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Primeros bocetos y composición final

Habiendo realizado todas esas actividades, llegó el momento de empezar a bocetar ideas para la composición final. 

Tenía unas ideas claras:

Ya tenía la paleta hecha. Violetas predominantes y adornos en amarillo.

La sensación que quería transmitir era nostalgia, tristeza.

Entonces, empecé a idear eligiendo elementos que sentí claves de la película:

El piano de Seb

La ciudad, luces, Hollywood

Estrellas

Dos caminos uniéndose o separándose

Música

Azul-rojo

Conseguir una idea que me gustase me tomó más tiempo del que esperé, aquí subo algunos bocetos rechazados.

El que más me gustó de estos cuatro fue el inferior derecho, pero quería como predominante al morado, además que, ya que la primera presentación era con un boceto digital, no sabía muy bien como hacerlo. Tomé inspiración de algunos afiches que encontré en internet:

No lograba conectar mis ideas del todo, y seguí bocetando ya con lápiz como fuese, hasta que conseguí un boceto que me gustó:

Sabía como hacerlo en digital, estaba dentro de mis capacidades, además, cumplía con casi todos mis requisitos, menos la música y el piano, pero decidí arriesgarme con este boceto.

En powerpoint me puse a hacer la silueta de la ciudad, inserté los colores (los cuales fueron mucho más fáciles de seleccionar tras haber estudiado anteriomente saturación, tono y valor) y guardé la imagen. Así quedó el fondo:

Utilicé también los conocimientos dados en dibujo1, donde los objetos más cerca de nosotros los vemos con mayor valor, y los del fondo más claros.

Posteriormente, pasé a photoshop, donde arreglé un poco los colores, agregué estrellas, inserté el título, eslogan y productor de la película. Además, agregué unas luces, ya que sentí que le faltaba algo que lo hiciese identificarse más como Hollywood: las típicas luces llamativas, sin embargo, también lo asocié con los caminos de los protagonistas, como se intersectan, para luego separarse.

Este fue mi primer boceto:

Tras la aprobación del profesor en mi primer boceto, procedí a realizarlo en digital. 

El profesor mencionó hojas de colores, hojas que me pasé buscando en distintas tiendas mas no encontré. Encontraba violetas simples, pero yo necesitaba distintos valores, por lo que procedí con mi segunda opción: usar acrílicos y hacer mis propias hojas de colores.

Los materiales que usé para la creación de mi fondo fueron:

Acrílicos amarillo, cyan, magenta, negro y blanco

Pinceles y potecitos para hacer las mezclas

Un lapicero blanco de gel

Hojas de 160 de gramaje

Un cutter o cuchilla

Una tabla de corte

Papel periódico

Luego, procedí a conseguir los colores y pintar cada silueta.

 La dejé secar, pegué cada silueta, di los últimos detalles con lapicero blanco y acrílico amarillo, y quedó el fondo:

No supe cómo hacer las luces, así que realicé la composición sin ellas. Finalmente, en photoshop, inserté el título y demás palabras, quedando así el segundo boceto:

En clase el profesor me corrigió el tamaño del título, la composición necesitaba respirar, y eso hice. Corregí los detalles finales, y este es el resultado:

Entonces, concluí mi trabajo. Una composición reposada y asimétrica mas equilibrada, con una carga emocional triste, así como el final de la película. Muestra una ciudad donde las personas buscan convertirse en estrellas, cumplir sus sueños, y luchan con perseverancia para conseguirlos. Eso sucedió con los protagonistas de la película: ambos tenían sueños, aspiraciones que querían cumplir, pero notaron que en camino a cumplir lo que deseaban, la vida del otro no estaba involucrada, y lo aceptaron.

Es una moraleja muy interesante que no podía pasar por alto, sino al contrario, usarla como concepto para el proyecto.

Por último, aprendí que a veces menos es más, y aunque al inicio haya querido abarcar muchísimos elementos, es importante saber sintetizar, simplificar, reducir los elementos para conseguir una composición que funcione. 

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Ejercicios de Ritmo

En este ejercicio teníamos que elegir un clip de la película escogida (en mi caso La La Land) y a base de figuras geométricas, representar los ritmos de las escenas.

Sinceramente fue la actividad que más se me dificultó, y que intentaré mejorar a futuro. Se me hizo súper difícil representar en figuras el ritmo, o distinguir si era un ritmo regular, irregular, rápido, metódico, etc. O si no, distinguía que era un ritmo rápido y dinámico, pero no sabía como simplificarlo en figuras básicas.

El link del clip está aquí: https://www.youtube.com/watch?v=waTDxRZ93Qc  Elegí el clip en el que los protagonistas bailan juntos por primera vez, pues se me hizo muy interesante de analizar, aunque terminó haciéndoseme difícil.

Ejercicio 1

Lo dividí según los ritmos que iba identificando. En cuanto a los colores, quise para la primera prueba, respetar los colores de los personajes. 

Inicia con ritmo constante

Ligeras irregularidades

Ritmo marcado, pequeño y firme

Se presenta más movimiento, rotación

Y luego bailan, movimientos rectos y a la vez fluidos, siguiendo un ritmo.

Ritmo crece, va llegando a un clímax, pero baja, una llamada que apaga todo el ritmo de la escena.

Para este ejercicio, mostré el cambio de movimiento y ritmo por medio de rotaciones y ligeros crecimientos.

Ejercicio 2

Lo dividí parecido al anterior ejercicio, pero en los colores, ya que era una escena de romance entre ambos personajes, utilicé el morado. 

Empieza con un ritmo constante

Hay un ligero crecimiento, pero baja nuevamente

Se va acelerando, ritmo marcándose más y más.

Escena del baile. Movimientos rectos, firmes pero otros más fluidos.

Va creciendo más y más, pero la llamada apaga el ritmo presente en la escena.

Para este ejercicio, evidencié el ritmo en el crecimiento de la figura base: un cuadrado. Además, en movimientos más rectos o fluidos utilicé repetición.

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Contrastes de Color

Habiendo encontrado ya mi paleta guía, tocó hacer pruebas de color, probar distintos contrastes como otra guía más. En sí, el objetivo de cada actividad asignada fue ir facilitando el camino hacia el producto final.

Bueno, yo elegí este fotograma de Mía:

Me interesó la composición, ella superpuesta, y pensé que esas notitas anaranjadas que hacían contraste podrían ser interesantes cuando fuese alterando los colores.

Prueba 1

Recordemos, en esta actividad, iría jugando con las tonalidades escogidas en mi paleta. Podía alterar valor y saturación, mas no tono. Entonces, en mi primera prueba elegí una monocromía de violetas, y un toque de rojo desaturado, rosa.

Prueba 2

Para la segunda prueba, hice presente el amarillo, pero no como color principal. El color predominante sería el morado, y agregaría como tonalidad secundaria el amarillo.

Prueba 3

En la tercera elegí el amarillo como color predominante, un toque de rosa vibrante, y un rosa más desaturado.

Prueba que mejor funcionó

La prueba que más me agradó fue la de morado como color predominante, pero decidí disminuir más la presencia de amarillo, y aumentar la variedad de valores y contrastes entre morados y rosados (o rojos desaturados). Después de todo, en mi concepto yo elegí que el centro del todo sería el amor de los protagonistas, lo cual se expresaba con el morado. Por lo tanto, la presencia de este color debía abarcar casi toda la composición.

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Paletas de Color

Siguiendo con el proceso del trabajo final, identifiqué varias de las paletas de color presentes en la película, algunas bastante variadas, pero también busqué otras que tuviesen los colores específicos que andaba buscando para el producto final.

Tonalidades cálidas, contraste de complementarios directos.

Analizamos la mezcla de rojo y azul, morado, para representar el amor de Mía y Seb, y un toque de color con el amarillo, complementario directo del morado.

Distinguimos el azul y el rojo, y como se entrelazan formando el morado rojizo.

Escala de morados, tonalidades análogas, de las paletas que más me gustó para el trabajo final.

De las últimas escenas de la película, el ambiente iluminado por un morado, tonalidades azules, y contraste con tonalidades cálidas. Una paleta bastante representativa de los colores principales en la película.

Luego de analizar las paletas encontradas, vinculé los colores con la sensación nostálgica del final de la película. Evalué todas las paletas, fui haciendo mezclas, y finalmente saqué la que sería mi paleta guía para trabajar mi composición final.

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Análisis: Respuestas

La La Land es una película donde el análisis del color no fue dejado atrás. Predominan colores saturados y vibrantes, tales como rojo, azul, amarillo, morado, rojo, verde, morado, entre otros. Hay una amplia variedad de composiciones, reposadas, dinámicas, hay mucho juego en las escenas del filme.

Se ven presentes varias armonías del color:

Monocromías

Complementarios directos:

Colores análogos:

Sin embargo, la paleta predominante y más significativa en la película es la de morados y azules:

Cada color tiene un significado en las escenas mostradas:

Azul: el color del arte, de Mía, la protagonista. Este color se vería presente además en la iluminación de la película en general.

Amarillo: cambio en los personajes. Ejemplos de esto se ven en el vestido de mía en la escena del baile, cambian los sentimientos de los protagonistas, se empiezan a enamorar. O también en la ropa de Keith, personaje que cambiaría todo el rumbo de la película en general.

Verde: es sinónimo de que algo está fuera de lugar, lo que nos causa desagrado, rechazo. Lo vemos en la cafetería donde Mía trabajaba, en la casa de Seb cuando cantan city of stars o en la charla donde Seb le contaría a Mía que estaría ausente los siguientes años.

Rojo: significa responsabilidad, como un golpe de realidad. Ejemplo: Seb renunciando a su sueño de abrir su propio local de jazz, y aceptando un contrato que aseguraría su futuro económico, se hace responsable de sus actos y renuncia a su sueño.

Sin embargo, lo curioso es cuando en escena se mezclan, están presentes tanto rojo como azul, o su mezcla, el morado. Estos dos colores se entrelazan en las escenas de amor entre Mía y Seb, y su mezcla perfecta se hace presente en las escenas más especiales.

Ya que el morado representaba el amor y unión entre Mía y Seb, decidí centrar en él mi paleta de colores final.

La película tiene como tema central el cumplir los sueños: ella, ser actriz, y él, abrir su club de jazz. Además, ambos son luchadores, perseverantes, y buscan, hasta el final de la película, cumplir sus sueños. Saben identificar sus prioridades, aceptando que para cumplir sus sueños, no podrían continuar en la vida del otro.

Eso es lo que rescato de la película, ese mensaje se me quedó grabado, y junto con la paleta, ayudó a decidir el camino de mi composición. El realismo del final, como hay que ver por nosotros mismos, y luchar por cumplir nuestros sueños, el tema me sorprendió muchísimo. Es una película con un final triste, pero entendible para todo el que lo ve.

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Décimo trabajo:

Este trabajo consistió en elegir una de las siete películas que se nos ofrecieron, y luego de verla, hacer una reinterpretación de ella, y recopilando sus características (composición, color y ritmo), crear un afiche conceptual de la película.

Yo elegí: La La Land

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Noveno trabajo: Esquemas de Color

Para esta última actividad, se nos asignó tomar tres fotografías según estos tres aspectos:

Armonía por Monocromía

Armonía por Analogía

Armonía por Triadas

Como con todos los temas, para obtener un buen resultado es necesario tener claro cada término nuevo, así que iré explicando un poco de cada armonía.

¿Qué es una armonía?

Es la forma de organizar elementos en una composición, con el objetivo del equilibrio. Y una armonía del color ya vendría a ser que, utilizando los colores del círculo cromático, se consiga equilibrio, uniformidad.

Diferencia entre armonía y esquema de color:

Ahora... 

¿Una armonía por monocromía?

Se aplica usando un tono del círculo cromático. Varía en valor y saturación.

Este fue mi trabajo monócromo. Aquí utilicé alimentos que compartían el mismo tono: ají amarillo, aguaymantos y una mandarina. Considero que es una composición interesante de ver ya que se aprecia tanto en la fotografía como en el esquema de color la variedad de tonos que surgen alterando la saturación del tono original: naranja. Usé luz natural.

¿Una armonía por analogía?

Es un conjunto de colores que tiene como eje a un primario en su estado puro. Podemos ir hacia el lado derecho o izquierdo del primario.

Aquí mi trabajo con colores análogos. Usé los alimentos de la composición pasada (ají amarillo, aguaymanto, mandarina), pero añadí plátanos, tomates, una manzana y un bol amarillo, consiguiendo de esta forma los tonos necesarios para apreciar una armonía por analogías. Para darle más calidez utilicé una luz amarilla, esto terminando de darle los tonos adecuados. Por último, como base usé una superficie anaranjada desaturada con blanco, dándole unidad a toda la fotografía.

Busqué una composición “desenfocada”, el punto enfocado, el tomate de la derecha, debía ser lo que le diese mayor fuerza a la composición, y de fondo, el resto de colores, siendo estos mismos de mayor valor.

Esta fue la segunda fotografía más difícil de realizar, pero considero que logré el equilibrio deseado.

En las diapositivas presentadas por el profesor se aprecia además las analogías en base rojo que utilicé:

¿Una armonía por triadas?

Una triada se encuentra haciendo un triángulo equidistante, y girándolo por la rueda de color. Algunos ejemplos:

Azul, amarillo y rojo.

Morado, anaranjado y verde.

Amarillo cálido, cyan y magenta. 

Apliqué en esta fotografía la triada más conocida y saturada: la triada de primarios (azul, rojo y amarillo). Esta fue la composición más difícil para mi, ya que, al tener en mi poder tonos tan fuertes, no lograba encontrar un equilibrio y uniformidad.

Sin embargo, terminé consiguiéndolo. Utilicé dos cuadernos amarillos, un bol rojo, una superficie roja, y una colchoneta azul como fondo. Hay otros colores aparte de los primarios, un blanco y un cyan fuerte. Fueron puestos con la intención de cortar un poco los otros colores, agregarle mayor interés.

Me incliné finalmente hacia una composición abstracta pero ordenada. Utilicé dos fuentes de luz artificiales, una en el techo y otra como linterna.

Y por último, en esta fotografía quise evidenciar una armonía de complementarios aproximados entre el amarillo y el violeta. Aproximado porque no es en sí un complementario directo, sino que el morado tiene un poco de rojo, convirtiéndolo en un violeta. 

Esta foto en un inicio fue tomada horizontal y simétricamente, pero para mayor interés y juego en la foto la incliné y puse el objeto en el lado derecho.

Me apoyé de dos luces: natural y artificial.

Ya concluyendo, el color es un aspecto muy amplio que tiene bastante para estudiar: armonías, esquemas, la temperatura, valor, saturación, tono, entre otros. Sin embargo, también se trata de buscar cómo es que sentimos el color, ya que a veces, al guiarnos en nuestro instinto, pueden salir composiciones bastante interesantes y con sentimiento.

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Octavo trabajo: Formas a color

Aquí, se nos pidió hacer 2 composiciones abstractas en formato A5, utlizando para ello formas geométricas u orgánicas. No debían pasar de 6 figuras, y la mayor dedicación iría a la técnica utilizada y los colores elegidos.

La primera composición podía tener los colores qe se nos apeteciesen.

La segunda debía tener la misma estructura que la primera, mas utilizar colores desaturados, débiles.

B O C E T O S

Inicié con varios bocetos. No quería dedicar demasiado tiempo a alguno en específico, sino ir probando distintas composiciones que estuviesen en equilibrio. Al final, los bocetos 1 y 3 mostrados en la imagen fueron los que me convencieron más, estaban equilibrados y me gustaba la composición que había resultado.

Para los colores que elegí busqué en internet distintas paletas de colores, buscando inspiración de parte de ellas.

P R O C E S O

Para la primera composición entonces me incliné por una sensación “cómica”, infantil, luminosa y llena de energía. Así, cuando pintase la composición desaturada, se notaría un gran contraste entre ambas.

Y para la segunda composición, si bien utilizaría como referencia los tonos de la composición anterior, quería saber más o menos cómo iba a desaturar cada tono. Utilicé entonces como referencia esta paleta de colores.

Y estas fueron las composiciones finales, pintadas con la técnica de acrílico. 

El amarillo se volvió más débil al combinarlo con gris, rojo y azul.

El naranja al combinarlo con negro.

El magenta al combinarlo con blanco.

El cyan al combinarlo con gris.

Al verde lo sustituí por un violeta grisáceo, que conseguí mezclando cyan, magenta y gris.

Y el naranja rojizo lo sustituí por un beige más oscuro que el tono del triángulo, añadiéndole más amarillo y un poco más de negro.

En sí todo este trabajo fue una gran ayuda para experimentar más el color, recalcando que un tono se desatura no solo con otros tonos acromáticos, sino también con sus complementarios u otros colores.

Como conclusión, fue un ejemplo bastante gráfico de como una composición puede cambiar su concepto solo con los tonos aplicados. Puede que no cambie la estructura de la composición, pero la paleta de colores también es un punto fundamental, que, si cambia, ya nos brinda distintas sensaciones.

Por ejemplo, la primera composición daba una sensación cómica, infantil y enérgica, alegre y dinámica. Sin embargo la segunda, teniendo los tonos desaturados, ya posee un aspecto más sobrio, elegante, hasta femenino.

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Séptimo trabajo: Escala de Valor por Tonos

Para este trabajo se nos pidió ordenar objetos de distintos colores según su valor y no su tono. Había que tener claro entonces la diferencia entre estos términos, además de saturación.

Tono: Lugar que ocupa en el espectro (Lupton/ Cole Philips), propiedad en relación con diferencias de longitudes de onda o con mezclas de diferentes longitudes de onda. Es la mayor pureza del color. (Martínez Ayala).

Valor: Carácter más claro u oscuro de un color. Ej: valor alto = color más claro. (Santa María, F.)  Cuando conviertes una imagen en color a blanco y negro, eliminas el tono, más aún puede identificarse el valor.

Saturación: Indica la pureza de un color, qué tan fuerte es. (Santa María, F.) Alta saturación, color fuerte, vivo y puro. Baja saturación, color débil, apagado, gris. Un color se puede desaturar con colores acromáticos y los complementarios del color a trabajar.

Referencia gráfica:

Teniendo esto claro, ordenaríamos los objetos de menor a mayor valor según nuestro criterio, mas viendo la imagen a color. Tomaríamos la foto a color, luego la pasaríamos a blanco y negro, y con ello verificaríamos si la escala fue correcta.

El trabajo que presenté fue el siguiente:

Y ordené los distintos tonos de esta forma por estas razones:

Al momento de pintar el círculo cromático, hay que ir echándole poco a poco el color oscuro al claro, para encontrar los colores de forma más fácil y correcta. Asi descubrí que el amarillo es más claro que el azul y el rojo (por lo que posee mayor valor), al cyan es más oscuro que el amarillo pero más claro que el magenta, y el magenta como conclusión es más oscuro que el cyan pero más claro que el amarillo.

Además, puedo tener como guía el sistema de Munsell:

Está ordenado para que el tono se clasifique en el diámetro exterior de la esfera, el valor en el eje vertical y la saturación en el eje horizontal.

Gracias a él también podemos averiguar el valor de los distintos tonos, un ejemplo:

Gracias a que no está ordenado de forma circular o esférica, podemos apreciar las distintas características del color: tono, valor y saturación. El amarillo, aún en su estado más puro, posee mayor valor que el azul puro.

Es así como también pude conseguir una escala ordenada según el valor de los tonos de forma correcta:

Amarillo 

Verde

Anaranjado rojizo

Rojo 

Rojo oscuro

Violeta combinado con negro.

Como última mención, comprobé gracias a este ejercicio la posición de los colores en la escala de Ross-Pope. Entendí el por qué están ordenados de tal forma, que hay distintos colores que al convertirlos en blanco y negro resultan ser parte de la misma escala de gris, entre otras cosas.

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Sexto trabajo: Exploraciones a color

a) Exploración de mezclas de colores

La primera subdivisión de este trabajo consistía en, utilizando una superficie A4, probar hacer distintas mezclas. Para ello, yo utilicé acrílicos amarillo, magenta, cyan, negro y blanco.

La utilidad de esta actividad sería para empezar a descubrir como es que funcionan los colores. Me fue muy útil, fui averiguando cuánta cantidad de color se agrega para formas distintas tonalidades, la variedad de colores que se pueden formar... aunque seguiría explorando distintos colores en los siguientes trabajos.

Estas fueron las mezclas que conseguí hallar en un inicio de forma ordenada. Sin embargo, conforme fueron avanzando las actividades mis mezclas fueron tornándose algo más desornadas, tal que así:

b) Composición libre a color con concepto

Aquí, en dimensión de una hoja A5, teníamos que hacer una composición libre: dividir la hoja en formas geométricas u orgánicas, con regla o mano alzada, y rellenar las casillas resultantes con los colores de nuestra elección.

Usé como referencia e inspiración a Paul Klee:

En base a ello, hice un primer boceto:

No me gustó. Quería presentar una paleta de colores que incluyese los colores primarios pero en estados desaturados, combinados con blanco y negro. Mi intención fue meramente la de crear una composición con ambos colores fríos y cálidos, brindando así un contraste entre ambos, no obstante, no me gustó el resultado, así que lo volví a hacer.

Por cierto, para este primer boceto utilicé copics, plumones a base de alcohol, en una superficie lisa de 300gr.

Este fue el producto con el que estuve realmente conforme. Utilicé colores cálidos: amarillo, naranja, rojo, púrpura y violeta (en la foto se definen los colores usados del círculo cromático). El violeta puede ser considerado frío, pero al ser agrupado con otros colores cálidos, se podría decir que se “calienta”, pierde su estado frío y se logra la unidad en la composición.

Utilicé estos colores con la intención de expresar calidez. También crecientes círculos, como símbolo de crecimiento. El concepto al que me incliné fue el de que estas tres esferas son tres aspectos importantes que me brindan calidez y me hacen crecer:

Mi familia

Mis amigos

Yo misma, el amor propio.

Hice uso de escuadras, un compás y colores faber castell polychromos, en un sketchbook de 150gr.

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Quinto trabajo: Círculo Cromático

Aquí se nos pidió rellenar un círculo cromático utilizando únicamente los colores primarios: amarillo, magenta y cyan, aunque también dividiendo estos tres últimos colores en sus contrapartes frías y cálidas.

Este círculo cromático sería la versión propuesta por Johannes Itten, donde se identifican claramente los tres colores primarios.

Para empezar el trabajo fue necesario definir qué técnica iba a utilizar. Dentro de mis posibilidades pensé en colores, plumones, acuarelas y acrílicos.

Terminé optando por los acrílicos, ya que tenía los tres colores primarios exactos, además de que el acabado era bueno, así que me puse manos a la obra. 

Utilicé además unas hojas canson de 224 de gramaje, bastantes útiles para pintura y demás, unos pinceles y una cinta para tener  bordes más precisos.

Proceso

Inicié identificando los colores que irían en el círculo cromático, teniendo como referente:

Habiendo encontrado los colores por medio de mezclas, procedí a pintar cada parte. Luego, fui encontrando los colores secundarios, y posteriormente los terciarios.

Además, fuertes referencias fueron dos ejemplos de círculos cromáticos hechos por alumnos anteriores. Ejemplos muy útiles brindados por el profesor.

Finalmente, este fue el resultado:

Gracias a este círculo cromático identificamos colores fríos y cálidos, los cuales se llaman así por la sensación, la temperatura que nos transmiten.

Fríos: azules, verdes y violetas.

Cálidos: amarillos, naranjas, rojos y púrpura.

Es necesario que se encuentren los colores correctos, pues a lo largo del curso de color y técnicas usaríamos bastante este producto en futuras actividades como guía.

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Producto final

Explicaré individualmente mi proceso con el producto final del parcial, el cual resultó viéndose así:

INSTRUMENTOS UTILIZADOS

Una regla de círculos de distintos tamaños.

El poco papel negro que me quedaba.

Estilográfos de tinta negra de grosores 0.05 y 0.5

Un lapicero blanco de tinta gel grosor 0.8

Washitape, para que los bordes de la base de la composición no se saliesen de la línea con el mayor cuidado posible.

La idea final resultó bastante distinta a los bocetos que presenté anteriormente, pero fue por una cuestión de material más que nada.

ANÁLISIS

Si perdiese la memoria de un momento a otro, viendo esta composición recordaría que tiendo a ser una persona negativa e irascible (base negra con textura alborotada), pero esto cambia cuando estoy con mis personas más allegadas (círculos pequeños negros siguiendo una línea negra). Dejo de ser tan negativa, pues su presencia me envuelve (trazo punteado blanco y línea negra que prosigue hacia arriba) y me hace más feliz (formas circulares ascendentes de fondo).

Se aprecian en la composición formas:  

El cuadrado: Soy yo, simboliza pesadez, encierro. En alto contraste para ser más pregnante.

Los círculos ascencientes: expresan alegría, alivio, superación.

Círculos más pequeños y oscuros: representan a mis mejores amigas y mis hermanos.

Líneas:

Agresivas y texturizadas en la base, expresan rabia, negatividad.

Orgánicas: expresan fluidez, libertad. 

E interrelación de formas:

Penetración, representación de la negatividad que hay dentro de mí, pero que no domina.

Superposición entre los círculos.

Distanciamiento a su vez entre los mismos.

Todos estos signficados en general los recogí de todas las clases aprendidas, gracias a mis apuntes.

Resultó ser una composición abierta y casi simétrica, de no ser por la curva que envuelve al cuadrado principal. De alto contraste, formato A4, haciendo uso de las formas geométricas básicas.

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Proceso creativo

Lo primero que realicé fue un autoanálisis.

¿Qué es lo que no me gustaría olvidar si una situación así llegase a pasar?

Y luego de ello, definí mi concepto. No quisiera olvidar que tuve una buena vida en el pasado, ya que mi personalidad es la de una persona bastante negativa y evasiva. Sin embargo, algunas personas logran apartar ese lado de mi: mis mejores amigas y mis hermanos. Ellos me dan alegría, tranquilidad y paz, apartan mi lado negativo y mi ser irascible.

Ese sería mi concepto, y con ello empecé a bocetar.

Primeros bocetos

Mi primer boceto, bastante sucio, inició con un concepto un poco diferente. En él partí con la idea de que soy una persona a la que le cuesta confiar de pleno en los demás, que se siente encerrada, pero no quisera olvidar que aún con todas aquellas condiciones, hay tres personas en las que puedo confiar al 100: mis mejores amigas y mi pareja.

Esa idea la limpié y realicé un boceto más limpio en power point:

Como la indicación de que el trabajo era en alto contraste se nos indicó al grupo posteriormente por el profesor, mi primer boceto resultó así:

Un pequeño análisis:

Por fuera, líneas entrecruzadas, simbolizando confusión, desespero, además de figuras planas triangulares, indicando agresión y tensión.

Acercándose más al centro, un gran círculo con colores cálidos. Los colores elegidos fueron porque quería transmitir una diferencia entre lo interior y lo exterior: por fuera confusión, por dentro calidez, felicidad.

Un cuadrado inclinado negro y grande, que signifca mi persona. Elegí un cuadrado con su signifcado de encierro.

Alrededor del cuadrado, tres círculos, alguno más grande que otro según lo importante que era cada persona para mi. Se elegió esa forma por su significado de estabilidad y unión.

Una composición cerrada, estática y mayormente simétrica.

Me inspiré un poco en la composición de Kandinsky: Círculos en el círculo.

Aunque la idea cambió drásticamente cuando se nos indicó en el primer feedback que el uso de colores debía ser mínimo.

En mi primer boceto la presencia del color le daba significado a la composición, por lo que cambié el boceto en la parte central.

Mi concepto aún era el contraste entre lo exterior y lo interior: por fuera agresivo y confuso, por dentro feliz y sereno.

Al no poder usar colores, decidí cambiar el significado del interior del círculo. Anteriormente se centró en la calidez que me daba la presencia de mis personas más allegadas, ahora quería centrarme en cómo expresar tranquilidad, paz, y ese concepto me gustó más.

Esta vez giré el cuadrado, dejé que estuviese así sin alteraciones, ya que sentía que así expresaba más pesadez. 

Utilicé círculos de fondo en tamaños desiguales, los cuales, en base a lo aprendido en sesiones pasadas, simbolizaban alegría, tranquilidad.

Y por último, quise envolver al cuadrado principal en una línea orgánica compuesta por puntos, en la cual habían algunos círculos más grandes, quienes simbolizaban a mis seres cercanos.

No obstante, se me presentó la dificultad del fondo. Al ser negro con rayas blancas, no sería difícil ejecutar la idea en un medio digital, pero a mano ya no me quedaban hojas negras, no tenía en general los elementos necesarios, y la fecha de entrega se acercaba.

Por ello, tuve que cambiar la idea una última vez.

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Cuarto trabajo:

La actividad establecida fue la siguiente: En un caso hipotético, de un día a otro perdimos la memoria. Por ello, debíamos crear una composición para hacernos recordar aquello que no queremos olvidar.

O B J E T I V O

El alumno utiliza los elementos básicos del lenguaje visual así como las relaciones entre ellos para elaborar una composición que represente quien es o aquello que no quiere olvidar.

Por consiguiente, se explicará a continuación el proceso creativo.

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Proceso Creativo

Primeros bocetos

Luego de analizar los elementos característicos de la obra, así como las intenciones del autor, empecé a bocetar.

Esta actividad se me hizo algo complicada. Sentía que los bocetos eran demasiado parecidos al orignal. Me gustaba mucho la composición que había logrado Lissitzky, lo cual me complicaba realizar una interpretación de su obra.

Cambié las perspectivas pero no sentí que funcionase del todo.

Sin embargo, este boceto me gustó más.

Quería darle más pregnancia al triángulo, al color, y a la palabra en sí. Mantendría todos los colores, pero quise probar darle más protagonismo al triángulo en la composición.

Primer feedback

Este trabajo fue el que presenté en el primer feedback, y aprendí que:

Aun habiendo llevado la idea a cabo y habiendo tenido anteriormente otros bocetos, la intepretación seguía acercándose demasiado a la original, no terminaba de convencerme.

Las palabras que había elegido dejar tal cual, era mejor adaptarlas a mi, utlizar mi nombre u otros términos en español, según lo que sintiese conveniente.

Por eso, decidí realizarlo una última vez, corregir según lo aprendido, buscando una interpretación diferente, mas manteniendo la tipografía utilizada en la obra original.

Producto final

En esta última presentación cambié las palabras. Ya que el concepto se basa en oposición al estado, me concentré en ello, utilizando tales palabras como unión, rebelión, fuerza y libertad, mas usando la tipografía original.

Además, continué dándole mayor pregnancia al triángulo y al color, pero utilicé la palabra rebelión para adaptarla a la forma y perspectiva. 

Por último, el concepto de los triángulos rojos atacando a los blancos se mantuvo, en un fondo “negro, aunque cambiado por líneas diagonales como parte de la  interpretación personal.

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Tercer trabajo: Interpretación de un artista

Este trabajo se basó en elegir un artista, investigar su trabajo, elegir una obra suya, hacerle un análisis y posteriormente una interpretación personal de la obra.

Yo elegí a El Lissitzky.

Q U I É N   F U E?

Un ruso nacido en 1890, quien se caracterizó principalmente por su presencia artística ante las agitaciones sociales, políticas y artísticas de la época. Su actividad en el ámbito marcó el diseño gráfico internacional del siglo XX. 

Esta manifestación iniciaría su trayecto aproximadamente en el año 1919, donde se hacía existente la Revolución Rusa. Él tenía un objetivo: suplantar el Sistema capitalista, alcanzar la democracia y la igualdad. Ante estos pensamientos fue que sacó su obra más famosa: Golpead a los blancos con la cuña roja (1919).

Lissitzky compuso un cartel de formas geométricas, planos superpuestos y una paleta de negro, blanco, rojo. Además, dividió la obra por la mitad con una potente diagonal. De un lado, un triángulo rojo invade al círculo blanco con su punta afilada, saliendo del mismo distintas esquirlas rojas y blancas. Fue la primera obra que salió de su parte como oposición a la realidad política en la que se encontraba.

Los colores rojo, blanco y negro están dotados de un fuerte contenido simbólico, que significa "batid a los blancos con la cuña roja", en la que el blanco equivale a la clase conservadora,  y el rojo y negro a los revolucionarios bolcheviques. El triángulo rojo que representaba al movimiento obrero significa la fuerza y rebelión y el negro que apoya al rojo que significa el anarcomunismo que van a vencer al circulo monárquico para lograr formar un país mas igualitario.

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Producto final