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Historia del Cine
Teatro de las sombras: Proviene del continente asiático, se trata de un marionetas a contraluz proyectadas en una tela con el propósito de crear sombras, las cuales serán los sujetos en la narrativa.
Evolución de las sombras: En el siglo XIX, se crear teatritos para niños con figuras mediante las sombras de las manos.
Linterna mágica: Siglo XVIII. Mecanismos de una caja con lentillas donde se coloca una fuente de luz, la cual proyecta en la pared o telón una imagen gravada en un vidrio.
Los juguetes de óptica: El Taumatropo, consiste en un círculo o rectángulo de cartón dibujado por ambas caras y sujetado por los extremos de manera que si se hace girar se crea una tercera imagen. El Zootropo, consiste en dibujos situados en una banda de papel longitudinal, se colocaban en el interior de un tambor de metal con ranuras verticales, dando la sensación de movimiento continuo.
Comienzo del cine: Paris, 28 de diciembre de 1895, los hermanos Lumiere realizaron la primera proyección publica de imágenes en movimiento.
El cinematógrafo: Maquina la cual impresionaba la película, proyectaba la cinta y funcionaba accionando una manivela que arrastraba el filme a 15 imágenes por segundo.
Le France: George Melies pasa a la historia como el creador del cine como espectáculo. Sus historias tienen argumento y es el inventor de los efectos especiales.
La caída de Francia y el sindicato: Se dejan de producir películas en Francia durante la primera guerra mundial, dando oportunidad a estados unidos para convertirse en la hegemonía del cine. Empieza el cine como negocio y se crea “Hollywood”. Emergen estrellas como Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd o Rodolfo Valentino. LA United Artists fue fundada el 5 de febrero de 1919 por cuatro grandes de Hollywood. Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary Pickford y David Wark Grifith, con el motivo de desafiar a las grandes productoras. Grifith después crea el modelo americano de representación de cinematográfica o montaje invisible.
Europa: Europa se caracterizó por su experimentación, reivindicando el cine como arte. Algunos de los carteles eran creados por los artistas plásticos de la época.
El sonido y el color en cine:
Los espectadores podrían entender mejor las historias, por lo tanto, la importancia de los guionistas fue inminente en la industria del cine. Cosa que afectó a los actores extranjeros y obligó a las productoras a adaptarse al registro sonoro.
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Regla de los 180º
La línea imaginaria que atraviesa del set, línea que la cámara jamas debe de cruzar, el eje que marca los 180º donde la cámara podrá libremente grabar. Esta línea otorga sentido de orientación a la obra, declarando qué está de que lado. En ocaciones el eje simplemente no aplica, como en planos secuencia, algunas escenas en exterior, escenas con movimiento del sujeto, o cuando Kubrick quiera incomodar a la audiencia. Hay que tener en cuenta que la regla de 180º es solo una guía y no es totalmente castigado el romper esta regla.
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Movimientos de Cámara
El encuadre es la selección de realidad que realiza el fotógrafo u operador de cámara. Según la situación en que se coloque la cámara, distancia o ángulo de mira.
Movimientos de cámara: PANEO: Giro de la cámara sobre su eje. TILT: Movimiento de la c´mara de abajo hacia arriba o viceversa, sobre su eje. TRAVEL: Desplazamiento del transporte de la cámara horizontalmente en línea recta. TRAVELING: Desplazamiento del transporte de cámara sin dirección definida. DOLLY: La cámara con su transporte se desplaza hacia adelante o hacia atrás en línea recta. PEDESTAL: Es el movimiento al elevar o descender la cámara verticalmente en línea recta. ZOOM: Aunque no es un verdadero movimiento de cámara, es el cambio de distancia que se hace por medio de la lente.
Angulaciones: NORMAL o NEUTRO: Paralelo al suelo, a la altura de los ojos o a la altura media. PICADO: Oblicua superior, diagonal de arriba hacia abajo. CONTRAPICADO: Oblicua inferior, diagonal de abajo hacia arriba. NADIR: Completamente por debajo del personaje en un ángulo perpendicular al suelo. CENITAL: Completamente por encima del personaje en un ángulo perpendicular al suelo. HOLANDÉS o ABERRENTE: Cuando la cámara está ligeramente inclinada 45 grados. SUBJETIVA: Toma lo que el personaje está viendo, da una visión en primera persona. SEMISUBJETIVA: La cámara nos muestra lo que el personaje está viendo, pero parte muestra parte del personaje. LATERAL: La cámara se encuentra a 90 grados mostrando una vista lateral. PLANO AMERICANO: Se toma de la cintura hacia abajo mostrando lo que el personaje ve en segundo plano.
Encuadres: EXTREME LONG SHOTt: Se toma desde más de un cuarto de milla de distancia, usualmente parece establecer lugares de manera panorámica. LONG SHOT: Muestra la imagen de tamaño real, también conocido como FULL SHOT pues muestra el cuerpo completo. MEDIUM SHOT: Realizado con el sujeto desde las rodillas o cintura hacia arriba. TWO SHOT: Contiene de dos a cuatro personajes en el mismo encuadre. OVER THE SHOULDER: Se toma sobre el hombro mostrando del sujeto A hacia el sujeto B. MEDIUM CLOSE UP: Es el punto medio entre mediumshot y close up, muestra reacciones o expresiones del actor. CLOSE UP: Muestra poco background y se concentra en la cara y el detalle de la escena. Es una toma muy intima. EXTREME CLOSE UP: Utilizado para magnificar la realidad más haya de lo que el ojo humano puede apreciar.
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Cámara en Mano
La cámara en mano da un sentimiento más íntimo y presencial, permite al espectador sentir que es parte de la escena. Gracias a esto, la cámara en mano es muy utilizada en escenas tanto de acción como muy íntimas. Como puede dar un sentimiento de presencia, a su vez puede generar un efecto rústico o casero. Esto permite dar veracidad a la narración. Esto es un muy buen recurso para la realización de testimonios, falsos documentales y documentales.
Antes de utilizar la cámara en mano, hay que tomar en cuenta que los movimientos no deben distraer la atención de lo que está ocurriendo, pues en cámara en mano es más difícil lograr movimientos suaves. El uso de esta técnica siempre tiene que estar justificado, es recomendable utilizar éste recurso a lo largo de un plano secuencia, pues si se le combina con otros planos “estables” parecerá desprolijo,
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Eje Narrativo
El hilo conductor que une los sucesos y personajes en una historia.
La narración fílmica apela al significado del producto audiovisual, evitando lo literal de la palabra. Así, se presta más atención a la acción para plantear los significados, dificultades o estados interiores del personaje y exteriores de la escena.
Las acciones son organizadas en dos diferentes modelos, los modelos son formas de interpretar el mundo o la vida. El “Modelo Reuter” se centra en las acciones mismas, TRANSFORMACIÓN: Estado Inicial -> Complicación -> Dinámica -> Resolución -> Estado Final . El “Esquema de Greimas” se centra directamente en los personajes.
El esquema actancial de greimas propone seis categorías fundamentadas en las acciones de los actores. Estas categorías se denominan “actantes”, con ellas se elabora el modelo para explicar las relaciones entre los actantes y el relato. Esto se establece en distintos ejes, ele eje de saber o comunicación (Emisor -> Objeto -> Destinatario), el eje del deseo (Ayudante -> Sujeto <- Oponente), y el eje de poder (sujeto y objeto con roles específicos, unidos bajo el deseo de “querer”).
El tiempo de las acciones es representada en una narración que también opera el tiempo. En este nivel puede existir una condición lineal o discontinua, dictando el orden en el que suceden las acciones. En las asincronicidades, la forma más usual es el uso de “Flash-Back” (retroceso en el tiempo) o “Flash-Forward” (ir al futuro), pero existen otras como el tiempo circular, In-Media-Res (comienzo de la acción a media de la trama) o Historias Paralelas (Fluye más de una línea narrativa simultáneamente).
El narrador y punto de vista. La manera en la que la historia será representada. En cine, la imagen habla por si misma, aunque existe el “voz en off” donde no procede de un protagonista en escena. Todo film construye de una manera u otra, un narrador implícito, sea verbal o visual.
El Relato Hollywood busca la ilusión de realidad, la acción fluye desde las motivaciones de los personajes, todo con metas claras y definidas. El final debe desencadenar en algo no ambiguo y la percepción de los hechos se combinan como miradas objetivas y subjetivas, pero al final, el espectador puede establecer la verdad. Otras narrativas distintas a la Hollywood son el realismo (establece que hay un punto de vista donde se puede representar la realidad de manera objetiva), el individualismo (establece que la vida e interacción social son los mismos individuos), el cine ruso (los agentes de acción no son individuos, si no las situaciones), y el cine francés (la objetividad de la imagen es siempre una ilusión determinada por el interés y el deseo). En cambio, no todo el cine es narrativo, cine documental a su diferencia no es ficción, es un género abierto que permite interacciones con otras formas de organizar discurso (dentro de reportaje periodístico o argumento ideológico).
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Reportaje “Caso Asael”
Paty Cruz, Fidel Paez, Ber Hernández
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Entrevista a ASAEL con audio en posiciones diferentes
Paty Cruz, Fidel Paez, Ber Hernández
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AUDIO HISTORIA CHINGONA
Patricia Cruz Fidel Paez Bernardo Hernández
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Tarea diseño sonoro. Diseñar una historia con sonidos específicos de carros y pies y cosas así. Con derecho a muy pocos sonidos extra fuera de la lista.
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Tarea Cambiar audio a escena VIDEO: Matrix recargado AUDIO: Kung Fu Fighting - Carl Douglas
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Actividad en Clase (5.10.2017)
Grabar una historia con diferentes personas, a ver que sale. LA LIEBRE Y LA TORTUGA Patricia Cruz Fidel Paez Bernardo Hernández
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Profundidad de Campo y Nitidez
La nitidez es aquella que distingue un objeto enfocado o no enfocado. Entre más detalle se pueda observar en el objeto, más nitidez tiene. La profundidad de campo es aquella que define el espacio (distancia) en el cual se van a encontrar los objetos nítidos. Entre más abierto esté el diafragma (más chico el número f), menor será la profundidad de campo (menos objetos nítidos), por lo tanto, entre más cerrado esté el diafragma (más grande el número f), mayor será la profundidad de campo (más objetos nítidos).
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Géneros Fotográficos
Los géneros fotográficos se pueden categorizar en dos principales, el artístico y no artístico, siendo la artística la forma más libre de expresión para el fotógrafo; en cambio la no artística posee un objetivo más apegado al consumidor. Estos se pueden desglosar en diferentes subgéneros, como:
Artístico: Retrato Psicológico Realismo Formal Abstracción Surrealista Abstracción Formal
No artística: Reportaje Científica Publicitaria
Existen muchos más géneros populares que pueden ser identificados como artístico o no artístico, como: modelaje, desnudo, paisaje, arquitectura, creativa, bodegón, objeto, urbana o retrato.
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Entrega Final Modulo Fotografía
-Foto: Bernardo Hernández Aimar -Modelo: Patricia Cruz
ISO:500 - f4 - 1/320
ISO:500 - f5 - 1/800
ISO: 500 - f4 - 1/640
ISO:500 - f4 - 1/1000
ISO:500 - f4 - 1/400
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Tarea pt.4
Ley de la mirada
Fill the Frame con elemento distractor
Elementos Repetidos
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Tarea pt.3
Líneas
Horizontal
Vertical
Diagonal
Convergente
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