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réécriture de “A drive in the heart of Picardie”: Welcome on the roads of Picardie

D934 & D5 is an editorial project carried out by me, from conception to shaping. This book brings together over three hundred photographs of landscapes of Picardie. This project came to my mind during car rides, on small roads ; roads in the middle of nowhere. I know them well because I grew up here. There is not much to do in Picardie and it seems to be a forgotten region by everyone. A lost hole located between the capital and the most important city of the north of France, Lille. And in the middle ? Fields as far as the eye can see.

This edition pays tribute to this forgotten and peaceful region, where people pass very quickly by car or by train.

A region to contemplate

          Since I was a child, I have traveled these landscapes full of wealth. I remember chasing churches and cows in the car with my sister. This documentary work on the Picardie landscapes shows, as the writer Patrick Roegiers says, « everything looks the same without ever repeating itself ». Everything passes, again and again. The fields spread out, the churches stretch up to the sky, the landscape rushes on for miles... All alike, all unique. Here one corn field, there a field of beets and further, yellow dots on a grey background : rapeseed. One passes along red brick houses and cemeteries. One contemplates the thunderstorms of spring turning into fog. On the road, you observe, you contemplate and you escape.          The photographs grouped within D934 & D5 are made with my iPhone and are taken from the place of the passenger in the car. The photographs are taken on the spot. They are neither edited nor cropped to reflect the reality of atmosphere and countryside as if you were there.           The generous format of this book allows you to hold it comfortably in your hands. You can immerse yourself and fully contemplate the landscapes photographed. Thanks to a large place given to blank spaces, no element disturbs your road in the heart of Picardie.

Sharing the History

           Picardie is a region full of history, fractured by the passage of the wars where the marks of the combats linger. On the ground. On walls. From generation to generation thanks to the duty to remember and at all commemorations these last four years.             The accumulation of photographs enables me to explore in depth the landscape of Picardie. Photographed landscapes are always placed at the top left of each page to accentuate scrolling. Thanks to the layout and to a semi-transparent paper, you can see the photos slightly in transparency, creating a play on temporality representing past, present and future. By turning and contemplating the pages, they tell you stories.

             D934 & D5 take you to travel and to contemplate Picardie. Let yourself go and don’t hesitate to come and to meet it.

Front cover and two spread from D934 & D5

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Une refonte pour Les Inrockuptibles ?

Les Inrockuptibles est un magazine français sorti en 1986. Il est initialement dédié à la musique rock. Il élargit peu à peu ses thématiques et devient un magazine de recommandations et de rencontres culturelles. Sa longévité fait de lui l’un des magazines les plus renommés de critique et de nouveauté de la presse française. Malgré tout, il connaît aujourd’hui une crise budgétaire et peut-être existentielle. Il semble ne pas s’être adapté à la diversité des rubriques abordées et ne pas avoir réussi à contenter les jeunes lecteurs comme les anciens. La directrice de publication, Elisabeth Laborde, et la directrice de diffusion, Annabelle Bizard, sont venues à notre rencontre afin d’imaginer une nouvelle identité pour Les Inrockuptibles papier et pour son site mobile.

Couverture des Inrockuptibles - Janvier 2019

Une identité qui doit se démarquer

            Les couvertures actuelles des Inrockuptibles sont dans des camaïeux de tons pastels avec une têtière blanche et aucun appel de une. En une phrase, Les Inrockuptibles ne sont pas visibles. J’ai donc choisi de redonner de l’ampleur à l’identité visuelle grâce à de nouveaux outils graphiques.              La têtière redevient noire et est composée dans un caractère typographique fier, piquant et massif appelé le Copernicus. Mis à la verticale, l’aspect prescripteur et précurseur de nouveauté est renforcé. S’ajoute à cela d’imposants encarts noirs symbolisant que les Inrocks n’hésitent pas à faire couler de l’encre pour contenter leurs lecteurs. Les filets deviennent un marqueur graphique qui vient sectionner et hiérarchiser les diverses rubriques à l’intérieur du magazine. Les filets statiques sur le print deviennent fluides à l’écran. Ils se réduisent, s’étendent, se déplacent et s'élargissent. L’utilisation d’aplats noirs renvoie directement le lecteur aux Inrockuptibles.              Ces deux éléments graphiques singuliers donnent le ton du magazine : il est fiable et propose des articles rigoureux. Il se positionne alors en tête de la critique culturelle et se démarque visuellement en kiosque de ses concurrents. Le contraste de la couverture, par ses larges zones noires et ses appels de une photographiques et colorés, atteste de la pluralité des contenus et offre au magazine une réelle présence visuelle.

Le nouveau principe de couverture

Exemple de quatre doubles-pages

La revalorisation des contenus

         Trois éléments graphiques sont mis en place dans la maquette intérieure. Cette économie de moyens permet de donner du dynamisme et un visage bouillonnant au magazine. Nous retrouvons le Copernicus. Le caractère se libère de la têtière et joue avec ses six graisses, créant de fort contrastes entre les titres des articles d’une même page. Cela aide le lecteur à rebondir d’un article à l’autre. Puis, les filets noirs viennent délimiter les colonnes de textes et hiérarchiser les papiers. Cette composition en colonne rappelle la préPAO, où chaque journaliste venait déposer son article dans une place définie. Et enfin nous découvrons le texte de labeur, en Céleste et l’iconographie. Le Céleste est bien plus discret que le Copernicus et est un caractère très agréable à lire qui invite le lecteur à se plonger au cœur du texte. Des photographies viennent accompagner le texte et ont des tailles très variées. Toutes ces composantes permettent aux Inrockuptibles une grande liberté de conception tout en se concentrant sur la critique.

         Avec peu d’éléments graphiques, une hiérarchisation et une revalorisation de leurs contenus, Les Inrockuptibles arrivent à se singulariser et pourront peut-être de nouveau se hisser au rang de premier choix des lecteurs de presse, friands de nouveautés et de critiques culturelles.

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A drive in the heart of Picardy

D934 & D5 is an editorial project which brings together over three hundred photographs of landscapes of Picardy. This project came to my mind during car rides, on small roads, roads in the middle of nowhere. I know these landscapes well. Apart for its inhabitants, Picardy seems to be a forgotten region of everyone. A lost hole located between the capital and the most important city of the north of France, Lille. And in the middle? Fields as far as the eye can see. There is not much to do in Picardie, but I keep going back. Because I miss the vast horizon and the peaceful atmospheres. This edition pays tribute to this forgotten region, where we just pass, quickly by car or train.

An underestimated region

Since I was a child, I have traveled these landscapes, full of wealth, from one end to the other, chasing churches and cows. This documentary work on the evolution of Picardy landscapes shows, as Patrick Roegiers says « everything looks the same without ever repeating itself ». Everything pass, again and again. The fields spread out, the trees stretch, the landscapes rush for miles. All alike, all unique.

Here one corn fields, there a field of beets and further, yellow dots on a grey background: rapeseed. We will pass in front of red brick houses and cemeteries. We will contemplate the thunderstorms of spring turning into fog. The crows in the fields will leave their place to the farmers.

The accumulation of photographs allows to show the abundance and to explore in depth the landscape of Picardie. Photographed landscapes are always placed at the top left of each page to accentuate scrolling. Thanks to the layout and to a semi-transparent paper, we can see the photos slightly in transparency, that plays with the temporality: past, present, future. D934 & D5 immerses us in the landscape and its flow.

An authentic land

Picardy is a region full of history, fractured by the passage of the wars where the marks of the combats are always present. In the ground. In the walls. From generation to generation, in the hearts. In depth.

With time the campaigns became silent and full of nostalgia. The photographs grouped within D934 & D5 are made at the iPhone, took at the place of the passenger in the car.

The photographs are taken on the spot. They are neither retouched nor cropped to reflect the most accurately as possible cold and melancholy, so particular of this region.

The generous format of this book allows us to take it very good into our hands. We can immerse ourself and fully contemplate the photographs. Thanks to a large space left to the white, no element disturbs our road, we are in the heart of Picardy. The pages can also represent the interior of the car, and we can focus on scrolling pages and the story they tell us.

Front cover and two spread from D934 & D5

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Le temps s’écoule lentement

Au centre d’une pièce est posée une bobine de fil de couture noir. Le fil de coton s’étend jusqu’à une corniche et est relié à une source d’eau produite pour l’occasion dans l’espace d’exposition. Par un lent goutte-à-goutte, des perles d’eau progressent par capillarité le long du fil jusqu’à se briser dans un rythme et un son régulier sur le sol de béton ciré… L’installation in situ intitulée Coulée douce d’Ismaïl Bahri, présentée en 2016 au centre d’art contemporain de Rennes, nous questionne sur la notion de hasard et de temporalité.

Une démarche artistique jouant avec le hasard

Des gouttes tombent sur le sol. Elles s’amoncellent, suivant les aspérités du sol, pour former une flaque d’eau. Le plan d’eau grandit. Il peut aussi diminuer par évaporation pour mieux s’étaler de nouveau. Les changements de lieux d’expositions offriront un caractère unique à chacune des flaques de Coulée douce, puisqu’elles s'ajustent au sol et au climat de la pièce. Ismaïl Bahri joue avec le hasard. Ismaïl Bahri lâche prise. Une fois l’œuvre installée, l’artiste n’a plus aucun contrôle sur sa création. Elle peut alors se libérer de son maître et s’adapter, seule, à l’espace qui l’accueille.

Coulée douce, d’Ismaïl Bahri, 2016 Œuvre in situ présentée à La Criée, centre d’art contemporain de Rennes

Une œuvre éphémère dans son infini

La pièce semble vide. Le plafond est très haut et est porté par de grande fenêtre en arcade. Nous sommes, en un fragment de seconde, transportés dans une atmosphère apaisante où le temps semble s’être arrêté. Il n’y a pas un bruit.   Mais finalement, quelque chose semble s’échapper de la pièce. Le son est léger et se répète continuellement. Le son résonne. Ce sont les gouttes d’eaux qui tombent sur le sol. Elles produisent une impression de temps qui coule. Les perles d’eau tombent et le spectateur contemple Coulée douce. Au fur et à mesure de l’expérience, les regards suivent les gouttes, attendent leurs chutes et, avec patience, découvre la vie de l’œuvre d’Ismaïl Bahri. Nous captons sensiblement l’écoulement du temps, nous mêlant au mouvement perpétuel du goutte-à-goutte.

Le temps s’écoule le long du fil de coton, encore et encore et le jour a décliné. La Criée ferme ses portes, laissant l’œuvre à son propre périple. La création d’Ismaïl Bahri semble être infini et offre, l’espace d’un instant, l’occasion au spectateur de faire parti d’un mouvement infini.

Coulée douce, d’Ismaïl Bahri, 2016 Œuvre in situ présentée à La Criée, centre d’art contemporain de Rennes

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L’expressivité de la couverture : un bien ou un mal ?

          Lorsque je rentre pour flâner dans une librairie, sans idées particulières de livre que je souhaiterais acquérir, je me laisse guider d’étagère en étagère par les couvertures. Mon attention n’est pas, dans un premier temps focaliser sur le sujet de l’ouvrage, mais par sa reliure. Il m’est déjà arrivée, grâce à celle ci, d’acheter le livre ou de le reposer malgré le sujet intéressant qu’il abordait. Une oeuvre littéraire peut alors avoir une visibilité radicalement différente suivant la conception de la couverture.

Albert Camus, La Peste, 1947, Éditions Gallimard Ex. n°21/200 Reliure d’Anne Leméteil. Collection particulière

Une couverture sensible et expressive            Récemment j’ai été attiré par le travail de la relieuse Anne Lemeteil sur le roman La Peste de Camus. La découverte de cette couverture m’a fait entrer dans une atmosphère écrasante, sinistre et silencieuse, qui correspondait à l’image que je pouvais avoir du livre. Le cadre oppressant du roman est retranscrit au moyen de la technique de gravure et d’impression de l’artiste. Des carrés massifs sont imprimés sur la couverture à l’aide de plusieurs passages de plaques de cuivre enduites d’encre qui font penser à la réclusion et à l’immobilité de la ville d’Oran, coupée du monde extérieur à cause de l’épidémie. La peau de veau encrée d’encre bleu évoque des nuits glaciales et des mers tumultueuses.              Le projet d’Anne Lemeteil pour La Peste rend compte d’une approche extrêmement sensible et poétique de cette oeuvre. Le traitement abstrait de la couverture permet d’ouvrir l’imagination du lecteur tout en lui faisant cerner l’atmosphère pesante du roman. Elle arrive à nous faire voyager dans l’univers de Camus rien qu’au sein de la couverture.

Albert Camus, La Peste, 1947, Éditions Gallimard, Collection Blanche

La couverture au détriment du texte ?               La couverture, lorsqu’elle est expressive, est comme une extension et un complément de l’oeuvre qui permet au lecteur de se projeter plus facilement dans la lecture. Malheureusement, cela peut aussi, au lieu d’attirer le lecteur, le rebuter et ne pas lui donner envie de lire le livre. Si la couverture ne plaît pas, le lecteur peut passer à côté de nombreux textes.                Les couvertures illustratives se retrouvent alors en opposition avec la neutralité de celles de la Collection Blanche de Gallimard ou encore des Éditions de minuit. L’aspect impersonnel et austère de ces collections permettent au lecteur d’entrer sans jugement dans le livre et de choisir l’ouvrage non pas pour ou par sa couverture mais pour son contenu littéraire.  L’ aridité permettrait alors de ne pas influencer le lecteur sur le contenu du roman.

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25-11-18

Zao Wou-Ki, Traversée des apparences, 1956 Collection particulière © Dennis Bouchard Zao Wou-Ki © ADAGP, Paris, 2018

         Les salles étaient calmes et les spectateurs parlaient peu devant les œuvres de Zao Wou-Ki, peintre chinois décédé en 2013. L’exposition du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris nous fait découvrir une quarantaine de ses toiles grand format.

Un espace qui nous immerge           Les œuvres grands formats du peintre Zao Wou-Ki sont installées dans les vastes salles blanches du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris. D’immenses baies vitrées font déborder les pièces de lumière et font baigner les toiles d’une douce chaleur. Cette atmosphère provoque le sentiment de se retrouver enveloppé par les toiles.            Transporté par les mouvements tourbillonnants des œuvres, nous entrons dans une symphonie colorée. Nous déambulons, physiquement de salle en salle et mentalement de toile en toile, ce qui permet de nous immerger complètement et sans difficulté dans l’univers de cet artiste. Les tableaux se confrontent et se répondent, tel des poèmes fonctionnant aussi bien  séparément qu’ensemble. À la manière d’une balle de ping-pong, nous alternons entre un espace 3D (les salles) et un espace 2D (les toiles). 

Zao Wou-Ki, Hommage à Edgar Varèse - 25.10.64, 1964 Huile sur toile 255 x 345

Une œuvre à la contemplation purement sensible            L’artiste nous invite à une contemplation purement sensible de son travail. Il n’y a pas de significations compliquées à tirer des ses toiles abstraites. Il n’y a qu’à méditer sur les formes qui se déploient dans l’espace des tableaux, voir et ressentir les réseaux abstraits de couleurs. Les tableaux exaltent notre sensibilité à la couleur et à la puissance des mouvements, hérités de la calligraphie. Les toiles sont une osmose entre le calme et la violence, entre le pathos et le bonheur. Notre esprit se libère des bruits de la ville, des pas des personnes qui nous entourent, pour nous mener vers l’apaisement.  Cette expression du sensible nous offre alors une expérience poétique très personnelle. La contemplation est accentuée par l’absence de titres figuratifs. Les titres des œuvres ne sont que des suites de chiffres correspondants à la date de la fin de l’exécution des peintures. Cette information technique ne donne alors aucune lecture de la peinture et laisse libre court à notre imagination.

Zao Wou-Ki, Décembre 89–Février 90—Quadriptyque Huile sur toile

La libération de l’imagination            N’ayant aucune indication de lecture des toiles abstraites, le spectateur se retrouve libre d’interpréter ce qu’il veut. Zao Wou-Ki nous invite à voguer d’idées en idées. Une toile peut commencer par être du magma puis une explosion solaire et devenir ensuite des ailes de corbeaux. Les calligrammes perdent, eux aussi, leur significations, car ils finissent pas se mélanger avec la couleur et les formes.

          Dans la peinture de Zao Wou-Ki, le réel disparait pour laisser place à l’abstraction. Nous entrons dans un univers qui mêle douceur et exaltation et où l’atmosphère y est aérienne et effervescente. L’œuvre de Zao Wou-Ki parvient à développer nos sens et notre imagination.

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A hundred years ago

          Henri Landier is one of the last Montmartre painters. Since 1975, he works in his studio-gallery located at Rue Lepic (75018 Paris). I enter through a large wooden door and I walk on a green concrete floor. The ceiling is high and the roof is made of glass. A soft light settles on the paintings of the Henri Landiers last exhibition entitled "Requiem for Barthelemy". This exhibition is dedicaded of the 100th anniversary of the Great War. It pays a tribute to 11 members of the same family, decimated by the war. Throught these portraits he makes a pictorial tribute to all the heroes’ memory, death for France.

The Henri Landiers studio-gallery

Un homme criant - Henri Landier, 2018, oil on canvas

           Henri Landier denounces violence and  absurd of the Great War through powerful paintings which have overwhelm me. The strokes of the painter are powerful and thick. It reminds me the fluidity of those of Matisse. But here, Henri Landier gives me to see the movements of the soldiers torn by the war. A leg is a little raised, show advanced towards enemies. In his painting Un homme criant, the soldiers arms with clawed hands stretch towards the sky. These hands, in which I see the crows’ claw, king of battlefields. The birds fly and land on fighters' bodies.              Simplified and sinuous strokes shows the bubbling that the painter has at the moment when he paints. The skies are apocalyptic but Henri Landier brings poetry to the massacre thanks to a bright colorful chromatic range as in Le Quatuor de la Marne. The background is a blazing yellow. It echoes me because I see the cornfields of my Picardy, old battlefields where the crows still fly. 

Le quatuor de la Marne - Henri Landier, 2017, oil on canvas

      ��      The atmosphere is heavy. In front of Le cheval , I feel and hear what I see. The canvas stinks of death. I smell the nauseating smell of trenches. My clothes smell like powder. I hear the screams of the soldiers and the croaking of the crows above me. I have the impression that they will come to eat me. My ears whistle in front of brisk lines representing movement of shells impact. Then everything becomes calm in front of Le flutiste. I feel like I'm sitting next to the soldiers and my thoughts are walking between the devastated fields and the lifeless bodies.

Le cheval - Henri Landier, 2018, Oil on canvas

Le flutiste - Henri Landier, 2017, oil on canvas

                              On November 11, during the vernissage, it was raining. The atmosphere oscillated between shock and peace of ming. Between easing and sadness. Henry Landier made me feel all the horror of the war. On leaving I felt the weight of the History on my shoulders. Henri Landier becomes through his exhibition a painter of memory as became Picasso with Guernica.

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Le graphisme dont vous êtes le héros.

       Il devait être dans les environs de dix-huit heure quand je suis arrivée à Offprint et je me disais que j’aurai dû y aller plus tôt. Il faisait chaud et je ne voyais pas à trois mètres tellement l’espace fourmillait de monde. J’essayais de me faufiler de stands en stands. J’ai décidais de m’arrêter devant une table où mon regard s’était porté sur une édition au format A5 noire et blanche ornée d’une jaquette rouge. Dessus était indiquée : Punching air. L’édition renfermait une collecte de photo de concert punk datant des années 80 venant des archives du Maximum RocknRoll. Elle a était réalisée par Matt Plezier. Ce qui m’a beaucoup intéressé était l’inexistence d’une reliure. Cela m’a amenée à me questionner sur la manipulation de l’objet livre.

Punching Air 1 et 2, réalisés par Matt Plezier Source : imgrumwe.com

Une nouvelle manipulation du livre

         Punching air n’a donc pas de reliure. Les pages peuvent être manipuler indépendamment les unes des autres. Elles sont organisées et assemblée librement par le lecteur ce qui lui offre la possibilité de  découvrir une nouvelle expérience de l’édition. Les photographies n’ont pas de place définies dans la composition graphique ce qui permet aux lecteurs de concevoir une mise en page aléatoire et instinctive. Le cadre figé des livres, constitués toujours d’un début et d’une fin, est ici oublié pour accéder à une manipulation du livre et de son contenu d’une manière plus personnelle.            Cette nouvelle façon de manier le livre crée un sentiment de partage et de complicité entre le lecteur, son livre, son auteur et les graphistes, car il participe lui aussi à l’agencement du livre. 

Intérieur de Punching Air 1 Source : randomzine.com

Des lecteurs plus proche du livre

         Le livre, du fait de sa libre manipulation, à un aspect ludique. Les lecteurs découvrent une nouvelle manière d’aborder et d’entrer dans le livre. On se se lasse jamais de replonger dans une nouvelle compositions de page afin de concevoir de nouvelles images.          Ce concept est sans me rappeler les livres de mon enfance, ceux dont j’étais l’héroïne. Une seule histoire dévoilait une multitude de narrations. Dans Punching air, on y trouve une seule banque d’image, dont le placement évolue suivant les mains qui la tienne. Ce coté ludique se rapproche du Do It Yourself et des collages punk. Les assemblages sont instinctifs, parfois incohérente et fait main ce qui est absolument le cas dans cette édition. Grâce à cette composition à choix multiples, Matt Pleizer permet de transformer le contenu suivant nos envies et de faire de nombreuses rencontres graphiques ! 

             Le fait de ne pas relier le livre offre de nouvelles possibilités de lecture qui ont un caractère plus ludique et intime. Ce nouveau jeu de composition rapproche le lecteur du monde de l’édition grâce à cette opportunité de composer librement le contenu de son édition.

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The burning  of the National Museum of Rio : the sinking of culture

The National Museum of Rio de Janeiro of September 3 Carl DE SOUZA / AFP

       One of the oldest Brazilian museum, The National Museum of Rio de Janeiro was devastated by the flames on the night of September 2 to 3, 2018. 
 More than 200 years of History have been lost. It is a real tragedy for the culture of this country.

       The National Museum was founded in 1818. It had one of the largest collections of natural history and anthropology in Latin America and had the largest number of cultural property. The museum had more than 20 million items recorded in the natural collections and anthropological sciences collections such as archeological objects from South America like meteorites, minerals or fossils. For these reasons this museum was considered one of the richest in Latin America. The National Museum was the representative place of the natural and cultural history of Brazil and South America. It was a real databank. It had great value for scientific, historical and artistic research. It allowed researchers to come and work on theses and reports. 

       The fire ravaged the main building containing the permanent collection and two temporary exhibitions as well as the institutional archives. There has been a considerable loss of archaeological documents and unique recordings in vernacular South American languages. These recordings ​​were the testimony of their origines that has now disappeared or are in danger of extinction. Cristiana Serejo, the vice director of the museum said that 18 million objects and documents kept by the institute may have been destroyed…

View from the sky: the remains of the National Museum of Rio de Janeiro MAURO PIMENTEL / AFP

         Knowledge were lost because of the lack maintenance of the museum: visible electric cords, leaking ceilings, flammable materials... 
Despite the obligation of public places to have fire safety, the fire program could not be implemented due to lack of budget: there were no fire doors, any fire extinguishers and smoke detectors did not work. This incident is not the first of the country. In 2015, the Museum of the Portuguese language burned. 

       The lack of consideration for the protection of culture is unfortunately linked to the economic crisis in the country. The budget for culture has been devided by 2 between 2013 and 2018. This demonstrate a country dismissive its own cultures and its past because of the government’s inattention and financial problems. 

        This tragic event shows us the importance of sensitizing public authorities and the population to the conservation of our heritage so as not to lose our History. The heritage kept in the warmth in the museum is unfortunately not eternal and what is lost today can not be found. In front of the budgetery constraints and the deterioration of our heritage, a solution could allow the conservation of the goods: The digitalization of documents. But it does not prevent the need to preserve the originals.

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Erich Maria Remarque, un écrivain au service de la mémoire

       À l’ouest rien de nouveau (titre original : Im Westen nichts Neues) est un livre écrit par Erich Maria Remarque et paru en 1929. Le roman est un témoignage d’un soldat allemand lors de la Première Guerre Mondiale. Nous suivons l’histoire de Paul Bäumer, jeune allemand de 18 ans qui s’engage volontairement au combat après avoir été soumis à un bourrage de crâne patriotique à l’école.  Paul Bäumer nous relate les événements qu’il subit sur le front pendant quatre ans. De page en page, il nous délivre son vécu et ses ressentis sur leurs conditions de vie atroces à lui et ses camarades. Il nous plonge directement dans l’abomination de la guerre : les combats de plus en plus violents, les éclats d’obus sifflant dans ses oreilles, les rationnements, l’obligation d’accepter les ordres de ses supérieurs, les tranchées que les rats envahissent, de la vie lors des permissions et de l’impuissance face à la mort de ses camarades… 

       Ce livre est un véritable témoignage et une prise de conscience sur la vie du coté des soldats allemands qui nous est bien souvent inconnu car nous voyons principalement l’Histoire vu par notre pays. À la lecture de ce roman, Paul Bäumer nous expose à son incompréhension de la guerre, sa souffrance et à son humanité -Lors d’une attaque d’obus, le jeune soldat allemand se retrouve à soigner un soldat français-  ne le considérant pas comme un ennemi mais le voyant comme lui, prit au piège de leur patrie. Ce récit pacifique est une vraie libération de la parole et de l’esprit et donne une place fondamentale à la mémoire des événements vu de l’intérieur. 

       Ce témoignage permet aux personnes vivant à l’arrière de découvrir ce qu’il se passait réellement sur le front. En effet, les soldats qui rentraient en permission ne pouvaient et ne voulaient pas parler de ce qu’il se passait sur les champs de bataille pour protéger leur famille. Se construisait alors une véritable barrière entre les combattants et les gens de l’arrière.  En écrivant À L’ouest rien de nouveau, Erich Maria Remarque n’étouffe plus les faits, comme après lui Primo Levi avec Si c’est un homme et Claude Lauzmann avec le film/reportage Shoah. Cette diversité de témoignages permet d’avoir une vision plus claire et plus complète de l’Histoire, ce qui est nécessaire aux personnes concernées mais également aux futures générations. 

       La transmission de la mémoire de l’Histoire  est possible grâce à ces acteurs qui ose se dévoiler mais également -dans l’univers du livre- grâce aux éditeurs qui permettent la publication des écrits. Ce n’est pas toujours le cas, par exemple pour le livre de Primo Levi qui a vu sa publication repousser car l’éditeur avait refusé la parution ne croyant pas en l’existence de la shoah. Les éditeurs nous montrent l’importance qu’ils ont dans la transmission des mémoires que ce soit pour des événements historiques ou sociaux : Condition de vie des femmes en Arabie saoudite, témoignages de migrants ou encore donner la paroles aux gens qui nous entourent comme les jeunes en difficultés. Ils permettent la diffusion, la compréhension de ce qui se passe autour de nous de développer nos connaissances et notre tolérance.

À l’ouest rien de nouveau, de Erich Maria Remarque

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JR or a people voices

       Jean René called JR was born in Paris. He began very young to appropriate places. He engraved his name on his school desk  and he tagged his name on the city walls. He climbed over the rooftops of Paris to see the world with more height. He alway looking for exploration. Thanks to the photography, he found another way to discover and reveal the world. He printed his photograph in A4 because it was not expresive. He used the street as an art gallery. From the beginning, he unveiled his art to everyone. A4 formats evolved and turned into monumental and impressive format. 

28 Millimeters, Women Are Heroes Monrovia, Liberia, 2008 (www.jr-art.net)

       His first project represented portraits of his suburban friends. These photographs were glued on buildings. Inside this in-situ photographic coverage, JR tried to show to the world the reality (one of the reality) of the suburban youth. They are poorly represented by the media. He tried to reduce the stereotypes and the prejudices that we could about the social status, religion or between countries. He wants to get closer to the human. The artist photographs people very closely. He shots the faces, smiles or eyes. His pictures  release a lot of very strong and true feelings. The eyes speak. They talk to the audience. His projects are very varied. He maked a tribute to the persecuted minorities in Pakistan. Then he worked on Israelo-Palestinian conflicts. He consacreted one of his projects  called Woman are heroes. Women who lived the Cuban Revolution, who have been abused or who have been raped. JR gives back, through his photographic project, an importance and a visibility to his actors, to the victims of conflicts that are all too often forgotten. He travels a lot around the world to capture and glue portraits of communities that have suffered damage from war or a natural incident. He finds himself  in front of the ethnics and social causes. In one of his photographic series in 2012, he maked a tribute to the immigrants of Illinois in the USA and their descendants and he carried the voice of forgotten communities such as Native Americans.

Inside Out - Standing Rock Reservation, North Dakota 60 portraits. “We are the Lakota Tribe. We are the Seventh Generation and we still exist.” (www.jr-art.net) 

       He reported on the cultural diversity of New York City in 2013 with a huge installation on Times Square. The portraits come from different neighbourhoods of New York. Thanks to a photo booth truck who traveled the streets of cities, the photographer meets ordinary citizens and provided importance and pride. He includes all communities  and everyone. With Inside Out, JR gives consideration to all, even the postman. 

Inside Out NYC - Times square, New York, United States, 2013 (www.jr-art.net)

       JR projects strengthen social relationships and appears to be able to abolish physical and ethnic boundaries.  All these people find themselves at the center of something much bigger than their community or their city : at the center of a humanist value project.  Men find themselves in the center of places and places in the center of the Men. JR brings together despite the differences. With collages, it shows the bubbling cultures and societies that communicate around the world.  The artist gets closer to the human to better understand it, to better reveal it. Thanks to these photographic tribute, he shows us that it is essential to understand the people who lived with us, near or far, by their points of view. JR shows us the true face of the world through a social approach and tolerance.

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La nature, source d’inspiration

       Cette semaine j’ai été interpellé par le travail photographique de Kjell Block Sandved. D’origine norvégienne Kjell Block Sandved est un conférencier, un écrivain et un photographe de nature. Il a dévoué tout sa carrière à explorer et à capturer, partout où il allait, la beauté complexe de la nature. Dans ses périples il emmagasina des centaines de photos de papillons et plus particulièrement les détails des motifs des ailes de papillons. Au travers de cet inventaire photographique, l’œil de Kjell Block Sandved se porta sur certaines ailes en particuliers. Il découvrit que certains motifs ressemblaient aux lettres de l’alphabet latin ainsi que les chiffres de 0 à 9. De cette observation, il réalisa The Butterfly Alphabet. 

Sources : The Butterfly Alphabet on mymodernmet.com

       J’ai été interpellé par la mise en relation des ailes de papillons : les formes étant le résultat aléatoire et naturel liées à l’évolutions et à l’adaptation des papillons à leur milieu naturel (ici représentant les lettres de l’alphabet) et de nos caractères typographiques. Les caractères typographiques sont eux aussi le résultat d’une évolution au cours des siècles : ils s’adaptent aux modes, aux utilisations, aux progrès techniques. Ils sont eux aussi une source de continuité et d’unicité. En effet, un A sera toujours un A, comme une aile de papillon restera une aile de papillons mais leurs dessins, leurs structures changeront et seront uniques et inépuisables. 

       Ce projet m’a également intéressé pour la signification et la démarche du photographe. La durée de ce projet s’étale sur plusieurs années et montre alors l’importance de prendre du temps et de se plonger, les bras grands ouverts dans un projet. Kjell Block Sandved captura toute sa vie la nature dans sa grandeur ainsi que son unicité. Il resta attentif aux moindres détails pour capturer des moments à la beauté unique et éphémère grâce à son appareil photo. Il s'intéressa à la complexité de la nature et rendra compte dans The Butterfly Alphabet de la variété inépuisable des combinaisons de formes, de couleurs de ce qui nous entoure. Les ailes ont des mélanges bouillonnant et psychédélique de couleurs qui se juxtaposes auxquelles nous n’aurions pas forcément eu l’idée. Il y a un véritable jeu d’association de couleurs qui aiguise le regard. Ici il se pencha sur les papillons mais il aurait pu aussi se pencher sur d’autres particularités comme le pelage des félins ou les couleurs des feuilles des arbres.  Kjell Block Sandved n’est pas le seul artiste à s’être intéressé à la beauté de la nature. Comme lui de nombreux artistes s’en inspire dans leurs œuvres tel que William Turner et ses ciels enflammés, Monet et la beauté majestueuse de la lumière changeante sur la cathédrale de Rouen ou le sculpteur contemporain Tony Cragg aux œuvres faites en bois, en bronze ou encore en acier qui semblent s’inspirer des strates géologique. La nature variable et unique permet de la représenter et de la partager de façon tout aussi unique. 

       Tous ces artistes nous amènent à se concentrer sur les détails de notre quotidien ou de nos diverses explorations urbaines ou rurales -sources inépuisables d’inspirations grâce à leurs diversités et leurs unicités. Le travail photographique de Kjell Block Sandved, décédé en 2015 nous amène à apprécier les plus petits, les plus insignifiants détails de notre environnement et nous montre l’une des inspirations qui découlent de la nature permettant de nourrir notre esprit de découverte.

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Charles Bukowski and the released words

       Charles Bukowski is an American novelist and poet. He was born in 1920 and died in 1994. He lived a very poor and marginalized life. Teenager he was rejected by the other children because of a severe acne who marked his body and his face of pustules. Until his sixteen years old, his alcoholic father beat him under the subdued eyes of his mother. Adult he often changed little jobs, woman and bottles of alcohol. He built up himself an outsider character who found the delivery in the writing and the poetry. It became necessary for his survival. Between the little jobs he traveled in the USA from bar to bar and he continue to write. His wandering and poverty life will connected him to the Beat Generation (Jack Kerouac, Allen Grinsberg…) and also to the new literary movement : the dirty realism because of the autobiographical publication about misery, alcohol, debauchery and lost spirits like Notes of a Dirty Old Man, 1969 ; Post Office, 1977 ; Ham on Rye, 1982…

      Charles Bukowski has a very bluntly and brutal writing. He writes without filter, tell us immodest his story. Whether it is of the disgusting smell of a man sat next to him or the unspeakable act of violence from his father. His writing is honest and can disrupt the reader because of the simplified natation of the writing and violents words. We have the feeling, during the reading, that the author do not cheat with us. He delivers us, with ease, without ornements, his story. It is very spontaneous, generous and dynamic reading.

      The Charles Bukowskis tone is sarcastic with black humor and simple sentence who show us a detachment that Bukowski as from his ordinary story. He will add none unnecessary elements. He tell us his story for the desire to share and for his own delivery. The writing allows him to release himself and to create an authentic link with the reader ; things which he did not knew and did not want to do during his entire life. He preferred to stay in the bar…  This detachment is disturbing for the reader because the reading became something mysterious. There are only formal descriptions of a character or a place. The author lets us imagine what he can see. The pleasure of imagination create a real complicity with him. Certain questions we ask ourselves will never be solved but that hold us in the reading. 

        The reading is hard. We feel the pain. We feel the difficulties of living. Humbly, Charles Bukowski writes about the breaking life, the physical sufferings, the school violence…  We put them the book, to blow and get perspective. His books raise social question very important, even today.

      Charles Bukowski affected me by his honesty, his authenticity and his bravery. He was a marginal and an alcoholic. And his entire life he refused to became a product of the society. His only way-out was the writing. A life of writing to the taste of his everyday life. 

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Anselm Kiefer et la matière de l’Histoire

Anselm Kiefer, "Für Paul Celan : Aschenblume" (Pour Paul Celan : Fleur de cendre), 2006

       Anselm Kiefer est un peintre et un sculpteur d’origine allemande. Ses premières productions ont débuté dans les années 70 et depuis il expose régulièrement à l’internationale. Ces dernières années, nous avons eu la possibilité de voir ses œuvres au Musée Rodin ainsi qu’au Centre Georges Pompidou à Paris. 

        Grandissant en Allemagne dans un climat d’après guerre, c’est tout naturellement que son travail explore des thématiques personnelles se mêlant à celles, douloureuse et violente, de son pays. Anselm Kiefer refuse le silence qui règne sur les années de guerres et a la conviction, en tant qu’artiste, de devoir parler de ce passé. Ce travail de mémoire se retrouve dans des œuvres aux formats monumentaux, aux couleurs sombres et à l’utilisation de la matière qui semble surgir hors de la toile.         Le format excède les formats conventionnels. Ses œuvres se retrouvent à couvrir un pan entier d’une salle d’exposition qui peut déstabiliser mais aussi intriguer. La sensation première, face à ces œuvres, est l’impression de petitesse et de vulnérabilité. La deuxième sensation serait bien la curiosité de la composition des éléments plastiques. Ici une photo, là un livre calciné et plus haut un morceau de porte… Kiefer, grâce à la grandeur de ses toiles, nous fait rentrer au cœur de la scène et d’en devenir l’acteur. Notre corps joue avec l’espace pour visualiser différents points de vues de l’œuvre qui nous plonge inconsciemment dans la mémoire historique de Kiefer et de son pays. Le travail de la matière a donc une place importante dans le travail de mémoire de Kiefer. Des grattages, des superpositions, l’utilisation du plomb amènent une dureté à la toile vierge. Ces strates et ses traces sont réalisées dans des moments de rages et de violences extrêmes qui deviennent des déchirures physiques et terrestres. Cette matière nous raconte ici l’histoire de ces terres, de ces villes et de ces habitants détruits par la fureur de la guerre.        Kiefer, dans son travail, nous confronte donc au climat hostile de la guerre par des atmosphères glaciales, menaçantes et silencieuses, refusant presque toute présence humaine. Mais ces toiles aux couleurs hivernales et aux gestes déchirants ne nous montrent elles pas que ce ne sont que des périodes à affronter pour arriver au printemps. Comme d‘affronter le passé pour l’avenir… 

       Anselm Kiefer, enfant de l’Histoire, réussit grâce à ses œuvres à confier sa vérité en refusant le silence. Sa mémoire bouillonnante nous permet de nous confronter à notre mémoire individuelle et collective.

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The majesty of the Cité des Orgues

The Cité des Orgues, avenue de Flandre

I really like to walk around the 19th and 20th districts of Paris. The streets are sometimes like anthill, but they can also be deserted. I could only hear the sound of leaves moving through the wind. My eyes fell on an array of buildings very different from the others constructions. They were higher and more imposing than what I saw at the beginning of my ramble.           I had arrived in the middle of the Cité des Orgues, avenue de Flandre. These buildings were designed by the architect Martin van Treeck in the 70’s and 80’s. The Haussmann buildings have left the place to a purist architecture, without ornaments which is anchored in the brutalist movement.

          The houses are massive and are the expression of the modern urbanism of the 80’s. Some intense things emanated from this place. The imposing volumes of concrete and the arrangement of the buildings gave me an impression of austerity and grandiosity. I felt very small at the core of the Cité des Orgues. Pieces of the Cité seemed to advance on the street, such as the huge ship's pediments. The sun's rays came hit the white concrete facades. I was completely immersed in a world of extreme whiteness. Games of shadows had been created. One form became another and the walls seemed to move. Was this facade there when I arrived ? This wall would not have advanced?

The Cité des Orgues, avenue de Flandre

          But from this austerity, I also found flexibility and a warm side. I instantly felt a form of lightness through these imposing volumes of concrete. The facades of the buildings seemed to stretch and touched the sky. My head was emptying when my eyes followed the straight lines and purified forms of these concrete giants. The monumental architecture worthy of an elephant, remains humble. Indeed these buildings were built after the war in the concern to provide a shelter to the population and to satisfy his material necessities.

            This city seems to come out of nowhere. It rises and disturbs the urban landscape that I knew. During this walk, I had the impression to have entered in a parallel world. A world with oversizes walls that surrounds you and protects you. I had the impression of seeing my thoughts refocus in the hearts of his buildings, in a place of isolation in the heart of a buzzing city.