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Metáforas: Pegadas dun percorrido 

Reb/veladas na paisaxe III, Cidade da Cultura de Galicia

Cinco esculturas levadas a cabo en cobre e formigón branco, que transfiren un rexistro de superficies dos cinco camiños das rutas xacobeas percorridos polos dous artistas. Pezas coas que Alexandra R. Rey e Thomas Apostolou queren crear  unha metáfora visual entre o físico e o alegórico da experiencia xacobea.

Este proxecto reúne dous artistas con prácticas distintas pero á súa vez moitos puntos en común no seu quefacer artístico, Alexandra R. Rey e Thomas Apostolou. A decisión curatorial de invitar a dous artistas a colaborar para crear unha peza común, está directamente relacionada con ideas que xorden da temática proposta dende Reb/veladas, o Camiño de Santiago.

Percorrendo unha selección de tramos dos cinco camiños principais cara Santiago, os artistas rexistraron directamente sobre o bronce puntos de contacto da contorna que percorreron. Colocando o material entre eles mesmos e os lugares que tocaron, por onde camiñaron, onde se sentaron ou se apoiaron. Unha vez de volta ao estudio, as 5 láminas de bronce convértense en esculturas que asemellan mapas topográficos.

https://www.cidadedacultura.gal/gl/evento/metaforas-pegadas-dun-percorrido

Comisaria: Elena Bangueses

Artistas: Alexandra R. Rey e Thomas Apostolou

Fotografías: Manuel G. Vicente 

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Que pracer para min coordinar “Arte no Foro” e o bloque "Culturgal é unha performance" na CULTURGAL 2020! 

Así lucía o Espazo Foro, rodeado de marabillosas pezas de arte contemporánea! Foi unha edición diferente e houbo que adaptarse á pandemia, pero foi un verdadeiro pracer para min formar parte.

Que sorte contar coa presenza de tantas colaboracións estupendas! @monicamura.art @contemporanea.gal @chusvillar @apostrophesaladearte @saraperezbello @acolectiva @saradonosocalvo @iriavazquez_airisairi @paulacabaleiroc @deputacionpontevedra @maria__roja @xoseluisoteroartist 

Fotos equipo Culturgal: Miguel Souto e Janite

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https://mujeresmirandomujeres.com/alexandra-rodriguez-rey-elena-bangueses-presentacion/

La práctica artística de Alexandra Rodríguez Rey fluye, aparentemente sin esfuerzo, entre diferentes medios, a la vez que logra conservar un vocabulario visual y conceptual personal. La actitud de su práctica se acerca más a una invitación a investigar la memoria y la familiaridad, que a dictar conclusiones. Sus obras, que combinan la materialidad concreta con la complejidad, y los detalles delicados con el caos, nos ofrecen la oportunidad de reflexionar, sin centrarnos en las respuestas, sino en las preguntas e incertidumbres que nos hacen ser quienes somos.

Una de las líneas más notables de su trabajo son las serigrafías sobre metal arrugado/plegado. Obras como 71-84 combinan dibujo, serigrafía y escultura. Los números del título pueden parecer crípticos, hasta que uno se da cuenta de que el motivo por el cual Alexandra aplica tinta sobre el metal, difiere muy poco de la razón por la que se inventó la escritura. Es un medio para ampliar nuestra memoria, una manera de mantener un registro en un formato que permanece sin cambios a lo largo del tiempo y al que podemos referirnos en el futuro.

Es entonces cuando te das cuenta de que estos números, con los que la artista titula sus piezas, son fechas que vinculan el registro con un tiempo específico. Estos no pertenecen a un marco de referencia objetivo, sino más bien personal, el tiempo vivido entre la artista y su abuela, cuando esta tenía entre 71 y 84 años y se vio afectada por la inevitable decadencia de la mente y el cuerpo.

Alexandra identifica la superficie de su trabajo con la piel, transfiriendo dibujos de las marcas de la piel al metal. La piel y la superficie impresa se entienden como portadoras de información y como puntos de contacto. Nos presenta la piel, el órgano más grande de nuestro cuerpo y el límite externo del mismo, como el diario de nuestra historia personal. La piel nos protege y a la vez nos proyecta en el mundo.

También, de este modo, lo hace la artista en esta línea de trabajo. Se acerca a su sujeto lo suficiente como para trazar su piel, permitiéndonos fácilmente imaginar el contacto físico en el proceso. La artista nos muestra un momento privado y vulnerable, pero en el que la piel se transfiere al metal, como una armadura. El metal se desmorona para proteger la imagen, el trazado de la piel. Vemos los fragmentos de la imagen impresa al igual que sucede con las imágenes en nuestra memoria, juntándolas a partir de fragmentos incompletos.

En su libro 12-25/ 71-84, nos ofrece más que una instantánea de su relación con su predecesora. El trabajo es una reflexión sobre los recuerdos construidos entre las edades de 12-25 años de la artista y 71-84 de su abuela. Éste es otro ejemplo de la capacidad de la artista para navegar la sensibilidad y traducir las experiencias personales a un lenguaje universal. Las páginas ofrecen una combinación de señales sensoriales visuales y táctiles. Nuevamente se refleja la naturaleza de la memoria.

El libro está lleno de fragmentos, entre los cuales podemos ver la cara de la abuela en un dibujo, partes de su cuerpo en una fotografía desmenuzada o páginas con textos superpuestos que de repente se vuelven ilegibles. Uno no puede esperar reconstruir una imagen completa, y ese tampoco parece ser el objetivo de la artista. La mayoría de sus imágenes flotan en el espacio vacío de la página en blanco, como los recuerdos de una persona que ha perdido la capacidad de vincularlos o conectarlos de alguna manera. La información nos llega en destellos, breves estallidos de claridad. A través de la obra, experimentamos la relación de las dos mujeres al igual que lo haría una mente en decadencia.

Alexandra Rodríguez Rey es una mujer que mira a otra mujer y que nos permite adentrarnos en su mirada. A través de su obra, percibimos la presencia de la artista y su sujeto, en el tacto de la piel, las imágenes íntimas, las superficies arrugadas. Una de las características más atractivas en esta línea de trabajo, es el rechazo a lo absoluto, la apertura a la posibilidad. En lugar de ceder ante la ilusión de la certeza, el trabajo confunde a la naturaleza fluida y casi ficticia de la memoria.

El problema eterno de la relación entre la mente y el cuerpo, es central en la serie Metamorfosis, que forma parte del proyecto 12-25/ 71-84. Nuevamente, la artista no ofrece certezas, sólo la observación de que a medida que las funciones mentales de la mujer a la que observa se deterioran, también lo hace su cuerpo físico. Ya sean o no científicamente correlacionados, los procesos de decadencia se presentan en su obra como una experiencia, en lugar de un análisis, y esto se suma a la autenticidad de las emociones que transmite su trabajo.

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Marabillosa mostra resultante do certame Plastika19 no Museo do Mar de Galicia! Encantada de formar parte do xurado así como comisariado da exposición xunto a un equipo 10!

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Un placer inaugurar xunto a Sara Pérez Bello ‘Siempreviva. Autobiografía y colectividad’ de Esther Gandía, artista gañadora do certame Plástika18!

A través das súas impactantes pezas, a artista reflexiona sobre a grave problemática da violencia cara a muller.

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Opening Evening of “Four Dimensions. Works from Sweden”. 

Works by: Alicia Larrson, Peter Lindberg, Moutaz Albashar and Falah Alani

Always a pleasure to collaborate with Apo’strophe.arte!!

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Estupenda inauguración e coloquio de 'In no meaningful way' do artista Thomas Apoatolou nas magníficas instalacións do Hotel Palacio del Carmen. Grazas por achegarvos e acompañarnos!! A exposición permanecerá aberta ata finas de outubro.

Organización: Galantiqua e Mareiras Espacio de Arte

Comisariado: Elena Bangueses

Patrocina: Hotel Palacio del Carmen

Mesa redonda: Thomas Apostolou, Ana Castro, Juan Manuel Monterroso, Juan Carlos Meana e Elena Bangueses

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Noite de inauguración do #POLOVIGO da 3 Bienale Internacional de Arte Gaia 2019 que foi un pracer comisariar xunto con Sara Perez Bello e Ricardo de Campos.

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La precariedad, en términos de inseguridad social y financiera, ha dejado, durante las últimas décadas, de perseguir solamente al artista no establecido, al comisario independiente o a los espacios gestionados por artistas. Nadie en el mundo cultural es inmune a ella de una manera u otra. Sí, los jóvenes, los independientes, lo autofinanciado, es, como siempre lo ha sido, más vulnerable a la precariedad, pero incluso lo famoso, lo establecido y hasta las iniciativas respaldadas por organismos públicos están a su alcance. Podría llenaros con ejemplos de museos y galerías, cercanos y lejanos, tirando su programación por la borda al primer indicio de falta de apoyo financiero, artistas famosos y establecidos que cierran sus estudios de un día para otro, o alguna de las exposiciones periódicas más importantes de arte contemporáneo a nivel mundial luchando contra la bancarrota desde su última edición, pero muchos de estos ejemplos ya están en el ojo público. El punto que me gustaría destacar, y de ninguna manera soy la primera en hacerlo, es que la precariedad casi se ha convertido en el estado natural de la cultura y las artes.

Los primeros que observaron la importancia de la precariedad en el arte fueron como siempre los artistas, que desde los años 60, las crisis financieras de finales de los 80 y de los 2000, han ido cambiando sus prácticas en consecuencia. El resto de la estructura artística todavía está tratando de encontrar su lugar, pero si la precariedad está siempre presente el las artes, la perseverancia todavía más. Como en todas las crisis, ya sean económicas, políticas o culturales, la precariedad desmoraliza incluso a las grandes estructuras culturales institucionales, es en estos momentos de dificultad en los que se pone de manifiesto que los que siempre las han apoyados son aquellas esferas de la cultura que ya están acostumbrados a vivir en la precariedad. Las grandes infraestructuras, como los museos, aunque siguen activos como siempre, encuentran dificultades en la nueva economía del arte, carecen de la flexibilidad y la agilidad que los espacios independientes logran adquirir forjándose a sí mismos en la precariedad.

Las espacios independientes de producción y difusión cultural no son ninguna innovación reciente, tampoco pueden, ni deberían tener como objetivo reemplazar las estructuras comerciales o institucionales del mundo del arte. Estos espacios y organizaciones, independientemente de que surjan con diferentes motivos y objetivos, parecen tener una herramienta común para lograrlos, esta herramienta es el trabajo en redes. Este modo de operar fluido y dinámico, puede ser sólido y a la vez flexible, conformado por diversos entes individuales. Estos entes mantienen su libertad de entrar y salir de la red sin comprometerla. De este modo, obtienen una herramienta más para defender su posición frente al constante avance de la precariedad, algo que las lentas instituciones centralizadas a menudo no logran.

Para concluir, este tipo de iniciativas independientes parecen ser capaces de adaptarse a la diversidad de prácticas presentes en la actualidad. A la vez que intentan compensar las deficiencias con sus contrapartes institucionales, no deben tratar de imitarlos ni de asumir sus funciones. Más bien, deben permanecer fieles a su naturaleza, buscar fuerza en la colaboración y la creación de redes y trabajar junto a las estructuras existentes. Este último aspecto debería ser tenido en cuenta principalmente por las estructuras institucionales existentes, ya que las redes de organizaciones independientes son, por definición, de naturaleza colaborativa.

Elena Bangueses, comisaria

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O certame de arte PLASTIKA volve cunha segunda edición, ofrecendo, dende a humildade dunha asociación cultural independente e sen ánimo de lucro, como é Apo ́strophe, unha importante contribución na creación de valor cultural para a sociedade, e unha interesante oportunidade, para os creadores contemporáneos, de poder mostrar as súas obras.

A continuidade desta iniciativa, aporta o seu gran de area na xeración de valor cultural, contribución moi necesaria nun momento de desvalorización e peche de importantes centros culturais que traballaban cara a posta en valor da arte contemporánea en Galicia. O impacto que as políticas culturais teñen na sociedade, debería ser avaliado continuamente e en maior profundidade, como parte dun esforzo por probar que investir en cultura non é un investimento en vano. A redución dos orzamentos e axudas adicados a cultura por parte dos gobernos, fai case imposible que pequenas organizacións independentes que loitan pola diversificación e divulgación cultural, con escasos recursos económicos, sobrevivan e poidan manter a súa programación.

A creación e difusión de valores culturais debe deixar de lado os intereses políticos e evitar a promoción dunha identidade cultural única, polo contrario debemos traballar cara a diversidade, o incremento dos valores sociais inclusivos e a erradicación da exclusión social e cultural. PLASTIKA é un exemplo destes valores, traballando con escaso apoio institucional e dende a independencia, logra facerse un oco no panorama da arte contemporánea en Galicia por segundo ano consecutivo, apostando pola difusión e promoción da arte contemporánea, dende unha perspectiva de apertura, liberdade e calidade estética e artística.

Elena Bangueses

Historiadora do arte, xestora cultural e comisaria

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http://mujeresmirandomujeres.com/xisela-franco-elena-bangueses/

Elena Bangueses mirando a Xisela Franco

Reflexiones sobre el tiempo en la obra de Xisela Franco

Cuanto más me adentro en la obra de Xisela Franco, encuentro más claramente la necesidad de responder a preguntas de las que no sabía que quería respuestas. Si en un principio fue la idea de la maternidad en sus obras "Interior, exterior, durante" y "Vía Láctea" lo que me conmovió, quizás en busca de solidaridad, del tipo que las mujeres pueden ofrecerse entre sí, no me siento decepcionada de haber acabado encontrando algo diferente, menos reconfortante pero más real.

Lo que encontré en estas dos obras es el tiempo, intangible, tan universal e imparable como las emociones que en un principio pensé que estaba buscando. El tiempo conecta los fotogramas de una película en secuencias, como una madre conecta con sus hijos. El paso del tiempo para un ser humano se divide desde sus primeros momentos de vida en latidos y respiraciones. Así como nuestros corazones y pulmones son los relojes humanos, el cuerpo femenino también tiene un calendario que marca cada mes con la menstruación, debido al carácter obstinado de la naturaleza, que no deja de recordarnos el plan que tiene para nosotras, lo llevemos a cabo o no.

Los hilos corporales que mantienen a una madre y a su niño vivos, los unen físicamente. En "Vía Láctea", esta fisicalidad no sólo se manifiesta en el acto de amamantar, una extensión del lazo corporal entre la madre y la hija en la etapa posterior al parto, sino también en la materialidad de la película. La relación madre-hija durante la lactancia materna, una parte íntima, a menudo invisible de sus vidas, se compara con la relación igualmente íntima, invisible y física entre la cineasta y el celuloide. Xisela, ha manipulado físicamente la película de 16mm, proyectada sobre los cuerpos desnudos de ella y su hija, cortando y pegando directamente sobre ella. Esta confianza y dominio sobre su medio de creación es la misma confianza y dominio que muestra cuando está sosteniendo con cuidado y ternura a su hija. La artista-madre, la niña y la película están presentes en el vídeo y se fusionan mediante un contacto físico, marcado por el sonido de un latido del corazón, tranquilizador, pero no obstante, recordatorio del implacable paso del tiempo y de nuestra fragilidad. Reproducirse es una aceptación de la mortalidad, es rendirse a la cuenta regresiva de la naturaleza, ya que la única forma de proyectar físicamente nuestros cuerpos en el futuro es a través de los hijos.

Por otro lado, en “Interior, exterior, durante” presenciamos el proceso por el cual la madre intenta extender su yo intelectual hacia el futuro, a través del mismo medio, su hija. La madre y la niña existen en esta obra como formas puras de seres intelectuales que no están unidos a sus cuerpos, son voces fuera de escena durante la mayor parte de la duración del vídeo, de ocho horas, en el que escuchamos a la madre y a la niña interactuar a través de las diversas etapas de su desarrollo temprano. En la obra el flujo del tiempo parece lineal e ininterrumpido, el vídeo se ejecuta en tiempo real y refleja la hora del día fuera del espacio expositivo, el tiempo parece no estar segmentado, pero lo está.

En contraste con los 4 minutos de duración de "Vía Láctea", en los cuales los bucles del vídeo y el ritmo del sonido se pueden experimentar directamente en una única visualización, en "Interior, exterior, durante" el bucle de 8 horas solo se llega a comprender de manera indirecta, ya que sería muy sorprendente que los visitantes se quedaran en el museo durante el tiempo de duración del vídeo, o incluso que volviesen al día siguiente para verlo de nuevo. Los bucles más pequeños son más observables, como los minutos, los latidos del corazón o el tiempo de una comida a otra, podemos verlos acercarse y pasar, sin embargo, nos sorprende cómo pasan los años y qué tan repentinamente nuestro bebé, que no se desprendía de nuestro regazo, ahora recorra la sala declarando claramente en nuestro idioma su propia existencia. En “Interior, exterior, durante” Xisela pasa su voz a su hija durante un período de varios años, y nos permite, a través de la obra, adentrarnos en otro proceso íntimo de la maternidad. Los espectadores observamos como por una “ventana”, mientras la pareja madre-hija conversa casi entre nosotros en la sala de proyección. La madre refleja en su hija su yo intelectual, de manera muy similar a como las proyecciones del tríptico se reflejan entre ellas.

Xisela Franco es una cineasta con una práctica prolífica y amplia, que abarca ​desde el documental divulgativo para la televisión, hasta el cine experimental, el videoarte o instalaciones​. Aunque confino mis palabras a la parte de su práctica, en la cual, la artista se muestra más directamente expuesta, y como ya he tocado la idea del paso del tiempo en este texto, ahora siento la necesidad de mencionar la problemática presente en el mundo audiovisual. ¿Dónde están los límites del cine, el cine expandido, el videoarte y todos los demás nombres que le damos a este medio basado en el tiempo?. Creo que Xisela es parte de la respuesta. Cualquier tipo de línea divisoria y etiqueta puede resultar erróneamente genérica. Xisela es una creadora que fluye a través de todas las variaciones de su medio y si los límites entre las diferentes líneas de trabajo son visibles, estos pueden definirse no institucionalmente, sino de la manera ex profeso que la artista elige para atraer a su público. Prácticas como la de Xisela, son capaces de obviar la obsesión compulsiva de poner etiquetas a todo, por parte de la gran mayoría de las instituciones culturales.

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Presentación do libro “El aprendiz de la lengua extranjera” de Juan Carlos Meana, Casa das Campás, Pontevedra. 

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Stand no Cultural Feira das Industrias Culturais que tiven o pracer de comisariar xunto con Sara Pérez Bello para o Espazo de Arte Contemporánea. Obra de Angeles Jorreto, Thomas Apostolou, Xulio Lago, Ruth Lodeiro, Nuria Lago, Iñaki Matilla e Sonia García. 

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David Fidalgo foi unha das moitas sorpresas agradables do Certame PLASTIKA17, un dos moitos artistas galegos contemporáneos que seguen a crear en condicións precarias, rodeados polo mito da periferia. Menciono isto porque David non é soamente novo,  fresco e divertido, David é CONTEMPORÁNEO con maiúsculas, pertence a unha xeración que ten que loitar moito para non sentirse deixada de lado, pero que ao mesmo tempo dispón das ferramentas para facelo. Con isto refírome, a que a propensión de xeracións anteriores de artistas que tendían a marchar cara a cidade europea máis próxima coa escena artística máis aberta, está volvéndose irrelevante, en parte debido a prácticas innovadoras coma a de David. Temos moito que aprender de prácticas como esta e deixar de poñer etiquetas a todo.

É moi fácil chamar a David un artista novo, galego, que traballa principalmente no eido da animación, pero na miña opinión iso non é o relevante. Si, David é novo, pero a súa práctica é madura, máis alá da súa idade. É galego, pero súa terra parece ser a eterotopía dos medios de comunicación. Traballa moito coa animación, pero non está definido nin restrinxido por ela, é a súa ferramenta principal, pero a súa práctica esténdese moito máis alá.

Hoxe gustaríame invitarvos a ver esta exposición sen etiquetas, adentrádevos na estética de David e antes de darvos conta estaredes inxerindo as súas fortes mensaxes. Porque debaixo da pel rosada das súas personaxes, hai persoas que intentan gritarlle aos medios de comunicación, os cales levan toda a vida gritándonos, empeñándose en dicirnos quenes somos e que deberíamos estar facendo.

Moitas grazas David pola túa obra e por ser unha das sorpresas tan agradables de PLASTIKA17, un primeiro premio o teu, moi merecido.

Elena Bangueses

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Un verdadeiro pracer formar parte do xurado dos Premios Culturais da Deputación da Coruña.

Noraboa a Carla Canedo, Rosa Fernández e MªCarmen Villalva, gañadoras do Premio Antón Fraguas de artesanía.

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Encantada de colaborar como comisaria presentando a la artista Nuria Lago para el proyecto `Mujeres Mirando Mujeres. Arte y Género’ http://mujeresmirandomujeres.com/nuria-lago-elena-bangueses/ #MMM18 #OrgulloMMM