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herefhc · 3 years

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Reseñas de cine y series (2018-2021)

Series

Norsemen ¡Oh, humanidad!

La serie noruega creada por Jon Iver Helgaker & Jonas Torgersen es una comedia muy bien lograda que reivindica la misantropía y la estupidez humana. Sencillamente se propone mostrar la incesante deficiencia inherente al ser humano, situada en los tiempos vikingos y que contrasta la fuerza bruta del norte con la “sensatez” del centro y sur de Europa.

Personajes y diálogos resumidamente exponen ideas de risa pero reales. Por ejemplo, el personaje del esclavo Kark, que elige esa condición argumentando que la idea de la libertad es demasiado para soportar y prefiere ser un sub humano mecanizado que sigue órdenes. Las matanzas, saqueos y violaciones no pueden ser malas si dejan tantos botines y tesoros, justifica el personaje de Arvid. La idea de que el arte y la cultura hacen mejor al ser humano y a una tribu, es desenmascarada y revela que, casi en todos los casos, no es más que una idea de una postura ególatra y reprimida de parásitos sociales como lo son Rufus y Orm. Pero sin duda el personaje de Frøya se lleva las palmas, al ser el personaje fuerte, leal y honorable. Norsemen es una portentosa parodia de la cultura de la violencia, es breve y muy rubia.

Breve comentario sobre House of Cards

Comentario de un neflixdirigido

Las glosas generales de personas cercanas que me recomendaban la serie por trasmitir un conocimiento mayor al que podía acceder estudiando ciencia política, inclusive a la filosofía política. Se consolidaron como me sospechaba al principio, exageradas. Si bien la serie enseña el pragmatismo que ejerce un político en la mayor “democracia” del mundo, la de Estados Unidos. El talento de su protagonista Kevin Spicey, es el encanto. Su manera de manipular, negociar y controlar, son adictivas. Así la lección más importante de Frank Underwood es: el dinero no es lo más importante, es el poder.

La serie me hizo aprender, cosas no obvias para los idealistas. Los políticos son personas dispuestas a todo por tener dinero o poder. Una vez representantes populares, se sirven a sí mismos y para quienes trabajan (ya que siempre trabajan para alguien). La serie logra mostrar los conflictos con el otro poder, el económico, con sus empresarios. Que finalmente define al gobierno. También muestra como los medios de comunicación, son un arma. Y están lejos de ser imparciales y objetivos.

La serie empieza a perderse cuando caen en la típica rusofobia norteamericana, la referencia a Petrov (Putin) como un ser sin alma, opresor de Pussy Riot. Falla al explicar cómo funcionan las relaciones exteriores de EUA. Y que en definitiva empiezan a darle poder a un personaje tan irritante como Claire. Mientras más avanzaba ese personaje más fracasaba la serie. Y así fue hasta el final con una Claire feminista y peor ser humano que Frank.

Dentro de las historias paralelas de la serie, me conmovieron los personajes de Peter Russo, Rachel & Lisa. Pero es notable la actuación de Michael Kelly en su representación de la lealtad, en su personaje de Doug. Fue una grata sorpresa descubrir el talento de Kate Mara en su papel de Zoe Barnes. Sólo las temporadas 1 y 2 valen la pena verlas.

CINE

EL ANGELITO

El cine latinoamericano tiene una industria digna de toda admiración encarnada en Argentina. El secreto de sus ojos (2009) de Juan José Campanella se incorporó a la gran historia cinematográfica para dejar un camino lleno de excelentes películas como Relatos Salvajes (2014) de Damián Szifron. Considero al cine argentino como el más alto nivel de cine que hemos llegado los hispanoparlantes, pero requerirá un escrito aparte.

La película El Ángel de Luis Ortega, y protagonizada por Lorenzo “Toto” Ferro como Carlos, y el hijo del Ricardo Darín; Chino Darín como Ramón. Es la expresión de una historia real de uno de los jóvenes genios del hampa argentina: Carlos Eduardo Robledo Puch, que encaja en el género policíaco, cómico gay. La película fue recibida con polémica en su país natal pero alcanzo la nominación a mejor película de lengua no inglesa en la pasada entrega de los premios Oscar. “Toto” Ferro hace una portentosa representación, para contarnos la historia de un ladrón nato, hábil que disfruta simplemente de estar vivo. Por otro lado, Chino Darín hace honor a su apellido y se muestra sus capacidades de actor heredades. Dicho par ingresara en un juego de complicidad criminal, homo-erotismo y de enamoramiento que termina en la muerte de uno, ante la energía descontrolada del otro. La es la biografía y aventuras de un ladrón llenas de inmoralidad, es un retrato de un ser humano que nace sin paradigmas del bien o mal, un psicópata que disfruta el momento, lo baila, y que trasforma su energía en dañar el otro. Demostrando así, que para algunos seres humanos no hay readaptación social.

Ortega, consigue una recreación muy propicia de la Argentina de los años 70´s. Un guion cínico pero divertido. Es diestra en la fotografía de Julián Apezteguia, ya que alcanza imágenes y cuadros bastantes concretos que seducen al ojo.

El cine argentino sí cumple con su definición, es hecho con capital, directores, actores, locaciones, historias y talentos argentinos.

IMAGINANDO EL PASADO

Fue Alfred Hichtcok quien retrató en Strangers on a Train (1948) la complicidad asesina de dos hombres perversos, uno activo-psicópata, otro pasivo-depresivo. En la cinta coreana Burning del director Chang-dong Lee utiliza el pasado quema. Ademas de estar inspirada en un cuento de Murakami.

Los pobres condenados a encadenar su libertad, buscando lujos y coherencia. El triángulo perverso compuesto por: El personaje Lee Jong-su interpretado por Ah-in Yoo, es un escritor no oficial, serio y que se engancha por la carencia del amor maternal con cualquier cara bonita que lo haga sentir necesario. Vive en la ensoñación. El personaje de Shin Hae-mi interpretado por Jong-seo Jun destinada a explotar su capital corporal con vanidad, una mente creativa que reconoce a Jong para cobrarle factura sobre un pasado confuso. Y que lamentablemente será la víctima metáfora de un rico asesino. El personaje Ben interpretado por Steven Yeun, Joven adinerado (Gatsby) hábil seductor que revela su plan mordaz de manera literaria al menesteroso escritor que no lo descubre hasta tarde porque estaba enamorado y drogado en el momento clave. Ante el onanismo y la irá acumulada Jong, descubre la verdad y decide asesinar, cerrado en un abrazo orgásmico y quemar a Ben. Demostrando que la justicia solamente la logra quien tiene poder o la fuerza, en el final, la fuerza de un cuchillo.

Es una película con detalles bien logrados dentro de los matices psicológicos de los personajes, donde el lenguaje cinematográfico y literario camina sin problema. La película se extiende demasiado en tiempo. Es una película que requiere que el espectador llene con su imaginación el significado.

CLIMAX

Aquellos seres humanos que han consumido LSD saben que su poder es celestial o infernal. El último film del cineasta Gaspar Noé logra plasmar visualmente un viaje acido sin el consentimiento del espectador. La tradición rota de experimentación iniciada por Alejandro Jodorowsky, de usar gente que no se dedican a la actuación y de Jean-Luc Godard, de no seguir una narrativa tradicional en el film, no ha cualquiera le sale. Noé es experto. Es virtud juntar varias artes en el cine. Ya lo hizo Lars von Trier en su infernal película The House That Jack Built (2018). En este caso, danza, música y cine, se combinan para mostrar la sacralidad del aquí y ahora. Una combinación que dopa a cualquiera. Noé juega con la idea de Walter Benjamín. El cine la nueva droga de la masa. Para también puede ser el arte que englobe todas las artes. Climax es un film rodado en prácticamente dos planos secuencias que escaseo de actores profesionales y dejo el talento a los bailarines. Es de notable, las pericias y errores técnicos de la filmación, por ejemplo, los créditos puestos al antojo, colores, letras, música distorsionada, son juegos graciosos que dan un toque único. Es común que la naturaleza de los artistas sea bastante compleja, diversa y libertina. La idea de juntarlos en una fiesta y ver su proceso de descomposición si bien no es nueva, es muy atractiva. Considero que la escena crucial del film, es cuando sucede que el personaje de Selva (interpretado por la argelina Sofia Boutella con carácter) se encuentra con ella misma a través de un cuadro (literal) de una selva, dicha escena es sublime. Porque comienza a desmoronar la mentira de la comunidad, de la sociabilidad de la fiesta. Cada ser humano se encuentra irremediablemente solo. La adictiva ficción de soltarnos, desembocando en sexo y violencia es la panacea de los individuos posmodernos, el film del argentino podría ser una crítica al carente manejo de la libertad cuando es interceptada por las sensaciones. La cual ocasionalmente termina liberando demonios. Pero su intención es mostrar la soledad. Todos aquellos que hemos estado en una fiesta sabemos que somos sobrevivientes. Al final las películas producidas por Vice tienen la intención de seguir estimulando a un público loco como lo es Prins (2015) de Sam de Jong. Climax se enorgullece que ser un film francés porque al final el uso práctico de la libertad se reduce a una gota.

INTRODUCCIÓN AL CINE DE PAWEL PAWLIKOWSKI

A Agata Trzebuchowska

Miramos hacia el cielo, un círculo en blanco y negro, es la cúpula vacía de una iglesia abandonada. En otra escena algunas novicias pintando a un cristo abandonado. El tiempo es un repetitivo ciclo. Hay que entender el pasado, para anclarse, en un presente modesto. El cine del polaco Pawel Pawlikowski será eterno.

Tanto Ida (2013) y Guerra Fría (2018) muestran un talento impecable. La síntesis de las técnicas de los genios del cine: Bergman, Fellini, Godard, Hichtcock y Tarkovski se encuentran en ambas películas con una manera propia y con una simpleza conmovedora. La categoría trascendental para entender la propuesta de Pawlikowski es la comprensión de la conciencia humana del tiempo, con énfasis, al pasado. Sólo en la ruptura del tiempo presente se revela la autenticidad del ser que permitirá vivir el futuro. El origen de la comunidad, la guerra, la experimentación y la desconexión con el mundo liberal, los vicios, el exilio, la disciplina, la modestia, el amor y la soledad son los temas existencialistas que se exploran, en aquellas hermosas imágenes plásticas llenas de grises.

En Ida, las extrañas de la identidad individual pueden ser removidas en cualquier momento, la novicia Anna destinada a ser monja, es interceptada por su tía Wanda. Para conocer su pasado judío y saber qué sucedió con sus padres en la invasión nazi a Polonia. Dicho pretexto no es más que una invitación para que Anna experimente las tentaciones de la modernidad: el tabaco, alcohol, el sexo y el jazz. El punto que cambia las cosas no es saber que sus padres fueron asesinados, fue cuando Ida escucha Naima de John Coltrane. Conocer la opción del libertinaje secular no hacen más que reafirmar la fe de Anna.

En Guerra Fría, las raíces de un pueblo se encuentran, en parte, en su floklor, para uno de los caza talentos musicales del partido socialista polaco, la búsqueda del folclor lo hará encontrar su autenticidad en el amor. Con una propuesta totalmente existencial y noir, la película explora las desgarrantes contradicciones que sufre cualquier pareja. Es de elogiar los niveles de calidad de la música del film que nos dejan apreciar las formas más rudimentarias y las más refinadas. Las escenas sublimes, como cuando Zula mira en el espejo a Wiktor y se va diluyendo nítidamente sus intenciones. La breve escena oscura del coito entre ellos después de largos años de distancia. El rito de casarse en la iglesia abandonada. Son expresiones sublimes, capturas del celuloide del amor. La separación de la pajea lo único que hace es afirmar la fe en el amor.

La construcción del universo de Pawlikowski por parte de los actores: Agata Kulesza, Agata Trzebuchowska, Joanna Kulig, y Tomasz Kot es exultante. Cada pareja emprende la lucha oscura de comprenderse a sí mismo y al otro. Cada individualidad de los personajes vive el espejismo de la libertad y su inevitable angustia. Se sabe, que filmar una película en blanco y negro es para evitar a ambigüedades, el mensaje de Pawlikowski es claro: la postmodernidad no es para todos y nos invita a escapar de la inautenticidad. Es claro que el cineasta quiere escapar del trauma de identidad (entre lo alemán y lo ruso) de Polonia, su reconstrucción del periodo de 1938 a 1970 nos entrega un cine catártico para cualquier espectador.

ARMONÍA

La cinta Armonía (הרמוניה, Israel, 2016), es una adaptación de un relato pilar de la tradición judía sobre Abraham, bajo la dirección de Ori Sivan. Es una joya visual hebrea.

Sarah, Abraham y Hagar del siglo XXI. Contextualizados en la dinámica de músicos neuróticos y con muchos paralelismos visuales de las películas Black Swan de Darren Aronofsky y Whiplash de Damien Chazelle. Las representaciones de Sarah (Tali Sharon) Abraham (Alon Aboutboul) y Hagar (Yana Yossef) son melódicas. Cumplen su representación cabalmente. La única carencia, es el envejecimiento físico de los personajes a través de largos años. La primera parte de la película; Tali y Alon logran una irresistible atracción entre ellas. En la segunda parte una tensa rivalidad. Hay un par de diálogos del film que evidencian verdades cíclicas y espirituales. Antigüedad y modernidad. Caos y orden. Todo en el mismo telar de la realidad. La fotografía y el cuidado de los colores y encuadres son en extremo placenteros.

Pero la fortaleza de la película se encuentra en la capacidad de expresión facial de sus actores. No es de extrañarse, el cine de medio oriente, demuestra ser maestro de la expresión facial, han sabido desarrollarlo de manera contundente. Las cintas: El juicio de Viviane Amsalem, de Elkabetz,& Elkabetz y El Cliente de Farhadi son prueba de ello.

Armonía logra su objetivo: trasmitir el fundamentalismo patriarcal del judaísmo de manera perfecta. El cine judío en los tiempos de la ultraderecha sionista, es avenencia.

LAS REGLAS DE TODO

Ingmar Bergman con su narrativa cinematográfica creo una versión del existencialismo, difícil de descifrar en su tiempo y hoy. La película noruega The Rules for Everything (2017) de Kim Hiorthøy, no es más que el existencialismo de Bergman explicado por una niña de una manera concreta y fina.

La trama es abierta por la curiosidad infantil. El mundo y la posmodernidad con su absurdo esencial. Las Reglas del Todo nos muestra a unos personajes: sobrios, secos y entrelazados afrontando la conexión universal de la contingencia. La mitad de ellos presenta una postura tranquila reflexiva. La otra mitad presenta una postura ingenua y alegre.

Fiel a su tradición europea de autor, el film luce secuencias experimentales, el director logra con eficacia una cinta que dialoga con Bergman y con los temas más infructíferos y trabados que produce la conciencia humana sobre su condición: el universo, el mundo, la vida, las reglas, los seres humanos, el amor, la autoayuda, el caos, la muerte y la nada. Natalie Press y Tindra Hillestad Pack engendran su papel perfectamente. Es un film que coordina su guion con sencillas imágenes, y logra trasmitir el significado de las cosas, de los detalles invisibles. Pero considero que el verdadero significado de la película es: desentrañar las reglas que provienen del universo con todas sus particulares pero que en el fondo no son más que caos y contingencia. Dos cosas me quedaron claras al finalizar la película: que amo al cine y que moriré.

LOS ADIOSES

Natalia Beristáin presenta un retrato muy humano sobre la relación de pareja que le toco vivir a Rosario Castellanos y a Ricardo Guerra en su película Los Adioses. Recreando con armonía y exactitud la época, donde el amor romántico patriarcal atrapaba hasta las más agudas mentes. El film contiene un equilibrio y no cae en la tentación de los extremos tan frecuentes en estos días de liberación. La película es una exploración constante de la autonomía y la libertad femenina.

Beristáin y Brenda Lozano comenzaron el argumento, pero la base de la película es la literatura epistolar entre Castellanos y Guerra. Debe destacarse, el excelente guion y el buen manejo de los poemas y ensayos que dirigen a la perfección los cambios de la película.

Respecto a la representación, Tessa Ia tiene el don de la presencia, es decir, sin decir ni hacer mucho. Su rostro trasmite y genera una representación única y atractiva. Es un muy similar a las actuaciones de Ryan Gosling. Pero quien sin duda se muestra impecable, es Karina Gidi cuya representación de Castellanos en su dolor, es sublime. Existen tres tomas en las cuales Gidi se ve idéntica a la escritora.

Le película logra su objetivo por honesta. Con pericia, su ambientación es fiel al tiempo de los autores, pero también resulta muy vigente. Es, sin ambición, una muy buena introducción visual a los textos de Rosario Castellanos. Natalia Beristáin es una maga del lenguaje visual, y una verdadera joya del cine mexicano.

LA REGIÓN SALVAJE DE AMAT ESCALANTE

A Ruth Ramos

La primera vez que vi a Simone Bucio fue cuando ambos éramos estudiantes en la UAM Iztapalapa. Inevitablemente, resultaba notable para todos, con sus zapatos rojos y su mochila transparente. ¿Quién iba a imaginarla en alguna película? Muchos, pero solo Amat Escalante en su última película lo realizo.

En La Región Salvaje (2016). Bucio, con una nula capacidad histriónica, interpreta a Verónica quien simboliza un agente de luz y oscuridad, de reconocimiento y ocultamiento. Ella como dispositivo y guía, nos lleva ante dos pulsiones: Eros y Tánatos en una región sin límites que inclusive acoge lo sobrenatural. Es una grata sorpresa encontrar el talento emergente de Ruth Ramos quien interpreta a Alejandra, la cual encarna a la típica mujer abnegada a su familia, y que busca el placer sexual negado en casa. La dupla de Bucio y Ramos es un perfecto contraste entre personalidad y talento. Es de notar que la película tiene una crítica (muy común en nuestros días) hacia la homosexualidad reprimida del marido de Alejandra. El aludido marido encarna al macho mexicano, que es homosexual en privado pero un heterosexual despiadadamente homófobo en público. No es gratuito, que la película esta captada en Guanajuato, capital del conservadurismo mexicano. Las escenas bastantes crudas del largometraje tienen la intención de golpear la conciencia conservadora del espectador y al mismo tiempo mostrar la relación entre el placer y la muerte.

La propuesta del director ganador de Cannes, es una búsqueda del placer y sus raíces con la venganza. Para esto realizo una metáfora obvia, que lo inserta en una tradición ya de género cinematográfico. Influido por el cine de Lynch, Cronenberg, Haneke y Reygadas y la película con elementos similares a El lugar sin límites (1978) de Ripstein y Borgman (2013) de Alex van Warmerdam. La propuesta es de una calidad tremenda, conformada por elementos precarios que han generado su propio universo. Con maestría y riesgo, alcanza a mostrarnos una región tan complicada de explicar. Escalante se consolida como un autor y un talento necesario para el agónico cine mexicano.

#cine

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