korzh-i

[korzh-i]

Музыкальное равновесие

ОБРАЗОВАНИЕ

Сколько раз в жизни вы слышали от друзей, знакомых, знакомых знакомых, да и в конце концов сами фразу: «Музыка — не твоё! У тебя нет слуха, поэтому забудь и “вон из музыкальной школы!”»? Вероятнее всего хотя бы раз уж точно слышали. А теперь представим сколько в стране музыкальных школ, сколько в них учится детей, сколько из них достигают чего-то стоящего в музыкальной сфере? Десятки, сотни? Но это в масштабе многих тысяч — это ничто.

В этом заключается один из русских парадоксов: в стране Чайковского, Глинки, Рахманинова и Стравинского качество академического обра��ования уровня музыкальной школы крайне неоднозначно.

Реалии 21-го века прямо-таки кричат нам: «Необходимый минимум знаний и навыков для создания своих первых треков можно освоить и быстрее, и проще, и без владения нотным станом и исполнительским мастерством». И это чистейшая правда!

Ведь при таком количестве легкодоступной информации по этой теме можно и самостоятельно в неё влиться. Конечно, самостоятельно обучение по этой теме может оказаться непростым, так как из тонн разношёрстного материала по музыкальной теории выявить самую суть — тот минимум, который позволит грамотно и запросто использовать эти знания для создания треков — задача серьёзная. Но ведь всегда можно позаниматься с преподавателем или пойти поучиться на курсы, коих сейчас немало.

Но перед этим стоит разобраться, а необходима ли вам лично теория, и нужно ли иметь хороший слух.

К необходимости знать музыкальную теорию можно относиться по-разному. Но факт в следующем: даже если при создании музыки теорию не знать, она (теория) в любом случае будет задействована! Почти каждый звук — это нота. Они звучат вместе, накладываются друг на друга, взаимодействуют друг с другом определённым образом. И все эти действия, а также результат, можно описать рядом терминов.  

Конечно, можно творить интуитивно. Что многие и делают. Если интуиция заведёт автора в нужное русло, то всё хорошо. А если нет, то такая музыка, как правило, не проходит проверку временем. Даже если такой трек будет очень-очень нравится сразу после создания, то уже через месяц может начать раздражать.

Поэтому правило простое: как и во всех видах искусства, в музыке важно знать законы! К пониманию этого приходят даже известные музыканты, например, Стивен Эллисон, более известный как Flying Lotus. На вопрос журналиста Pitchfork о том, когда он начал играть на фортепиано, Стивен ответил следующее: «A year ago. I’ve been messing with it for a long time but I’ve only been taking it seriously for a year. Reading music has opened up me up so much. I’ve been experimenting for so long and trying to make sense of things just from my ears. It takes forever. Now I can get where I want much quicker. / Год назад. Я достаточно долго копался с этими делами. Но всерьёз озадачился ими только вот год назад. Способность понимать свои действия с теоретической точки зрения вывела меня на новый уровень. Долгое время я экспериментировал и опирался только на слух и интуицию. Потом понял, что это может занять целую вечность. А теперь я могу гораздо быстрее добиваться нужного мне результата!»

 (Оригинал статьи: https://pitchfork.com/features/family-matters/flying-lotus-and-his-grandmother-talk-being-in-a-family-bound-by-music/)

 При этом, если увлечься чётким соблюдением всех правил, то результат может оказаться чрезмерно академичным, скучным и мёртвым. Поэтому правило, озвученное выше, нужно дополнить: как и во всех видах искусства, в музыке важно знать законы, а уже потом их нарушать! Но если всё совсем без правил, то это хаос. А вот когда автор найдёт свою «золотую середину» между соблюдением правил и отходом от них, вот тут и произойдёт рождение живого, интересного авторского произведения. Это особенно важно сегодня, когда музыки стало очень много, и очень многие научились её делать. Поэтому на первый план выходит уникальность и самобытность артиста. Если делать «как у всех», это будет максимально не интересно публике.

Ещё один спорный вопрос: а должен ли автор музыки иметь хороший слух? Технический прогресс позволяет очень много делать и без хорошего слуха. Но если у автора в голове родилась условная мелодия, то качественно и быстро переложить её из головы на инструмент (и не имеет значения, какой именно, пусть хоть это интерфейс секвенсора) без слуха будет очень сложно.

Но это не является проводом отчаиваться и опускать руки. Секрет в том, что слух есть у всех! Дело в том, что он может быть плохо развит или вообще не развит в силу тех или иных жизненных обстоятельств. Второй секрет: слух развивается. Для этого нужна практика. Собственно, как и в любом деле. Но при систематических тренировках и должном стремлении его развитие займёт не так уж и много времени.

Так что конечно лучше делать музыку с более-менее развитым слухом — будет ��егче и проще передать авторскую эмоцию и взгляд на вещи. Главное — не бояться критики, не бояться не оправдать чьи-то ожидания.

НЕ БОЙТЕСЬ!

Не оправдать чьи-то ожидания — очень сильный демотиватор 21-го века. Конечно, такие страхи были у людей всегда. Но сегодня, со стремительным развитием технологий (например, в виде социальных сетей), эти страхи масштабировались: страшно сделать что-то неправильно, сделать что-то не так, «как у всех», не по какому-то шаблону, страшно подвергнуться негативной оценке. Проще плыть по течению «со всеми», исполнять программу. В таком мире чистому творчеству сложно существовать. Но искусство — на то и искусство, чтобы всегда быть выше всего этого!

Поэтому ещё раз: главное — не бояться. А пробовать, экспериментировать, делать. Больше. Через количество придёт качество.

Итак, вы побороли страх, поработали над слухом, разобрались в базовой музыкальной теории, освоили инструментарий и усвоили все тонкости и рекомендации. А дальше самое интересное — творческий процесс! Тут можно очень много написать, но хочется обозначить три наиболее важных момента.

1. Музыку лучше писать быстро, на одном дыхании, не сильно углубляясь в технические аспекты. Иначе можно застрять, зарыться и потерять основную эмоцию — то послание, которое пытались донести, находясь в моменте, здесь и сейчас.

2. Музыка плохо работает без визуальной составляющей, без картинки. Поэтому следует уделить внимание работе над образом, который должен являться цельной историей: сценический псевдоним, фотоссессия, обложки релизов, видеоарт для выступлений, видеоклипы (которые совсем не обязательно должны быть высокобюджетными!) и просто нарезки видео, где, например, можно демонстрировать процесс сочинения и записи своего материала. И всю эту цельную историю, конечно, нужно продвигать. Тут мы сталкиваемся с положительным эффектом от развития технологий в виде социальный сетей и прочих площадок для распространения визуального контента. Инстаграм, Ютьюб, БэндКэмп и так далее. Всё это доступно абсолютно всем.

3. Живые выступления — это максимально важно, так как музыкант получает живой отклик от живой аудитории. А это очень мощный мотиватор. Ну и не стоит забывать, что выступления и гастроли в 21-м веке являются основным заработком музыканта.

ПОШУМИМ?

Кстати! Возвращаясь к теме страха быть подвергнутым критике. Да и вообще освобождения от оков «жизни как у всех». Существуют разные методы. Но если мы говорим о музыке, то один из них гарантированно возымеет положительное действие. Это совместное музицирование. Причём формат особого значения не имеет: можно коллективно создавать трек по принципу «один человек — одна инструментальная или вокальная партия», можно устроить джем. А это вообще особая тема. Аналог можно взять даже из древности в виде различных ритуальных танцев с барабанами и прочими приспособлениями для звукоизвлечения. Ну и уже после возникновения джаза, музыканты собирались в кабаках Нового Орлеана и импровизировали без репетиций. В этом деле важны общность, обмен энергией, удовольствие пребывания в моменте. И как итог: эмоциональное раскрытие и творческое развитие.

Ещё во время джема можно подурачится, покривляться, поорать, да в конце концов порвать бумагу или сломать что-то ненужное (ну или как получится). Эдакая психотерапия и эмоциональная разрядка.

Итак, фиксируем последовательность творческих шагов: обучение, трек, треки, EP/альбом, имя, визуальная составляющая, видеоклип, продвижение, выступления, известность, признание, удовлетворение, душевное равновесие, счастье!

Автор: Илья Коржаков, преподаватель Теории Музыки, сооснователь школы Moscow Music Academy и шоукейс-платформы F24:

http://moscowmusicacademy.ru

http://moscowmusicacademy.ru/f24