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Hilo en el Espacio de Arte Contemporáneo - EAC Montevideo | Hilo at the Espacio de Arte Contemporáneo - EAC Montevideo

Artistas: Ana Aristimuño, Fatric Bewong, Paola Monzillo, Priscilla Kennedy Curadoria: Juliana Caffé e Juliana Gontijo Consultoria Curatorial: Kwasi Ohene-Ayeh

Hilo es una exposición de Conversas em Gondwana, colectivo curatorial que retoma el nombre del supercontinente que hace unos 200 millones de años reunió a las masas continentales de lo que ahora llamamos América del Sur, África, Antártida, Australia e India. Con esa evocación geológica, proponemos el encuentro y el flujo de ideas y prácticas entre artistas, curadores e investigadores de países del Sur, reflexionando igualmente sobre las marcas de su pasado colonial.

Para el Espacio de Arte Contemporáneo, en Montevideo, invitamos dos duplas de artistas, una uruguaya y otra ganense, a un intercambio de correspondencia con base en búsquedas y poéticas correlacionadas. La intención era que experimentaran, a distancia, perspectivas y procesos comunes o disonantes. Estos diálogos se materializaron en dos conjuntos de trabajos realizados de forma colaborativa para reflexionar sobre la memoria, la historia, lo feminino y lo ancestral.

Los intercambios entre Paola Monzillo y Priscilla Kennedy han buscado posibles conexiones entre las historias personales y colectivas de los continentes africano y sudamericano, en un ejercicio de investigación e imaginación sobre la historia de las cosas, sobre los lazos familiares y las experiencias comunes. En un diario audiovisual hecho a cuatro manos, las artistas registran algunos temas que permean el camino de sus reflexiones. En estos intercambios surge la pregunta: ¿cómo es posible repensar la distancia, las fronteras y las fisuras en un terreno irregular? El rastreo de estos lazos es, por tanto, un intento de conocer al otro y reconocerse, de recontar la historia de sus tierras y también de sus propias historias.

Ana Aristimuño y Fatric Bewong, por su parte, reflexionan sobre la potencia de la figura femenina en el trabajo comunitario, la maternidad en el mundo capitalista y la relación entre tradición y contemporaneidad. Las artistas, en el momento crítico de aislamiento social debido a la pandemia de COVID-19, acompañaron a sus madres, ambas vinculadas a la actividad manual de tejer y coser. En este mismo periodo, Bewong tiene su segundo hijo y, mientras se enfrenta a las nuevas dimensiones de sus tareas cotidianas, resignifica los ambientes de su casa. Frente a ambas experiencias, nos preguntamos: ¿cómo se materializan las historias en los objetos? En la obra de Aristimuño el coser es un momento de transmisión de saber y memoria de madre a hija, uniendo técnica, tradición, afecto y procesos de sanación. Ya Bewong investiga el equilibrio posible entre las múltiples tareas de la maternidad y del trabajo profesional y cómo las experiencias cotidianas, a través de objetos domésticos, sus sonoridades y significados afectivos, revelan estas relaciones. El vínculo madre-hija sirve a las dos artistas para pensar la importancia de valorar las redes de apoyo y rescatar los lazos de afecto y cuidado.

Hilo, por tanto, denota aquí no sólo la ancha y delgada hebra de un material textil que se usa para coser, o el curso o evolución de una cosa. En latin, hilum es el ojo negro de las havas; las cicatrizes de las semillas que tienen origen en el contato y transmisión de nutrientes; la pequeña protuberancia que se forma en el punto de conexión entre órganes y vasos. En esta exposición, el hilo-hilum simboliza las construcciones colectivas de un lugar común, físico o sentimental, marcado por el pasado y la memoria de lo que ya fue, pero que sigue en constante transformación, tejiendo nuevos caminos.

Espácio de Arte Contemporáneo - EAC Montevideo Arenal Grande 1929, 11800 Montevideo, Uruguay Jul. - Nov. 2022

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Kwá yepé turusú yuriri assojaba tupinambá is the first publication by Conversations in Gondwana. Coordinated by Juliana Caffé and Juliana Gontijo; translated by Yaguaré Yamã Aripunãguá; illustrated by Gustavo Caboco. São Paulo: Conversations in Gondwana, 2021. 92 p., 20 x 20 cm. ISBN 978-65-00-32109-8.

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Kwá yepé turusú yuriri assojaba tupinambá é a primeira publicação de Conversas em Gondwana. Coordenado por Juliana Caffé e Juliana Gontijo; tradução de Yaguaré Yamã Aripunãguá; ilustrado por Gustavo Caboco. São Paulo: Conversas em Gondwana, 2021. 92 p., 20 x 20 cm. ISBN 978-65-00-32109-8.

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Kwá yepé turusú yuriri assojaba tupinambá | Essa é a grande volta do manto tupinambá | This is the great return of the tupinambá cape

Artists: Edimilson de Almeida Pereira, Fernanda Liberti, Glicéria Tupinambá, Gustavo Caboco, Livia Melzi, Rogério Sganzerla and Sophia Pinheiro

Curators: Augustin de Tugny, Glicéria Tupinambá, Juliana Caffé and Juliana Gontijo

Winner of the Funarte Visual Arts Award 2021, the exhibition Kwá yepé turusú yuriri assojaba tupinambá | This is the great return of the tupinambá cape was held at Galeria Fayga Ostrower – Funarte Brasília, between September 16th and October 17th, 2021. The show continued touring to Casa da Lenha, in Porto Seguro (BA), with support from the Superintendence of Culture of the Porto Seguro City Hall and the Federal University of Southern Bahia, where it was open from October 28 to November 27, 2021.

The project starts from the history of the tupinambá capes to reflect on the relationships between this people, the process of colonial domination and their resistance. The exhibition, awarded the Funarte Visual Arts Prize 2020/2021, features works by Edimilson de Almeida Pereira, Fernanda Liberti, Glicéria Tupinambá, Gustavo Caboco, Livia Melzi, Rogério Sganzerla and Sophia Pinheiro, and curated by Augustin de Tugny, Glicéria Tupinambá, Juliana Caffé and Juliana Gontijo.

In addition to the works, including photographs, poems, drawings, and three capes made by Glicéria in 2021, the exhibition has a catalog that will be distributed free of charge. A novelty is that Nheengatu, a language derived from ancient Tupi, was chosen as the main language of the exhibition. Nheengatu – a word that means “good language” – was used in the 19th century as a common language among several indigenous nations in the Amazon region. It was more popular than Portuguese in Amazonas and Pará until 1877. Currently, this language (used in communities that use more than one language) is one of the official languages ​​of the municipality of São Gabriel da Cachoeira (AM). It is also used for communication between indigenous and non-indigenous people; and was taken up by groups that lost their native language.

Sacred objects for the Tupinambá, the capes were taken from Brazil in the colonial period by Europeans and became part of royal collections. Currently, eleven of these ceremonial items are known to exist, which were produced between the 16th and 17th centuries, all preserved in European ethnographic museums. According to the curators, led by dreams in 2006, Glicéria Tupinambá, from the village of Serra do Padeiro (BA), restarted the making of a new cloak, which became the central axis of the exhibition. Even though the eleven mantles did not return to Brazil and their production remained dormant for a long time, the artifacts never stopped inhabiting the world of the Encantados – supernatural entities that guide the Tupinambá people – and now they are once again made by the hands of Glicéria.

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Kwá yepé turusú yuriri assojaba tupinambá | Essa é a grande volta do manto tupinambá

Artistas: Edimilson de Almeida Pereira, Fernanda Liberti, Glicéria Tupinambá, Gustavo Caboco, Livia Melzi, Rogério Sganzerla e Sophia Pinheiro

Curadoria: Augustin de Tugny, Glicéria Tupinambá, Juliana Caffé e Juliana Gontijo

Ganhadora do Prêmio Funarte Artes Visuais 2021, a exposição Kwá yepé turusú yuriri assojaba tupinambá | Essa é a grande volta do manto tupinambá foi realizada na Galeria Fayga Ostrower – Funarte Brasília, entre os dias 16 de setembro e 17 de outubro de 2021. A mostra seguiu em itinerância para a Casa da Lenha, em Porto Seguro (BA), com apoio da Superintendência de Cultura da Prefeitura de Porto Seguro e da Universidade Federal do Sul da Bahia, onde esteve aberta de 28 de outubro a 27 de novembro de 2021.

O projeto parte da história dos mantos tupinambás para refletir sobre as relações entre esse povo, o processo de dominação colonial e sua resistência. A exposição, contemplada com o Prêmio Funarte Artes Visuais 2020/2021, conta com obras de Edimilson de Almeida Pereira, Fernanda Liberti, Glicéria Tupinambá, Gustavo Caboco, Livia Melzi, Rogério Sganzerla e Sophia Pinheiro, e curadoria de Augustin de Tugny, Glicéria Tupinambá, Juliana Caffé e Juliana Gontijo.

Além das obras, entre fotografias, poemas, desenhos, e três mantos confeccionados por Glicéria em 2021, a mostra conta com um catálogo que terá distribuição gratuita. Uma novidade é que o Nheengatu, língua derivada do tupi antigo, foi escolhido como idioma principal da exposição. O Nheengatu – palavra que significa “língua boa” – , foi usado no século XIX, como idioma comum entre várias nações indígenas da região amazônica. Era mais popular que o português no Amazonas e Pará até 1877. Atualmente, essa língua franca (utilizada em comunidades que utilizam mais de um idioma), é uma das línguas oficiais do município de São Gabriel da Cachoeira (AM). É utilizado ainda para a comunicação entre indígenas e não indígenas; e foi retomado por grupos que perderam seu idioma nativo.

Objetos sagrados para os Tupinambá, os mantos foram levados do Brasil no período colonial pelos europeus e passaram a integrar coleções reais. Atualmente, sabe-se da existência de onze desses itens cerimoniais, que foram produzidos entre os séculos XVI e XVII, todos conservados em museus etnográficos europeus. Segundo os curadores, conduzida por sonhos no ano de 2006, Glicéria Tupinambá, da aldeia de Serra do Padeiro (BA), reiniciou a confecção de um novo manto, o que se tornou o eixo central da exposição. Mesmo que os onze mantos não tenham retornado ao Brasil e sua produção tenha adormecido por longo período, os artefatos nunca deixaram de habitar o mundo dos Encantados – entidades sobrenaturais que guiam o povo Tupinambá – e agora voltam a ser confeccionadas pelas mãos de Glicéria.

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PAOLA MONZILLO & PRISCILLA KENNEDY - THE HISTORY OF THE PALM GROVE: IN SEARCH OF A COMMON LAND | A HISTÓRIA DA PALMEIRA: EM BUSCA DE UMA TERRA COMUM

The artists Paola Monzillo (lives and works in Montevideo, Uruguay) and Priscilla Kennedy (lives and works in Kumasi, Ghana) were invited by curators Juliana Caffé and Juliana Gontijo to develop a collaborative work for the next exhibition of Conversas em Gondwana, which will take place at the Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay) in 2021. The invitation had as a starting point a reflection on women and their relationship with memory, history and tradition based on the collaborative work of Ana Hupe and Gabrielle Goliath, "Re-naming", developed for the first edition of Gondwana at Centro Cultural São Paulo in 2019.

The exchanges between Paola and Priscila look for possible links between personal and collective histories of the African and South American continents, in an exercise of investigation and imagination about the history of things, the marks left in geographies and eating habits, and the inheritances of the transit of commodities, ideas, diseases, cultures and human population between the two territories in the last centuries. In a diary written in four hands, the artists record some themes that permeate the path of their reflections, such as "The history of the palm grove: in search of a common land"; "Textiles and symbolic landscapes"; and "Panopticons". In these exchanges, the question arises: how is it possible to rethink distance, borders and cracks in irregular terrain? The tracking of these ties is therefore an attempt to retell the history of their lands and also their own stories.

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As artistas Paola Monzillo (vive e trabalha em Montevidéu, Uruguai) e Priscilla Kennedy (vive e trabalha em Kumasi, Gana) foram convidadas pelas curadoras Juliana Caffé e Juliana Gontijo a desenvolver um trabalho colaborativo para a próxima exposição de Conversas em Gondwana, que terá lugar no Espacio de Arte Contemporáneo (Montevidéu, Uruguai) em 2021. O convite teve como ponto de partida uma reflexão sobre a mulher e a sua relação com a memória, a história e a tradição a partir do trabalho colaborativo de Ana Hupe e Gabrielle Goliath, "Re-naming", elaborado para a primeira edição de Gondwana no Centro Cultural São Paulo em 2019. 

As trocas entre Paola e Priscila buscam possíveis laços entre histórias pessoais e coletivas dos continentes africano e sul-americano, em um exercício de investigação e imaginação sobre a história das coisas, as marcas deixadas nas geografias e nos hábitos alimentares, e as heranças dos  trânsitos de commodities, ideias, doenças, culturas e população humana entre os dois territórios nos últimos séculos. Em um diário escrito a quatro mãos, as artistas registram alguns temas que permeiam o caminho de suas reflexões, como “A história do palmeiral: em busca de uma terra comum"; “Têxteis e paisagens simbólicas”; e "Panópticos". Nessas trocas, surge a pergunta: como é possível repensar a distância, as fronteiras e as fissuras em terrenos irregulares? O rastreio desses laços é portanto uma tentativa de recontar a história de suas terras e também suas próprias histórias.

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ANA ARISTIMUÑO & FATRIC BEWONG - BONDS OF AFFECTION AND CARE | LAÇOS DE AFETO E CUIDADO

(Image: Fatric Bewong)

The artists Ana Aristimuño (lives and works in Montevideo, Uruguay) and Fatric Bewong (lives and works in Accra, Ghana) were invited by curators Juliana Caffé and Juliana Gontijo to develop a collaborative work for the next next exhibition of Conversas em Gondwana, which will have place at the Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay) in 2021. The invitation started with a reflection on women and their relationship with memory, history and tradition based on the collaborative work of Ana Hupe and Gabrielle Goliath , "Re-naming", prepared for the first edition of Gondwana at Centro Cultural São Paulo in 2019.

The exchanges between Ana and Fatric involve the power of the female figure in community work and the ancestral knowledge that this work carries. The artists, in a period of pandemic and social isolation, have been accompanying their mothers, both linked to the manual activity of weaving and sewing. Based on the mother-daughter relationship, they seek to reflect on tradition, the community and the current context. How do stories materialize in objects? Weaving then becomes a metaphor for transformation: the threads gain fabric structure by joining technique, tradition, affection and healing processes. The duo has also been discussing the power of art in valuing the message contained in these objects and the increasingly evident importance of valuing support networks and rescuing the bonds of affection and care.

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(Image: Ana Aristimuño)

As artistas Ana Aristimuño (vive e trabalha em Montevidéu, Uruguai) e Fatric Bewong (vive e trabalha em Acra, Gana)  foram convidadas pelas curadoras Juliana Caffé e Juliana Gontijo a desenvolver um trabalho colaborativo para a próxima exposição de Conversas em Gondwana, que terá lugar no Espacio de Arte Contemporáneo (Montevidéu, Uruguai) em 2021. O convite teve como ponto de partida uma reflexão sobre a mulher e a sua relação com a memória, a história e a tradição a partir do trabalho colaborativo de Ana Hupe e Gabrielle Goliath, "Re-naming", elaborado para a primeira edição de Gondwana no Centro Cultural São Paulo em 2019. 

As trocas entre Ana e Fatric envolvem a potência da figura feminina no trabalho comunitário e o saber ancestral que esse trabalho carrega. As artistas, em um período de pandemia e isolamento social, têm acompanhado suas mães, ambas vinculadas à atividade manual de tecelagem e costura. A partir da relação mãe-filha, elas buscam refletir sobre a tradição, a comunidade e o contexto atual. Como as histórias se materializam nos objetos? A tecelagem se torna então uma metáfora de transformação: os fios ganham estrutura de tecido ao unir técnica, tradição, afeto e processos de cura. A dupla vem discutindo igualmente o poder da arte em valorizar a mensagem contida nesses objetos e a importância cada vez mais evidente de valorizar as redes de apoio e resgatar os laços de afeto e cuidado.

(Image: Fatric Bewong)

(Image: Fatric Bewong)

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PRISCILLA KENNEDY ES UNA DE LAS ARTISTAS INVITADAS A LA SEGUNDA EDICIÓN DE CONVERSAS EN GONDWANA | PRISCILLA KENNEDY IS ONE OF THE ARTISTS INVITED TO THE SECOND EDITION OF CONVERSATIONS IN GONDWANA

(Priscilla Kennedy, He Got Served, 2016, mixed media, 116 × 208 cm)

Priscilla Kennedy (Kumasi, Ghana) is one of the artists invited to the second edition of Conversas en Gondwana, which will take place at Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay). Kennedy is sensitive towards the sexual aspects of humanity and more attentive towards how objects, symbols and materials connect and speak. She finds interest in ways through which objects and materials project notions relating to social or personal relationship with society or people. Priscilla articulates her concerns through specific approaches she refer to as languages, as some of her works embody figurative paintings that speaks with language of embroidery as part of the concept and not the centre of focus. In some of her works she challenges and inserts stereotypical seductive female embroidered forms into patriarchal hegemonic cultural symbols such as the keffiyehs and kente fabrics. Kennedy believes that fabrics are more than just fancy surfaces and speak more than we could ever imagine. With regards to materials, she believes in the idea of common vocabulary in the use of familiar objects with regards to their personal and cultural meanings.

https://priscillakaypk.wixsite.com/pkay

(Priscilla Kennedy, Sara, 2017, embroidery, 115 × 115 cm)

Priscilla Kennedy (Kumasi, Ghana) es una de las artistas invitadas a la segunda edición de Conversas en Gondwana, que ocurrirá en en Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay). Kennedy es sensible a los aspectos sexuales de la humanidad y atenta a cómo los objetos, símbolos y materiales se conectan y hablan. Le interesan las formas en que los objetos y materiales proyectan nociones que hacen referencia a las relaciones sociales o personales con la sociedad o las personas. Priscilla articula sus preocupaciones a través de enfoques específicos a lo que se refiere como lenguajes, ya que algunas de sus obras apresentan pinturas figurativas que hablan con el lenguaje del bordado como parte del concepto y no como el centro de atención. En algunos de sus trabajos, desafía e inserta formas estereotipadas de seductores bordados femeninos en símbolos culturales hegemónicos patriarcales como los keffiyehs y los tejidos kente. Kennedy cree que las telas son más que superficies elegantes y hablan más de lo que podríamos imaginar. Con respecto a los materiales, ella cree en la idea de vocabulario común en el uso de objetos familiares con respecto a sus significados personales y culturales.

https://priscillakaypk.wixsite.com/pkay

(Priscilla Kennedy, Superior Subordinate, 2017, mixed media, 118 × 169 cm)

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Paola Monzillo es una de las artistas invitadas a la segunda edición de Conversas en Gondwana | Paola Monzillo is one of the artists invited to the second edition of Conversations in Gondwana

Paola Monzillo es una de las artistas invitadas a la segunda edición de Conversas en Gondwana, que ocurrirá en en Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay). Nacida en 1986 en la ciudad de Montevideo, Uruguay, realizó estudios de arquitectura, asistiendo simultáneamente a distintos talleres y clínicas de artistas. Empieza a exponer en el circuito local hacia el a��o 2009, cuando su interés por la geografía y los mapas la llevan a profundizar en su investigación en torno a sistemas de representación territorial. Ha mostrado su trabajo en el Museo Nacional de Artes Visuales - MNAV, Uruguay; en el Museo de Arte Moderno de Medellín - MAMM, Colombia; en el Museo de Arte Contemporáneo de Lima - MAC, Perú; en el Museo de Arte Contemporáneo Africano Al Maaden - MACAAL, Marruecos; y en el Museo Nacional de Arabia Saudita en la ciudad de Riyadh, entre otros. Participó en la Bienal de Montevideo (2014); en la Bienal del Mercosur (2015); y en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur - BIENALSUR, (2017 / 2019).  En 2014, obtuvo el segundo Premio Adquisición MEC en el 56o Premio Nacional de Artes Visuales José Gamarra y, en 2015, una beca de residencia artística en la Cité Internationale des Arts en París, en el marco del Premio Paul Cézanne de la Embajada de Francia. 

Paola Monzillo is one of the artists invited to the second edition of Conversations in Gondwana, which will take place at Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay). Born in 1986 in the city of Montevideo, Uruguay, she studied architecture, simultaneously attending different artist workshops. She began to exhibit on the local circuit around 2009, when her interest in geography and maps led her to deepen her research on systems of territorial representation. She has shown her work at the National Museum of Visual Arts - MNAV, Uruguay; at the Museum of Modern Art of Medellín - MAMM, Colombia; at the Museum of Contemporary Art of Lima - MAC, Peru; at the Al Maaden Museum of African Contemporary Art - MACAAL, Morocco; and at the National Museum of Saudi Arabia in the city of Riyadh, among others. She also participated at the Montevideo Biennial (2014); at the Mercosur Biennial (2015); and at the International Biennial of Contemporary Art of South America - BIENALSUR, (2017/2019). In 2014, she obtained the second MEC Acquisition Prize at the 56th José Gamarra National Visual Arts Prize and, in 2015, an artistic residency scholarship at the Cité Internationale des Arts in Paris, within the framework of the Paul Cézanne Prize of the French Embassy.

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Fatric Bewong is one of the artists invited to the second edition of Conversations in Gondwana | Fatric Bewong es una de las artistas invitadas a la segunda edición de Conversas en Gondwana

Fatric Bewong is one of the artists invited to the second edition of Conversas en Gondwana, which will take place at Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay). Born in Accra, Ghana, she's an artist and a teacher. Her interdisciplinary practice traverses the studio, the classroom, the field, and the community. 

Her body of works explores themes like, consumarism, discarded, waste, loss, death, memory, healing and stories. How do we understand our ‘being’? How does our understanding inform who we are the impact on our relationship with our environment and vice versa? Her artistic expressions manifest in the form of performative installation, painting, photography, video, and sounds.

http://www.fatricbewong.com/

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Fatric Bewong es una de las artistas invitadas a la segunda edición de Conversas en Gondwana, que ocurrirá en en Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay). Nacida en 1981 en Accra, Ghana, es artista y profesora. Su práctica interdisciplinaria atraviesa el estudio, el aula, el campo y la comunidad. 

Su cuerpo de obras explora temas como consumarismo, descarte, desperdicio, pérdida, muerte, memoria, curación e historias. ¿Cómo entendemos nuestro "ser"? ¿Cómo nuestra comprensión informa quiénes somos el impacto en nuestra relación con nuestro entorno y viceversa? Sus expresiones artísticas se manifiestan en forma de instalación performativa, pintura, fotografía, video y sonidos.

http://www.fatricbewong.com/

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Ana Aristimuño is one of the artists invited to the second edition of Conversas en Gondwana | Ana Aristimuño es una de las artistas invitadas a la segunda edición de Conversas en Gondwana

(Ana Aristimuño, Intercambio de Problemas, performance, 2018)

Ana Aristimuño es una de las artistas invitadas a la segunda edición de Conversas en Gondwana, que ocurrirá en en Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay). Nacida en 1969 en la ciudad de Tacuarembó, departamento de Uruguay, es parte del colectivo Pensión Cultural Milán y desde 2016 produce la Noche de Performances, proyecto llevado a cabo con la participación de artistas nacionales y extranjeros.

El trabajo de Ana indaga sobre el cuerpo, el cuerpo social, los límites y la búsqueda de un lugar en el mundo. Le interesa abordar la precariedad, la vulnerabilidad, la cotidianidad desde su propia experiencia y desde los lugares que ha transitado. Para la artista, es esencial el encuentro con otros, y los vínculos y las trayectorias que allí se construyen. Busca generar nuevos tránsitos, nuevos espacios de encuentro. Investiga a partir de la performance, la instalación, la video instalación y la video performance. Ana se plantea la condición de ser, de cómo habitarse, de cómo habitar este mundo, de cómo habitarlo con otros. Desde esta mirada, su trabajo tiene un gran componente social.

http://archivox.uy/artista/aristimuno-ana/

https://www.multitasker.com.uy/photo-album/ana-aristimuno/

(Ana Aristimuño, Rojo, performance, 2019, foto: Manuela Aldabe)

*** Ana Aristimuño is one of the artists invited to the second edition of Conversas en Gondwana, which will take place at Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay). Born in 1969 in the city of Tacuarembó, department of Uruguay, she is part of Pensión Cultural Milan and since 2016 produces Performances’ Night, a project carried out with the participation of national and foreign artists. 

Ana's work investigates the body, the social body, its limits and the search for a place in the world. She is interested in addressing precariousness, vulnerability, everyday life from her own experience and from places she has passed through. For the artist, the encounter with others is essential; it is where links and trajectories are built. She seeks to generate new transits and meeting places. Her research is based on performance, installation, video installation and video performance. Ana considers the condition of being, of how to inhabit herself, of how to inhabit this world, of how to inhabit it with others. From this perspective, her work has a great social component.

http://archivox.uy/artista/aristimuno-ana/

https://www.multitasker.com.uy/photo-album/ana-aristimuno/

(Ana Aristimuño, Noche de Performance, Pension Cultural Milan, 2019)

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Meet Kwasi Ohene-Ayeh, curator who collaborates with the next exhibition of Conversations in Gondwana | Conheça o curador Kwasi Ohene-Ayeh, que colabora com a próxima exposição de Conversas em Gondwana

For the next Conversations in Gondwana exhibition, which will take place at Espacio de Arte Contemporáneo EAC (Montevideo/Uruguay), we invited curator Kwasi Ohene-Ayeh, who lives and works between Kumasi and Accra, in Ghana, to collaborate with the artist selection process.

Kwasi Ohene-Ayeh is an artist, curator and critic based in Kumasi, Ghana. His work is vitalized by the “silent revolution” ongoing since 2003 in Ghana’s foremost art college at the Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST) inspired by artist-pedagogue karî’kạchä seid’ou which has resulted in ambitious curriculum transformations from the erstwhile "epi-colonial" system based on the consensus of classical and early modernist European formats. This seid'ouian paradigm posits art, and by extension curating, as a universal concept that is always emerging from a "generic multiplicity" i.e. a void. The ethos finds institutional expression in blaxTARLINES KUMASI— the experimental contemporary art incubator established at the Department of Painting and Sculpture, KNUST, in 2015. Ohene-Ayeh's curatorial approach is substantially informed by seid'ou's hopefulness to “transform art from the status of commodity to gift”.

Ohene-Ayeh has co-curated ‘Silence Between the Lines: Anagrams of Emancipated Futures’ (2015) and ‘Orderly Disorderly’ (2017), both organized by blaxTARLINES KUMASI and was guest curator for the inaugural Lagos Biennial (2017). Ohene-Ayeh also curated ‘Spectacles. Speculations…’ (2018)– featuring 16 artists from Ghana, Holland and Colombia, in Kumasi. He is a PhD student at the Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST) in Ghana and is co-curator of the 12th edition of Bamako Encounters: Biennale of African Photography themed “Streams of Consciousness” (November 30th, 2019 – January 31st, 2020). 

More about Kwasi Ohene-Ayeh: www.iubeezy.wordpress.com

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Para a próxima exposição de Conversas em Gondwana, que terá lugar no Espacio de Arte Contemporáneo EAC (Montevidéu / Uruguai), convidamos o curador Kwasi Ohene-Ayeh, que vive e trabalha entre Kumasi e Accra, em Gana, para colaborar com a seleção artistas.

Kwasi Ohene-Ayeh é um artista, curador e crítico que vive e trabalha em Kumasi, Gana. Seu trabalho é vitalizado pela “revolução silenciosa” em curso desde 2003 na faculdade de arte mais importante de Gana, na Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST), inspirada pelo artista-pedagogo karî'kạchä seid'ou, que provocou transformações curriculares ambiciosas do antigo sistema "epicolonial", baseado no consenso dos formatos europeus clássicos e primórdios da modernidade. Esse paradigma seidiano (seid'ouian paradigm) coloca a arte e, por extensão, a curadoria, como um conceito universal que sempre emerge de uma "multiplicidade genérica", isto é, de um vazio. Esse ethos encontra expressão institucional na blaxTARLINES KUMASI - incubadora de arte contemporânea experimental sediada no Departamento de Pintura e Escultura, KNUST,  2015. O trabalho curatorial de Ohene-Ayeh é substancialmente informado pela "esperança seid'ou" de “transformar a arte de estatuto de mercadoria em presente".

Ohene-Ayeh co-curou ‘Silence Between the Lines: Anagrams of Emancipated Futures’ (2015) e ‘Orderly Disorderly’ (2017), ambas organizadas por blaxTARLINES KUMASI e foi curador convidado da Bienal de Lagos (2017). Ohene-Ayeh também fez curadoria de ‘Spectacles. Speculations…’ (2018) - com 16 artistas de Gana, Holanda e Colômbia, em Kumasi. É estudante de PhD na Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST) em Gana e é co-curador da 12ª edição de 12th edition of Bamako Encounters: Biennale of African Photography, com a temática “fluxos de consciência” (30 de novembro de 2019 - 31 de Janeiro , 2020).

Mais sobre Kwasi Ohene-Ayeh: www.iubeezy.wordpress.com

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RESIDÊNCIA DE PESQUISA CURATORIAL | CURATORIAL RESEARCH RESIDENCY - CONVERSAS EM GONDWANA NO ESPACIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO EAC

Em 2019, o projeto Conversas em Gondwana foi selecionado para uma residência de pesquisa curatorial no Espacio de Arte Contemporáneo EAC, em Montevideo, Uruguai. Durante os meses de julho e dezembro, pesquisamos ativamente artistas, conceitos, reflexões e histórias para a segunda ação do projeto.

Vem aí Gondwana parte II!

Sobre o Espacio de Arte Contemporáneo EAC: 

O EAC é um espaço dedicado à produção e exibição de obras e projetos de arte contemporânea, à reflexão sobre seu contexto e à pesquisa. Como instituição governamental, a EAC depende do Ministério da Educação e Cultura (MEC) do Uruguai e é a única instituição pública nacional dedicada exclusivamente à arte contemporânea. Atua como entidade favorável a novas produções e gera pensamento crítico, com o objetivo de contribuir para maior conhecimento e valorização das práticas contemporâneas.

Mais informações: http://www.eac.gub.uy/

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In 2019, Conversas em Gondwana project was selected for a curatorial research residency at Espacio de Arte Contemporáneo EAC, in Montevideo, Uruguay. During the months of July and December, we actively researched artists, concepts, reflections and stories for the second action of the project.

Here comes Gondwana part II!

About Espacio de Arte Contemporáneo EAC:

EAC is a space dedicated to the production and exhibition of works and projects of contemporary art, reflection on its context and research. As a government institution, EAC depends on the Ministry of Education and Culture (MEC) of Uruguay and is the only national public institution dedicated exclusively to contemporary art. It acts as a favorable entity for new productions and generates critical thinking, in order to contribute to greater knowledge and appreciation of contemporary practices.

More information: http://www.eac.gub.uy/

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CURATING THE COLONIAL CRIME SCENE | CURANDO A CENA DO CRIME COLONIAL

Investigating the Colonial Crime Scene was the name of the interactive intervention organized by curator Kara Blackmore at Iziko South African Museum’s Ethnographic Gallery, in Cape Town, on September 12, 2017. The intervention was made to symbolically highlight the archiving of one of the museum's collections - which was on display since its creation in the 1920´s and which exhibited the human-scale reproduction of indigenous bodies from original groups of the region. 

Guided by the performance Ndabamnye neenkumbulo nemiphefumlo enxaniweyo (“I become one with memories and thirsty souls”), directed by Mandla Mbothwe and performed by Lulamile Nikani and Babalwa Makwetu, the public walked through the museum, from its outer area to the Ethnographic Gallery. The entrance of the gallery was interdicted with an insulating tape, where one could read: "Caution: crime scene - do not enter". Once inside the exhibition space, the public was invited to investigate and catalogue the items of the collection as evidence of a colonial crime.

The Iziko South African Museum is one of the oldest museums in South Africa. It was created by British General Charles Somerset in 1825 and opened to the public on April 6, 1897 by the Prime Minister of the South African Colony, Gordon Sprigg. Between 1907 and 1924, the English taxidermist and modeller James Drury, at the request of the director, the French entomologist Louis Albert Péringuey, produced for the institution more than 60 life-size human moulds of African indigenous peoples, aiming to make a precise physical record of the few remaining "pure" original groups of the South African Bushmen and Hottentots.

According to the curator Kara Blackmore, exposing moulds of naked individuals from South African tribes alongside with cultural artefacts as objects to be contemplated at a natural history museum is to replicate the violent colonial gaze to the local culture. For the curator, the collection of the Ethnographic Gallery presents traces and evidences of crimes committed in the past centuries and must be reflected on before being archived. The intervention, which integrated a series of discussions about the meaning of transformation and decolonization in the museology context, encourages a change in the curatorship of collections: from an apolitical to an investigatory approach.

Interview conducted by ART AFRICA in January 2018 with Kara Blackmore about the intervention: http://artafricamagazine.org/curating-colonial-crime-scene/?mc_cid=3ff28ac467&mc_eid=ccb0c21af8

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Investigando a cena do crime colonial foi o nome da intervenção interativa organizada pela curadora Kara Blackmore na Galeria Etnográfica do Iziko South African Museum, na Cidade do Cabo, em 12 de setembro de 2017. A intervenção foi feita para destacar simbolicamente o arquivamento de uma das coleções do museu - que estava em exibição desde a sua criação na década de 1920 e que exibia a reprodução em escala humana de corpos indígenas de grupos originários da região. 

Guiado pela performance Ndabamnye neenkumbulo nemiphefumlo enxaniweyo (“me torno um com lembranças e almas sedentas”), dirigido por Mandla Mbothwe e apresentado por Lulamile Nikani e Babalwa Makwetu, o público caminhou pelo museu, de sua área externa até a Galeria Etnográfica. A entrada da galeria foi interditada com uma fita isolante, onde se podia ler: "Cuidado: cena do crime - não entre". Uma vez dentro do espaço expositivo, o público foi convidado a investigar e catalogar os itens da coleção como evidências de um crime colonial.

O Iziko South African Museum é um dos museus mais antigos da África do Sul. Foi criado pelo general britânico Charles Somerset em 1825 e aberto ao público em 6 de abril de 1897 pelo primeiro-ministro da colônia sul-africana, Gordon Sprigg. Entre 1907 e 1924, o taxidermista e modelador inglês James Drury, a pedido do diretor, o entomologista francês Louis Albert Péringuey, produziu para a instituição mais de 60 moldes humanos em tamanho natural de povos indígenas africanos, com o objetivo de fazer um registro físico preciso dos poucos grupos originais "puros" restantes da África do sul, os Bushmen and Hottentots.

De acordo com a curadora Kara Blackmore, expor moldes de indivíduos nus de tribos da África do Sul, juntamente com artefatos culturais como objetos a serem contemplados em um museu de história natural, é replicar o violento olhar colonial para a cultura local. Para a curadora, a coleção da Galeria Etnográfica apresenta traços e evidências de crimes cometidos nos séculos passados e deve ser refletida antes de ser arquivada. A intervenção, que integrou uma série de discussões sobre o significado de transformação e descolonização no contexto museológico, incentiva uma mudança na curadoria de coleções: de uma abordagem apolítica para uma investigativa.

Entrevista realizada pela ART AFRICA em janeiro de 2018 com Kara Blackmore sobre a intervenção: http://artafricamagazine.org/curating-colonial-crime-scene/?mc_cid=3ff28ac467&mc_eid=ccb0c21af8

[conversationsingondwana]

Entrevista traducida al español y publicada por ContemporaryAnd America Latina con las curadoras Juliana Caffé y Juliana Gontijo sobre Conversaciones en Gondwana, por Will Furtado. 

En esta entrevista, Will Furtado habla con las curadoras sobre la expansión de nuestra imaginación política, el descubrimiento de la geopolítica dominante del sistema mundial capitalista colonial y el trabajo de los dúos de artistas.

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Interview translated into Spanish and published by Contemporary And Latin America with curators Juliana Caffé and Juliana Gontijo on Conversations in Gondwana, by Will Furtado.

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Interview published by ContemporaryAnd magazine with the curators Juliana Caffé and Juliana Gontijo about Conversations in Gondwana, by Will Furtado.

In this interview, Will Furtado talks with the curators about expanding our political imagination, breaking through the dominant geopolitics of the colonial-capitalist world system, and the work of the artist duos.

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Entrevista publicada pela revista ContemporaryAnd com as curadoras Juliana Caffé e Juliana Gontijo sobre o projeto Conversas em Gondwana, por Will Furtado. 

[conversationsingondwana]

EXHIBITION AT CCSP – São Paulo, Brasil

Centro Cultural São Paulo | Rua Vergueiro, 1000 – São Paulo, Brasil

From Feb 7th to April 7th 2019

Overall view of the exhibition

Ana Hupe’s works

Gabrielle Goliath performance

  Paulo Nimer Pjota and Siwa Mgoboza’s works

Clara Ianni and Mikhael Subotzky

Aline Xavier e Haroon Gunn-Salie

Daniel Lima e Ismail Farouk

SESSÃO ARQUIPÉLAGO: Cinthia Marcelle e Jean Meraan, Kemang Wa Lahulere, Marcelo Moscheta, Penny Siopis, Renata de Bonis e Thiago Rocha Pitta

[conversationsingondwana]

Conversations in Gondwana at CCSP_Curatorial Text | Conversas em Gondwana no CCSP_Texto curatorial

GONDWANA is the name of the supercontinent that about 200 million years ago brought together the continental masses of what we today call South America, Africa, Arabia, Antarctica, Australia and India. From the fragmentation of Gondwana and the remoteness of the South American and African tectonic plates originated the southern portion of the Atlantic Ocean that today separates the two continents. The project Conversations in Gondwana evokes this common genesis by seeking to intensify the flow of practices and research among artists, curators and researchers from Southern countries.

For the first edition of the project, launched in May 2017, we proposed to a Brazilian and a South African artist, in a total of five pairs, a correspondence exchange based on research and related concerns. The intention was that they experimented, from a distance, common or dissonant perspectives, poetics and processes. From this meeting of geographies the collaborative works presented here were elaborated by Aline Xavier and Haroon Gunn-Salie; Ana Hupe and Gabrielle Goliath; Clara Ianni and Mikhael Subotzky; Daniel Lima and Ismail Farouk; Paulo Nimer Pjota and Siwa Mgoboza. From these proposals, we invited other artists to participate in the exhibition with works that establish close relationships with the concepts that cross Conversations in Gondwana. This session, called Archipelago, brings together works by Cinthia Marcelle and Jean Meeran, Kemang Wa Lehulere, Marcelo Moscheta, Penny Siopis, Renata de Bonis and Thiago Rocha Pitta.

In this communicational way allied to aesthetic invention, perhaps we can glimpse something of what Walter Mignolo calls “critical frontier thinking”: one that starts from subaltern epistemologies and breaks the dominant geopolitics of the colonial and capitalist world-system to displace borders, horizontalize dialogues and diversify knowledge. The poetic exchanges and formalizations present in Conversations in Gondwana depart from the differences and similarities found in that so-called “other” to enhance the diversity of critical responses with a view to a decolonial perspective and a plural world.

Juliana Caffé and Juliana Gontijo

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GONDWANA é o nome do supercontinente que há cerca de 200 milhões de anos reunia as massas continentais do que hoje chamamos América do Sul, África, Arábia, Antártica, Austrália e Índia. Da fragmentação de Gondwana e do afastamento das placas tectônicas sul-americana e africana originou-se a porção sul do Oceano Atlântico que hoje separa os dois continentes. O projeto Conversas em Gondwana evoca essa gênese comum ao buscar intensificar o fluxo de práticas e pesquisas entre artistas, curadores e pesquisadores de países do Sul.

Para a primeira edição do projeto, lançada em maio de 2017, propusemos a um artista brasileiro e um sul-africano, num total de cinco duplas, uma troca de correspondências com base em pesquisas e inquietações afins. O intuito era que experimentassem, à distância, perspectivas, poéticas e processos comuns ou dissonantes. Desse encontro de geografias foram elaborados os trabalhos colaborativos aqui presentes de Aline Xavier e Haroon Gunn-Salie; Ana Hupe e Gabrielle Goliath; Clara Ianni e Mikhael Subotzky; Daniel Lima e Ismail Farouk; Paulo Nimer Pjota e Siwa Mgoboza. A partir dessas propostas, convidamos outros artistas para participarem da exposição com obras que estabelecem relações de proximidade com os conceitos que atravessam Conversas em Gondwana. Essa sessão, denominada Arquipélago, reúne trabalhos de Cinthia Marcelle e Jean Meeran, Kemang Wa Lehulere, Marcelo Moscheta, Penny Siopis, Renata de Bonis e Thiago Rocha Pitta.

Deste modo comunicacional aliado à invenção estética, talvez possamos entrever algo do que Walter Mignolo chama de “pensamento crítico de fronteira”: aquele que parte das epistemologias subalternas e irrompe a geopolítica dominante do sistema-mundo colonial e capitalista para deslocar fronteiras, horizontalizar diálogos e diversificar conhecimentos. As trocas e formalizações poéticas presentes em Conversas em Gondwana partem das diferenças e semelhanças encontradas naquele designado “outro” para potencializar a diversidade de respostas críticas com vistas a uma perspectiva decolonial e a um mundo plural.

Juliana Caffé e Juliana Gontijo