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Beau Travail (1999) Claire Denis, Francia

El concepto del injerto (conocido como grafting en inglés) consiste en unir dos plantas para aprovechar sus cualidades y fortalezas individuales. Este fue el objetivo de Denis, crear una composición intertextual uniendo las fuentes culturales, literarias y cinematográficas en una sola entidad. Así, al fusionar elementos diversos, enriquece su obra y le otorga la capacidad de resonar con múltiples significados y contextos.

Para lograr esta intertextualidad, o grafting, estas son algunas de las referencias de las cuales se apoya Denis. Es claro que la película está inspirada en la novela "Billy Budd" de Herman Melville, pero va más allá de la adaptación literal, explorando elementos del texto original y reinterpretándolos en el contexto cinematográfico. Además, se puede observar una fusión entre el mundo militar y la danza, en algunos momentos, los entrenamientos llegaban a parecer una especie de ballet. Por último, también existe una referencia discreta a la película "Le Petit Soldat" de Jean-Luc Godard. Esto es debido a que existe el mismo personaje interpretado por el mismo actor, Bruno Forestier (interpretado por Michel Subor). Esta conexión entre ambas películas, separadas por décadas, establece un puente simbólico, mostrando una continuidad implícita en la representación del personaje a lo largo del tiempo y permitiendo un diálogo implícito entre las narrativas.

Finalmente, es importante destacar el final de la película, el cual encapsula esta unión de influencias, revelando un momento cinematográfico intenso y lleno de significado. Es un final que impacta y deja al espectador sumido en la reflexión sobre las complejidades de la condición humana y la naturaleza de las emociones en un contexto narrativo tan sutil y reflexivo como lo es toda la película.

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"Days Of Heaven" (1978) Terrence Malick, Estados Unidos

Una obra cinematográfica elogiada por su hermosa cinematografía y capacidad para evocar emociones a través de imágenes poéticas. Ambientada en los campos de trigo de Texas a principios del siglo XX, la película narra un triángulo amoroso marcado por la soledad, la industrialización y la lucha contra fuerzas externas. La historia se desarrolla con una autenticidad onírica, capturando momentos de la vida cotidiana mientras explora temas universales de la condición humana. Existe una lucha por parte de los personajes por comprender su lugar en el mundo y enfrentar fuerzas incontrolables. El existencialismo permea la narrativa, destacando la soledad y la búsqueda de significado en un contexto aparentemente desprovisto de dirección clara. Mientras que el concepto del libre albedrío se entrelaza con la narrativa al plantear preguntas sobre la capacidad de los personajes para tomar decisiones y moldear su destino en medio de las circunstancias difíciles, a pesar de la inevitabilidad de sus destinos. Así, la película se convierte en una meditación filosófica utilizando la estética visual y la narrativa universal para reflexionar sobre las preguntas fundamentales propias de la vida.

Mientras la veía, dos pinturas saltaron inmediatamente a mi cabeza, si saber que después tendría que relacionarlas.

House by the Railroad de Edward Hopper (1925)

Hopper es uno de mis pintores favoritos, y la casa en la película me pareció bastante semejante a la de esta pintura, sobretodo en relación con su entorno (los campos del trigo y el cielo). La primera vez que se mostró hasta llegué a pensar que eran idénticas, y aun que no lo sean estoy segura que la pintura fue una gran fuente de inspiración. Estas casas parecen ambas tener un estilo victoriano, una estructura similar, y una ubicación aislada, con una soledad palpable y atmósfera melancólica debido a la falta de otros elementos. Todo esto destaca cómo la arquitectura puede convertirse en una gran herramienta narrativa y simbólica, ya que tiene mucho que ver con la trama de la película (y la situación del granjero).

Christina's World de Andrew Wyeth (1948)

De la misma manera, las amplias extensiones de cielo abierto y el campo interminable también se asemejan a las obras de Wyeth. Se comparte la misma estructura en la película y en "Christina´s World", en donde los prados se encuentran frente a un horizonte lejano interrumpido por arquitectura solitaria. Esto le da un sentido de profundidad y crea esta misma sensación de soledad. A pesar de que la pintura retrata una mujer en una situación completamente diferente a la de Abby (ya que Christina Olson padecía una enfermedad muscular), ambas sugieren un sentido de esfuerzo, aislamiento y nostalgia.

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Cría Cuervos (1976) Carlos Saura, España

Es muy interesante la manera en la que los niños entienden y lidian con conceptos como la pérdida y muerte, ya que son ideas demasiado inmensas para enfrentar de golpe y sobretodo una edad temprana. A lo largo de la película, Ana enfrenta la ausencia de sus padres, procesando emociones complejas en un entorno lleno de secretos y restricciones. Debido a esto, de cierta manera ella y sus hermanas crean su propia versión de la realidad, utiliza do su imaginación como un refugio de la realidad. Esto resalta la capacidad de los niños para adaptarse a situaciones difíciles. También, es importante destacar la actuación de Ana, sobretodo por la expresividad de sus ojos y la gran capacidad que tiene en representar emociones.

Además de esto, la película también esta profundamente relacionada con la situación de España en esa época. Esto es debido a la crítica a la opresión política y el sistema patriarcal del régimen franquista, la cual es representada con las relaciones familiares y los conflictos dentro de estas, el papel de la mujeres y las restricciones impuestas sobre ellas. Así, las tensiones, silencios y luchas de poder logran reflejar la situación de su país.

La película es capaz de capturar la esencia de la juventud y la pérdida, pero yendo más allá al también explorar estos conceptos más complejos. Finalmente, recordé la frase famosa, la cual mi madre siempre menciona "Cría cuervos y te sacarán los ojos", la cual probablemente tiene una conexión con el nombre de la película. Esto tal vez puede referirse al peligro de criar a niños en un entorno de represión y secretos.

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Flores De Fuego (1998) Takeshi Citano, Japón

El concepto del destino es algo sumamente complicado, y se explora de gran manera en la película. Este se presenta como una fuerza que influye en la vida de los personajes, incambiable y permanente. A pesar de esto, también se sugiere que aunque el destino puede marcar el rumbo de las personas, la capacidad de eleccion y voluntad también son importantes. Así, los personajes se sumergen en un viaje emocional y existencial, en donde destaca el simbolismo y la poesía visual como medios de transmitir estas ideas. Elementos como la pintura, pesca, flores y fuegos artificiales se convierten en metáforas sobre lo que es la vida, ofreciendo una mirada poética a la condición humana. Además, se presenta una contrposición entre los entornos en los que esta sucede, por un lado la belleza de los paisajes naturales, en contraste con la brutalidad de la vida urbana. De la misma manera, existe esta yuxtaposición entre el toque de humor y la violencia. Parece ser que el destino de los personajes es morir, entonces cada uno esta idea de su mortalidad de distintas maneras, sea la pintura, pesca o violencia. Mientras tanto, se experimenta con los conceptos y la belleza efímera de las flores y los fuegos artificiales. Igual que los personajes, ambos se acaban, se consuman. Las flores se marchitan y los fuegos se apagan, recordandonos la naturaleza transitoria de todas las cosas. Pero apesar de esto, dan luz, color y felicidad. En esta reflexión, la película nos invita a recordar la importancia de aprovechar cada momento.Finalmente, la música de Joe Hisaishi y la expresión emotiva de los personajes, (especialmente Nishi) establecen una profunda conexión con el espectador, llevándolo a experimentar emociones intensas. Toda esta película es una conspiración, y son los pequeños momentos de risas tímidas y las miradas entre Nishi y su esposa las que la hacen verdaderamente maravillosa. Estos instantes de ternura y complicidad entre los personajes añaden una capa de humanidad a la historia y permiten al espectador conectarse a un nivel profundo con las vicisitudes de los protagonistas.

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La Vida Bohemia (1992) Aki Kaurismäki

Existencialismo, humor y drama en su máxima expresión. La película se sumerge en la vida de un grupo de artistas que luchan e intentan sobrevivir entre entre el arte y la dura realidad, dando una perspectiva única sobre la vida de un artista y su lucha por el arte. Así, Kaurismäki da vida a personajes que, aunque empobrecidos, irradian pasión, encontrando un equilibrio entre la idealización del arte y la cruda realidad.

Es sorprendente la manera en la que se explora cómo la pasión impulsa a estos artistas, pero a la vez los separa, explorando la dicotomía entre el arte y el sistema. Se expone como la integridad artística se quiebra con la necesidad del dinero, pero a pesar de esto, nunca se pierde la esperanza. Sin embargo, lo que más destaca es cómo a pesar de esta lucha constante por sobrevivir de su arte, ellos están dispuestos a darlo todo por una mujer que saben que esta destinada a morir. Esta entrega plantea muchas preguntas sobre la existencia, las cosas a las que uno decide darle importancia, y el propósito de la vida, esto sucede especialmente en el contexto de la búsqueda artística de estos personajes, ofreciendo una perspectiva reflexiva sobre su lucha en un universo aparentemente absurdo y desafiante. Esta exploración de existencia y autenticidad es un elemento central en la trama.

Finalmente, algo que hace única a la película es la capacidad de introducir toques de humor a pesar de que los personajes enfrentan desafíos significativos. Esta combinación de drama y comedia no solo es un reflejo de la vida, pero también habla sobre lo absurdo de la vida, y la resilencia del espíritu humano para encontrar motivaciones o alegría incluso en las situaciones más difíciles.

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El Espíritu de la Colmena (1973) Victor Erice, España

Al ver la película, el concepto de inocencia destacó y me recordó a algo que leí. Según Nietzsche, existen tres etapas o maneras de relacionarnos con la sociedad: el camello, el león y el niño. El individuo pasa de cargas las normas y valores sociales sin cuestionarlas, a desafiarlas y luchar contra ellas, y finalmente, a aceptar la realidad tal como es y vivirla de manera espontánea, como un niño. El individuo regresa a esta inocencia inicial, la cual es reflejada claramente en los personajes de Ana e Isabel. De cierta manera, no han sido corrompidas por estas normas y valores sociales. Esto se muestra en la escena en la que Ana se encuentra con el soldado republicano. Él parece ser el Frankenstein de Ana, un monstruo refugiado. A pesar esto, ser enemigo y además traer una pistola, hay un paralelismo con la película mostrada al inicio, y Ana decide ayudar y convertirse amiga del monstruo, blindada por esta inocencia infantil.

Siguiendo este concepto de inocencia, relaciono esta película con el pintor Bartolomé Esteban Murillo. Esto es debido a la manera en la que representa esto es sus obras, siendo capaz de capturar la pureza y la ingenuidad de los niños en la sociedad de su época (igual que Erice).

Su pintura "Niños Comiendo Uvas y Melón" es un claro ejemplo de esto, donde los niños disfrutan de su comida en total despreocupación, a pesar de ser seguramente huérfanos. Murillo es capaz de mostrar lo mejor del ser humano, esta última etapa, la cual es reflejada en los niños. Igual que e la pintura, Maria e Isabel exploran y tienen esta experiencia infantil a pesar del contexto histórico y social en el que viven (mercado por la posguerra civil española, la cual es todo menos inocente y despreocupado). A pesar de las dificultades y tensiones que rodean sus vidas, los niños buscan la belleza en el mundo que los rodean. Además de esto, son similares las paletas de colores, sobretodo la manera en la que destaca el color miel, y la manera en la que son utilizadas las sombras.

Por último, quiero resaltar la escena en la que Ana escapa y corre hacia el bosque. En ese momento, enfrenta al mundo por primera vez y es por esto que decide escapar. Quiere mantener esa inocencia propia de la niñez, la cual parece ser corrompida por su monstruo. Todos los niños pasan por un momento así en su vida, y es por esto que la película me llenó con un sentimiento de nostalgia.

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"Persona" (1966) Ingmar Bergman

Alma, una joven enfermera es puesta a cargo de Elisabeth, una actriz que ha dejado de hablar a pesar de estar completamente sana. Mientras pasan tiempo juntas, Alma le habla a Elisabeth sin recibir alguna respuesta, hasta que le empieza a confesar sus secretos. A medida que pasan tiempo juntas, sus identidades parecen fusionarse.

Elisabeth llega a un punto en el que pasa de ser artista a audiencia, y así ella y Alma intercambian roles. También, se llega a un punto en el que a pesar de ser su cuidadora, Alma se vuelve dependiente en su paciente y parece ser la que necesita ayuda. Esta inversión es gradual y fácilmente ocultadle, pero una vez que se se lleva a cabo tiene un impacto poderoso y crudo. Se desafía la noción de quién está en control, y esta metamorfosis entre ambas hace cuestionar la identidad y relaciones.

Hace mucho tiempo no conectaba tan personalmente con una película. Se quedó de manera imborrable en mi cabeza. Su exploración de la identidad es impactante, y se plantean preguntas sobre la naturaleza de la individualidad, y como las relaciones humanas pueden influir en la percepción de uno mismo y de los demás. No se tata de las respuestas, si no que de estas mismas preguntas, de los pensamientos que resuenan en tu cabeza, las imágenes y sentimientos persistentes. Se llega a un momento en el que la película te envuelve por completo. Sospecho que son por esta razón son los cortes, un recordatorio de que estás viendo una película.

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"Las Noches de Cabiria" (1957) Federico Felini

El término "dramático" en el cine se refiere a elementos que generan una respuesta emocional fuerte en el público. Esto implica conflictos y situaciones intensas y momentos de tensión, los cuales permiten crear una experiencia la cual es capaz de conmover, intrigar o conectar con el espectador. Este término tiene sus raíces en la antigua Grecia y las obras de teatro, y se ha trasladado al cine, en el cual se usan los mismos elementos para dar esa forma única de narración. "Noches de Cabiria" es un gran ejemplo de esto, y cómo se emplea lo dramático para sumergir al espectador en las emociones y experiencias de los personajes.

Siendo así, la escena más dramática en Noches de Cabiria es cuando ella es traicionada por Oscar, tanto como Cabiria y el público pensamos que finalmente su ciclo de traición se rompería, y que Cabiria comenzaría una nueva vida con él, pero no fue así. De la misma manera que al principio de la película, Oscar revela su verdadera intención, le roba su dinero y la abandona. En ese instante, el dolor y desesperación en la cara de Cabiria es palpable, sobretodo mientras le suplica a Oscar que la mate. En este momento, se siente una tristeza inmensa, y ese cambio inesperado de tono y tensión emocional es lo que la hace una escena dramática.

Aún que la escena mencionada anteriormente es de crucial importancia, la escena más importante es su final, cuando Cabiria es capaz de levantarse y seguir. La encontramos caminando después de haber perdido todo, después de volver a caer en este doloroso ciclo que parece interminable. A pesar de esto, ella sigue mostrando valentía. Mientras camina, se encuentra con un grupo de jóvenes festejando algo, bailando y disfrutando. Esto muestra que sigue habiendo felicidad en el mundo. Así, Cabiria le dirige a la audiencia una pequeña sonrisa a través de sus lágrimas. No hay palabras que describen todas las emociones y lo electrizante y personal que es este grandioso final.

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"Peeping Tom" (1960) Michael Powell

Por más que causó controversia al estrenarse, esta película continua teniendo una gran influencia en la industria cinematográfica. Esto es debido a que se exploran temas como vouyerismo, enfermedad mental, obsesión y violencia. "Peeping Tom" relata la historia de Mark Lewis, un camarógrafo con una obsesión perturbadora: grabar el miedo en las caras de sus víctimas mientras las asesina.

La importancia en el papel que juega la mirada en esta película es muy interesante ya que se plantean preguntas sobre la invasión de la privacidad y la moralidad de la observación. Algo que encontré inquietante fue la manera en la que se muestran los asesinatos desde la perspectiva de Mark y su cámara, lo que te hace sentir como una especie de cómplice. Además, todo esto me hizo reflexionar sobre la invasión de la privacidad en los medios de comunicación hoy en día.

Además de esto, es importante destacar la manera en la que se utilizan los colores. En algunas de las escenas de tensión, se utilizan rojos y azules vibrantes, funcionando como herramienta para enfatizar y transmitir emociones. Esto también contrasta mucho con el cuarto oscuro de Mark, el cual representa su lado "oscuro" y más personal, donde procesa y revela sus imágenes, y le da forma a sus impulsiones vouyeristas y violentas.

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Sunset Boulevard

"Sunset Boulevard" (1950) Billy Wilder

Este clásico de cine noir explora las sombras detrás de las deslumbrante fachada que es Hollywood, y la confusión que enfrentan aquellos consumidos por la fama de esta misma industria. Los protagonistas son Norma Desmond, una actriz del cine mudo quien ha sido, de cierta manera "desechada", y Joe Gillis, un guionista ahogado en deudas. La trama se centra en su compleja relación, donde la manipulación y dinámicas de poder crean un vinculo extraño y perturbador.

La película esta estrechamente vinculada a la situación de Wilder y Swanson, ya que ambos tienen cierta conexión a los personajes principales. Primero, Wilder también fue un guionista quien experimentó las presiones y desafíos de la industria, lo que le brinda la perfecta perspectiva para abordar la historia de Joe Gillis (además, gracias a eso el guión de la película es excepcionalmente auténtico). Por el otro lado, Swanson sí fue una de las más grandes estrellas del cine mudo, y aun que no acabó igual a Norma Desmond, hace un excelente trabajo representando la manera en la que la fama puede acabar con una persona y llevarla a la locura.

Sunset Boulevard fue relevante cuando se estrenó, y lo sigue siendo hoy en día. Me sorprende como Wilder fue capaz de representar estos problemas tan controversiales, incorporando humor crudo, y desdibujando las lineas entre realidad e ilusión, poder y vulnerabilidad, y creación y manipulación. La película es una metáfora sobre como opera la industria, que continua cautivando al público.

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Cleo y la aceptación de la muerte.

“Cleo de 5 a 7” (1962) Ágnes Varda

Varda relata la historia de Cleo, una cantante francesa, y su enfrentamiento con la muerte. La película explora temas como la mirada, muerte y belleza, y se utilizan fuertes simbolismos cuales reflejan la situación de la protagonista. Por ejemplo, a lo largo de esta parece que la muerte está siguiendo a la protagonista, desde espejos rotos, un señor al que le disparan, y una lectura tarot, confirmando el mayor miedo de Cleo.

Durante las dos horas en las que Cleo espera ansiosamente sus resultados médicos, ella pasa por una enorme crisis existencial, la cual con ayuda de otros personajes, termina en la aceptación. Primero, Cleo visita a su amiga, una modelo de figura humana, la quien le dice que cuando modela "están mirando más que solo a ella, a una forma o idea, como si ella no estuviera ahí", lo que se relaciona con su vida, en donde realmente nadie cercano a ella le da importancia, nadie simpatiza con ella. Después de eso, van a ver un pequeño corto (protagonizado por Jean-Luc Godard) que muestra a alguien a quien unos lentes oscuros le dan una visión distorsionada de lo que está pasando, que también tiene relación con lo que le pasa a Cleo. Ella le teme a la muerte, a la fealdad, pero se necesita quitar esos "lentes" y aceptar la situación como algo natural y no necesariamente maligno. Finalmente, conoce a un soldado quien va a rumbo atender en la Guerra de Independencia de Algeria, quien igual que ella tiene una posible "sentencia de muerte". Por esto, logra relacionarse con el. Gracias a estos personajes, Cleo le encuentra un significado a su vida, viendo lo que realmente es importante.

Cuando comienza la película, la lectora del Tarot le dice a Cleo que la carta que escogió no necesariamente significa muerte, si no que una completa transformación de quién es. Esto es relevante debido al desarrollo que tiene Cleo, en donde pasa por un cambio positivo en el que ya no le da tanta importancia a las supersticiones, a su imagen o a las cosas materiales. Así, Cleo pasa de ser un objeto a quien los demás solo miran o perciben, a un sujeto, este desarrollo se muestra en su reacción ante los resultados, ella nunca sería igual.