meruri - Tumblr blog

[meruri]

La imagen y la palabra de Magritte

English version below / Version française ci-dessous

Hace relativamente poco, me interesé por la aparición de la escritura en algunos de los lienzos de Magritte. Sabía que, en algún momento dado, el pintor Joan Miró había hecho algo semejante, pero salta a la vista que la concepción de Miró era completamente diferente: utilizaba la escritura como un elemento estético y las palabras le servían, en cierto modo, para prolongar el trazo.

El caso de Magritte es distinto. Si la palabra escrita forma parte integrante del cuadro, también está ahí por su significado. Las palabras que emplea la mayoría de las veces son, por otro lado, palabras comunes que parecen elegidas, como los objetos que retrata en sus lienzos, por su sencillez y nunca por su pintoresquismo.

Los tres términos (el objeto, su nombre y su imagen) han estado durante mucho tiempo presentes a la vez en la mente de Magritte, De su confrontación ha sacado un cierto número de aforismos, como por ejemplo:

Una palabra puede reemplazar a una imagen.

Una imagen puede reemplazar a una palabra.

Un objeto no está tan unido a su nombre que no se pueda encontrar otro que le convenga mejor.

Hay objetos que no necesitan nombre.

Un objeto encuentra su imagen, un objeto encuentra su nombre. Puede ocurrir que la imagen y el nombre de este objeto se encuentren.

A veces, el nombre de un objeto reemplaza a una imagen.

De los cuadros de este tipo, el que tal vez ha llamado más la atención y que, en todo caso, es más célebre, es aquel en el que se veía representada una pipa, una pipa de lo más común, debajo de la cual estaba escrito: Esto no es una pipa.

En efecto, era evidente que no se trataba de una pipa, sino de la representación o imagen de una pipa. ¿Quería Magritte ponernos ante esta evidencia?

La anécdota: un aficionado se encuentra ante un lienzo en el que está representada una vaca. Se vuelve hacia el pintor y le dice: Amigo mío, no entiende usted de vacas. Una vaca no es así. A lo que el pintor responde: Pero si esto no es una vaca, es un cuadro.

¿Es en este sentido en el que había que entender esto no es una pipa? Era una trampa en la que hubiese sido demasiado fácil caer. En realidad, en este cuadro, por un increíble artificio al que han calificado la doble ausencia del objeto, en este caso la pipa; ausencia en la representación, ausencia en el nombre, Magritte nos imponía la presencia de este objeto de una inverosímil.

Lo que nos lleva a constatar que Magritte, en los cuadros en los que ha recurrido a la escritura, reducía la palabra y la imagen a una especie de común denominador y, este no era el lienzo o el cuadro, sino la realidad. Algo que se sitúa más lejos o más cerca del cuadro, pero en lo que ese cuadro está implicado y nosotros también.

Se ha hablado a veces de Magritte como de un pintor literario, entendiendo por ello que su pintura se inspiraba en la literatura y que presentaba por lo tanto un estigma de impureza, ya que la pintura, entiendo, no se alimentaba puramente de pintura. Por mi parte no veo lo que este reproche tendría de malo, y si fuese pintora no me disgustaría en absoluto. Pero desgraciadamente se trata de una técnica poco conocida, sin otro objeto que el de incluir a un determinado pintor en la categoría de aquellos cuyo mensaje está sujeto a cautela. Es descreditarlo de alguna forma. Hay que rechazar esta imputación cuando se refiere a Magritte. No se lo merece.

EN-VERSION

Relatively recently, I became interested in the appearance of writing in some of Magritte's canvases. I knew that, at some point, the painter Joan Miró had done something similar, but Miró’s conception was completely different: he used writing as an aesthetic element and the words served, in a way, to prolong the line.

The case of Magritte is different. If the written word is an integral part of the painting, it is also there for its meaning. The words he uses most of the time are, on the other hand, common words which seem to have been chosen, like the objects he portrays on his canvases, for their simplicity and never for their picturesqueness.

The three terms (the object, its name and its image) have long been present at the same time in Magritte's mind. From their confrontation he has drawn a number of aphorisms, for example:

A word can replace an image.

An image can replace a word.

An object is not so attached to its name that no other name can be found that suits it better.

There are objects that do not need a name.

An object finds its image, an object finds its name. It can happen that the image and the name of this object meet.

Sometimes the name of an object replaces an image.

Among the paintings of this type, the one that has perhaps attracted the most attention, and which, in any case, is the most famous, is the one in which a pipe was depicted, a very ordinary pipe, under which was written: This is not a pipe, and it was obvious that it was not a pipe, but a representation or image of a pipe.

Indeed, it was obvious that it was not a pipe, but the representation or image of a pipe. Did Magritte want to make this obvious?

An anecdote: an amateur comes across a canvas showing a cow. He turns to the painter and says: My friend, you don't know how cows are like. A cow is not that. To which the painter replies: But this is not a cow, it is a painting.

Is this the sense in this is not a pipe? It was a trap into which it would have been all too easy to fall. In fact, in this painting, by an incredible artifice which has been described as the double absence of the object, in this case the pipe; absence in the representation, absence in the name, Magritte imposed on us the presence of this object in an implausible way.

This leads us to see that Magritte, in the paintings in which he used writing, reduced the word and the image to a sort of common denominator, and this was not the canvas or the painting, but reality. Something that is further away or closer to the painting, but in which the painting is involved and so are we.

Magritte has sometimes been spoken of as a literary painter, on the understanding that his painting was inspired by literature and therefore had a stigma of impurity, since painting, as I understand it, was not purely nourished by painting. For my part, I do not see what is wrong with this reproach, and if she were a painter, I would not dislike it at all. But unfortunately, this is a little-known technique, with no other purpose than to include a certain painter in the category of those whose message is subject to caution. It is to discredit him in some way. This imputation must be rejected when it refers to Magritte. He does not deserve it.

FR-VERSION

Relativement récemment, je me suis intéressé à l'apparence de l'écriture dans certaines toiles de Magritte. Je savais que, à un moment donné, le peintre Joan Miró avait fait quelque chose de similaire, mais il est clair que la conception de Miró était complètement différente : il utilisait l'écriture comme un élément esthétique et les mots servaient, en quelque sorte, à prolonger le trait.

Le cas de Magritte est différent. Si l'écrit fait partie intégrante du tableau, il y est aussi pour sa signification. Les mots qu'il utilise la plupart du temps sont, en revanche, des mots communs qui semblent être choisis, comme les objets qu'il représente sur ses toiles, pour leur simplicité et jamais pour leur pittoresque.

Les trois termes (l'objet, son nom et son image) sont depuis longtemps présents en même temps dans l'esprit de Magritte. De leur confrontation, il a tiré un certain nombre d'aphorismes, tels que :

Un mot peut remplacer une image.

Une image peut remplacer un mot.

Un objet n'est pas attaché à son nom au point de ne pas pouvoir trouver un autre nom qui lui convienne mieux.

Il existe des objets qui n'ont pas besoin de nom.

Un objet trouve son image, un objet trouve son nom. Il peut arriver que l'image et le nom de cet objet se rejoignent.

Parfois, le nom d'un objet remplace une image.

Parmi les tableaux de ce type, celui qui a peut-être attiré le plus l'attention et qui, en tout cas, est le plus célèbre, est celui où était représentée une pipe, une pipe des plus communes, sous laquelle était écrit : Ceci n'est pas une pipe.

En effet, il était évident qu'il ne s'agissait pas d'une pipe, mais de la représentation ou de l'image d'une pipe. Magritte voulait-il rendre cette évidence ?

L'anecdote : un amateur tombe sur une toile représentant une vache. Il se tourne vers le peintre et lui dit : "Mon ami, tu ne comprends pas les vaches. Une vache n'est pas comme ça. Ce à quoi le peintre répond : "Mais ce n'est pas une vache, c'est un tableau".

Est-ce dans ce sens qu'il était nécessaire de comprendre que ce n'est pas un tuyau ? C'était un piège dans lequel il aurait été trop facile de tomber. En effet, dans ce tableau, par un incroyable artifice que l'on a appelé la double absence de l'objet, en l'occurrence la pipe ; absence dans la représentation, absence dans le nom, Magritte nous a imposé la présence de cet objet de manière invraisemblable.

Cela nous amène à constater que Magritte, dans les tableaux où il utilise l'écriture, réduit le mot et l'image à une sorte de dénominateur commun, et celui-ci n'est pas la toile ou le tableau, mais la réalité. Quelque chose qui se situe plus loin ou plus près du tableau, mais dans lequel le tableau est impliqué et nous aussi.

On a parfois parlé de Magritte comme d'un peintre littéraire, c'est-à-dire que sa peinture était inspirée par la littérature et avait donc un stigmate d'impureté, puisque la peinture, si j'ai bien compris, ne se nourrissait pas purement de la peinture. Pour ma part, je ne vois pas ce qu'il y aurait de mal à ce reproche, et si elle était peintre, il ne me déplairait pas du tout. Mais il s'agit malheureusement d'une technique peu connue, qui n'a d'autre but que d'inclure un certain peintre dans la catégorie de ceux dont le message est sujet à caution. C'est pour le discréditer d'une certaine manière. Cette imputation doit être rejetée lorsqu'elle se réfère à Magritte. Il ne le mérite pas.

[meruri]

El doloroso acto de creación de Monet

Me encantan las flores. Siempre he querido tener el nombre de una flor. Me apasiona todo lo que crece y cambia su forma con un rayo de sol. A veces, yo también me siento un poco así. 

Me gustan las personas que saben todo lo que hay que saber sobre plantas. Por ende, adoro a Monet, artista impresionista francés que dedicaba su vida a su familia, a embellecer su jardín y a la pintura. Supongo que, al fin y al cabo, la vida es eso. 

Visitar sus cuadros es oler los nenúfares del estanque que él mismo mandó construir para poder reflejar su realidad a través de pinceladas. Entender a Monet es entender el arte. La modificación del objeto a través de la luz y la vida. Es admirar la revolución y el liderazgo. Monet nos dejó un legado amplio, un paraíso de muros rosados en Giverny, una colección de cuadros que inspiran hasta al más adusto, pero, sobre todo, el movimiento artístico que explica lo esencial y lo imposible. El color y la luz, la vida y el sentido. La luz es el blanco, la belleza y la deformidad, el día y la noche, la infinidad y la insignificancia. 

El Impresionismo fue el foco principal de los críticos de arte en aquella época. Calificaban a Monet con pocos cumplidos. Pensaban que la representación pictórica de las impresiones del momento era una pérdida de tiempo. Según ellos, los cuadros debían tener unos trazos precisos y cuidadosamente elaborados. Por aquel entonces, la obra de Monet no gustaba a nadie. Decía la gente que eran chapuzas sin terminar, colores chillones y borrones hechos a desgana. Sin embargo, Monet mostraba indiferencia ante los comentarios malintencionados. No quería mezclar sus colores con el negro. Quería pintar sus lienzos con vistosas y vibrantes pinceladas de color que brillaran y relucieran. Para él, no era solo el agua lo que brillaba. Las hojas también reflejaban el sol. Incluso las ropas o los muros de piedra. Quería explicar al ojo humano a través de la pintura cómo la luz puede modificar el estado de todo. 

De todos modos, lo que más le gustaba al artista era el agua. 

¿De qué color es el agua? ¿Azul? En un determinado momento lo parece, pero en unos instantes parece blanca. O verde. Esos son los pequeños instantes que Monet trataba de captar en sus cuadros. Momentos que se desvanecen en cuestión de segundos, por eso necesitaba tiempo para pintar sus obras. Dio rienda suelta a su gusto por lo decorativo, a su preocupación por la luz, que le lleva a realizar series de pinturas con diferente iluminación según la hora del día y la proyección del sol.  La luz será una revelación en cada momento, producirá sensaciones, colores singulares y diversos. 

Durante toda su vida, Claude Monet trató de pintar la impresión que le producía. Nunca parecía satisfecho con el resultado, pero no dejó de intentarlo. 

[meruri]

Empezamos