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Edificio de Ciencias de la Universidad de Columbia, en Nueva York- Rafael Moneo

Teoría Crítica: Reflexión #11

Edificio de Ciencias en la Universidad de Columbia, en Nueva York

   El Edificio de Ciencias en la Universidad de Columbia en Nueva York, diseñado por el renombrado arquitecto Rafael Moneo Vallés en colaboración con Belén Moneo y Jeffrey Brock, es una obra maestra de la arquitectura contemporánea que refleja el enfoque distintivo de Moneo en el diseño arquitectónico. Este edificio, completado en 2011, se destaca por su elegante simplicidad y su adaptación cuidadosa al contexto de su ubicación.

   La simplicidad elegante es otro aspecto característico del estilo de Moneo, y se puede apreciar claramente en el Edificio de Ciencias. La forma del edificio es limpia y pura, sin ornamentos innecesarios. Moneo enfatiza la geometría y la proporción, creando una estética atemporal que trasciende las modas arquitectónicas efímeras. Esta apuesta por la simplicidad permite que la estructura se destaque por sí misma y resalte la belleza de su diseño. Moneo presta una atención especial a los detalles y las proporciones en sus diseños. Los elementos arquitectónicos están cuidadosamente concebidos para crear una armonía visual y una sensación de equilibrio. Los volúmenes, las ventanas y los materiales se combinan de manera cuidadosa y precisa, creando una estética arquitectónica coherente y atractiva.

   Una de las características destacadas de la arquitectura de Moneo es su habilidad para crear edificios que se integran armoniosamente en su entorno. En el caso del Edificio de Ciencias, Moneo ha logrado diseñar una estructura que se adapta a la perfección al paisaje urbano y al contexto histórico de la Universidad de Columbia. El uso de materiales y formas que resuenan con la arquitectura existente en el campus crea una sensación de continuidad y cohesión arquitectónica. Otro aspecto distintivo de la arquitectura de Moneo es su enfoque en la funcionalidad y la experiencia del usuario. El Edificio de Ciencias está diseñado pensando en las necesidades de los estudiantes y profesores, proporcionando espacios luminosos, abiertos y flexibles que fomentan la colaboración y la interacción. La disposición interior se ha cuidado meticulosamente para crear un ambiente propicio para el aprendizaje y la investigación, al tiempo que se promueve una sensación de comunidad y pertenencia.

    En resumen, el Edificio de Ciencias en la Universidad de Columbia es un ejemplo sobresaliente de la arquitectura de Rafael Moneo Vallés, Belén Moneo y Jeffrey Brock. Su diseño arquitectónico se destaca por su integración contextual, su simplicidad elegante, su funcionalidad y su atención meticulosa a los detalles. El edificio es una muestra del talento y la visión de Moneo y su equipo, y representa una contribución significativa al paisaje arquitectónico de la Universidad de Columbia y de la ciudad de Nueva York.

Referencia: 

García-Setién, Diego. “Edificio de Ciencias en la Universidad de Columbia en Nueva York Rafael Moneo Vallés con Belén Moneo y Jeffrey Brock”. Tectónica. https://static1.squarespace.com/static/522d0844e4b09d456b0a2ea6/t/643fcd1f48af5c2085cad1a1/1681902903907/Edificio+de+Ciencias+en+la+Universidad+de+Columbia+en+Nueva+York.pdf

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“The Soft Umbrella”- Frank Gehry

Teoría Crítica: Reflexión #10

Escuela de Administración Weatherhead, Universidad Case Western Reserve en Cleveland, Ohio

     El edificio de la Escuela de Administración Weatherhead, ubicado en la Universidad Case Western Reserve en Cleveland, Ohio, es una obra maestra arquitectónica diseñada por el renombrado arquitecto Frank Gehry. Completado en 2002, este edificio se ha convertido en un ícono tanto para la universidad como para la ciudad. La obra destaca por su enfoque desviado y su capacidad para romper con las convenciones arquitectónicas. Con esta obra Gehry procede a impresionarnos con su habilidad de diseñar en alto desde ideas que parecen ser muy simples y las trae de manera funcional al mundo real impactando cada ciudad que pisa.

    Una de las características más distintivas del edificio Weatherhead es su apariencia escultural y esculpida. Gehry utilizó materiales como el titanio y el vidrio para crear una fachada dinámica y ondulante que evoca una sensación de movimiento y fluidez. Las formas orgánicas y curvilíneas se entrelazan en una sinfonía arquitectónica, creando una estética única y provocativa. Me parece curioso que la idea, concepto o partí surgió de la forma de una servilleta arrugada o un paracaídas caído, del cual Gehry denominó la obra como “The Soft Umbrella”. Luego de generar un diagrama conceptual o “sketch” de esta idea, Gerhy y su equipo lo trasladaron de dibujo a forma digital, a través del uso de “software”, y de ahí partieron a llevarlo a la realidad.

    Además de su apariencia visualmente impactante, el edificio Weatherhead también destaca por su funcionalidad. Gehry diseñó los espacios interiores de manera estratégica para fomentar la colaboración y la interacción entre los estudiantes y el personal de la escuela de administración. Las áreas de reunión y estudio están dispuestas de manera fluida, lo que facilita la comunicación y la creatividad. En el contexto de la Universidad Case Western Reserve, el edificio Weatherhead se destaca como una joya arquitectónica. Su diseño único y provocativo agrega una dimensión distintiva al campus, creando un punto focal visualmente atractivo. Además, el edificio se ha convertido en un símbolo de la excelencia académica y la innovación en el campo de la administración.

    En ende, el edificio Weatherhead de la Escuela de Administración de la Universidad Case Western Reserve es un testimonio del talento de Frank Gehry para desafiar las convenciones arquitectónicas y crear obras maestras distintivas. Su diseño escultural y funcionalidad demuestran su habilidad para fusionar la forma y la función de manera magistral. Además, su enfoque en la sostenibilidad resalta su compromiso con el diseño responsable. El edificio Weatherhead es un hito arquitectónico que ha dejado una marca indeleble en el campus universitario y en la comunidad de Cleveland, representando la audacia y la innovación en la arquitectura contemporánea.

Referencia:

The Soft Umbrella Diagram, Frank O. Gehry, Peter B. Lewis Building, 1997–2002

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"El dibujo, la copia y la invención (¿Nunca fuimos modernos?)"

Teoría Crítica: Reflexión #9

    En la era digital, donde la copia es cada vez más fácil y común, el ensayo "El dibujo, la copia y la invención (¿Nunca fuimos modernos?)" por Luis Rojo de Castro plantea preguntas importantes sobre la creación y la autoría en la arquitectura. Rojo de Castro cuestiona la modernidad, dado a que sin el conocimiento de la historia de la arquitectura no habrían <precedentes> que nos llevaran a la innovación. Por lo tanto, el autor argumenta cómo el arquitecto Rafael Moneo ha integrado la arquitectura pasada al presente. Se da entender con mejor detenimiento que los estilos arquitectónicos son una versión mejorada del anterior.

    En este ensayo, Rojo de Castro argumenta que la copia no solo es inevitable en la arquitectura, sino que también es un elemento esencial para la creación de nuevas formas y estilos. Rojo de Castro utiliza ejemplos históricos y contemporáneos para respaldar su argumento, incluyendo las obras de Rafael Moneo. Moneo es citado como un arquitecto que ha utilizado la copia como una herramienta para la creación de nuevas formas, y no como una imitación de obras antiguas. Sin embargo, Rojo de Castro también señala que Moneo ha sido criticado por algunos sectores de la crítica arquitectónica, especialmente por su aparente rechazo a la experimentación formal y a la ruptura con las formas clásicas. Rojo de Castro defiende que esto no es necesariamente una debilidad en la obra de Moneo, sino que su interés en la tradición y la continuidad le ha llevado a crear edificios que dialogan con su entorno y con la historia de la arquitectura.

    En relación con el Kursaal, Rojo de Castro destaca que este edificio ha sido uno de los más polémicos y debatidos de la obra de Moneo. Algunos críticos lo han acusado de no ser lo suficientemente innovador y de recurrir a soluciones formales que ya habían sido utilizadas en otros edificios de la historia de la arquitectura. Rojo de Castro defiende que, más allá de su apariencia exterior, el Kursaal es un edificio que ha sido diseñado con un gran rigor y una atención meticulosa al detalle. "El Kursaal responde a un nuevo interés aparecido en los noventa: el de una relación con la naturaleza no como modelo de su estructura formal (organicismo), si no como imagen (paisaje) y como sistema predicado en el equilibrio ecológico.” (Rojo de Castro, p. 191). Por lo tanto, en este proyecto se observa un estilo reforzado del anterior y el hecho de que destaca en su contexto no hace que pierda su valor.

Palacio de Congresos/ Auditorio Kursaal, San Sebastián, España

    En conclusión, el ensayo "El dibujo, la copia y la invención ¿Nunca fuimos modernos?" de Luis Rojo de Castro es un trabajo importante que desafía la idea de la originalidad en la arquitectura moderna y demuestra la importancia de la copia como una herramienta creativa. La inclusión de Rafael Moneo como un ejemplo de cómo la copia puede ser utilizada de manera efectiva para crear nuevas obras de arquitectura moderna. Este ensayo plantea preguntas importantes sobre la creación y la autoría en la arquitectura, y es un trabajo importante en la discusión sobre la evolución y el futuro de la arquitectura moderna. De aquí podemos descifrar que la arquitectura y el arte están atado a un recurrente estado de progreso en el tiempo.

Referencia:

Rojo de Castro, Luis. (1961-2016). EL DIBUJO, LA COPIA Y LA INVENCIÓN [¿NUNCA FUIMOS    MODERNOS?]. Edición. Francisco González de Canales. Fundación Arquia. https://static1.squarespace.com/static/522d0844e4b09d456b0a2ea6/t/641ea1f8d47ea3    43a960666c/1679729146141/---consideraciones+sobre+la+obra+de+rafael+moneo-- LUIS+ROJO+DE+CASTRO.pdf

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"A Constructive Madness"

Teoría Crítica: Reflexión #8

Frank Gehry, project sketch of Walt Disney Concert Hall, Los Ángeles, California

    El documental "A Constructive Madness" fue producido en 1991 y escrito por Jeffrey Kipnis. Su objetivo fue capturar el arquitecto Frank Gehry y su equipo en el proceso de diseño desde el papel hacia una computadora hacia la construcción. Es aquí, donde aprendemos cómo el arquitecto Frank Gehry ha dejado su huella en el mundo de la arquitectura. El documental explora el enfoque innovador de Gehry en la arquitectura y su lucha por llevar su visión a la realidad.

    En primer lugar, el documental destaca la importancia de la colaboración en el proceso de diseño y construcción de un edificio. Gehry trabaja en estrecha colaboración con su equipo de ingenieros y contratistas, y también se comunica con los clientes y la comunidad local para asegurarse de que el edificio cumpla con las necesidades y expectativas de todos. En adición, me parece muy interesante el proceso creativo de Gehry, al primero dibujar o pintar sus ideas para generar una serie de curvas creadas por la libertad del arte; por lo cual es comparado con el artista Jackson Pollock. Además, Gehry y su equipo se aseguran de crear la cantidad de maquetas necesarias para obtener la mejor versión de un proyecto, aún despues de ser construido. Esto hace a diseñadores reflexionar de cuan importante es el proceso creativo y a no tener miedo de explorar nuevas alternativas.

    "A Constructive Madness" muestra cómo la arquitectura de Gehry ha desafiado las convenciones y ha contribuido al desarrollo de la arquitectura contemporánea. Su enfoque innovador ha sido fundamental en la evolución de la arquitectura moderna y ha influido en una nueva generación de arquitectos. El trabajo de Gehry ha sido criticado por ser demasiado "llamativo" o "espectacular", pero el documental destaca cómo su trabajo ha sido fundamental en la evolución de la arquitectura moderna y ha influido en una nueva generación de arquitectos. "A Constructive Madness" también ilustra cómo la arquitectura tiene un impacto significativo en la sociedad y en la ciudad en la que se encuentra. La construcción del Walt Disney Concert Hall, por ejemplo, ha transformado el centro de Los Ángeles y se ha convertido en un lugar icónico de la ciudad.

  Walt Disney Concert Hall en Los Ángeles, California

    "A Constructive Madness" es un documental fascinante que nos muestra la importancia de la colaboración en la arquitectura, la innovación en el proceso creativo y el impacto de la arquitectura en la sociedad. Se enmarca el proceso creativo como uno primordial, el uso de dibujos, pinturas, maquetas es necesario para un desarrollo de un proyecto. Este documental nos permite reflexionar sobre cómo la arquitectura puede transformar la ciudad y la vida de las personas, y cómo los arquitectos pueden desafiar las convenciones y crear algo nuevo y emocionante en la arquitectura.

Referencia:

A Constructive Madness (Kipnis, J.) A Constructive Madness wherein Frank Gehry and Peter Lewis spend a fortune and a decade, end up with nothing and change the world. https://vimeo.com/13740773

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Autoría: Dos mundos de Gehry & Moneo

Teoría Crítica: Reflexión #7

    En todas las ramas del arte podemos encontrar el tema de la autoridad como una forma de expresión artística única que diferencia al autor de los demás. Dentro del estilo de la arquitectura moderna, Rafael Moneo diseña siguiendo las reglas de un método académico que sigue lo tradicional. Mientras que Frank Gehry se distingue por su diseño visceral que enfatiza lo surreal. Por lo tanto, podemos ver sus estilos autoritarios definidos por el uso de materiales, morfología, composición, contexto, entre otros.

    Rafael Moneo es un arquitecto español conocido por su enfoque minimalista y racionalista. Sus obras son reconocidas por su precisión técnica y su simplicidad formal. Sus obras son reconocidas por su estilo académico, pero también por su atención al contexto y la historia de los lugares donde se construyen. En adición, Moneo tiende a crear una composición rítmica, simétrica y ordenada en sus obras que siguen una continuidad dentro de un contexto. El arquitecto ha creado obras originales y significativas, como el Museo Nacional de Arte Romano en Mérida, España, que es reconocido por su capacidad para integrar la arquitectura moderna en un contexto histórico.

Museo Nacional de Arte Romano en Mérida, España

    Frank Gehry, por otro lado, es un arquitecto canadiense-estadounidense conocido por sus diseños innovadores y experimentales. Sus obras son reconocidas por sus formas esculturales y su enfoque experimental. Su enfoque en un diseño visceral se caracteriza por la capacidad de desafiar las convenciones de la arquitectura tradicional. Lo cual logra a través del uso morfológico de curvas orgánicas que resaltan dentro de cualquier contexto; mayormente usa materialidad de aluminio. Un ejemplo sería, primer hotel completado por el arquitecto, el Marqués de Riscal, en Elciego, España; cuya obra atrajo muchos turistas a esta región dado a su espectáculo.

Marqués de Riscal, en Elciego, España

    La autoridad es un estilo de arte que define la expresión del artista, Rafael Moneo y Frank Gehry claramente tienen formas de diseñar muy distintas. Moneo se distingue por su diseño académico, contextualizado y simple. En contraste a Gehry, cuyas obras son reconocidas a simple vista dado a personificación con curvas orgánicas y uso de materiales. Ambos han creado obras innovadoras y significativas que han sido reconocidas internacionalmente.

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Composición y Morfología: Moneo VS Gehry

Teoría Crítica: Reflexión #6

    La composición y morfología de elementos son temas fundamentales en la arquitectura que pueden afectar la percepción y experiencia de una obra. Por un lado, la composición se refiere a la organización de elementos y áreas de un edificio. Por otro lado, la morfología se refiere a la estructura y forma de los elementos que conforman una obra arquitectónica. En este ensayo se analizará la importancia de la composición y morfología de elementos en la arquitectura.

    La composición se refiere a la organización y disposición de los elementos que conforman una obra arquitectónica. Es fundamental para la creación de una obra armoniosa y coherente. Una buena composición puede afectar positivamente la percepción y experiencia de una obra, mientras que una mala composición puede crear una sensación de desorden y confusión. Rafael Moneo sería un buen ejemplo para describir un diseñador comprometido con la composición, como se observa en la Torre de Bankinter, en Madrid. En este edificio de oficinas, Moneo se basó en una retícula simple generadas por ventanales y una materialidad de ladrillo exterior que promocionan una simpleza. La forma y disposición de estas bandas horizontales generan un efecto visual rítmico en la fachada, al mismo tiempo que cumplen con una función práctica.

Torre de Bankinter, Madrid

    La morfología, por otro lado, se refiere a la forma y estructura de los elementos que conforman una obra arquitectónica. La morfología puede afectar significativamente la percepción y experiencia de una obra. Los elementos con formas simples y limpias pueden crear una sensación de orden y armonía, mientras que los elementos con formas complejas pueden crear una sensación de dinamismo y movimiento. Por lo tanto, las obras de Frank Gehry no fallan en impactar al espectador dado a su diseño morfológico de curvas orgánicas y distintivas. Podemos observar su morfología surreal en el edificio Jay Pritzker Pavilion en el Millennium Park de Chicago, en donde Gehry diseñó una estructura de acero curvada y perforada que se extiende sobre el escenario al aire libre.

Jay Pritzker Pavilion, Millennium Park, Chicago

    En conclusión, la composición y morfología son aspectos fundamentales en la arquitectura. La composición se refiere a la organización y disposición de los elementos que conforman una obra arquitectónica. Mientras que la morfología se refiere a la forma y estructura de esos elementos. Ambas son importantes para la creación de una obra arquitectónica coherente y significativa, ya que pueden ser influenciadas por muchos factores, como la función de la obra, el contexto y las preferencias estéticas del arquitecto.

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Derivación VS Desviación: Moneo VS Gehry

   Teoría Crítica: Reflexión #5

   La arquitectura es un campo de la creatividad y la innovación, donde los arquitectos pueden optar por principalmente por dos diferentes enfoques para crear edificios: la derivación y la desviación. La derivación en la arquitectura se refiere al proceso de tomar inspiración de diseños existentes y adaptarlos para adaptarse a un nuevo contexto o propósito. Mientras que la desviación implica tomar un enfoque más experimental e inconvencional para el diseño. Estas formas de diseñar se pueden observar en los arquitectos Rafael Moneo y Frank Gehry.

    Rafael Moneo es conocido por su enfoque en la derivación en su diseño arquitectónico. Ha sido influenciado por la arquitectura clásica y ha utilizado elementos de los estilos históricos para crear edificios modernos que mantienen una sensación de continuidad con la historia. Uno de los ejemplos más conocidos de la obra de Moneo es la ampliación del Museo del Prado en Madrid, donde utilizó elementos neoclásicos para crear un edificio moderno que se integrara perfectamente con el museo existente. Moneo busca una continuidad entre el pasado y el presente, creando edificios que respetan y honran las tradiciones arquitectónicas del pasado, mientras que, al mismo tiempo, añade elementos modernos y contemporáneos.

    Ampliación del Museo del Prado por Moneo en Madrid

   Por otro lado, Frank Gehry es conocido por su enfoque en la desviación en su diseño arquitectónico. Gehry utiliza formas y materiales poco convencionales para crear edificios que desafían las nociones convencionales de la arquitectura. Uno de los ejemplos más conocidos de la obra de Gehry es el Museo Guggenheim en Bilbao, España, donde utilizó formas curvas y metal para crear un edificio escultórico que se ha convertido en un icono de la arquitectura moderna. Gehry se caracteriza por su capacidad para crear edificios con una apariencia única, a menudo descritos como esculturas habitables, que se convierten en un objeto de admiración.

Museo Guggenheim en Bilbao, España

    Por ende, la derivación y la desviación son dos enfoques importantes en la arquitectura, y tanto Rafael Moneo como Frank Gehry han demostrado su habilidad en ambos enfoques. Al comparar sus obras, se puede ver cómo sus enfoques diferentes crean edificios con diferentes sensibilidades y estilos, lo que demuestra la diversidad de posibilidades en la arquitectura. En el caso de Moneo, su enfoque ha sido especialmente exitoso para proyectos que requieren una sensación de continuidad con el pasado, como la ampliación del Museo del Prado. Por otro lado, el enfoque de Gehry ha sido especialmente exitoso para proyectos que requieren una sensación de innovación y sorpresa, como el Museo Guggenheim. En última instancia, la elección de enfoque depende del contexto, el propósito y la visión del arquitecto para el proyecto.

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Frank Gehry: Visceral & Superficies

 Teoría Crítica: Reflexión #4

    El arquitecto canadiense, honorado con el premio Pritzker (1989), Frank Owen Gehry es reconocido por su alto nivel de imaginación en el lado surrealista y moderno de la arquitectura. Su diseño visceral se basa de la implementación de curvas absurdas u orgánicas que llaman la atención de primera vista. Con el uso de forma y contorno en fachadas Gehry tiene el talento y el arte para generar un lenguaje poético en la arquitectura. La combinación de su pasión por el diseño y generación de superficies escultóricas nos trae hacia una arquitectura innovadora. 

    Mediante el uso de geometría retorcida, la arquitectura de Gehry se encamina hacia el surrealismo por medio del diseño visceral. La maleabilidad de materiales en sus fachadas para generar curvas absurdas, es lo que caracteriza el estilo distintivo de Gehry y nos genera ese sentido de un futuro abstracto. Sin embargo, dentro de todo el desorden que suele parecer de sus fachadas existe una organización clara y precisa en sus plantas. Por lo tanto, se puede decir que mientras otros diseñadores modernistas, como Rafael Moneo, generaban proyectos formales de geometría básica por medio de un diseño académico, Frank Gehry construía exhibiciones masivas con un arte poético. Por lo que, Gehry se diferencia de otros por su originalidad en el diseño creativo que es lo visceral.

    Su visión artística requiere contrastar de otros edificios quienes a partir de sus plantas mantenían en un contorno y forma típica de geometria básica. Por lo tanto, la manera en que Gehry innova la forma y el contorno en la arquitectura es a través del uso de curvas; de las cuales aveces toma inspiración por sus pinturas. En ocasiones, hace que la forma de su edificio parezca que esta en un estado de desformación o movimiento; como una especie de animación humorística en la arquitectura. Algunos ejemplos de un sentido de deformación son: la Casa Danzante y el Instituto Lou Ruvo Brain Health, mientras el Neuer Zollhof y el Walt Disney Concert Hall (inspirado por velas de un barco) parecen estar en movimiento.

      Gehry nos recuerda mediante sus obras, que el diseño no siempre tiene que ser algo tomado seriamente, sino puede ser algo muy divertido con el que jugar. Me parece un arquitecto brillante que llevó la modernidad a otro nivel en cuestión de nuevas tecnologías y libertad de expresión en el diseño. Por lo tanto, queda claro que las superficies curveadas y un giro fuera de la normalidad define el estilo artístico de este maestro.

Casa Danzante en Praga, República Checa

      Lou Ruvo Brain Health en Las Vegas, Nevada

Neuer Zollhof, en Düsseldorf, Alemania

Frank Gehry & Walt Disney Concert Hall Model

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“Surfacing”: Forma VS Contorno

Teoría Crítica: Reflexión #3

     Dentro del mundo del diseño ambiental podemos encontrar un sin numero de posibilidades de edificaciones y lo primero que capta la vista es la superficie de estas. Las fachadas arquitectónicas se destacan en esencia por su contorno, el cual vendría siendo el perfil de la huella del edificio. A la vez, por su forma, donde nos referimos a su volumetría. Ambos juegan un papel importante en el desarrollo de la superficie de un edificio; The Philips Pavilion (1958), en Brussels, diseñado por el arquitecto Le Corbusier e ingeniero Iannis Xenakis, es un ejemplo perfecto.

     En el proceso de diseño del Philips Pavilion, cuyo concepto consistía en representar en representar el arte de la música electrónica, Le Corbusier optó por el diseño del contorno en planta y sus interiores. La planta consiste en una composición de curvas muy sutiles y orgánicas. El diseño del contorno atribuye a la fluidez del recorrido al tener una entrada y salida continua que aprovecha la acera existente del emplazamiento. Por lo tanto, en base al contorno se determinan puntos claves e importantes para el desarrollo de la forma.

Philips Pavilion: General Floor Plan and Roof

    Por otro lado, Xenakis contribuyó al diseño de la forma del pabellón, donde tomó un giro completamente diferente al de Le Corbusier. Al observar los croquis de Xenakis para este proyecto, notamos que a partir de los puntos vértices del contorno curveado (generado por Le Corbusier) el ingeniero logró extruir trazos rectos con distintas orientaciones y alturas para obtener una composición de intersecciones de superficies variables (curveado versus recto). Además, Xenakis innovó el proyecto al proponer trabajar la estructura de esta fachada con paneles de concreto prefabricado para alcanzar paredes curveadas con materiales no curveados. (Alvarado y Muñoz 2012).

Croquis N°11. I. Xenakis: First version of the structural concept.

2° Project. I. Xenakis: Second version of the structural concept.

    Al aprender sobre el contorno y la forma en la arquitectura podemos encaminarnos a un desarrollo mas progresivo en el diseño de las fachadas. El contorno suele delimitar la huella y fluidez espacial del edificio. Mientras tanto la forma expresa su volumetría, jerarquía y estructura estipulada. Por ende, la forma depende del contorno y vise versa; juntas determinan la superficie característica de un edificio.

Referencias:

[1] Alvarado, Rodrigo Garcia, and Jaime Jofre Muñoz. “The Control of Shape: Origins of Parametric Design in Architecture in Xenakis, Gehry and Grimshaw.” Metu Journal of the Faculty of Architecture 29. 2012. p 109–111. 

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Diseño Académico VS Diseño Visceral en la Arquitectura

 Teoría Crítica: Reflexión #2

    Dentro del mundo de las artes existe dos maneras de pensar a la hora de diseñar: el académico y el visceral. Como podrías imaginar, el diseño académico se basa en la limitación del conocimiento aprendido en la academia, por lo cual a la hora de ponerlo en práctica no se lleva más allá de lo estudiado; suele caer en un ciclo de reinterpretaciones en donde no se encuentra un avance diferente a lo previsto. En contraste, el diseño visceral trata de ejercer tus propias reglas en el arte y se expresa con una creatividad basada en sentimientos que podrían parecer irracionales; es aquí donde se experimenta la curiosidad y diversidad de posibilidades surrealistas. En la arquitectura podemos encontrar dos edificios ejemplares que describen cada método: el Fabrikstrasse Laboratories 14 por Rafael Moneo (académico) y el Fabrikstrasse 15 por Frank Gehry (visceral); coincidentemente ubicados uno frente al otro en el recinto Novartis en Basel, Suiza.

     Rafael Moneo es un arquitecto que se destaca por su conformación con lo académico y tradicional; lo que lleva a que sus obras no resalten dentro de un contexto dado a su uniformidad. Con el edificio Fabrikstrasse Laboratories 14 (2008) podemos observar precisamente cómo la estructura casi desaparece en el “background” de la ciudad, por lo cual como resultado de su simpleza ayuda a que el edificio de Gehry resalte aún más. El diseño consiste de una planta rectangular simétrica, cuyo centro es ocupado por espacios de laboratorios lo que genera una circulación continua que rodea los mismos. Las fachadas están compuestas de ventanales de vidrio (“curtain wall”) que estratégicamente permiten la entrada de los natural a partir de estos pasillos, en sí beneficiando el ambiente en los espacios interiores. Por lo tanto, el diseño académico de Moneo benefició la funcionalidad del edificio en cuanto a su uso, pero carece de sobresalir en cuanto a su fachada.

Fabrikstrasse Laboratories 14, Basel Suiza

     Por otro lado, podríamos decir que el arquitecto Frank Gehry se burla de la arquitectura tradicional, dado a que sus diseños resaltan de manera visceral al retirarse de la norma y entrar en el mundo surrealista, donde lo imposible suele ser posible. Para Gehry, es común crear el edificio protagonista dentro de una ciudad a través de curvas predominantes que forran una estructura; es evidente que el edificio de educación e investigación, Fabrikstrasse 15 (2009), se destaca de manera impresionante en lo que es la zona del recinto Novartis. Al igual que Moneo, Gehry envuelve la estructura de una fachada de vidrio que permite la entrada de iluminación natural en espacios donde es necesario, pero en este caso el “curtain wall” es curveado. Las curvas generadas por la fachada parecen definir los espacios interiores, lo que crea una planta asimétrica y orgánica. Por lo tanto, el diseño visceral de Gehry permite que sus obras sean reconocidas al instante dado a su atrevimiento a lo diferente; cabe mencionar que al igual que Moneo su diseño espacial sigue siendo funcional solo que es presentado de una manera más artística u original.

Fabrikstrasse 15, Basel Suiza  

     Por lo tanto, podemos decir que el diseño académico suele describir lo tradicional que se ha utilizado de generación en generación, y en contraste, el diseño visceral consiste en diseñar de una manera distinta a lo previamente visto. El edificio Fabrikstrasse Laboratories 14 por el arquitecto Rafael Moneo es el ejemplo ideal para describir la arquitectura académica dado a su conformidad con la simpleza que destaca la modernidad. En diferencia a la estructura Fabrikstrasse 15, diseñado por Frank Gehry, el cual representa la arquitectura visceral dado a su acercamiento único y atrevido. Por ende, ambos métodos de diseño son efectivos, pero personalmente me llama más la atención el diseño visceral dado a que nos brinda una vista a una arquitectura que parece ser fuera de este mundo ordinal.

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Rafael Moneo VS Frank Gehry

Teoría Crítica: Reflexión #1

     La arquitectura moderna ha pasado por las manos de grandes maestros a través del siglo XX para llegar a lo que es hoy día. Uno de ellos lo fue Rafael Moneo, quien se caracterizó por su madurez y estilo ordenado a la hora de diseñar. Por otro lado, tenemos a Frank Gehry, quien resaltó en la arquitectura con su juego de curvas absurdas. Sin embargo, a pesar de sus diferentes estilos, ambos aportan al avance de la modernidad tomando grandes retos en la arquitectura.

      El arquitecto español, José Rafael Moneo Vallés (1937), aporta mucho en la modernidad dado a su demostración de alto nivel de simplicidad y funcionalidad, tanto así que logró ser el primer español en recibir el premio Pritzker (1996), también conocido como el “Nobel de Arquitectura”. Una de sus obras más famosas ha sido el El Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal, un complejo arquitectónico constituido de un gran auditorio, una gran sala de cámara, salas polivalentes y salas de exposiciones proyectado por el mismo Moneo, en San Sebastián, España. El diseño de esta se distingue por su fachada cubierta por un muro cortina hecho de vidrio laminado curvado con una estructura de aluminio; que por la noche se convierten en cajas de luz. Esta estructura de la pared contiene doble láminas de vidro, lizo en el interior y curveado en el exterior, lo que aumenta el aislamiento de sonido y mejora la acústica en su interior. Por lo tanto, este proyecto es el perfecto ejemplo de la expresión de modernismo a través de nuevas tecnologías que aportan a la estética sin perder la funcionalidad de un edificio.

     A diferencia de Moneo, el arquitecto canadiense, Frank Owen Gehry (1929), se destaca por su alto nivel de imaginación en el lado surrealista de la arquitectura; el mismo también logró obtener el famoso premio Pritzker en 1989. El brillante maestro, con un estilo de atrevimiento parecido al de Antonio Gaudí, demuestra sus habilidades por medio de la implementación de curvas absurdas, abstractas y únicas que llaman la atención a primera vista. También localizado en España, el Museo Guggenheim en Bilbao, es uno de sus edificios en donde las curvas predominan no solo en su fachada sino también en su interior. Si nos ponemos a observar las plantas de este edificio nos daremos cuenta de que dentro del desorden existe un orden, ya que consiste de dos rectángulos orientados en dirección al borde de la ría del Nervión en Bilbao y una serie de curvas que se repiten con fluidez a través del plano. Por lo tanto, se puede decir que este proyecto es solo un ejemplo de lo ingenioso que es este Frank Gehry.

     En conclusión, la arquitectura es un arte que evoluciona cada día y cada arquitecto es responsable de demostrar sus capacidades por medio de la creatividad y funcionalidad de su diseño. Rafael Moneo es un esplendor arquitecto conforme con la simplicidad y elegancia de la modernidad; en el caso de su edificio Kursaal lo logra utilizando muros de cortinas. Por otro lado, Frank Gehry es un arquitecto revolucionario en el aspecto del surrealismo, el cual se ve claramente aplicado en su obra del Museo Guggenheim por medio de la interpretación de curvas altamente llamativas. Por lo tanto, ambos arquitectos se merecen todos sus premios y reconocimientos, ya que sus obras dieron un giro a la innovación en la modernidad del siglo XX. En mi opinión, me interesa más el trabajo de Frank Gehry dado a que es un arquitecto que no le teme a tomar riesgos a la hora de diseñar mayormente con curvas y siempre logra adquirir un orden dentro de lo que parece ser desorden.

Rafael Moneo

Frank Gehry

El Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal en San Sebastián, España

Museo Guggenheim en Bilbao, España

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A Pattern Language

Reflexión #16

      A Pattern Language, por Christopher Alexander y la colaboración de Sara Ishikawa and Murray Silverstein with Max Jacobson, Ingrid Fiksdahl- King and Shlomo Angel, es un libro en forma de manual que compone de 250 patrones que se encuentran en el mundo de la arquitectura. La estructura del libro está organizada en forma de macro a micro, lo que significa que comienza desde algo tan grande como una ciudad hasta algo tan pequeño como la selección de colores para una estructura. En donde cada patrón presenta un problema y una solución en el que cada concepto macro tiene su contra parte micro y viceversa; componiendo un lenguaje universal. Por lo que, el libro está diseñado como una guía para que cualquier persona pueda ser su propio arquitecto.

     La ideología de los autores de este libro es basada en que, si sus reglas fueran seguidas por todos, el mundo estaría en paz. No creen en otras maneras de ver la arquitectura, ni en que la mejor arquitectura es denominada como arte, sino en algo que le da soporte a la vida. Por ejemplo, una frase muy común en este libro es: “Los edificios siempre deben ser construidos en la peor parte de la ciudad, no en la mejor.” Por ende, la meta de los autores es reparar el mundo y hacerlo ideal, tan utópico que no existan ni pobres ni ricos, solo clase media-baja y alta. Las reglas de este manual también influyen en diferentes referencias, tales como: psicología, antropología, historia, literatura, sociología y religión.

     Por otro lado, Christopher Alexander nos comenta que una población sobre concentrada en espacio impone una carga masiva en la región general del ecosistema. Por lo que Alexander propone extender y limitar la cantidad poblacional equitativamente sobre una región para minimizar el impacto ambiental, en sí creando zonas verdes que funcionan para áreas urbanas y/o agricultura de modo en que se desarrolle una ciudad autosuficiente (Alexander 1977, pág.19). Los autores nos dan opciones a diferentes necesidades en satisfacer al diseñar en público-privado y casual-formal. Christopher Alexander, nos da un ejemplo que va de micro a macro cuando dice “a good house supports both kinds of experiences: the intimacy of private haven and our participants with the public world.” Por lo tanto, es sumamente importante educar a la sociedad a conectarse más con la naturaleza, ya que si trabajamos en contra de ella quienes perdemos somos nosotros.

     En su crítica sobre tal libro, William Saunder nos propone la siguiente pregunta: ¿cómo debemos de responder a la utopía, como Alexander, a principios del siglo XXI? Su respuesta es, a través del nuevo urbanismo. Un error común que nos enseñan a los estudiantes de arquitectura es el hecho de diseñar por placer visual, el decorar una ciudad y no cambiarla. Por lo que, como arquitectos tenemos que normalizar el reparar una ciudad y desarrollarla a su máxima potencial. El libro “A Pattern Languange” la guía perfecta para diseñar el ambiente de manera en que favorezca ciertas cualidades personales y sociales en la vida cotidiana; por lo que debería ser asignado en más universidades como Harvard Design School.

Referencias

[1]  Saunders, William. Reviewed by William S. Saunders A Pattern Language, New York: Oxford University Press, 1977, arch3711.files.wordpress.com/2015/09/saunderswmsbookreviewapatternlanguage2002.pdf.

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Análisis: Casa Eames

Reflexión #15

      La casa Eames, representa el diseño de lo debe de responder las residencias de hoy día respecto a la modernidad. Su diseño surge a base de las necesidades de tecnologías que se desarrollaron durante la Segunda Guerra Mundial. El mismo responde no solo a la implementación de nuevos usos de materiales sino también a la integración de la naturaleza en el espacio público/privado. Por lo que, la casa funcionó como precedente para seguir en la innovación del modernismo.

     Situada en una colina en 203 North Chautauqua Boulevard en la zona de Pacific Palisades de Los Ángeles, California, la casa Eames comenzó su trayecto en 1945. Los arquitectos Charles y Ray Eames, diseñaron esta casa para el Programa Case Study House, publicado en la Revista de Artes y Arquitectura de los Ángeles, con el fin de traer nuevas tecnologías y uso de materiales luego de la Segunda Guerra Mundial. La razón por la cual esta casa resultó ser tan innovadora fue por la implementación de materiales prefabricados, con el fin de facilitar y avanzar el proceso de construcción y, a la vez, aportar al modernismo de la época. El matrimonio de arquitectos quedo tan encantado con la casa que decidieron residirla. Gracias a sus nuevas tecnologías, la casa Eames quedo como modelo para futuros arquitectos seguir.

      El diseño de una casa debe de responder a las necesidades de un usuario. La casa Eames fue diseñada con la intención de intervenir en un espacio invadiendo lo mínimo posible en su entorno, lo que significa que ningún árbol fue talado en su construcción y se aprovecharon las vistas hacia el océano Pacífico. La misma se divide en dos volúmenes rectangulares, el primero responde a el programa residencial y el próximo a un estudio-talle, en medio de ambos nos encontramos con un patio abierto. Por otro lado, la piel de la casa consiste en un muro de cortina de cristal con marcos de acero que sostienen diferentes paneles de colores sólidos y transparentes con la intención de a crear un efecto de luz cambiante en el interior de la casa durante las horas del día. Por lo tanto, es evidente que el diseño de esta casa responde a lo que se debe ver en la modernidad; simplicidad, uso de tecnologías eficaces y conexión con la naturaleza sin alterarla.

     Definitivamente, la casa Eames aportó al modernismo en su principio con un diseño tan simple pero tan necesario. El uso de materiales prefabricados dio resultado al avance en construcción y aportó al nuevo estilo contemporáneo en los 1900. Por otro lado, la integración de un patio en su centro nos dio a responder a la necesidad de la cónyuge con el ambiente. Según Christopher Alexander, en su libro A Pattern Language, “A good house supports both kinds of experiences: the intimacy of private haven and our participants with the public world.” Lo que significa que la casa Eames responde a, lo que debería de responder todas las residencias de hoy día, una “la intimidad del refugio privado y la participación con el mundo público”.

Referencia:

1 Perez, Adelyn. “Clásicos de Arquitectura: Casa Eames / Charles y Ray Eames” Recuperado de: https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/623323/clasicos-de-arquitectura-casa-eames-charles-y-ray-eames

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Conferencia Felipe Correa

 Reflexión #14

    Felipe Correa es un arquitecto que ejerce en conjunto a Somatic Collaborative, estos son un grupo de profesionales del campo que se unieron para resolver problemas del urbanismo y buscar soluciones viables para sus clientes y para la sociedad. En su conferencia, transmitida por Facebook live, el arquitecto nos la importancia de la comunicación del ingeniero, arquitecto y paisajista. También, sobre los problemas de las malas planificaciones urbanísticas en Sao Paulo, las cuáles podríamos decir que se aplican a Puerto Rico. Por lo que, dicha conferencia nos hace reconocer la importancia pensar antes de actuar en el diseño.

   Correa nos da a entender que el problema que surge en Sao Paulo se debe a una falta de estructuración antes de comenzar un proyecto, ya que esta ciudad tiene problemas recurrentes de inundaciones. Usualmente esto se debe a falta de pensamiento crítico de parte de los ingenieros, paisajistas y arquitectos. El ingeniero es el cerebro de la ciudad que se junta con el arquitecto quien es el diseñador del urbanismo y hacen a la par con el paisajista, el encargado de asegurar que el ciudadano lleve esa conexión con la naturaleza. Si estos hubieran compartido un mismo lenguaje tal vez Sao Paulo no tendría estos problemas de desorganización. En fin, la importancia de crear una visión en conjunto antes de actuar lleva a una ciudad bien estructurada y definida para la vivienda de las personas.

   En la conferencia del arquitecto se habló de repensar el urbanismo en la ciudad de Sao Paulo, ya que tenía un problema recurrente de inundaciones parecido al de Puerto Rico. Correa nos exhorta a tratar de cambiar la estructuración de una ciudad porque si no se verán las consecuencias como en Sao Paulo y en Puerto Rico. No solo hablamos de las inundaciones, también hablamos de cómo es la estructuración de cada proyecto como el tren urbano, millones de dólares gastados para que sea útil para la zona metropolitana. En el siglo pasado había vías de tren que recorrían toda la isla, pero por no pensar antes de actuar o porque otras fuerzas manipularon las decisiones hoy día se están cobrando las consecuencias.

    Por ende, se puede decir que Somatic Collaborative es un gran aporte hacia búsqueda de resolver los problemas del urbanismo. En la propuesta de Felipe Correa, aparece que la solución del problema de Sao Paulo es simplemente establecer una planificación hacia las inundaciones. Por lo tanto, lo mismo se aplica a los problemas urbanístico que enfrentamos en nuestra isla. En fin, vemos que el clima no es el único es el problema evidente del sino la falta de considerarlo a su máxima potencial los planes de diseñar una ciudad o pueblo.

Referencias

[1]  Felipe Correa. “Conferencia: Building a Culture of Representation” in Facebook Live. Escuela de Arquitectura UPR. https://www.facebook.com /EArquitecturaUPR/videos/736356716978322.

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Rafael Moneo VS Frank Gehry

Teoría Crítica: Reflexión #1

     La arquitectura moderna ha pasado por las manos de grandes maestros a través del siglo XX para llegar a lo que es hoy día. Uno de ellos lo fue Rafael Moneo, quien se caracterizó por su madurez y estilo ordenado a la hora de diseñar. Por otro lado, tenemos a Frank Gehry, quien resaltó en la arquitectura con su juego de curvas absurdas. Sin embargo, a pesar de sus diferentes estilos, ambos aportan al avance de la modernidad tomando grandes retos en la arquitectura.

      El arquitecto español, José Rafael Moneo Vallés (1937), aporta mucho en la modernidad dado a su demostración de alto nivel de simplicidad y funcionalidad, tanto así que logró ser el primer español en recibir el premio Pritzker (1996), también conocido como el “Nobel de Arquitectura”. Una de sus obras más famosas ha sido el El Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal, un complejo arquitectónico constituido de un gran auditorio, una gran sala de cámara, salas polivalentes y salas de exposiciones proyectado por el mismo Moneo, en San Sebastián, España. El diseño de esta se distingue por su fachada cubierta por un muro cortina hecho de vidrio laminado curvado con una estructura de aluminio; que por la noche se convierten en cajas de luz. Esta estructura de la pared contiene doble láminas de vidro, lizo en el interior y curveado en el exterior, lo que aumenta el aislamiento de sonido y mejora la acústica en su interior. Por lo tanto, este proyecto es el perfecto ejemplo de la expresión de modernismo a través de nuevas tecnologías que aportan a la estética sin perder la funcionalidad de un edificio.

     A diferencia de Moneo, el arquitecto canadiense, Frank Owen Gehry (1929), se destaca por su alto nivel de imaginación en el lado surrealista de la arquitectura; el mismo también logró obtener el famoso premio Pritzker en 1989. El brillante maestro, con un estilo de atrevimiento parecido al de Antonio Gaudí, demuestra sus habilidades por medio de la implementación de curvas absurdas, abstractas y únicas que llaman la atención a primera vista. También localizado en España, el Museo Guggenheim en Bilbao, es uno de sus edificios en donde las curvas predominan no solo en su fachada sino también en su interior. Si nos ponemos a observar las plantas de este edificio nos daremos cuenta de que dentro del desorden existe un orden, ya que consiste de dos rectángulos orientados en dirección al borde de la ría del Nervión en Bilbao y una serie de curvas que se repiten con fluidez a través del plano. Por lo tanto, se puede decir que este proyecto es solo un ejemplo de lo ingenioso que es este Frank Gehry.

     En conclusión, la arquitectura es un arte que evoluciona cada día y cada arquitecto es responsable de demostrar sus capacidades por medio de la creatividad y funcionalidad de su diseño. Rafael Moneo es un esplendor arquitecto conforme con la simplicidad y elegancia de la modernidad; en el caso de su edificio Kursaal lo logra utilizando muros de cortinas. Por otro lado, Frank Gehry es un arquitecto revolucionario en el aspecto del surrealismo, el cual se ve claramente aplicado en su obra del Museo Guggenheim por medio de la interpretación de curvas altamente llamativas. Por lo tanto, ambos arquitectos se merecen todos sus premios y reconocimientos, ya que sus obras dieron un giro a la innovación en la modernidad del siglo XX. En mi opinión, me interesa más el trabajo de Frank Gehry dado a que es un arquitecto que no le teme a tomar riesgos a la hora de diseñar mayormente con curvas y siempre logra adquirir un orden dentro de lo que parece ser desorden.

Rafael Moneo

Frank Gehry

El Palacio de Congresos y Auditorio Kursaal en San Sebastián, España

Museo Guggenheim en Bilbao, España

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Frank Gehry: Visceral & Superficies

 Teoría Crítica: Reflexión #4

    El arquitecto canadiense, honorado con el premio Pritzker (1989), Frank Owen Gehry es reconocido por su alto nivel de imaginación en el lado surrealista y moderno de la arquitectura. Su diseño visceral se basa de la implementación de curvas absurdas u orgánicas que llaman la atención de primera vista. Con el uso de forma y contorno en fachadas Gehry tiene el talento y el arte para generar un lenguaje poético en la arquitectura. La combinación de su pasión por el diseño y generación de superficies escultóricas nos trae hacia una arquitectura innovadora. 

    Mediante el uso de geometría retorcida, la arquitectura de Gehry se encamina hacia el surrealismo por medio del diseño visceral. La maleabilidad de materiales en sus fachadas para generar curvas absurdas, es lo que caracteriza el estilo distintivo de Gehry y nos genera ese sentido de un futuro abstracto. Sin embargo, dentro de todo el desorden que suele parecer de sus fachadas existe una organización clara y precisa en sus plantas. Por lo tanto, se puede decir que mientras otros diseñadores modernistas, como Rafael Moneo, generaban proyectos formales de geometría básica por medio de un diseño académico, Frank Gehry construía exhibiciones masivas con un arte poético. Por lo que, Gehry se diferencia de otros por su originalidad en el diseño creativo que es lo visceral.

    Su visión artística requiere contrastar de otros edificios quienes a partir de sus plantas mantenían en un contorno y forma típica de geometria básica. Por lo tanto, la manera en que Gehry innova la forma y el contorno en la arquitectura es a través del uso de curvas; de las cuales aveces toma inspiración por sus pinturas. En ocasiones, hace que la forma de su edificio parezca que esta en un estado de desformación o movimiento; como una especie de animación humorística en la arquitectura. Algunos ejemplos de un sentido de deformación son: la Casa Danzante y el Instituto Lou Ruvo Brain Health, mientras el Neuer Zollhof y el Walt Disney Concert Hall (inspirado por velas de un barco) parecen estar en movimiento.

      Gehry nos recuerda mediante sus obras, que el diseño no siempre tiene que ser algo tomado seriamente, sino puede ser algo muy divertido con el que jugar. Me parece un arquitecto brillante que llevó la modernidad a otro nivel en cuestión de nuevas tecnologías y libertad de expresión en el diseño. Por lo tanto, queda claro que las superficies curveadas y un giro fuera de la normalidad define el estilo artístico de este maestro.

Casa Danzante en Praga, República Checa

      Lou Ruvo Brain Health en Las Vegas, Nevada

Neuer Zollhof, en Düsseldorf, Alemania

Frank Gehry & Walt Disney Concert Hall Model

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The Case of Abstraction: Jackson Pollock

Reflexión #11

    Al igual que en la historia de la arquitectura, el arte evoluciona y cada época se destaca por su propio estilo buscando ser contemporáneo al anterior. En el caso del Expresionismo Abstracto, surgió a principios del siglo XX (1940-1962) en Estados Unidos, América y tuvo su centro en la Escuela de Nueva York. Uno de sus mayores representantes lo fue, el pintor estadounidense, Jackson Pollock con su obra maestra “Blue Poles”. Dicho estilo de arte dio paso a la libertad de pintar con emociones sin darle importancia a la perfección.

    El Expresionismo Abstracto fue influenciado por el surrealismo, en sí dejando atrás el regionalismo del 1930. Este nuevo estilo de arte, por un lado, se caracteriza por el uso de canvas de formato grande cubierto completamente con pintura trazada sin uniformidad y sin sugerir profundidad alguna. Por otro lado, se destaca por la libertad del artista para pintar sus ideas o emociones sin la presión de ser preciso y conforme con la realidad; una libertad de expresión. Sin embargo, el mismo se subdivide en dos técnicas, “pintar con acción” y “pintura de campo de color”. Por el cual el arquitecto Jackson Pollock se destaca por la primera técnica, también conocida como “pintura por goteo”.

    Jackson Pollock (1912-1956), es de los pintores más destacados en el expresionismo por goteo que logra darle un giro abstracto al arte moderno. Con su hermosa pintura, “Blue Poles” (1952), el difunto pintor creó auge en Australia al esta ser comprada en 1.3 millones de dólares por el director en funciones de la Galería Nacional de Australia, James Mollison en 1973; lo que en ese momento era la mayor cantidad jamás pagada por una pintura estadounidense en el mundo. Tal obra, aplica la técnica de “pintura por goteo” que implica colocar el cuadro en el suelo y rosar una brocha cubierta de pintura sobre el canvas sin que la misma lo toque para que la pintura caiga en forma de goteo sobre el cuadro; algo tan sencillo, pero nunca visto en la modernidad. Dicha obra genera un lenguaje de energías que varían en los observadores que lo perciben, puedes percibir emociones de paz o tal vez enojo, ya que no hay narrativa y todo ocurre a la vez (Jerry Saltz, crítico de arte).

    Por ende, la historia del arte ha transcurrido diversos estilos para llegar a este momento en donde el Expresionismo Abstracto es el estilo con más libertad en el arte. La misma se caracteriza por la poca precisión, por no decir ninguna, en el trazo de pintura por goteo. Gracias al maestro, Jackson Pollock, podemos apreciar y disfrutar de algo que no tiene uniformidad alguna. En sí rompiendo con las leyes naturales de profundidad y la reinterpretación del mundo real, Pollock nos encamina a algo surrealista. El arte se puede percibir de muchas maneras, pero este estilo definitivamente lo innovó de una manera en que cualquiera pudiera practicarlo sin “pintarlo mal”.

Referencias

[1]  Centre Pompidou. “Expressionnisme abstrait | Voulez-vous un dessin ? | Centre Pompidou” (26/4/17) Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=i5iRp340e-g

2  National Gallery of Australia. “Jackson Pollock: Blue poles” (18/4/2020) Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=GMgz-p0jjBI