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Vuelos del alma: Adriana Calderón

“¿Una flor caída, volviendo a la rama?

¡Era una mariposa!”

Arakida Moritake

 ¿Quién no ha soñado que abandona el suelo y se alza entre las nubes? El deseo de volar es el dilema cotidiano que sigue sosteniendo la humanidad. En el pasado quedó la invención de deidades para luego construir artefactos que permiten esta hazaña que desafía la naturaleza. Se piensa que el vuelo humano manifiesta el deseo de librarse de la gravedad del cuerpo; nos recuerda que estamos hechos de músculos y huesos, e incluso los recuerdos son algo con lo que debemos cargar. Heidegger llamó a esto el ser para la muerte. Desde nuestro nacimiento somos arrojados desde la cúspide, y crecemos deseando alas para recuperar la altura perdida, evitando así el fin de nuestros días en la tierra. La vida es una caída libre y la conciencia de nuestra propia muerte nos otorga equilibrio espiritual, pero el deseo de volar es un hecho transgresor. Asociamos al cielo con lo superior, lo extracorpóreo, el espacio que sólo era habitado por los seres alados, y quizás eso nos llevó a invadir ese espacio que hasta entonces se pensaba sagrado.

Adriana Calderón alza vuelo con retratos de seres alados, mariposas y ángeles compitiendo por vivir en los cielos, pero a su vez rodeadas de flores, ligadas a la gravedad corpórea. A través de su obra viaja a un mundo propio, donde aligera la aflicción por quienes están ausentes. Calderón es proveniente del estado Zulia y recurre al retrato como expresión plástica desde que habita el territorio falconiano, incorporando figuras que abordaba en su creación cerámica, como volutas, círculos y líneas. Tales figuras están inspiradas en pictogramas de los pueblos originarios del Caribe, remitiendo al espectador a la época del mito sagrado. Además, su obra pictórica se ve influenciada por el fauvismo a través del contraste cromático, sin embargo, hay predominio del dibujo y las figuras presentan contornos que alejan al retrato del naturalismo.

Los personajes que Adriana Calderón ilustra recuerdan a los mortales que habitan las mitologías, llenos de ambición por conquistar la libertad que otorga el vasto horizonte, escapando de todos los males que nos hacen demasiado humanos. Sólo los dioses eran alados y por lo tanto tenían acceso a ese otro mundo, y cualquier humano que intentase elevarse sufría el peor de los castigos. Psique, una mujer mortal con alas de mariposa, viajó al Inframundo por petición de Afrodita, solicitando de Perséfone un poco de la belleza que allí estaba resguardada. La sola mención de ese viaje implica morir, pero escapa del mundo de los muertos con el botín para luego morir nuevamente al intentar robarlo. Eros, ante la muerte de su amada, pide a los dioses su inmortalidad, y le es concedido, por ello los griegos ven en Psique la representación del alma humana. Psique, o Psycho, es el soplo de vida, y una vez que el ser humano consigue la muerte, su alma escapa del cadáver bajo la forma de una mariposa.

La mitología griega influye en la iconografía moderna, y la mariposa pasa a ser símbolo de la muerte alquímica: la transmutación del cuerpo en espíritu bajo el estado de la muerte o el sueño. El Emperador Augusto poseía un emblema en el que aparece un cangrejo y una mariposa; es decir, cáncer y capricornio, como símbolos de la puerta del infierno y del cielo. Esa puerta a las alturas, que nos invita al vuelo, es para los mexicanos un sol negro que atraviesa los mundos subterráneos durante la noche, es así como Adriana Calderón nos invita a comprender la muerte como un misterio y al alma alada como al ser humano libre tras el último soplo.

Jair Gauna Quiroz

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Una expresión por la vida

Cada 19 de octubre se intensifica la lucha contra el cáncer de mama en el mundo, una batalla constante y quizás perenne para miles de personas. Algunas han perdido un amigo en medio del estrago, otras se someten a exámenes e intervenciones médicas acumulando el cansancio bajo sus párpados, mientras que a veces la noticia es inminente y solo queda esperar el crepúsculo. En 2012 hubo 14 millones de casos de cáncer alrededor del mundo y se pronostican 2 millones de casos nuevos para el 2020, sólo en Venezuela mueren 1800 mujeres cada año debido al cáncer de mama y mientras escribo estas palabras, imagino cómo cientos de personas modulan un clamor quebrantado, se refugian entre los brazos del otro y se preparan para afrontar un enemigo que no tiene rostro.

El día mundial contra el cáncer de mama es un llamado a la concienciación, nuestra preocupación por el tema nos ayudará a poner un rostro a nuestros enemigos, y descubrir que uno de los más atroces es la desinformación. Esta enfermedad es diagnosticada de manera tardía, incluso se ignora que los hombres también pueden verse afectados, solo el conocimiento permitiría prevenir resultados trágicos. En el caso del artista que padece o padeció cáncer, un ser humano dotado de una sensibilidad tan brillante, consigue transmutar el dolor en experiencias que dan a la vida un valor real y tangible. La percepción de su mundo pasa a influir el de otros, y por ello este grupo de artistas convergen hoy aquí, rompiendo con la indiferencia y la apatía, imponiendo una postura a favor de la vida humana sin exclusiones.

Mientras la comunidad científica reconoce que aún no sabe por qué una persona padece cáncer mientras otra bajo condiciones similares no lo desarrollaría, los artistas tienen en su paleta el pigmento para dar coraje a quienes se enfrentan a enfermedades largas y penosas. Con un movimiento ágil y expresivo de muñeca, el artista traza un lazo rosado desde la debilidad hacia la superación, exaltando el espíritu de quienes están en pie de lucha e iluminando los nombres de quienes no están con nosotros.

Jair G. Quiroz

Texto extraído de: http://galeriasantarosa.tumblr.com/post/154429993774/una-expresi%C3%B3n-por-la-vida

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Escrita con trazos: basada en “La Peste” de Albert Camus y El Globo Oscuro

Este proyecto fue traído al Instituto de Cultura del estado Falcón por los integrantes de la banda de rock alternativo El Globo Oscuro, quienes lo titularon “La Peste”. La idea inicial consistió en compartir una canción homónima basada en la insigne novela de Albert Camus y acompañar el performance musical con las obras de Angiela Casas, artista novel paraguanera que en un principio había creado cuatro dibujos de tinta sobre papel que ofrecen un interesante acercamiento estético y conceptual donde predomina el temor a la amenaza microscópica.

Sin embargo, sentíamos que una sola aproximación a La Peste de Camus no era suficiente, decidimos abordar la temática desde una mirada polisémica y multiforme. Días antes de la inauguración del proyecto, contábamos con seis artistas visuales que lograron integrarse a través de las obras de Angiela Casas como principal influencia, sumando además a Maylen Sosa – docente de literatura y escritora-, quien creó el texto de presentación a partir de la obra literaria y elementos visualizados en las obras participantes.

Las ratas que invaden la ciudad de Orán, el Doctor Rieux y su escuadrón de socorro, la religión como arma para dominar en momentos amenazadores, el desánimo de las personas afectadas por la peste, la muerte como un hecho masivo y reiterativo. Todos estos elementos intuyen la proximidad con la estética del horror, vinculándonos con aspectos de la naturaleza que están siempre presentes y que a veces se excluyen por considerarse no bellos. Tal como propone Murray Krieger, “la estética puede tener su venganza sobre la ideología al revelar un poder para complicar que es además un poder para quebrantar” y los creadores que conforman la muestra colectiva Escrita con trazos son coautores de las complicaciones que aporta el existencialismo a La Peste.  

Jair Gauna Quiroz

Texto extraído de: http://galeriasantarosa.tumblr.com/post/150454042854/escrita-con-trazos-basada-en-la-peste-de-albert

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Transmutaciones bajo el foco: Cándido Borges

Bajo el foco que transmuta las tonalidades de nuestra realidad a un mundo donde únicamente predominan tonos brillantes en una armonía de colores cálidos y fríos, Cándido Borges nos conmueve con una selección de bodegones y retratos esbozados bajo la influencia del pasado postcubista, donde la deformación se manifiesta a través del esquema piramidal y la organización simétrica de elementos que se yuxtaponen, generando objetos sin sombra y ambientaciones con juegos de profundidad. Así el artista recurre al uso del delineado negro para resaltar contornos, y manifiesta un cromatismo dinámico tomado del paisaje occidental del país, donde ha vivido mayor parte de su vida.

La obra de Cándido Borges se caracteriza por su contenido ontológico y semántico, donde el lenguaje está construido por diversos símbolos que configuran la percepción íntima del autor, siendo así como a través del pincel el pintor desgarra la realidad percibida y ofrece un mundo atemporal, pero a la vez cotidiano. Convirtiendo la vida habitual en algo trascendental, que involucra el abandono de la complejidad y la reiteración.

De tal manera, la lámpara que simula un ojo con pupila, con su foco circular y sus rayos puntiagudos, es la adaptación de un memento mori que Picasso incluyó en Guernica para ilustrar cómo la guerra se desarrollaba bajo una época nublada por el desarrollo tecnológico. Sin embargo, Borges despoja de sarcasmo a este elemento picassiano y lo convierte en un ojo que trasciende la cotidianidad de los bodegones y transmuta la opresión en sus retratos con mujeres, siendo esta la mirada que observa y transforma, aportando dinamismo y color bajo su foco.

La naturaleza muerta -género común de la pintura tradicional- a lo largo de la Historia del Arte ha plasmado los aspectos sociales y políticos del entorno en el que ha sido creada. Sin embargo, Borges desliga al bodegón del nacionalismo y se deja influir enormemente por Cézanne. La huella del artista postimpresionista francés se logra sentir en la obra del pintor falconiano, a través del volumen de esferas, cilindros y conos. Además, el aparente desorden también prevalece para romper con la perfección ilusoria del bodegón barroco.

Borges incluye al género femenino en su obra a través de zapatos de tacón, así como girasoles y calas que conforman la flora favorita de féminas allegadas al artista, e igualmente, a través de retratos donde las mujeres son protagonistas que luchan contra la opresión social. María del Pilar Aumente expresa que “la presencia de las mujeres en las obras de arte realizadas por los artistas se limitaba a la representación de la concepción del universo del varón”. Sin embargo, el pintor parece ser una excepción, ya que promueve una imagen postmoderna del género femenino, donde a través del uso del color y la representación iconográfica nos habla de una mujer despojada de lo mitológico y religioso, siendo de esta manera más humana, recordándonos que la feminidad aún es susceptible a la misoginia y el ostracismo social, que desafortunadamente prevalecen hoy en día.

Asimismo, los zapatos de tacón y la flora en la naturaleza muerta son un recurso que el artista integra para mostrar la huella e influencia que dejaron las mujeres en el entorno familiar, durante su infancia y adolescencia. Mientras que los músicos, con actitud cabizbaja y solitaria, contrario a representar musas, muestran melancolía e invitan a reconocer la contribución universal de las mujeres en las artes. De este modo, Borges manifiesta una preocupación por la violencia de género e ilustra féminas ultrajadas, cuyo dolor desaparece entre colores brillantes, haciéndonos reflexionar sobre la necesidad de un mundo justo e igualitario.

Jair Gauna Quiroz

Texto extraído de: http://galeriasantarosa.tumblr.com/post/145613822639/transmutaciones-bajo-el-foco

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De mujer a mujer: Miriam Mejías

“Yo pinto como me sale pintar, no estoy pensando en cómo me va a quedar la obra… jamás pensé que yo iba a pintar”

Miriam Mejías

“No sé si mis pinturas son o no surrealistas pero de lo que sí estoy segura es que son la expresión más franca de mi ser”

Frida Kahlo

 En estas paredes se expone el homenaje a una mujer que sobrevivió a profundas penas, enfermedades y muerte. A través de la aproximación de la artista falconiana Miriam Mejías, quien nos ofrece reinterpretaciones de obras por Frida Kahlo, se realza el legado e influencia que la artista mexicana ha dejado en la Historia del Arte.

El trazo espontáneo de Mejías omite presentar una Frida histórica, sino una Kahlo retratada como símbolo feminista de orgullo étnico a través de sus cejas pobladas, cabello trenzado y vestimenta aborigen. Por ello, esta exposición conmemora el Mes Internacional de la Mujer, no como género homogéneo, sino como identidad diversa y plural. Bajo este contexto, la pintora falconiana nos traslada a un ídolo latinoamericano, cuya historia y obras continúan enorgulleciendo a miles de mujeres alrededor del mundo.

Kahlo afirmó una vez que “[su] obsesión fue recomenzar de nuevo pintando las cosas tal y como [ella] las veía, con [su] propio ojo y nada más”, es decir, se centró en el mundo sensorial disfrazado tras la percepción propia, por lo que comenzó a ilustrar la naturaleza que le rodeaba a través del arte popular, separándose así del surrealismo que tanto la caracterizaba, sin embargo, esto no supone el abandono de lo simbólico. Entre algunas de las simbologías presentadas por Mejías, está el follaje con espinas, recordándonos que Kahlo venció la muerte numerables veces, ya que bajo la mitología precolombina esta forma de flora representa al renacer que sigue al fallecimiento.

Miriam Mejías se aproxima al lienzo en búsqueda de expresión inagotable, y plasma su cotidianidad intuitivamente, transfiriendo personajes ajenos a su contexto local en un solo paso. La flora falconiana y el cromatismo vivo propio de nuestros horizontes, se hacen presentes en una obra radiante llena de creatividad. “Te guías por tu intuición, lo que tú ves lo plasmas, sin mucho rebuscar qué es lo que vas a hacer, sin mucho planteamiento de lo que va a quedar al final” explica la pintora haciendo referencia a su aproximación personal al arte popular.

Las reinterpretaciones de autorretratos en esta muestra se nos presentan como un juego de múltiples reflejos tras un espejo. Frida Kahlo durante su vida retrató su figura con la intención de brindar una visión personal de sí misma, motivada a celebrar su vida y plasmar su imagen en el tiempo. De esta manera, Miriam Mejías explora la identidad del personaje y nos ofrece un espejo en el que se reflejó Frida una vez, mostrándola llena de expresividad y energía, a su vez magnánima y elegante.

Jair Gauna Quiroz

Extraído de: http://galeriasantarosa.tumblr.com/post/142072676444/de-mujer-a-mujer-homenaje-a-frida-kahlo

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¿Quién es Jair Gauna?

Especialista en Conservación de Arte y Patrimonio

Egresado de la Universidad Nacional Experimental Francisco de Miranda como licenciado en Conservación y Restauración de Bienes Culturales Muebles (2009-2013), actualmente cursa la Maestría en Museología de su Alma Máter.

Curador y conservador

Se desempeñó desde el 2013 como curador y conservador del Departamento de Arte en el Instituto de Cultura del estado Falcón. Participando en las muestras expositivas:

Registro. Colectiva Ciudad Compartida. Incudef. Galería Santa Rosa, septiembre 2013.

Registro. Numo-numento: Rómulo Peña. Incudef. Galería Santa Rosa, septiembre 2013.

Montaje y registro. II Salón Regional de la Muñeca de Trapo Tradicional. Incudef. Museo de Arte Coro, octubre 2013.

Conservación y registro. Colectiva Entrelocos, 6ta ed. Incudef. Galería Santa Rosa, noviembre 2013.

Registro. Rostros del ensamblaje: Mingo Chávez/Pemo Jiménez. Galería Santa Rosa, abril 2014.

Curaduría, museografía y registro. II Expo por la Diversidad Sexual, Aragua. AC Venezuela Igualitaria. Casa de la Cultura Maracay, junio 2014.

Registro. Fragmentos de la feminidad: Ognimod. Incudef. Galería Santa Rosa, julio 2014.

Registro. X Salón de Arte Infantil. Incudef. Teatro Armonía, agosto 2014.

Registro y conservación. I Bienal de Artes Visuales Ciudad de Coro. Incudef. Museo de Arte Coro, septiembre-diciembre 2014.

Registro. Un oficio, cuatro visiones. Incudef. Galería Santa Rosa, noviembre 2014.

Registro. El Festín de la Alegría: Hedín Gutiérrez. Galería Santa Rosa, marzo 2015.

Curaduría, museografía y registro. I Expo por la Diversidad Sexual, Falcón. AC Venezuela Igualitaria. Casa de la Cultura Maracay, julio 2015.

Curaduría y registro. Imagen hecha palabra. Galería Santa Rosa, julio 2015.

Conservación y registro. III Salón de la Muñeca de Trapo Tradicional. Museo de Arte Coro, noviembre 2015.

Curaduría y registro. De mujer a mujer: Miriam Mejías. Galería Santa Rosa, marzo 2016.

Curaduría y registro. Transmutaciones bajo el foco: Cándido Borges. Galería Santa Rosa, mayo 2016.

Conservación y registro. Imaginario e identidad: colección INCUDEF. Ateneo Casta J. Riera, Churuguara, junio 2016.

Curaduría, conservación y registro. Escrita con trazos: basada en La Peste de Albert Camus y El Globo Oscuro. Galería Santa Rosa, agosto 2016. 

Curaduría y registro. Una expresión por la vida. Galería Santa Rosa, octubre 2016.

Conservación y registro. Poética: poesía/collage: César Seco. Galería Santa Rosa, noviembre 2016. 

Curaduría y registro. Vuelos del alma: Adriana Calderón. Galería Santa Rosa, febrero 2017.

Asistente de restaurador

Asistente de restaurador para CORFALTUR en el proyecto del año 2012 que abordó el mobiliario de madera de la colección “Casa de las Ventanas de Hierro”. Esta colección se encuentra en exhibición permanente y es a su vez, evidencia histórica de la transición del colonialismo al modernismo en Venezuela.