de Florencia, y representaba el orgullo de la ciudad. Así, la cúpula combinaba habilidad técnica y significado cultural, convirtiéndose en un símbolo del ingenio renacentista.

Los tres documentales demuestran que la construcción de estos monumentos no solo fue un reto técnico, sino también una expresión de los valores religiosos y culturales de sus épocas. Los conocimientos matemáticos y geométricos fueron clave para resolver los desafíos estructurales, mientras que el simbolismo daba a estos edificios un sentido que iba más allá de lo práctico. Estos monumentos no solo son logros de ingeniería, sino también testimonios de las aspiraciones espirituales y culturales de las civilizaciones que los construyeron, mostrando que la arquitectura puede combinar técnica y profundo significado.

Información sobre la invención de lo clásico por: Prof. J. Isado.

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“Tres Visiones del Diseño: Creatividad, Color e Intención en la Arquitectura”.

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

2 de octubre a de 2024

Las reflexiones de Claudia, Angeleen y Nerismar ofrecen perspectivas diferentes sobre el diseño y la arquitectura, cada una habla de un aspecto importante. Claudia habla sobre la creatividad y su papel en el diseño, mientras que Angeleen habla más de cómo los colores y patrones afectan nuestras emociones, y Nerismar discute la diferencia entre espacios habitables e inhabitables. A pesar de sus diferencias, todas las reflexiones muestran cómo el diseño puede influir en nuestras vidas de maneras significativas.

Claudia menciona que la creatividad no es solo para artistas, sino que todos podemos ser creativos de alguna manera. La creatividad nos permite transformar ideas y resolver problemas de manera innovadora. Esto se relaciona con la reflexión de Angeleen, ya que ella también habla sobre la necesidad de entender la percepción de cada persona en el diseño. Mientras que Claudia se enfoca en la creatividad como algo que cualquiera puede tener, Angeleen aclara cómo los elementos del diseño, como el color y los patrones, deben ser pensados para que se adapten a las emociones y experiencias de cada persona.

Por otro lado, Nerismar habla sobre el “gesto arquitectónico” y cómo los espacios habitables se crean con intención, mientras que algunos espacios se diseñan para ser inhabitables. Esta reflexión también se conecta con lo que dijo Angeleen sobre cómo el diseño debe tener en cuenta a diferentes personas y sus necesidades. Nerismar da ejemplos de cómo algunos espacios se hacen de forma que sean incómodos o poco acogedores, como cuando se colocan espinas en los techos para evitar que las aves se paren ahí. Esto contrasta con lo que Claudia quiere trasmitir con su ensayo, que ve la creatividad como una herramienta para mejorar la vida de las personas y hacer que el diseño sea más útil y agradable.

En resumen, las tres reflexiones de Claudia, Angeleen y Nerismar muestran que el diseño tiene un gran impacto en cómo experimentamos el mundo que nos rodea. Claudia aclara y recalca la importancia de la creatividad para resolver problemas de manera innovadora, Angeleen destaca cómo los colores y patrones afectan nuestras emociones y percepciones, y Nerismar nos recuerda que la intención detrás del diseño puede hacer que un espacio sea habitable o no. Cada una aporta una visión única sobre cómo el diseño influye en nuestras vidas, pero todas coinciden en que el buen diseño debe ser inclusivo, creativo y estar pensado para mejorar la experiencia de quienes lo usan.

Referencias:

-Fernández, C. (2024, 12 septiembre). La creatividad y su importancia en el diseño. Introducción a la Arquitectura.

-Rivera, A. G. (2024, 10 septiembre). AZUL a SU SOMBRA y PATRON. ARQU 3121.

-Rodríguez, N. M. (2024, 2 septiembre). Reflexión #3 - El gesto arquitectónico y los espacios inhabitables. Nery’s blog.

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“Un Debate Histórico y Contemporáneo”

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

1 de octubre de 2024

La relación entre estilo y ornamento ha sido tema de debate por mucho tiempo, se consideran esenciales para diseños arquitectónicos o muy innecesarios. Tanto el estilo como el ornamento son importantes en la arquitectura, porque aportan identidad y mejoran la experiencia de las personas que estarán en ese espacio. El ornamento tiene un valor cultural muy importante sobre la arquitectura. El uso del estilo y el ornamento en la arquitectura puede mejorar la funcionalidad de los proyectos que diseñan los arquitectos.

El ornamento tiene un valor cultural importante y ha sido una forma de mostrar identidad a través de los diseños a lo largo de la historia. Muchas veces se diseñan edificios que expresan valores culturales y trasmiten una historia, así mismo representan un simbolismo. En cierto tiempo de la historia los ornamentos volvieron a ser muy importantes, porque visualmente crean equilibrio y armonía y abren tu imaginación para sentirte muchas veces en paz. El ornamento ha sido clave para siempre comunicar un significado, trasmitir emoción y crear identidad en la arquitectura.

En la modernidad, el estilo y el ornamento tienen un papel funcional importante para la mejorar la experiencia de las personas. Gracias a los avances tecnológicos los arquitectos pueden usar nuevas técnicas para usar el ornamento y el estilo para crear fachadas más creativas y crear diseños que trasmitan un sentimiento o una emoción. Además pienso que muchos arquitectos pueden utilizar el ornamento para agregar más complejidad y significado a sus diseños. Esto hace que los diseños sean más atractivos a simple vista y conecten mejor con su entorno.

El estilo y el ornamento son fundamentales para la arquitectura, tanto por su valor cultural como por la funcionalidad. El ornamento ayuda a crear identidad y el estilo ayuda a que ese diseño se vea atractivo a la vista. Esto quiere decir que el ornamento y el estilo no deben ser innecesarios al crear un diseño. el estilo y el ornamento logran enriquecer los diseños de una manera impresionante y ayudan a mejorar la experiencia al estar en esos espacios.

Referencias:

- Palladio. A. (1570). I Quattro Libri dell’Architettura. Edición moderna

- Le Corbusier. (1923) Hacia una arquitectura. Poseidón (traducción de la edición de 1977).

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“Diseño y Desafío: La Creación de una Obra Maestra Arquitectónica en Abu Dabi”

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

30 de septiembre de 2024

¿Cómo la colaboración de arquitectos e ingenieros ayudó al éxito de un proyecto de este tipo ? Explorar diferentes aspectos y profundizar en cómo la arquitectura y la ingeniería se enfrentan a desafíos únicos, nos muestra que van de la mano para crear un diseño único en su clase. También podemos ver la visión del diseño que se había planteado desde un inicio. Este documental aborda la creatividad en todos los sentidos y eso es lo que estaremos estudiando más adelante.

Desde el inicio del documental podemos ver el desafío arquitectónico y estructural que tuvieron los arquitectos e ingenieros. El documental plantea que tuvieron retos con la construcción y la ingeniería debido a la forma curva del Yas Hotel. Este proyecto no solo se había diseñado de esa forma para que viera bonito a la vista, sino que su forma curva y su materialidad ayudaba a que las temperaturas estuvieran adecuadas. Cada equipo de arquitectos, ingenieros y contratistas tuvo un desafío, pero eso los ayudó a crear ideas innovadoras. Pienso que este tipo de proyectos no importa cuán grande sea siempre va a sacar lo mejor de las personas que trabajen en eso. Es admirable ver que no se rindieron y siguieron buscando soluciones.

Además, el documental no solo se enfoca en la construcción del Yas Hotel, también nos cuenta y explora la visión detrás del diseño. Según el documental el objetivo era crear un edificio que no solo fuera de lujo, sino que también, representara modernidad en su diseño. La estructura debía ser atractiva a la vista y teniendo en cuenta los eventos de fórmula 1, el Hotel debía verse agradable a la vista de todos los ángulos. En este documental podemos ver el desafío creativo para hacer realidad un diseño tan complejo. Este proyecto combina la funcionalidad con la creatividad para poder crear simplemente un proyecto inolvidable e innovador.

Este documento nos ayuda a reflexionar sobre la complejidad de proyectos modernos, que muchas veces desde el proceso de diseño son muy complejos. Podemos ver cómo los arquitectos e ingenieros trabajan juntos para llevar a cabo proyectos tan impresionantes y eficientes. Y los límites entre los ingenieros y el diseño son cada vez menos notables y crean no solo espacios funcionales y admirables, sino que, edificios simbólicos y artísticos que expresan identidad y son agradables a la vista.

Referencias:

- “Build It Bigger: Yas Hotel”. (2009). [Documental]. Vimeo. https://vimeo.com/

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“La Fusión del Espacio y la Materia: Creando Experiencias Sensibles en la Arquitectura”

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

28 de septiembre de 2024

¿De qué manera la unión entre la material y espacio influye en la experiencia arquitectónica? El espacio y la materia son esenciales a la hora de realizar un diseño. En la arquitectura contemporánea la relación entre materia y espacio se entiende como algo para crear atmósfera. La interacción entre espacio y materia también tiene es importante cuando se trata de cómo las personas perciben la proporción y la escala de ese espacio. De igual manera la sostenibilidad tiene mucho que ver con relación al espacio y materia.

Peter Zumthor, conocido por su sensibilidad hacia la materialidad, considera que la presencia de los materiales tienen la capacidad de dar alma al espacio. Las Termas de vals demuestran ese concepto, con la utilización que Zumthor le da a las piezas y los colores, texturas y temperatura nos hace pensar en las experiencias sensoriales que las personas que visitan ese lugar pueden sentir. La materialidad se convierte en un medio para contar historias y nos invita a abrir nuestra mente para admirar el diseño y la complejidad de esos espacios. Luis Kahn, creía que la materia tenía el poder de las intenciones que el artista quería demostrar a través de su diseño. La union entre espacio y materia no solo cumple con la función de mantener una estructura, si no que crea una atmósfera y experiencia arquitectónica y están constantemente participando en la percepción del espacio.

La unión entre espacio y materia es importante cuando una persona percibe la escala y la proporción del diseño. Pienso que muchas veces la elección de materiales altera la percepción del diseño por el espacio que puede ocupar ese proyecto. Muchas veces pienso que es mejor utilizar materiales ligeros para crear un espacio acogedor y relajado. Por otro lado, la sostenibilidad tiene mucho que ver con materia y espacio. Los materiales locales y reciclados se pueden utilizar para crear espacios funcionales y que respetan el entorno natural y crean un proyecto responsable.

La unión entre materia y espacio es primordial para la creación es experiencias sensoriales a la hora de visitar un proyecto que vaya más allá de lo que vemos a simple vista. Con esto aprendemos que la elección de material puede afectar positivamente y negativamente un diseño. Cada material combinado con el espacio crea una sensación y experiencia sensorial que ayuda a que podamos imaginar y ver algo más allá de lo que se ve. La materia es mucho más que un componente estructural, es algo que tiene el poder de cambiar un espacio. Comprender la unión de materia y espacio es crucial para crear un diseño impresionante.

Referencias:

- Zumthor, P. (2006). Atmospheres: Architectural Environments, Surrounding Objects. Birkhäuser.

- Kahn, L. I., & Lobell, J. (1991). Between Silence and Light: Spirit in the Architecture of Louis I. Kahn. Shambhala.

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Relación entre la visualización y la experiencia sensorial en los espacios.

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

28 de septiembre de 2024

El espacio es mucho más que el área entre cuatro paredes. Es el espacio que se moldea y organiza para lograr una experiencias significativas, visuales y sensoriales. Louis Kahn, un renombrado arquitecto describía el espacio como un lugar donde “el alma puede habitar”, los espacios diseñados pueden transmitir emociones como calma, inspiración o incursión respeto y admiración. El espacio también está en constante diálogo con el contexto y muchas veces es incomprendido. El espacio es el elemento primordial en un diseño pero no puede entenderse como un simple vacío físico.

Un espacio donde “el alma puede habitar” está grave hace referencia a la idea de que un buen diseño espacial no solo depende o responde a las necesidades de las personas, sino que también trasmite un sentido de permanencia, bienestar y relajación. Los espacios bien logrados en mi opinión son esos en los que puedes sentir calma, relajación, seguridad, etc. También un espacio puede ser ese que conecta los espacios públicos y privados, de igual forma transmite un sentido de seguridad y bienestar. Un diseño espacial no tiene límites cuando hablamos de lo que vemos a simple vista en un espacio, esto integra los sentidos sensoriales de las personas que van a estar en ese espacio, los usos de ese espacio, y las relaciones con ese espacio.

¿Por qué muchas veces el espacio es incomprendido? La arquitectura no solo se trata de construir objetos que se puedan percibir de manera precisa, sino que crean espacios adecuados para las necesidades humanas y que transmitan emociones y experiencias. Pero por otro lado muchas veces estas cualidades no son percibidas de manera evidente o resultan difíciles de interpretar. Pienso que muchas veces esto puede pasar porque muchas veces perciben ese espacio como algo físico y exploran a través de sus pensamientos. El espacio va mucho más allá de lo que vemos a simple vista. El espacio es algo muy bien pensado, lleno de intensiones, significados y relaciones que afectan como se van a sentir las personas que estén en ese espacio.

El espacio es un elemento primordial en la arquitectura, pero no puede entenderse como un simple vacío. El espacio se enfoca en algo más allá de lo que vemos a simple vista y transmite emociones y siempre tienen un significado. Por otro lado, este ensayo es una invitación a que cuando veamos un espacio jamás pensemos en los que vemos a simple vista, sino que abramos nuestra mente y veamos y entendamos lo que nos trasmite ese espacio. Los espacios se diseñan con esmero y se crea con el fin de adaptarse a las necesidades humanas, los sentimientos y las experiencias sensoriales que podemos sentir estando en ese espacio.

Referencias:

• Zumthor, P. (2006). Atmospheres: Architectural Environments, Surrounding Objects. Birkhäuser.

• Kahn, L. (1991). Between Silence and Light: Spirit in the Architecture of Louis I. Kahn. Shambhala.



[cimentandoideas]

Charles y Ray Eames: La Fusión Creativa que Revolucionó el Diseño Moderno

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

16 de septiembre de 2024

El documental *Eames: The Architect and the Painter* ofrece una mirada profunda a la vida y obra de Charles y Ray Eames. A lo largo de la película, podemos ver no solo los aspectos más conocidos de su legado, como sus muebles icónicos, sino también las complejidades de su dinámica creativa y personal, lo que hace del documental una reflexión sobre el proceso creativo, la colaboración interdisciplinaria y el poder de la estética moderna. Sin embargo, el documental no solo muestra el éxito profesional de la pareja. También profundiza en las tensiones personales que a menudo surgen en una colaboración tan estrecha.

Desde el comienzo, el documental habla de Charles Eames como "el arquitecto", no solo por su formación académica, sino por su enfoque estructurado y sistemático hacia el diseño. Ray, por otro lado, es "la pintora", un alma más abstracta e intuitiva que aportaba una visión única a cada proyecto que abordaban. Juntos, lograron combinar sus talentos en un matrimonio creativo que rompió las barreras entre el arte y la funcionalidad. La pareja comprendía que el diseño no era un ejercicio de estética vacía, sino una herramienta para mejorar la vida de las personas. Para ellos, cada objeto, desde una silla hasta una película educativa, tenía que cumplir una función específica y hacerlo de manera que fuera accesible, bella y eficiente.

Este documental no solo habla sobre el éxito profesional de esta pareja, sino que, también profundiza en las tensiones personales que a menudo surgen en una colaboración tan estrecha. Charles, quien a menudo era visto como el líder de la pareja, se beneficiaba del ingenio de Ray, pero su figura a veces opacaba el inmenso talento de su esposa. Ray, por su parte, aportaba una sensibilidad artística única que no siempre fue reconocida de manera justa en su tiempo. Esta desigualdad en el reconocimiento crea una tensión a lo largo del documental, revelando las dificultades de mantener una sociedad creativa entre dos individuos con personalidades tan distintas.

El documental destaca cómo los Eames supieron cruzar las fronteras entre disciplinas, proponiendo que el arte, la arquitectura, el cine y el diseño pueden y deben interactuar para generar soluciones innovadoras. Además, cuestiona la noción de individualidad en el proceso creativo, mostrando que detrás de todo gran proyecto puede haber una colaboración compleja que involucra a múltiples mentes. Al final, Eames: The Architect and the Painter no solo celebra la contribución de Charles y Ray Eames al mundo del diseño, sino que también nos recuerda el poder transformador de la creatividad cuando se canaliza en función del bienestar común.

Referencias:

- Barnes, J. (Director). (2011). Eames: The Architect and the Painter* [Documentary]. First Run Features.

- Neuhart, J., Neuhart, M., & Eames, R. (1989). Eames design: The work of the office of Charles and Ray Eames. Harry N. Abrams.

- Kirkham, P. (1995). Charles and Ray Eames: Designers of the twentieth century. MIT Press.

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La Creatividad: Un Impulso Infinito para la Innovación.

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 _ Prof. J Isado

14 de septiembre de 2024

¿De dónde surge la creatividad y por qué es esencial para el progreso humano?. La creatividad es una de las capacidades humanas más fascinantes y poderosas. Muchas veces se asocia con las artes y el diseño de cosas, pero la creatividad trasciende esos límites impactando todas las partes de nuestras vidas. La creatividad puede ser fomentada para resolver problemas complejos y generar innovaciones. Esto nos hace pensar en la naturaleza de la creatividad y cómo funciona en nuestra vidas.

A diferencia de lo existente la creatividad implica la transformación y la reinterpretación. Es la capacidad de generar ideas, soluciones y conceptos originales que sean útiles y apropiados para el contexto determinado. Para mí es un proceso mental que me permite conectar ideas de formas novedosas y crear algo nuevo a partir de lo que ya conozco. Los pensamientos creativos no siguen rutas predefinidas, sino, que surgen de ideas, experiencias y conocimientos previos. Esto es lo que hace que la creatividad sea tan valiosa y no todas las personas tengan este talento, ya que nos permite resolver problemas de maneras innovadoras y muchas veces descubriendo soluciones que no habrían sido posibles con pensamientos cotidianos.

La creatividad no es solo un rasgo admirable, si no que es fundamental para el avance de la humanidad. Desde tiempos remotos, la creatividad ha sido esencial para la supervivencia y el progreso humano. La invención del fuego, la agricultura y el lenguaje son ejemplos de cómo la creatividad ha impulsado la evolución de la humanidad. Uno de los mayores valores de la creatividad es su capacidad para resolver problemas complejos. La creatividad nos permite resolver desafíos desde distintos puntos de vista, lo que llevas a soluciones innovadoras y más efectivas.

La creatividad es una fuerza fundamental que impulsa la innovación el progreso y desarrollo humano. Es un proceso que no solo depende del talento innato, sino que puede ser cultivado y nutrido con tiempo de aprendizaje y práctica. A través de la creatividad podemos enfrentar los desafíos del futuro y encontrar soluciones inesperadas a problemas complejos y seguir transformando el mundo de maneras sorprendentes. Así que, la creatividad no es solo una habilidad deseable, sino una necesidad fundamental para la evolución de la humanidad y en el proceso de diseño.

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Gesto arquitectónico y la creación de identidad.

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 -Prof. J. Isado

2 de septiembre de 2024

Un aspecto fundamental del gesto arquitectónico es su capacidad para responder al contexto en el cual un arquitecto se puede inspirar, este puede ser natural, urbano, histórico o cultural. Un ejemplo puede ser Peter Zumthor, en sus Termas de Vals utiliza la piedra local para construir un edificio que parece que sale de la montaña. Igualmente el centro Pompidou en Paris diseñado por Renzo Piano y Richard Rogers ofrece un gesto completamente diferente al presentar un edificio colorido y un diseño industrial en el medio de la ciudad. Estos gestos son elementos que sobresalen de la composición general en la que normalmente los arquitectos diseñan.

Zumthor utiliza muy bien el gesto arquitectónico en su proyecto, establece un diálogo armónico entre el paisaje y los edificios a su alrededor. Cada arquitecto tiene su propio estilo e inspiración para realizar un proyecto. Muchos se enfocan en la estética de su diseño y otros en los elementos naturales y que se puede lograr con esos espacios. En el caso de Zumthor el supo organizar bien sus ideas para lograr crearla armonía que le pidieron para que las vistas de los hoteles a sus alrededor no se afectara y lo logró. Este proyecto demuestra las horas que tuvo que pasar Zumthor creando un gesto arquitectónico que estuviera acorde a su identidad y a la forma en la que el trabaja. Aquí, el gesto no es un mero capricho formal, sino una respuesta al contexto geográfico y material que busca conectar profundamente el edificio con su entorno.

El Centro Pompidou en Paris, como dije anteriormente ofrece un gesto completamente distinto, creando un monumento distinto a todo a su alrededor a simple vista. Este gesto con su estructura externa expuesta nos permite observar el punto al que querían llegar los arquitectos de este proyecto. Ellos buscando hacer algo muy distinto a todo lo que ya había sido construido en un país tan conservador. Esto es el gesto arquitectónico que los define, así ellos demuestran su identidad ante el ojo público.

En conclusión, el gesto arquitectónico es más que un capricho estilístico, es un elemento muy importante al realizar un proyecto arquitectónico que comunica intensiones y comunica un contexto y crea una identidad. Ya sea mediante el uso de materiales locales, la integración con el entorno natural, la creación de formar simétricas o la implementación de recursos sostenibles. El gesto arquitectónico ofrece que los arquitectos puedan proyectar algo, un pensamiento o un sentimiento a través de sus diseños. Esto hace que sus edificios hablen, provoquen emociones y dialoguen con su entorno.

Referencias:

Zumthor, Peter (2006). Thinking Architecture. Birkhäuser.

Libesking, Kind (2008). Breaking Ground: Adventures in Life and Architecture. Riverhead Books.

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Edificaciones simbólicas y la arquitectura contemporánea.

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 - Prof. J. Isado

2 de septiembre de 2024

La arquitectura contemporánea está marcada por proyectos que han redefinido las expectativas de diseño y la funcionalidad de la arquitectura en todo el mundo. The Stone Thermal Baths by Peter Zumthor es un ejemplo de cómo la arquitectura armoniosamente con la naturaleza. The Georges Pompidou Centre es un ejemplo de cómo la arquitectura puede desafiar los esquemas y redefinir el paisaje urbano. Esto destaca la diversidad y la complejidad de la arquitectura contemporánea.

Zumthor logró crear las termas para lograr un espacio de relajación y contemplación que responde únicamente a la geografía de ese lugar. Su diseño crea armonía con los paisajes y los edificios a su alrededor. Es una arquitectura y un edificio muy bien pensado, las termas son una experiencia sensorial, ya que cada persona que va a ese lugar puede sumergirse en una experiencia arquitectónica completa. Zumthor utiliza los elementos naturales como el agua, la piedra y la luz para crear el qmbiente correcto. Este proyecto es un testimonio de cómo Zumthor respeta el entorno natural que está alrededor de lo que diseña y lo utiliza para su misma obra, es un proyecto muy inteligente y muy bien pensado.

El Georges Pompidou Centre en Paris es un ejemplo de cómo la arquitectura sobrepasa los esquemas y estereotipos y redefinir ese espacio público, urbano ante el ojo público. Los arquitectos de este monumento Richard Rogers y Renzo Piano, al presentar esta idea sintieron que su proyecto era muy distinto y controversial. Su proyecto no es solo notable por su diseño externo, si no también por lo innovador de su diseño y la funcionalidad. Es un espacio flexible, como hablaban en el video buscaban crear un refugio y ellos después decidirían en qué lo iban a convertir. Esta flexibilidad refleja un cambio en la forma en que los arquitectos piensan sobre los espacios públicos, enfatizando la adaptabilidad a esos lugares públicos importantes sin dejar que pierdan su esencia.

Estos proyectos destacan la diversidad y complejidad de los proyectos contemporáneos. A través de una combinación de respeto por la historia de esos espacios en los que van a diseñar, la investigación e innovación técnica y enfoque en la sostenibilidad de cada proyecto, lleva a un proyecto bien pensado y organizado. Estos arquitectos están redefiniendo lo que significa ser arquitecto y lo que implica diseñar en el siglo XXI. Ofrecen una visión inspiradora de cómo la arquitectura puede enfatizar en nuestras culturas, pero también son un punto de partida para para un futuro sostenible y humano.

[cimentandoideas]

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121 - Sec.1 - Prof. J. Isado

19 de agosto de 2024

Baraka

Al ver esta película sin diálogo ni una secuencia, pone mi imaginación a pensar en la diferencia de religiones y en cómo nosotros (la humanidad) podemos ver el mundo. Ya que en esta película pude ver la diferencia entre culturas, las maravillas del mundo en que vivimos y la vida cotidiana de cada persona con una perspectiva distinta al resto, que nos muestra la diversidad que hay en el mundo. Pero también veo las diferentes escenas donde muestran rituales de tiempo pasados con escenas de contaminación y eso me hizo pensar en lo mucho que estás nuevas generaciones (nosotros) hemos literalmente dañado a nuestro propio mundo. Nuestro planeta por culpa de nuestros propios hábitos es frágil. Muchas veces ni siquiera nos damos cuenta del daño tan grande que le hacemos a nuestro planeta, esta película nos muestra la desconexión entre la humanidad y la naturaleza. Y esto es algo que debería cambiar, la humanidad debe de tener una relación con la naturaleza y cuidarla más para las futuras generaciones. Esta película nos muestra que a pesar de nuestras diferencias culturales, religiosas y tecnológicas, dependemos de nuestra tierra y nuestras acciones en el día de hoy, tendrán un impacto en las futuras generaciones.