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Tras la Tormenta | Hirokazu Kore-eda

Tras la tormenta (2016), una película reciente del maestro japonés Hirokazu Kore-eda, donde nos regala otra historia llena de sensibilidad y sutilezas que sólo los japoneses pueden ejecutar, con un ritmo tranquilo y sereno que se refleja en el ambiente y en los sentimientos de los personajes. 

Creo que uno de los aspectos que se deben de apreciar más de las obras de Kore-eda es la tremenda sensibilidad poética con la que trabaja, él nos puede enseñar una escena completamente cotidiana y común que, filmada a su manera, resulta hermosa y finísima, llena de pequeños poemas en cada expresión, en cada dialogo. Con esta película, Kore-eda nos cuenta la historia sobre un novelista y detective divorciado que, al no dejar ir su pasado, busca juntarse de nuevo con su esposa y su hijo para reanudar la familia que dejó, haciéndolo todo de una manera muy peculiar, digna de un escritor desolado. 

La película es convencional y cotidiana, pero la grandeza de Kore-eda radica en que, gracias a su sensibilidad poética, él puede elevar estas historias a niveles gloriosos de amplia belleza, enseñándonos que es posible hacer de cualquier historia algo hermoso y digno, sin dejar la cotidianidad de lado.

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Titicut Follies | Frederick Wiseman

Frederick Wiseman es considerado como uno de los mejores documentalistas en la historia, trazando el camino de cómo y sobre quién hacer cine documental, siendo el pionero de un estilo fílmico que muchos tratarían de imitar, un estilo que, quizá, no sea el que nos aporta tanto. Una de sus primeras películas, y quizá la más conocida y aclamada, Titicut Follies (1967) muestra la cruel realidad que vivían los pacientes del hospital Bridgewater, en Massachusetts, haciéndolo siguiendo sus rígidas filosofías de cine documental, como no hacer entrevistas y sólo filmar eventos genuinos, no puestas en escena. 

En la película, Wiseman nos muestra sin filtro alguno las condiciones de los pacientes, hay abuso, alimentación forzada, instalaciones paupérrimas y personal poco capacitado. Es fácil ver por qué Wiseman es considerado como un grande, ya que la película tiene una fuerza increíble en las imágenes que pocas veces presencia uno, algo que se vuelve aún más intenso considerando que lo que uno esta viendo es gente enferma que alguna vez vivió eso. Uno podría decir que no hay discurso, que sólo fue a un manicomio y puso la cámara ahí, pero en mi opinión, Wiseman se redime con esta película debido a que fue uno de los primeros en hacerlo así, de igual manera la cinta jugó un papel importante en el tema de la censura en aquel tiempo, abriendo camino para otros realizadores. Uno de los más grandes aciertos de la película es la gran fotografía, la cual vemos componer en el momento, cambiar de cuadro rápidamente, adaptándose a la escena que cambia constantemente, acercándose o alejándose, eligiendo el protagonista por algunos segundos. 

Algo interesante que me ocurrió al ver la película fue pensar lo difícil que era distinguir entre quién estaba loco y quién no, la manera en la que Wiseman nos muestra al personal del hospital  los hace parecer dementes a ellos también y, a ratos, uno piensa que los enfermos realmente están cuerdos. Definitivamente, está es una obra maestra del cine documental que se debería de ver y admirar, pero que quizá ya no se debería de intentar replicar por nuevos cineastas que desean seguir los pasos de Wiseman.

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Ordet | Carl Theodore Dreyer

Ordet (1955), una verdadera obra maestra del cineasta danés Carl Theodore Dreyer que, al verla, resulta difícil discernir aquello que la película hace sentir y pensar a uno, te deja completamente embelesado por su fineza y tremenda sensibilidad, tan sólo recordarlo me hace sentir como si la estuviera viendo, ¡mi piel se eriza! 

Esta es una de pocas películas que verdaderamente me han tocado el alma, realmente me es complicado describir aquello que sentí cuando Dreyer hace milagros en la película. Esta cinta sigue la historia de una familia que vive en una aldea remota, entre enormes pastizales, y explora los conflictos internos que surgen a partir de choques entre los personajes y los conflictos religiosos que crea un hijo “enfermo” que dice ser Jesucristo mismo en carne y hueso. Creo que a mi me fascinó tremendamente esta película por la manera en la que Dreyer juega con esas sutilezas y ambigüedades religiosas, ya que a mi me gustaría filmar así, porque me daban escalofríos cada vez que aparecía Johannes y hablaba, porque durante la secuencia del parto no pude quitar mis ojos de la pantalla, porque al final sentí que yo había presenciado un milagro, lo sentí tan real.

 Lejos de la experiencia personal, la película es tranquila y paciente, manteniendo todas las imágenes estáticas, excepto por algunos paneos que van y vienen, de una manera teatral y “plana”, se podría decir. Cómo me hubiera gustado que Dreyer filmara más en exteriores, porque esas pocas tomas en los pastizales son inmensamente hermosas, uno siente la luz fría, las hierbas secas, el milagro tan vivo. Sin duda alguna, esta película tiene una verdadera alma, un espíritu real, tiene algo que me hace sentir tan sensible y místico, y aunque quizá haya que ser muy paciente con la película, uno se da cuenta al terminarla de ver que ha presenciado algo inigualable y extremadamente religioso (en un muy buen sentido).

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Un Verano con Mónica | Ingmar Bergman

¡Que hermosa debe de ser la llegada del verano en Suecia! ¡Qué hermosa la libertad que promete! Un Verano con Mónica (1953) es, quizá, la película más ligera y agradable del maestro sueco Ingmar Bergman, y con esto uno no debe pensar que la cinta es frívola, no, todo lo contrario. En esta película, Bergman le escribe un poema al verano, a las flores, a la libertad, al amor juvenil que tanto promete, y lo hace de una manera impresionantemente moderna para el año 1953, empezando por el personaje principal, Mónica, quien es una jovencita rebelde, fuerte, dura y libre que no se deja atar por la sociedad ni por un sólo hombre.

 Realmente es sorprendente darse cuenta de la mentalidad social avanzada que tenían los suecos en aquel entonces, y es con esta película que Bergman nos muestra la libertad sexual e ideológica que era común entre los jóvenes. La historia trata sobre un joven trabajador que conoce a una chica bastante abierta con la cual decide abandonar el trabajo e irse a vivir libres entre varias pequeñas islas. Aquí, Bergman, con la ausencia del maestro Nykvyst, logra obtener imágenes preciosas que le dan una sensualidad mágica a la película, sobretodo cuando ambos jóvenes pasan el tiempo bañándose en la costa rocosa, donde el cuerpo desnudo y húmedo de Mónica asemeja un espejismo maravilloso. 

Quizá esta es una de las primeras películas que explora los ideales del amor y la libertad entre una pareja de jóvenes amantes como lo haría después Godard con Pierrot le Fou y Bo Widerberg con Elvira Madigan, y, al igual que en esas películas, Bergman expone la caída de esos ideales con el embarazo con Mónica, quien no soporta más la libertad. Al regresar a la normalidad, los jóvenes ya casados, descubren que la vida es cruda y cruel, donde Mónica comienza a acostarse con otros hombres y presenta una actitud infantil ante las responsabilidades que surgen, como la de criar a un bebé. Sin duda, esta película es mejor si uno la ve de joven, porque puede entender el sentimiento de poder e inmortalidad que genera el pensamiento de la libertad, al igual que los deseos y aspiraciones que se alejan de la realidad al no tomar en cuenta las responsabilidades, y quizá Bergman estaba advirtiendo a la juventud sobre las falsas expectativas, o tal vez sólo estaba retratando el amor joven que es tan fugaz, irreal e imposible, sobretodo durante el verano.

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O Lucky Man! | Lindsay Anderson

El simple viaje de un vendedor de café a través de Inglaterra hecho película, ¿no es así? La gran obra maestra de Lindsay Anderson, O Lucky Man! (1973), es todo menos simple, o quizá eso aparenta. Esta película, a ratos surrealista y teatral, emplea recursos narrativos tan poco usados en el cine que dejan a uno hipnotizado para contarnos la historia de un hombre común cuyo único objetivo es ser exitoso en esta sociedad. 

El personaje principal, Mick Travis, es interpretado a la perfección por Malcolm McDowell, quien dota de tantas facetas y características únicas a Travis, un personaje que a veces es, quizá, demasiado inocente para este cruel mundo pero que otras veces podría parecer incluso soberbio y repugnante en su manera de pensar el éxito. La película brinca, baila, y juega, intercalando la historia con escenas en las que una banda interpreta, en vivo, las canciones de la propia película (que resultan tremendamente agradables a decir verdad), las cuales fueron compuestas por el músico ingles Alan Price. 

Anderson se toma su tiempo con esta película para retratar de manera irónica todo aquello que es glorioso para nuestra frívola sociedad a través de las inesperadas aventuras de Mick, quien va desde la experimentación en humanos y el capitalismo hasta el suicidio y la religión, mostrando al mismo tiempo una sensibilidad ante ciertos temas que pocos cineastas tienen. Al igual que la sensibilidad, Anderson demuestra que es capaz de filmar una historia en la que ningún individuo se salva del juicio, ya sea rico o pobre, y es quizá esto lo que le da a la película un verdadero tono de grandeza, ya que el cineasta entiende los problemas de todos pero nos dice “todos son una mierda”. 

Cerca del final de la película, Anderson también juega con el concepto de meta cine, filmando una recreación del casting para la película y usando la fiesta del final del rodaje para cerrar la película en una nota un poco más de celebración que todo lo anterior. Esta película es una verdadera odisea moderna que nos hace pensar sobre el valor real de muchas cosas que consideramos deseables y sobre la actitud que deberíamos tener ante las barbaridades que se convierten en algo normal dentro de nuestro mundo.

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El Quinto Sello | Zoltán Fábri

¿Cuán desolada y desterrada está la humanidad? Hemos sido abandonados, nos hemos dejado pudrirnos y corrompernos por el mal que invade las calles y los ojos. Es este tipo de pensamiento con el cual uno medita después de ver la gran obra maestra húngara El Quinto Sello (1976), dirigida por el cineasta Zoltán Fábri, quien explora en esta cinta algunas de las caras más obscuras, perturbadoras y aterradoras del espíritu humano, haciéndolo todo, elegantemente, dentro del contexto de una ambientada plática entre extraños durante la Segunda Guerra Mundial en Budapest. 

La película tiene un tono introspectivo y profundamente filosófico que podría parecer muy “teatral” para un publico que no sabe notar las sutilezas cinematográficas que hacen de esta película todo menos teatro, parecida a la manera en la que el gran cineasta sueco, Ingmar Bergman, trabaja sus películas. Fábri ahonda en temas difíciles como la superioridad, la violencia, el individuo y el colectivo e incluso la religión, mostrándonos diversas posturas ideológicas a través de los distintos personajes que discuten escondidos en un bar. Posteriormente en la película, vemos cómo los pensamientos difíciles comienzan a corroer la mente y el alma de todos los personajes de manera distinta, mostrándonos un retrato único de la experiencia humana con las ideas y el pensamiento dentro de una sociedad tan caníbal. Sin duda alguna, toda la tercera parte de la película contiene unos de los momentos más grandiosos e intensos que he visto en una cinta, causando en mí una sensación particular de suspenso, cansancio y desprecio por la raza humana. 

Quizá la secuencia que más me sacudió fue cuando los personajes, ahora prisioneros, se enfrentan contra una macabra prueba de lealtad en la cual deben darle tres golpes a un pobre hombre que cuelga crucificado en el centro de un vestíbulo, fue esta secuencia la cual me hizo pensar profundamente sobre la capacidad que tiene el ser humano y el pensamiento para hacer sufrir a otros de maneras inimaginables. Al acabar la película, y si uno tiene la sensibilidad suficiente, uno termina cansado, agotado, decepcionado y con pocas ganas de enfrentar una realidad, una realidad que es controlada por seres que no logramos alcanzar, por más que lo intentemos. Sin duda, esta película se ha convertido en una de mis favoritas y la recomendaría sólo a aquellos que se que tienen la sensibilidad suficiente como para enfrentarse a las facetas más oscuras de la raza humana.

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Alemania, año cero | Roberto Rossellini

La tercera y última película dentro de esta trilogía es Alemania, año cero, la cual también resultó ser la menos celebrada por varios críticos que habían alabado las dos películas previas a ésta. A diferencia de Roma, ciudad abierta y de Paisà, ésta película no toma lugar en tierras italianas, sino que Rossellini se aventura por explorar la misma miseria latente dentro del Berlin de la posguerra controlado por los Aliados, contándonos la historia de toda una generación a través de un niño alemán que busca sobrevivir a toda costa, sin importar los medios. La película no fue bien recibida entre los críticos debido a su ligero distanciamiento del ethos neorrealista, ya que la mayor parte de las escenas no fueron grabadas en locación y por que se siente un tono mucho más melodramático y menos apegado a la realidad a lo largo de la cinta.

Aunque no deja de ser una gran película que muestra la terrible supervivencia en la posguerra, Alemania, año cero si maneja emociones y situaciones magnificadas que no se considerarían como realistas pero conserva cierta agresividad y crudeza gracias a las imágenes de una ciudad tan devastada como Berlín. Una de las cosas más interesantes que tiene la película son los temas tan arriesgados que explora, siendo uno de ellos la pedofilia, la cual se sugiere sutilmente con uno de los personajes que pretende ayudar al protagonista. Esta pedofilia que señala Rossellini resulta aún más perversa dentro del contexto de una sociedad que fue desecha por su propia gente, exhibiendo la decadencia pura y el tejido social que lentamente se pudre debido a la incapacidad de sobrevivir. La manera en la que Rossellini filma estos atributos pedofilos es simple y sutilmente perfecta, ya que lo hace sin magnificar tanto el problema, enseñándonoslo casi desde el punto de vista inocente de un niño, haciendo que, al darnos cuenta, resulte todavía más inquietante. Rossellini nos muestra el desmoronamiento de la sociedad a través de un cambio de roles dentro de los personajes, ya que es Edmund, el niño, y su hermana los que proveen para su familia y quienes muestran una mayor voluntad por luchar contra las adversidades, mientras que el padre y el hermano mayor permanecen en casa, reflejando la caída de la autoridad alemana nazi. Otro tema interesante que explora la película es la permanencia de la ideología nazi dentro del pueblo adulto alemán justo en la posguerra, con la cuál debe de lidiar Edmund y que termina por incitarlo a cometer el homicidio de su propio padre, siguiendo la idea de su profesor pedófilo de que los débiles debían perecer y dejar vivir sólo a los más fuertes, aún durante la miseria. El hecho de que Edmund acabe por asesinar a su padre me resulta mucho más melodramático en esta película y, por lo tanto, menos realista y más simbólico, tomando en cuenta que el niño representa a toda la generación que heredaría a una Alemania de la posguerra, una generación que debería rechazar y “asesinar” la identidad alemana de antes para poder salir adelante.

Es importante notar la diferencia entre el pueblo alemán y el italiano, específicamente cuando comparamos la manera en la que los adultos de ambos países se comportan y se expresan, ya que en esta película, los personajes adultos carecen de expresividad y, casi, de emoción alguna en comparación con los italianos, quienes dejan que los sentimientos se desborden de ellos. Es interesante también la manera en la que se explora éste limite emocional que tiene Edmund, ya que es algo que va intensificándose hasta que el personaje se rinde ante la miseria, explorando hasta qué punto un niño es capaz de seguir viviendo con inocencia dentro de ambientes tan hostiles. Un ejemplo perfecto de esto y que además resulta fuerte es un toma en la secuencia final de la película, en la que Edmund, caminando entre los escombros de Berlin, se encuentra a un grupo de niños que juegan con una pelota, quienes no lo dejan jugar con ellos y lo rechazan completamente, como sabiendo que él, Edmund, ya no es más un niño, sino alguien que ha sido corrompido por la vida de la posguerra. Esta secuencia del final es, en mi opinión, lo mejor de toda la película, ya que es donde finalmente podemos adentrarnos más en los sentimientos de Edmund, quien acaba de matar a su padre, sin tanto melodrama, siguiéndolo mientras deambula por un edificio destrozado y abandonado, acercándose varias veces al borde y asomándose hacia la ciudad, hacia una vida con la que él ya no puede lidiar, contemplando la muerte con una inocencia desgarradora hasta que, ahogado en tristeza al ver que su hermana lo llama, decide quitarse la vida aventándose desde lo alto del edificio, cayendo como símbolo de una generación destinada a la desgracia en la Alemania de la posguerra.

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Paisà | Roberto Rossellini

La segunda película (en mi opinión la mejor) dentro de esta trilogía es Paisà, en la que Rossellini nos cuenta sobre la liberación de Italia con seis historias diferentes, en la cuales se explora, principalmente, la vida en Italia durante la invasión de los Aliados y la incapacidad de comunicación debido a las barreras de lenguaje, siendo este último un tema fascinante dentro del contexto de guerra. De una manera muy italiana, la película esta conformada por seis episodios, los cuales nos van mostrando poco a poco la liberación de Italia, empezando por el sur en Sicilia, en donde comienza la primera historia que nos muestra las dificultades para establecer una comunicación que tienen los personajes americanos con una joven siciliana. La manera en la que los distintos episodios se van desarrollando sirve como base sobre la cual Rossellini va esculpiendo, no sólo la identidad italiana, sino que también la desgracia colectiva, exponiendo la verdadera realidad de todo el país y abordando de igual manera temas universales. Ademas de los elementos fundamentales que hacen de Paisà una perfecta película neorrealista, Rossellini se apoya en las distintas regiones en las que suceden las historias para explorar una característica especial dentro de la identidad italiana, siendo ésta los distintos dialectos, los cuales enriquecen la naturaleza documental de la película y le dan más sustancia a los personajes dentro de las historias.

Varios episodios también juegan con un tema particularmente interesante que es el choque cultural entre los soldados americanos y la influencia que éstos tienen sobre el pueblo italiano, un conflicto que se magnifica con la incapacidad de poder establecer comunicación, abordado especialmente bien en la historia de amor que pudo ser del tercer episodio. Este problema de comunicación que propone Rossellini a lo largo de toda la película resulta fascinante cuando se ve desde un punto alejado del contexto histórico y con aire simbólico, recordando la historia de la Torre de Babel, en la cual Dios rompió la unidad de la humanos al darles diferentes lenguas, impidiendo así el desarrollo de un poder colectivo. Parece como si Rossellini nos estuviera diciendo que todos los problemas surgen a partir de un malentendido, a partir de una incapacidad de entendimiento de los pensamientos y emociones de los demás, problemas que van desde un desamor hasta algo tan grande como la guerra misma. Este conflicto también refleja la enorme impotencia que sentían tanto los italianos como los americanos ante la tragedia que había causado la guerra, careciendo una conexión para poder expresarse. Nadie se entiende entre si, nadie comprende aquello que ha causado la guerra y nadie parece poder recobrar lo que era antes, todo parece ser un malentendido.

Otra cosa que me parece interesante es que este problema de comunicación se presenta dentro de la película también como una oportunidad para que los personajes expongan lo más íntimo de ellos, aquellos sentimientos e historias resguardados del peligro de la guerra, como ocurre en el segundo episodio cuando el soldado le confiesa al niño italiano, quien claramente no entiende, que no quiere regresar porque la vida en su hogar es igual de miserable que la que vive en Italia. Rossellini traslada este problema de una manera increíble a la espiritualidad en el penúltimo episodio, en donde nos cuenta la historia de tres sacerdotes americanos que llegan a un monasterio católico liberado para hospedarse ahí. De los tres sacerdotes, sólo uno sabe hablar italiano y es él quien acaba por ser el intérprete de los otros dos, pero además es el único de los tres que es católico, siendo otro protestante y otro judío. Esto no sólo resulta simpático, sino que de igual manera profundo, ya que, al enterarse que solo uno de los americanos es católico, los monjes actúan como si fuera el fin del mundo y optan por intentar “salvar” con su fe a los otros dos americanos, comunicándose siempre sólo con el sacerdote católico. Con esto, Rossellini expone y critica la absurda separación y conflicto entre los humanos que causa la diferencia de fe, como si las religiones fueran de igual manera un lenguaje, una manera de establecer comunicación que, al igual que con los idiomas, genera más confusión y roce entre las personas como vemos que le ocurre a los personajes de la historia. Paisà es un gran referente dentro del movimiento neorrealista y una de las mejores obras de Rossellini, siendo una gran influencia para todas las películas posteriores del movimiento, marcando la manera de acercarse a los problemas externos e internos causados por la guerra y explorando al máximo las capacidades narrativas y artísticas del neorrealismo.

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Roma, ciudad abierta | Roberto Rossellini

Roma, ciudad abierta es la película neorrealista por excelencia, la primera dentro de la “Trilogía de guerra” de Rossellini y una que cambiaría la dirección del desarrollo del cine tanto de Italia como del mundo. Se podría decir que el estilo y la forma en la que fue hecha esta revolucionaria película fueron incidentales, ya que después de la Segunda Guerra Mundial había escasos recursos para vivir, y aún menos para filmar, siendo financiada sólo gracias a una anciana adinerada que deseaba ver en pantalla un documental sobre un padre católico que había sido fusilado por ayudar a los partisanos, Don Pietro Morosini. De igual manera, la anciana también quiso que Rossellini filmara otro pequeño documental sobre los niños romanos que habían peleado contra los alemanes, lo que le dio la idea a sus guionistas, Fellini y Amidei, de combinar ambas historias y filmar un largometraje. Durante el desarrollo del guión, ambos escritores sintieron un profundo deseo por hablar sobre la vida del pueblo romano durante la ocupación alemana, ya que se encontraban inmersos en la devastación y la desgracia de la ciudad, queriendo exponer el horror que había causado la guerra sobre la vida en Roma. 

El título de la película Roma, ciudad abierta se refiere exactamente a un termino militar y de guerra, pero yo siento que ademas tiene una carga poética muy importante, como si se quisiera decir que la ciudad está abierta como una llaga, como una profunda herida que tardara tiempo en sanarse, como algo que fue quebrado, abriéndose a la modernidad violenta y cruel con una extrema sensibilidad. El estilo tan crudo y real que logró Rossellini con esta película se debió, principalmente, a que nunca se pudieron conseguir suficientes latas de película en buen estado, pudiendo ser filmada sólo gracias a que un soldado americano comenzó a donarles trozos de película o latas completas que no se usarían por lo dañadas que estaban. Lejos de lo técnico, Rossellini se enfocó en transmitir un sentido de realismo que se había visto muy pocas veces en el cine, filmando en exteriores en medio de una Roma destruida y usando actores no profesionales, con la excepción de Aldo Fabrizi y Anna Magnani. Gracias a este acercamiento con la realidad a través de los actores no profesionales, Rossellini decidió que lo mejor sería improvisar y dejarse llevar por los verdaderos sentimientos que emanaban de la gente, tomando en cuenta sus experiencias trágicas para enriquecer la crudeza y agresividad emocional de la película.

La historia se basa la vida de Don Pietro Morosini, y trata de un padre católico que, durante la ocupación nazi en Italia, apoya al movimiento partisano y protege a dos fugitivos, Manfredi y Francesco. Desde el comienzo de la película se plantea el terror latente dentro del pueblo romano, el cual vive en la miseria y carece de cualquier tipo de normalidad, y se definen dentro de los personajes las figuras principales de Roma: la madre, el hijo, y el Padre. Una de las escenas más memorables es cuando Pina, la madre, corre desesperadamente tras Francesco, a quién arrestan, gritando con todas sus fuerzas, desgarrándose el alma, siendo fusilada de una manera tan seca por un soldado alemán en una secuencia que posee una poderosa naturaleza documental, como si en realidad Rossellini hubiera filmado el fusilamiento de una madre embarazada, con una intensidad emocional difícil de negar. Es en la segunda mitad del film donde Rossellini nos muestra horrores extremadamente interesantes, como lo es toda la secuencia en la que Manfredi es torturado, con el padre Don Pietro detenido en el cuarto adyacente, quien escucha los secos y alargados gritos de dolor, siendo amenazada su fe por los soldados alemanes que intentan arduamente obtener información de ambos. En mi opinión, la secuencia con más fuerza (al igual que en muchas películas neorrealistas) es la final, en donde Don Pietro es fusilado fríamente mientras sus niños del catecismo, dentro de los cuáles esta el hijo de Pina, ven de cerca su muerte para finalmente marcharse devastados, descubriendo una vista de la ciudad de Roma y, a lo lejos, la siempre visible basílica de San Pietro. Esta secuencia es especialmente fuerte ya que Rossellini nos muestra como los niños, la siguiente generación, ven morir a lo único que les queda, a lo único que para ellos representa algún tipo de esperanza, acabando la película en un tono no sólo dramático, sino también terriblemente pesimista, denunciando agresivamente a la guerra y a todo aquello que permitió la desgracia de tanta gente.

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Stalag 17 | Billy Wilder

Stalag 17 (1953) es una película ambientada durante la Segunda Guerra Mundial fuera de lo común, empezando desde que es una gran comedia y no sólo otra película de guerra triste y violenta, no, esta película representa aquel Hollywood que se admira y se puede respetar. Dirigida por el grandísimo Billy Wilder, quien nos dio la obra maestra de Sunset Boulevard, esta película explora el humor en un contexto trágico de una manera cuidadosa y elegante, sin miedo a ser considerada como ofensiva o políticamente incorrecta. Aquí, Wilder nos ofrece una historia cautivante que nos lleva a través de momentos dramáticos intensos y ocurrencias cómicas que aligeran el ambiente, haciéndolo con actuaciones impecables de talentos como Otto Preminger y William Holden, quien interpreta al personaje principal. 

La historia nos cuenta sobre un grupo de pilotos estadounidenses que se encuentran como prisioneros en un campo de guerra nazi, quienes formulan varios planes para escapar y rescatar a otro soldado que será fusilado, hasta que descubren que dentro del grupo hay alguien que quizá no sea tan americano como supone. La mayoría de las situaciones cómicas suceden dentro del cuartel, o el stalag, donde los pilotos buscan maneras de pasar el tiempo, jugando, bebiendo y extrañando mujeres; es aquí donde brilla la excepcional química entre los actores, quienes nos hacen creer que realmente llevan encerrados juntos demasiado tiempo. 

Una de las secuencias más gratas, en mi opinión, es la celebración de Navidad, donde Wilder nos muestra las situaciones más graciosas de la película, como los pilotos ebrios bailando con otro que está vestido de mujer, mientras que, en el fondo, sucede un momento crucial en la historia, se descubre por fin quién es el infiltrado. Tomando en cuenta el contexto de la película, creo que debemos de admirar la valentía y audacia del discurso de Wilder, quien siendo un judío él mismo, se atreve a hacer una película sobre un campo de prisioneros que, a través del humor, denuncia los hechos. Quizá nos hacen falta películas así para darnos cuenta de todo.

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Les Diaboliques | H.G Clouzot

Les Diaboliques (1955) es una estupenda película francesa perteneciente al género de misterio, thriller e incluso del horror, debido a las increíblemente logradas escenas terroríficas al final de la cinta. Dirigida por H.G Clouzot y protagonizada por la famosa actriz francesa Simone Signoret, esta película representa la calidad de factura y la narrativa cuidada de aquellas cintas anteriores a la Nouvelle Vague que directores como Truffaut despreciarían por el simple hecho de ser “viejas”, o como le llamaban, el cine de papá. 

La historia sigue una serie de finísimos enredos con los cuales el público va descubriendo secretos sobre la trama que ni siquiera los personajes saben, manteniendo al espectador siempre asombrado y expectante al borde de su asiento. La trama sigue la historia de dos mujeres que conspiran para matar a un hombre que las une, siendo una de ellas la esposa y la otra la amante, desatando una serie de eventos inquietantes y “paranormales” a partir de que cometen el crimen. 

Uno de los grandes aciertos de la película es, sin duda alguna, la espectacular fotografía, la cual podemos apreciar especialmente en las escenas cercanas al final, donde la poca luz que se desborda de pequeños lugares crea una atmósfera de misterio inigualable, con el rostro de la esposa navegando en completa penumbra, siguiendo los tenues rastros de luz que delimitan el espacio, las puertas, los barandales. Interesantemente, debido al gran éxito que tuvo la película al ser estrenada, la cinta contiene uno de los primeros mensajes anti-spoiler, incitando al público a mantener los secretos que se revelan sobre la trama, ya que la historia contiene varios giros inesperados que continuan asombrando, aún hoy en día.

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El diablo probablemente | Robert Bresson

El diablo probablemente (1977) es la penúltima película del legendario cineasta francés Robert Bresson, y es, probablemente, una de las mejores representaciones del espíritu y el alma adolescente y joven que he visto en pantalla. Con su distintivo ritmo y estilo desapegado, Bresson explora a fondo en esta película todo aquello relacionado con la adolescencia, desde la sexualidad y la política hasta ideales poéticos y el suicidio, haciéndolo con una elocuencia impecable y mostrándonos que es posible indagar en todos los defectos de una persona sin tener juicios moralistas. 

Siendo esta su penúltima película, podemos ver ya desarrollado el lenguaje cinematográfico propio de Bresson, en el cual sólo el sonido dibuja imágenes importantes fuera del cuadro y los propios encuadres cargan una energía particular que guían a nuestros ojos con movimientos finos y controlados. Algo que me ha llamado la atención en particular del estilo de Bresson son sus encuadres picados tan característicos con los que vemos desde la cadera hasta los pies de los personajes, a veces cortando en la rodillas, y supongo que me fascinan debido a lo interesantes e inusuales que parecen. 

Muchas veces, Bresson guía nuestra mirada con estos ojos, llevándonos así a través de las puertas, las manos, los picaportes, mostrando solamente el camino de los personajes de una manera tan disociada pero al mismo tiempo voyeurista que nos hace sentir de una manera extraña. Con esta película Bresson denuncia cualquier tipo de patrón de pensamiento, ya sea el religioso, el político, el científico o el psicológico, al final del día el mundo resulta tan despreciable para un espíritu tan sensible como el de un adolescente que lo único que queda por hacer es contemplar la muerte, ¡el mundo no tiene remedio!

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El Cremador | Juraj Herz

El Cremador (1969) es una película representativa (ahora de culto) del movimiento conocido como la Nueva Ola Checoslovaca, dirigida por el audaz director checo Juraj Herz que explora con un exquisito humor negro temas complicados como la dicotomía del bien y el mal, el Nazismo, la muerte, la superioridad y el budismo. Herz, consciente del tiempo en el que se encontraba, aprovecha para explotar de una manera mucho más sutil el negativo (en comparación a Margaritas de Vera Chytilova), sorprendiendo al espectador desde el inicio con una fascinante secuencia de títulos en la cual aparecen varios fotogramas que se desgarran a la mitad, descubriendo los créditos, cerrándose de nuevo y combinándose con otras en una especie de collage con recortes.

 La película sigue la historia de Karl Kopfrkingl, un cremador y aficionado de la filosofía budista que trabaja dentro de una Europa que está al borde de ser dominada por el régimen Nazi, dónde Praga sufre lentamente las consecuencias de la ideología de la raza superior. Herz ahonda en estas ideologías con un tono de comedia negra mostrando el descenso a la locura de Karl, quien confiando en las ideas sobre el sufrimiento del budismo, siente un llamado espiritual y decide que es el Indicado para llevar a cabo la liberación del sufrimiento de la gente más cercana a él, como su esposa judía y sus hijos.

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Du côté de la côte | Agnés Varda

¡Dios dejó el Edén al sur de Francia! Azul, rojo, amarillo, tonos violentos y exquisitos tan pegados a las pieles resplandecientes de todos los turistas que, embriagados, caminan sin prisa guiados por la brisa al borde del mar…Estas son las deliciosas imágenes que Agnès Varda nos presenta en Du côté de la côte (1958), un cortometraje de encargo que retrata todas las facetas de la Costa Azul francesa, desde las calles y los turistas hasta el mundo antiguo y la añoranza humana por un Edén perdido.

Esta película hace un evidente homenaje a la obra maestra de Jean Vigo A propós de Nice, diferenciándose claramente desde el uso audaz del color que emplea Varda y celebrando de cierta manera la Riviera francesa. Varda complementa las bellas y lúdicas imágenes con dos voces en off que explican y juegan con el espectador, siendo una voz la de un hombre y otra la de una mujer, dejando salir palabras con una monotonía que resulta fascinante e hipnotizante, cada voz agregando algo al discurso de la otra y llegando en momentos a un finísimo tono poético. Una de las virtudes más grandes de esta corta película es la manera en la que se desarrolla, comenzando con un discurso meramente turístico lleno de color, mujeres, arena, humor, e información concreta que se convierte lentamente en una exploración de los rituales antiguos del territorio y del mismo carácter del espíritu humano que se forja cerca de aquel mar, con un lirismo profundo e imágenes llenas de significado y belleza, llegando al final con un tono mucho más universal y quizá fatalista o apocalíptico, regresando siempre al azul. 

El estilo que logra Varda con este cortometraje es tan refrescante y enérgico que cuesta trabajo creer que fue realizado en 1958, sobretodo por la exquisita calidad de imagen y color que forman parte esencial del retrato. Antiguos rostros victoriosos de piedra, jardines extensos y complejos, recuerdos, la gran nostalgia del Edén, Varda retrata una experiencia, uno siente la tibia brisa salada y azul del mar, con flores vibrantes al alcance de la mano, una mano que roza pétalos, cuellos bronceados, telas teñidas con el cielo, y al final uno se pregunta ¿por qué todo el cine no puede ser así?

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El Proceso | Orson Welles

El Proceso (1962) del gran maestro Orson Welles es una de las representaciones visuales y atmosféricas más cercanas a aquel extraño sentimiento que uno identifica al leer cualquier obra de Franz Kafka, en especial el libro homónimo. En esta película, una de las pocas que Welles pudo completar de acuerdo a su propia visión, el magnífico realizador estadounidense explora la paranoia constante y la vívida pesadilla causada por la compleja y absurda burocracia, haciendo un uso espectacular de la puesta en escena, con escenarios eternos y surreales llenos de repetición, patrones y sombras, que emulan la sistematización violenta de la burocracia. El personaje principal, Joseph K., es interpretado a la perfección por Anthony Perkins, quien le da un cuerpo lánguido y endeble al personaje, junto con una voz titubeante e indecisa, con una ligera ambigüedad en la sexualidad que quizá Welles usó como recurso. K., como se le nombra en el libro, despierta una nublada mañana y se entera de que ha sido acusado de algo, ¿de qué cosa?, nunca lo sabrá, ni él ni el público, siendo este el elemento fundamental dentro de la atmósfera kafkiana.

La película se desarrolla entre escenas que acaban por parecer viñetas poco relacionadas debido a la naturaleza absurda y surreal del argumento, llevándonos a través de juzgados gigantes por el taller de un artista rodeado de niñas inquietas, conectando los espacios imposibles de manera espontánea, creando una constante atmósfera de pesadilla que puede llegar a ser desconcertante, especialmente si uno la ve con tan sólo un poco de sueño encima. Miles de escritorios alineados, filas perfectas, sombras de un ritmo preciso, el monótono e hipnotizante himno de las máquinas de escribir, hombres torturados sin razón, mujeres extrañas, todo esto forma parte de la visión de Welles, que cobra vida a través de un trabajo de fotografía impecable, en el cual seguimos viendo la fascinación de Welles por ángulos poco convencionales, sombras fuertes y ominosas y espacios imponentes dentro de los que divagan los personajes. 

Como el distintivo realizador que es, Welles comienza y termina la película de una manera finísima, con un pequeño relato fatalista sobre un hombre y un guardia, animado a través de la pantalla de agujas, narrando con su voz potente, terminando la cinta con el mismo relato y poniendo su crédito en la pista de audio como lo último que alcanzamos a escuchar, antes de que se enciendan las luces y nos demos cuenta de que nuestra existencia y realidad moderna es más kafkiana que surreal, ¡qué alivio nos daría si tan sólo fuera surreal!

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El Puente | Bernhard Wicki

El puente (1959) es, quizá, una de las mejores películas sobre la Segunda Guerra Mundial que he visto y, curiosamente, está contada desde el punto de vista de la Alemania Nazi, algo que no sólo resulta interesante, sino también revelador. Esta película, dirigida por el austriaco Bernhard Wicki nos cuenta la historia de un grupo de jóvenes alemanes ingenuos durante los días cercanos al final de la guerra, en donde, debido a la escasez de hombres alemanes, los Nazis comenzaron a reclutar jóvenes de cada vez menor edad. Una de las cosas más interesantes que logré notar al terminar la película es que ésta, a diferencia de las películas de guerra estadounidenses que denuncian solamente al ejercito Nazi, denuncia al acto de guerra en si, denuncia la violencia, la crueldad y la faceta absurda de la humanidad ante este tipo de situaciones.

La historia trata, a grandes rasgos, sobre este grupo de jóvenes alemanes, erróneamente emocionados por ir a la guerra, quienes son reclutados e inmediatamente llevados al combate, siendo asignados la inexistente misión de resguardar un puente ante la amenaza de los Aliados. La película nos hace pensar dos veces sobre nuestro juicio acerca de la guerra, poniendo en duda el nacionalismo y la necesidad de demostrar virilidad, contrastando la actitud de los jóvenes frente a la guerra antes y mientras están en ella, mostrándonos lo verdaderamente vulnerables que son las almas ante la irracionalidad de la guerra. Interesantemente, la película también es una excelente historia de madurez que nos muestra las dificultades por las que pasaban los jóvenes alemanes durante el final de la guerra, en donde tenían que pretender una madurez y masculinidad exacerbada, intentando así hacerse cargo de hogares que carecían de un padre y madurando instantánea y violentamente, con su inocencia desgarrada, al verse cara a cara con la guerra.

Para mí, toda la secuencia durante la cual los jóvenes, para su sorpresa, defienden el puente ante la llegada de varios tanques y soldados norteamericanos es una de las mejores y más emocionantes secuencias que he visto dentro de cualquier película de guerra. La secuencia contiene una tomas espectaculares con cámara en movimiento y un montaje preciso que te inunda la piel de escalofríos y te hacen olvidar el hecho de que, uno como espectador, esta del lado de los Nazis, deseando que éstos sobrevivan, pero quizá uno solo está a favor de la vida, uno está a favor de la inocencia y la vulnerabilidad que representan los jóvenes, quienes, con gran valor mueren por una causa irreal, a tan sólo kilómetros de sus casas, a tan sólo metros de sus madres.

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Días de Santiago | Josué Mendez

El ex-militar como alma perdida, como alma condenada, arquetipo de eterno sufrimiento y mortal rechazo de la sociedad, alma encadenada a memorias de sangre y manos crueles…es sobre esto que trata Días de Santiago (2004), una grandiosa película peruana dirigida por Josué Mendez que nos muestra las adversidades con las que se enfrenta un ex-militar al intentar reintegrarse a una sociedad que había ignorado por tanto tiempo. La película fue filmada con Super 16mm y posteriormente ampliada, siendo este un factor que le da cierta crudeza y agresividad a la imagen, la cual también cambia constantemente entre blanco y negro y color, difuminando los limites entre lo que pasa dentro de la mente de Santiago y lo que ocurre afuera. Yo pienso que la grandeza de esta película yace en el hecho de que fácilmente se puede trasladar la historia a cualquier lugar de Latinoamérica, a esta tierra fértil plagada de discriminación, atemporalidad, pobreza y violencia, logrando que el retrato que hace Mendez se sienta terriblemente cerca y palpable para cualquier espectador de esta región.

Desviándonos un poco de la historia, Mendez retrata de una manera precisa, punzante y cruda la realidad latinoamericana que muchas veces decidimos ignorar y que no es frecuentemente puesta en la pantalla, obligándonos a enfrentarla, poniendo frente a nuestros ojos lo más terrible y detestable de todos como pueblo. Mendez nos recuerda que, justo como Santiago, nosotros somos igual de pasivos ante el conflicto, con unas ganas ardientes de querer cambiar las cosas que al final no llevan a nada, diciéndonos que, quizá, todos somos un poco como Santiago por dentro, el alma condenada, el alma latinoamericana.

La película nos cuenta sobre Santiago, un ex-militar que había luchado dentro de la jungla por años en contra del narcotráfico y terrorismo en Perú quien intenta reincorporarse dentro de una sociedad que, queriéndolo o no, lo rechaza. Santiago pertenece a toda una generación perdida, él y sus “promociones” existieron fuera del tiempo y fuera de la ley, acostumbrados a la emoción de la violencia, al flujo constante de adrenalina, acostumbrados a un ritmo totalmente aislado de la sociedad la cual parece limitarlos, incitarlos a querer hacer más. Mendez sitúa la historia, de manera muy interesante, justo en el cambio de siglo, donde las computadoras y el conocimiento de éstas reinaba ya sobre la sociedad, haciendo aún más complicada la integración de Santiago, retratando esta peculiar forma de discriminación latente dentro de países latinoamericanos, aún hoy en día. 

La película culmina con la perdida de control de Santiago debido a su incapacidad de aceptar el ritmo de la sociedad, una situación común dentro de los ex-combatientes, con una secuencia intensa y estremecedora en la que Mendez nos muestra todos los males latinoamericanos dentro del núcleo familiar, dentro de la propia familia de Santiago. Una escena particular que me detuvo la respiración es cuando Santiago entra a su casa persiguiendo a su hermano y al escuchar un grito abre una puerta con pistola en mano, dejándonos ver el apresurado final de la violación de su hermana por parte de su propio padre.