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Moving Beyond Inclusion | BewegGrund - Choreographic Research, Bern 2017

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Choreographic Lab - Rovereto, Italy - 11-15 September 2017

von BewegGrund (Juerg Koch)

Photography by Camilla Spagni, 2017

The week offers a great opportunity to exchange ideas and ideas. It was evident that this year's edition had been built on the experience of the week in Sweden in 2016. Lessons learned and much of the feedback carefully integrated.

Diversity was written as a large, as many different esthetics. Great care was taken of the attending artists.

On a personal note, I would be very pleased to meet you. I was very pleased to meet with the group in the same group.

I was part of Anouk Llaurens group, whose work focuses on Lisa Nelson scores. This is a very interesting and interesting connection to dance and disability when it emerges in the late 1980s and Lisa Nelson collaborated with Alito Alessi and DanceAbility. The form and the score Work facilitates and stimulates the exchange between fellow dancers at different levels of their artistic development.

In addition, I would like to thank you for your interest in the event. These sessions were well attended but also a lot of the lab participants.

We experienced great hospitality on the part of Oriente Occidente; food, accommodation, transport and communication.

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Eine Woche tanzen in Rovereto dazu ein inklusiver Englischkurs.

by BewegGrund (Esther) 

Photography by Camilla Spagni, 2017.

Many people came together in a big room.

This room is still clear in my memory.

The morning began to warm up and get to know each other.

Many different bodies collided and something new unique emerged.

At the common lunch / dinner I always sat with other people but I looked to have someone by my side who could translate the conversations in German for me.

The afternoon I spent in the Lab of Anouk.

The first afternoon we worked in threes and were led by Anouk.

From the skin 'skin' to the muscle 'muscle' to the bone 'bone'.

Often we worked with our senses blindly exploring the room and encountered objects that were not exactly decipherable.

I met people I sometimes knew who it was.

But mostly I could not tell which shoulder I touched.

Also, strange hair brushed my face, it was uncomfortable and I crawled across the floor hoping to find a place without people. There I could go quietly on a new way.

On Friday afternoon we got an insight into the 2 other labs that were very different.

I learned a lot this week and much was new to me.

A dancer who was also helped me with an exercise that I know from the dance lessons I visit and never could

With their help and their explanations, it was not long and I could do it.

Thank you for this interesting and instructive time with great new encounters

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Moving Beyond Inclusion and the pursuit of progress

from Candoco Dance Company (Joanne Lyons)

“Um… uh … well, err …” my face flushes as I fumble for the right words. Some well-meaning person (often a curious friend) has innocently asked me one of those questions. “So, why contemporary dance?” or “So, why do you work in inclusive dance?” In my 8+ years at Candoco Dance Company I have often found myself explaining what I do, to people who may have no initial contextual framework for contemporary dance, let alone for inclusive dance practice. Both are tricky concepts to explain well, and it is important to me that people really do get it.

With practice, I’ve become reasonably adept at presenting my case, in the first instance, for contemporary dance and its importance. However, I realise that it is only when my uninitiated friend experiences a real-life dance performance that they will actually start to get it. The impact of a well-conceived, well-delivered production reaches far deeper than words alone. Whether you love it or hate it – it will make you feel something, it will make you think, it will make you appreciate life and human endeavour at least a little – if not a lot – more. It may even cause your preconceptions of dance and human ability to shift somewhat.

It is a similar situation when making my case for inclusive dance practice, i.e. dance with disabled and non-disabled artists. There are two main ways to approach this. Firstly, the social imperative is, I think, clear to most people: for a fair society, all should have equal opportunity to access all areas of life, dance included. We are still a way off from the day when the diversity of society at large is fairly represented in our dance studios and on our main stages. In the UK and around the world, the cultural sector still falls woefully short of ensuring access to dance practice, both for disabled artists and disabled audiences. This ‘wrong’ needs to be made ‘right’ and so ‘inclusion’ has as often become an end in itself, sometimes regardless of the art that is produced as a result.

Secondly, there is the very definite, but less widely recognised, artistic imperative for inclusive arts practice, aka the ‘creative case for diversity’ (see also Arts Council England’s policy of the same name). This finds its basis in the understanding that working inclusively can lead to more exciting, more excellent artistic work for audiences to enjoy. In fact, as Candoco’s Artistic Co-Director Stine Nilsen has suggested (in her TedXWarwick talk ‘Twisting Perceptions’, 2015): the artform itself requires diversity in order to progress and evolve.

As with the first question, no matter how perfectly I may present my case for inclusive dance practice, I realise that my uninitiated friend needs to actually experience a high quality inclusive dance production in the flesh before they really get it.

So, where is all this high quality inclusive dance work that is waiting to be experienced? There, indeed, lies the rub. There is a distinct lack of it.

The case for working inclusively with disabled and non-disabled artists has been made persistently and powerfully by highly respected organisations such as Candoco (UK), Danskompaniet Spinn (SE), tanzfähig (DE), BewegGrund (CH), Oriente Occidente Dance Festival (IT) and the Croatian Institute for Movement and Dance (HR). These six organisations have recently come together as a partnership to deliver the 2-year ‘Moving Beyond Inclusion’ project. It aims to firmly address the fact that the mainstream dance sector is far from truly representing the diversity of society at large; that opportunities for disabled artists to develop and present their work, and for diverse artists to work together, remain appallingly limited.

Put very simplistically, we have something of a chicken and egg scenario here: disabled role models and those artists or companies working inclusively are decidedly scarce in the mainstream dance sector; as a result there is less ambition raised and limited demand among disabled people to pursue a career in dance; for those that do determine to pursue a vocation in the dance profession, there are very few accessible training and progression routes available, and very few employment opportunities awaiting them after training; therefore fewer disabled dance artists are trained to a professional standard, resulting in a lack of disabled artists – and thus role models – practicing visibly in the mainstream dance sector.

Despite all this, it should also be noted that there is a good amount of excellent inclusive practice taking place around Europe. Some exceptional work is being produced. However, artists and companies working inclusively still struggle to get their work even seen by potential presenters, let alone then programmed at mainstream venues and festivals. There remain a certain amount of prejudice and unfounded assumptions that inclusive practice signals work of a lesser quality.

In response to these issues, Moving Beyond Inclusion aims to:

1) Raise the level of training and ambition for i) disabled dancers and those working inclusively; ii) for choreographers wishing to expand and develop their own practice; iii) for the partners’ internal teams in terms of selling and showcasing the work

2) Increase the quality of artistic output, through exclusive choreographic research periods with a range of choreographers and subsequent productions

3) Grow networks and performance opportunities, showcasing the best of inclusive practice to ever-growing audiences, thereby shifting perceptions of what inclusive dance practice can be.

The intention is for Moving Beyond Inclusion to help bring about a sustainable change within the mainstream dance sector. Through upskilling and connecting a critical mass of artists, organisations and presenters working inclusively at a professional level, we hope to advance the sector as a whole towards the sought-after tipping point. The results of the project should resound long beyond the life of the 2-year programme.

Let’s stop fumbling for the right words to explain why we do what we do. Let’s create increasingly more opportunities to show what we do and how well we do it. Then presenters, audiences and our uninitiated friends will experience and finally get it.

With the case being made visibly on mainstream stages and festivals throughout Europe and further afield, we may then progress to the day when ‘inclusion’ isn’t only an aim in itself but where it has become the unquestionable context within which top quality dance can be generated and evolve; where diversity is fairly reflected and – as a dance sector at least – we will have finally moved beyond inclusion and can really get down to the art of moving.

Infographic - Vicious Cycle (Designed by Frances Faulder, 2017)

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Reflexionen zum “Choreographic Research” mit dem Choreografen-Duo matanicola, 15. bis 18. September 2016

von tanzfähig

Nach den Forschungstagen waren alle Beteiligten aufgefordert, ihr Erleben schriftlich festzuhalten – entweder in freier Form oder als Antworten auf vier Fragen, die ihnen am letzten Tage ausgehändigt worden waren.

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Als Organisatoren wurden Evelyne Wohlfarter (E) und Bernhard Richarz (B) eigens befragt:

Ihr habt die choreographischen Forschungstage mit dem Berliner Choreographen-Duo matanicola durchgeführt. Wie seid Ihr dazu gekommen, sie einzuladen?

E: In der Vergangenheit hatten wir schon in unterschiedlicher Form mit den beiden zusammengearbeitet. Begonnen hatte es mit einem Kennenlernnachmittag, bei welchem Matan und Nicola zum ersten Mal auf unsere Tänzer_innen stießen. Bernhard und ich waren begeistert, wie sie die Gruppe leiteten und trotz all den Unterschiedlichkeiten in der Körperlichkeit, aber vor allem auch in der tänzerischen Erfahrung nicht von ihrem professionellen Niveau los ließen. Uns gefiel, wie unsere Tänzer_innen gefordert waren, noch tiefer in den Tanz einzutauchen und an ihre Grenzen zu gehen. Darum folgten ein Wochenendworkshop und eine Intensivwoche. Eine große Qualität der beiden Choreographen ist es, den Menschen Wege anzubieten, dass der Tanz wie von selbst aus ihnen heraus kommt – vorausgesetzt die Tanzenden lassen sich auf den Prozess ein. Die Vorstellung, Matan und Nicola im Kontext einer choreographischen Forschung zu erleben, machte uns sehr neugierig: Was bewegt matanicola? Wie setzten sie ihre Schritte in den Forschungstagen? Arbeiten sie anders als in einem Workshop?

Insgesamt haben an den vier Tagen 14 Performer_innen teilgenommen, die meisten durchgehend, einige nur tageweise. Dazu kamen noch zwei Musiker. Wie habt Ihr die Teilnehmer_innen ausgewählt?

B: Zum einen sind es Tänzer_innen gewesen, mit denen wir schon länger zusammenarbeiteten und bei denen es ganz klar war, dass wir sie dabei haben wollten. Zum anderen haben wir einige aus unseren Workshops oder von anderen Anlässen her gekannt, wo wir dachten, dass könnte gut werden, wenn die dabei sind. Zum dritten haben matanicola einige eingeladen, die sie kannten. Auch die beiden Musiker sind von ihnen eingeladen worden, weil sie bei den Forschungstagen gerne mit Live-Musik arbeiten wollten.

Haben matanicola von Euch einen bestimmten Auftrag gehabt, was sie bei ihrer Forschung herausfinden sollen?

E: Von unserer Seite sind matanicola völlig frei gewesen. Es gab keinerlei Absprachen zwischen uns, und wir wussten überhaupt nicht, was sie machen werden.

B: Bei einem vorbereitenden Treffen war nur deutlich zu merken, dass es in ihnen arbeitet und sie wirklich überlegen, was sie ausprobieren können.

Die Forschungstage haben als Teil des EU-Projekts „Moving Beyond Inclusion“ stattgefunden. Was ist nun dabei herausgefunden worden? Gab es einen Bezug zum EU-Projekt?

B: Das Thema des EU-Projekts stand nicht im Vordergrund. Doch hintergründig ging es schon um die Frage, was das sein könnte, ein Bewegen jenseits der Inklusion. matanicola haben darauf eine Antwort gefunden, die ich sehr anregend finde: Sie haben sich nicht mit der Form des Tanzes und des Körpers befasst, sondern mit seiner Energie.

E: Es waren ihnen wichtig, auf eine Ebene zu kommen, wo alle Menschen bei aller Verschiedenheit wieder gleich sind, und von dort aus haben sie den Tanz entwickelt.

Wie habt Ihr selbst die Forschungstage erlebt?

E: Ich habe am ersten Tag mitgetanzt, den zweiten Tag von aussen beobachtet, und die beiden anderen Tage konnte ich über den Dokumentarfilm miterleben. Die Gruppe hat sehr intensiv gearbeitet und ist mit den Fragestellungen des Künsterduos sehr mitgegangen. Es war ein wirkliches Forschen und Suchen. Die Arbeit kann eine gute Basis für eine mögliche Produktion sein. Es liegt sehr nahe, daran anzuknüpfen und weiter dran zu bleiben.

B: Da ich die Forschungstage nicht nur organisatorisch betreut habe, sondern auch als Tänzer dabei gewesen bin, habe ich sie in einer Doppelrolle erlebt. In beiden Rollen kam ich am Abend des dritten Tages an meine Grenzen: Als Tänzer wusste ich nicht mehr, was matanicola eigentlich von mir wollen, und als Organisator hatte ich Angst, dass alles auseinanderfliegt, weil die Spannung in der Gruppe zu dem Zeitpunkt ziemlich groß war. Um so überwältigender dann der vierte Tag, wo sich dann alles gut fügte. Als ich merkte, dass die Idee der Choreographen wirklich in den Körpern der Tänzer und Tänzerinnen und auch in meinem Körper ankam, war ich erleichtert und froh. Da ist dann eine große Spannung von mir abgefallen.

Was habt Ihr für Rückmeldungen bekommen?

B: Die Rückmeldungen waren durchweg gut, natürlich gab es auch vereinzelt Kritik. Matan und Nicola waren mit der Gruppe und deren Arbeit sehr zufrieden, die Tänzer_innen hatten viel erlebt, was sie als Bereicherung für sich mitnehmen konnten, und auch die Gäste äußerten sich sehr bewegt.

Eine Vorgabe des Projekts ist es, dass durch das Projekt dem dort so genannten inklusiven Tanz eine größere Öffentlichkeit gegeben werden soll. Wie habt Ihr es umgesetzt?

E: Da die Forschungstage als offenes Studio geführt werden sollten, haben wir im Vorfeld viele eingeladen, als Gäste den Prozess von außen zu beobachten: Tänzer, Choreographen, Journalisten oder Produzenten, ebenso die Studenten vom HZT; einige sind auch gekommen, andere haben zurück geschrieben. Auch haben zwei, drei Behinderten-Zeitschriften unseren Pressetext veröffentlicht. Täglich haben wir in Facebook kurz über den Verlauf berichtet und Fotos gepostet; das ist durchaus wahrgenommen worden. Dann haben wir die ganzen Tage auf Video aufnehmen lassen. Aus dem Material sind vier halbstündige Filme entstanden, die wir den Beteiligten des EU-Projekts zugänglich gemacht haben, und ein 15 minütiger Film, den wir online gestellt haben.

B: Die Forschungstage kamen für tanzfähig sehr früh. Sie stehen für uns ganz am Anfang des EU-Projekts, und die Öffentlichkeitsarbeit hat über sie hinaus weiterzugehen. Da spielt die Konferenz eine große Rolle, die wir im August 2017 mit dem Dachverband Tanz Deutschalnd durchführen werden. Ihr Thema ist etwas, was wir jetzt bei den Forschungstagen mit matanicola auch gemacht machen, nämlich „Tanz Körper Erweiterung“.

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Als einer der beiden Choreographen beantwortete Matan Zamirden ausgehändigten Fragebogen:

Was waren Deine Erwartungen vor den choreographischen Forschungstagen und wie wurden sie erfüllt?

Ich bin ohne besonderen Erwartungen in die Forschungstage hinein gegangen. Ich wollte offen bleiben und neugierig auf alles, was im Rahmen dessen geschehen würde, was wir anbieten wollten. Das passte sehr genau zu dem Thema, was ich mir für diese Tage vorgenommen hatte. Ich wollte einen neuen Weg erforschen, wie man zur Bewegung kommen kann, einen Weg, der nicht die Verschiedenheit der Körper (und der Seelen) betont. Ich wollte von der anderen Seite kommen und von dem Ort aus forschen, wo wir alle wirklich gleich sind, ohne den geringsten Unterschied, nämlich in unserem bewussten Gegenwärtig-Sein. Bevor wir irgendetwas über den Körper (oder die Welt) wissen, wissen wir um unsere Bewusstheit. Wenn diese bewusste Offenheit für unser Gegenwärtig-Sein der Ausgangspunkt unserer Forschung ist, dann kann sie nur die Erwartung beobachten, aber sie kann nicht selbst etwas erwarten.

Was sind jetzt nach den Forschungstagen Deine Überlegungen, wovon hättest Du gerne mehr gehabt?

Es wäre wunderschön gewesen, mehr Zeit gehabt zu haben, um noch tiefer in die Suche einzusteigen. In den vier Tagen konnten wir nur ein sehr elementares Verständnis des Ansatzes erreichen, was für die meisten dann zugleich sehr abstrakt und konzeptuell war. Es braucht Zeit, ihn wirklich zu verstehen, ihn dann zu praktizieren und ihn in den (tanzenden) Körper zu übersetzen. Es braucht auch Zeit, alte Gewohnheiten, geistige wie körperliche, loszulassen und sich ganz mit geist-losen Zustand zu verbinden, von dem wir sprechen. Es war wirklich ein Prozess des „Verlernens“.

Was denkst Du, welchen Gewinn wirst Du aus den choreographischen Forschungstagen für Deine Praxis ziehen?

Es war für mich eine großartige Gelegenheit, diesen Ansatz, der mich auch in meinem Privatleben beschäftigt, in eine choreographische Forschung einbringen zu können, bei der nicht der Druck bestand, ein Stück produzieren zu müssen. Es gab mir die Freiheit, tief in die Meditationen einzutauchen und mehr Zeit als sonst aufzubringen, um Auffassungen, Gedanken und Einfälle miteinander austauschen zu können. Für mich war es wichtig, alle zu demselben elementaren Verständnis zu bringen, was Bewusstheit bedeutet und wofür sie steht – und das braucht natürlich Zeit. Wie schon gesagt: wenn wir mehr Zeit gehabt hätten, wäre es großartig gewesen. Aber auch in dem Zeitrahmen, den wir hatten, geschah körperlich so viel, was von Bedeutung war, so viele Zusammenhänge, so viele Einfälle und großartige Überlegungen. Ich bin sehr dankbar, mit dieser großen und verschiedenartigen Künstlergruppe diese Gelegenheit gehabt zu haben. Es öffnete mir mein Herz und meinen Kopf, und es gab mir eine Menge Anregung, wie diese wichtige Forschung fortzusetzen und weiterzuentwickeln ist.

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Als einer der beiden Musiker antwortete Francois Benner:

Aus meiner Sicht als Musiker war das Ganze äußerst interessant. Ich spürte, dass eine starke Verbindung zwischen den Tänzern und meiner Musik bestand. Ich hatte auch den Eindruck, dass ich ihnen helfen konnte, noch tiefer in ihre Forschung einzusteigen.

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Als eine der Tänzer_innen teilte Maria Rutanen ihre Überlegungen in freier Form mit.

Sicher was es für alle eine Herausforderung, den Geist loszulassen und zu schauen, was das bedeutet. Aber für mich war es ein sehr guter Ansatz und zugleich eine anregende Erfahrung. Ich glaube, das vermag unser Bewegungsrepertoire und unser Bewegungsverständnis zu erweitern. Auf jeden Fall wirft es viele Fragen auf und regt zu vielen Gedanken an. Ich glaube, im künstlerischen Bereich mit dem Konzept von Bewusstheit zu arbeiten, kann sehr bedeutungsvoll sein. Das kann wirklich den gesamten Blick auf Arbeit und Dasein verändern.

Ich mochte die langen morgendlichen Bewegungswege. Da es verschiedene Zugänge gab, wie wir mit dem Ansatz arbeiteten, war es mir möglich, unterschiedliche Erfahrungen zu machen, was es bedeutet, den Geist loszulassen, je nach dem, ob wir uns nach der Meditation langsam bewegten, in beschleunigter hoher Geschwindigkeit, in anhaltendem Schütteln oder in empfindsamer Berührung der anderen. Auch war dieses Loslassen des denkenden Geistes ganz anders, ob man sich allein bewegte oder in Beziehung zu anderen stand.

Der Fokus änderte sich die ganze Zeit, der denkende Geist kam und ging. Manchmal dachte der Körper, dann unterbrach der Geist. Nichts blieb immer gleich. Auch der Blick änderte sich. Wenn ich meinen Geist losließ, war es einfacher, mehr nach innen zu schauen oder mehr peripher wahrzunehmen. Wenn ich aber stattdessen auf kleine Details achtete oder einen klaren Blick haben wollte, dann regte das den analytischen Geist an. Der wertende Geist war ebenfalls so stark. Die Vorstellung, nicht zu bewerten, begeistert mich, und zugleich frage ich mich, welche Bedeutung der kritische Geist hat, um sich selbst entwickeln und Kunst schaffen zu können.

Die Aufgabe „Der Körper bewegt sich, der Geist folgt“ war besonders bereichernd. Für die Performance kann das ungeahnte Bewegungsweisen eröffnen und auch die Erfahrung der Bewegung selbst vergrößern. Es erinnerte mich an das „Authentic Movement“, wo man sich intuitiv aus den Impulsen heraus bewegt, ohne eine bestimmte Form erzeugen zu wollen. Anzunehmen, was man macht, ermöglichte es der Form, da zu sein oder sich auch plötzlich in etwas anderes zu verändern. Weil es keine Bewertung gab, war alles möglich. Ich dachte nicht an Raum und Zeit, während ich mich bewegte, was ich sonst immer tue. Ich beobachtete mehr meine Gedankenmuster und wie sie andauernd kamen. Ich versuchte einfach, mich in jedem Augenblick leer zu machen. Und die Frage entstand: Wenn ich meinen denkenden Geist loslasse, denkt dann mein Körper noch? Bin ich dann immer noch den Gewohnheiten meines Körpers ausgesetzt? Hat mein Körper doch die ganze Geschichte in sich, das Gelernte und seine Vorlieben. Kann ich verändern, wie ich mich bewege, indem mich meinen Geist verändere? Irgendwie liegt der Geist doch in den Muskeln und Knochen.

Ich glaube, für mich die größte Frage, die aufkam, war die nach der Form. Wenn mein Geist nicht denkt, denkt dann mein Körper? Wie denkt mein Körper? Ist mein Körper in der Lage, etwas zu produzieren, das er nicht kennt? Wie sehr bin ich meinen Bewegungsgewohnheiten unterworfen? Kann ich über mein gewohntes Bewegen hinausgehen? Kann ich meinen Körper ausweiten, wenn ich meinen Geist loslasse? Was bedeutet es, sich des bewegenden Körpers bewusst zu sein statt zu bewerten und darüber nachzudenken, wie man sich bewegt? Was verändert sich?

Was mich bei dieser Arbeit weiter noch herausforderte: Gleichzeitig vor Leuten, die zuschauten, sich zu bewegen, und noch dabei in der Aufgabe zu bleiben, den analytischen, denkenden und wertenden Geist loszulassen. Da ist soviel Konditionierung, wie man auf der Bühne zu sein hat, den Raum zu nutzen, nicht zu langweilen, Intentionen zu haben, nicht dummes Zeug zu machen, sich nicht zu bewegen um der Bewegung willen! Zugleich fand ich es befreiend, befreiend von all diesen Gewohnheiten. Dann war die Musik noch eine Herausforderung: Sie war etwas, das von außen kam. Wie bewegt man sich zur Musik und lässt sich nicht von ihr leiten,w ährend man nicht daran denkt? Weil wir doch so instinktiv auf Musik antworten. Gewöhnlich braucht es einige bewusste Entscheidungen, wie man sich zur Musik bewegt, ohne sich zu sehr davon beeinflussen zu lassen. Aber ich mag Musik. Es ist großartig, auf großartige Musik zu tanzen.

Für mich war das wesentliche Ergebnis der Arbeit, meinen Geist zu beobachten und zu sehen, wie er mein Erleben von Bewegung und Komposition beeinflusst – mehr als neues Bewegungsmaterial zu finden, das, so nehme ich an, sowieso geschehen würde oder auch schon geschah. Das Erleben war ganz unterschiedlich, ob der Körper sich bewegte und der Geist folgte – da spürte ich den Fluss und die Freiheit, oder ob der analytische Geist führte und der Körper folgte – da erlebte ich mehr Kontrolle, Augenblicke, wo ich nicht weiter kam, aber auch Klarheit. Jedenfalls hatte ich immer eine Bewusstheit von meinem Körper in seiner Bewegung, da war immer eine Art von kinästhetischer Bewusstheit in mir lebendig.

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Als weitere Tänzerin äußerte Denise Kastler ihre Gedanken in freier Form.

Nachdem ich im vergangenen Jahr an einem Workshop der beiden Choreographen teilgenommen hatte, ging ich davon aus, dass es intensiv werden würde. Es wurde dann insgesamt für mich eine durchkomponierte Reise mit Beginn, Höhen, Tiefen und kreativem Ende. Ich kam in den Tagen dazu, sehr viele andere, neue Bewegungen und Möglichkeiten auszuprobieren, an die ich zuvor nicht gedacht hatte. So fand ich drei neue Varianten, wie ich vom Rollstuhl auf den Boden gelangen kann. Mir wurde bewusst, dass ich oft die Befürchtung hatte, andere mit dem Rollstuhl zu verletzen, sei es weil ich ihnen über den Fuß fahre oder wenn ich falle; wenn ich deswegen die Bremsen feststellte, fühlte ich mich total blockiert und unbeweglich.

Es kamen viele Fragen auf, auch eine, die mich immer wieder und immer wieder neu beschäftigt: Ist der Rollstuhl beim Tanzen Teil meines Körpers? Wenn ja, wann empfinde ich ihn so und wann nicht? Wie verändert sich mein Tanzen durch die unterschiedliche Wahrnehmung? Andere Fragen waren: Wann und warum wird der Rollstuhl zum nicht integrierten Objekt und ich damit zwangsläufig auch – oder nicht? Welche Rolle spielt meine Sicherheit im Rollstuhl? Welche Bewegungen vermeide ich, weil ich Angst habe, herauszufallen? Gibt es Erweiterungsmöglichkeiten? Wie könnten die aussehen oder trainiert werden?

Die langen meditativen Übungen waren für mich sehr hilfreich, um mehr in die Körperwahrnehmung zu gelangen und von dort aus Bewegungen entstehen zu lassen. Das wurde über die Tage sehr behutsam vertieft. Der Gegensatz dazu, nämlich die eher von der Bewusstheit des Kopfes oder des Willens gesteuerte Bewegung auszuführen, ließ den Unterschied spürbar werden. Es war verblüffend mitzubekommen, welche Möglichkeiten und organischen Verbindungen mit anderen in der Gruppe durch ersteres entstanden, wie spielerisch der gemeinsame Tanz wurde. Das berührte mich sehr, denn seit meiner Kindheit hatte ich nicht mehr in dieser Weise „gespielt“ – also dass keine Vorbehalte und keine Ängste das Geschehen bestimmten und dass es ein Bezogen-Sein aufeinander gab. Mir wurde sehr deutlich, dass es nicht nur von mir abhängt, ob ein Miteinander gelingt, sondern dass dabei mitbestimmt, was und wie der oder die andere wahrnimmt. Weil es so gut gelang, das Wahrnehmen auf etwas sehr Ursprüngliches zurückzuführen (oder zumindest daran zu arbeiten), wurde so viel mehr an Miteinander und Bezogenheit möglich.

Ein entlastender und vieles ermöglichender Satz war für mich: „Die Form spielt erst mal keine Rolle!“ Vielmehr ging es darum, sich auf den anderen Körper einzulassen, ohne etwas zu erzwingen zu wollen. Es ging um eine Kommunikation der Körper und um ihre Empfindungsfähigkeit. Das war schon schwierig, in diesen Zustand zu gelangen. Für mich führte das zur Frage: Wie kann das geschehen, was kann ich dafür tun, um diesen Zustand zu erreichen? Gibt es Übungen über die angeleitete Meditation hinaus? Die Tage waren so, dass ich sehr an einer Weiterarbeit und Vertiefung interessiert bin.

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CHOREOGRAPHISCHE FORSCHUNGSTAGE MIT FIN WALKER, CARL OLOF BERG, COLETTE SADLER

von tanzfähig

Es waren 22 Tänzerinnen und Tänzer, die zum choreographischen Lab gekommen waren: sieben von Candoco, fünf von SPINN, vier von tanzfähig, drei von BewegGrund und zwei von Oriente Occidente; dazu die fünf künstlerischen Leitungen. Vormittags gab es im Regionteater Väst eine gemeinsame Klasse mit wechselnder Anleitung, nachmittags im Bohusläns Museum drei Workshops mit den Choreografen Carl-Olof Berg, Colette Sadler und Fin Walker parallel. Am vierten Tag stellten sich die Projektpartner mit ihren Organisationen der Öffentlichkeit vor, am fünften bekam ein Fachpublikum, aber auch die Mitwirkenden in einem Showing Arbeitsproben der einzelnen Gruppen zu sehen.

Für tanzfähig waren beteiligt: Alessandra Lola Agostini, Bernhard Richarz, Denise Kastler und Silke Schönfleisch-Backofen als Tänzer_innen und Evelyne Wohlfarter als künstlerische Leitung.

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Alessandra Lola Agostini Es waren für mich Tage von Offenheit, Schönheit und Freiheit, mit Spaß und Ausdruck, Mut und Verrücktheit. Ich habe am Workshop mit Carl-Olof Berg teilgenommen. Mich hat die Forschung mit ihm zu Fragen über das Verhältnis zum Publikum angeregt, die ich in meine künstlerische Arbeit übertragen kann: Was möchte ich dem Publikum liefern? Was soll dabei ankommen, was soll offen bleiben? Wo sind die Grenzen zwischen Performern und Publikum? Gibt es sie überhaupt? Brauchen wir als Publikum und Künstler_innen Sicherheit oder suchen wir lieber die Provokation?

Bernhard Richarz Ich freute mich, nicht nur die verschiedenen Gruppen, sondern auch ihre Tänzerinnen und Tänzer kennenzulernen. Bei einigen war es auch ein herzliches Wiedersehen nach längerer Zeit. Für mich als Tänzer war der Workshop mit Fin Walker äußerst befriedigend. Die Tänze mit den anderen Teilnehmer*innen gingen tief. Es tat gut, dass Fin mich ermutigte, als ich wieder einmal an mir zweifelte. Ihre Arbeitsweise führte mich zu neuen Bewegungen und vertiefte mein choreographisches Verständnis. Die Tage ließen mich darin klarer werden, was für mich Tanz unter den Bedingungen der körperlichen Vielfalt bedeuten kann. Sie bestärkten mich in meinem Selbstvertrauen als Tänzer und sie gaben mir mehr Gewissheit für mein eigenes künstlerisches Anliegen.

Evelyne Wohlfarter Nach meiner längeren Pause, war ich sehr aufgeregt und nervös und doch freute ich mich wahnsinnig über alles, was mich erwarten soll. Ich fühlte mit den Menschen wohl. Die Vielfältigkeit der Tänzer*innen machte mir große Lust künstlerisch zu Arbeiten, die Unterschiedlichkeit der Herangehensweisen an den Tanz lehrte mich Neues, der offene Austausch mit den erfahreneren künstlerischen Leiterinnen wirkt nach und die gute Organisation wurde zu einem wundervollen Vorbild. Ich genoss in den ersten Tage sehr, dass Behinderung kein groß diskutiertes Thema war – in einer Selbstverständlichkeit tanzten alle Beteiligten. In Einzelgesprächen mit Tänzer*innen mit Behinderung gewann ich den Eindruck, dass doch noch etwas genannt werden muss und viele Fragezeichen in der Luft stehen. Ich freue mich, in der zukünftigen Zusammenarbeit Antworten darauf zu finden.

Denise Kastler Für mich war es interessant, anderen Tänzer_innen zu begegnen und ihnen zuzuschauen. Besonders bei ähnlicher Körperlichkeit war es für mich sehr hilfreich, mich mit ihnen auszutauschen. Ich konnte mit ihnen eigene Fragen klären, zum Beispiel wie sie empfindliche Körperteile beim Tanzen am Boden schützen oder was die Vor- und Nachteile verschiedener Rollstühle für den Tanz sind. Meinen Workshop fand ich zunächst frustrierend. Die ständige Auseinandersetzung mit der Frage, was sein Ziel sei, überforderte mich. Die Gruppe stand im Vordergrund und es fehlte die Zeit, um mehr mit einzelnen zu arbeiten. Für mich war es ein Lernfeld: meine eigene Präsenz, der stetige Wechsel von Zuschauerin- und Tänzerin-Sein, das schnelle Auswendiglernen von Bewegungsfolgen. Darüber hinaus bereicherte es mich, durch die beiden anderen Gruppen die unterschiedlichen Herangehensweisen an „Tanz“ miterleben zu können.

Silke Schönfleisch-Backofen Noch bevor das erste gemeinsame Aufwärmen begann, wusste ich, dass ich mich wieder einmal getäuscht hatte. Ich hatte gehofft, dass Behinderung insgesamt kein Problem sein, sondern als Chance für mehr Vielfalt im zeitgenössischen Tanz angesehen würde. Doch dann fragte mich die Trainerin – der Name tut hier nichts zur Sache -, ob ich meinte, dass in der ersten Vorstellungsrunde auch die jeweiligen Behinderungen und ihre Auswirkungen auf den Tanz angesprochen werden sollten. Da machte sich Unbehagen in mir breit: Wenn es schon die „Profis im Bereich von Inklusion“ nicht wissen, wie können wir uns dann künstlerisch weiter entwickeln? Die Frage begleitete mich wie ein Alptraum durch die fünf Tage. Besonders schlimm war es, als sich anlässlich der öffentlichen Diskussionsrunde nicht-behinderte Expertinnen und Experten über Tanz und Behinderung austauschten. Sie warfen Fragen auf, die ich als veraltet und diskriminierend empfand; aus meiner Sicht wäre so nie über Tanz als Kunstform geredet worden, wenn es nicht den vermeintlichen Zusatzpunkt der Behinderung gegeben hätte. – Erfrischend anders war der von mir ausgesuchte Workshop von Colette Sadler. Ich fühlte mich in tänzerischer und auch menschlicher Hinsicht sofort wohl. Mit Vergnügen ließ ich mich auf ihr choreografisches Können ein und entdeckte neue Seiten an mir. Der große Applaus nach unserem Showing und die Rückmeldungen danach zeigten mir, dass sie in mir das angesprochen hatte, was mir als Tänzerin wichtig war: Nicht meine Behinderung stand im Vordergrund, sondern ihre choreografischen Anforderungen, die ich genau so wie ich bin, also mit meiner Behinderung, mit meinen Lebenserfahrungen, mit meiner Lebenseinstellung, mit meiner Neugierde, ertanzte!

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Die fünf Tage, die mit einer gemeinsamen Schifffahrt auf dem Fjord. Endeten, brachten eine große Verschiedenheit zusammen: Im Tanz. In der Choreographie. Im Erleben. In der Erfahrung. In der Organisation. In der Idee. Folgerichtig enstand die Frage: Was ist unsere gemeinsame Sprache? Brauchen wir überhaupt eine gemeinsame Sprache?

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Moving Beyond Inclusion - Intervista a Stine Nilsen - Artistic Co-Director alla Candoco Dance Company

Di Oriente Occidente Dance Festival

Moving beyond inclusion questo il titolo del progetto e delle iniziative presentate nell'ambito del Festival Oriente Occidente che hanno per protagonista la danza inclusiva, la danza che include i corpi “diversi” considerandoli non come limitazioni, ma come opportunità per scoprire nuove e altre espressioni nel linguaggio del movimento. Abbiamo intervistato Stine Nilsen Artistic Co-Director alla Candoco Dance Company la compagnia di danza contemporanea per danzatori abili e disabili.

Qual'è lo scopo di Moving Beyond Inclusion? "I tre principali obiettivi del progetto sono di aumentare le abilità dei disabilli e non-danzatori di ogni partner, per fare ricerca con coreografi professionisti per sviluppare lavoro di qualità elevata e raggiungere finalmente il pubblico e chi programma attraverso un processo creativo aperto, documentandolo e condividendolo con una rete di presentatori/divulgatori."

Perchè avete scelto il Festival Oriente Occidente come partner di progetto? "Oriente Occidente era un Festival con cui la Candoco era già stata in contatto per la sua performance del 2014. Gli organizzatori mostrarono un interesse genuino nel lavoro e un desiderio di inizare e supportare una pratica maggiormente inclusiva anche in Italia." Può dirci se sono già stati raggiunti dei risultati concreti nell'ambito delle attività e delle iniziative di divulgazione e disseminazione del progetto? "Le azioni concrete sono già iniziate: tutti i partners (con 30 danzatori) sono stati coinvolti in una settimana di Laboratorio Coreografico ospitato in Svezia. Tre coreografi Fin Walker, Carl-Olof Berg e Colette Sadler, sono stati invitati a condividere la loro pratica creativa con i ballerini e il processo si è poi aperto al pubblico nel Museo Bohuslän in Uddevalla, in Svezia.I Direttori Artistici di tutti i gruppi hanno avuto l'opportunità di prendere parte ai meetings di "Artistic Exchange" per discutere e condividere le best practice, e ci saranno alcuni meeting di "Capacity and Strategic Exchange" con i produttori tra i diversi partners, per sviluppare linguaggi che utilizziamo quando parliamo di danza inclusiva e per stabilirli fermamente nella corrente principale del mondo della danza.Ogni partner inviterà un coreografo con esperienza per fare ricerca con la sua compagnia, al fine di supportare il processo di fare lavoro nuovo e di alta qualità. I programmi, i curatori e e le istituzioni di Danza saranno invitate a studiare di più sul progetto, a venire a vedere il lavoro fatto e contribuire alla discussione e alla distribuzione dei nuovi lavori."

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Trio - intervista ad Aloun Marchal e Veera Suvalo Grimberg - Spinn

Di Oriente Occidente Dance Festival

I danzatori entrano in un gioco, incontrano sé stessi e gli altri in un vocabolario espressivo fatto di danza, prove, dialoghi e sogni. Un trio che indaga la prossimità, il significato della vicinanza esperienziale e fisica.Abbiamo intervistato Aloun Marchal e Veera Suvalo Grimberg, Direttore artistico di Spinn.

Partendo  da quale esperienza/iniziativa comincia Spinn? Veera Suvalo Grimberg, Direttore artistico di Spinn: "Ho visto la Candoco Dance Company dieci anni fa in Svezia e mi ha molto ispirato. A quell'epoca non esistevano Compagnie di Danza inclusiva in Svezia. Ho fondato Spinn nel marzo del 2010 con il supporto della regione (Västra Götalandsregionen), The Swedish Arts Council and Gothenburg City." Il  vostro obiettivo è sradicare gli stereotipi legati domande come “a chi è concesso esibirsi sul palco?”. Qual è la vostra risposta? Veera Suvalo Grimberg, Direttore artistico di Spinn:  "Ci sono troppo pochi modelli per le persone disabili. Noi vogliamo presentare sul palco un'ampia gamma di corpi, che rappresentano la società, ma che non si vedono spesso in scena. Questo è un processo per i luoghi d’incontro, l’audience, l’ambiente della Danza. Un processo che richiederà tempo, ma nel farlo useremo una nuova norma. É importante anche cambiare i criteri di riferimento per educare mentre si produce l'arte."

Chi sono le figure principali di Trio, e cosa dice la loro  performance? Aloun Marchal, coreografo/ballerino: "I tre personaggi che compaiono in Trio sono ispirati a tre originali ballerine di Spinn e alla relazione che si è instaurata tra loro in 5 anni. Uno è seduto in sedia a rotelle, l’altro è  un immigrato in Svezia, e il terzo una donna perfezionista. É emerso che stando insieme le loro disabilità venivano meno. Potevano percorrere le scale alla stessa velocità  di qualsiasi persona, evolvere attraverso ogni situazione sociale in Svezia, e  insieme affrontavano situazioni che la donna perfezionista non avrebbe mai osato affrontare da sola.Diventava chiaro che il tema del trio sarebbe stata la prossimità, quella fisica in particolare. Trio è  il  terzo capitolo  di una serie serale di tre pezzi creati per Spinn, ossia un duetto, un assolo, e poi trio. La situazione iniziale di trio è sviluppata tra i due  personaggi del duetto precedente: è un viaggio collettivo attraverso diversi mondi e estetiche, espansi dall’energia prodotta dalla prossimità tra i protagonisti." Cosa ricavate (in termini di arrichimento personale) dall’avere una Compagnia con diverse capacità? Aloun Marchal: " Sono entrato in Spinn nel 2010, con l’idea che ogni materiale potesse creare poesia, e che  usando quel material potessimo creare nuove forme di poesia. Capisco che la Danza sia un ramo dell poesia, e I corpi dei ballerini un materiale per questa. Sto sperimentando che la Danza ha un gusto diverso quando sono immerso in uno spettacolo di Spinn." Come arginate il rischio di rimanere relegati alla periferia del mondo della Danza e venire finalmente inclusi? Aloun Marchal: "Creando un lavoro artistico di eccellente qualità!"

Image credit: L. Dyrendom

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Politiche, finanziamenti e formazione per l'artista disabile "Moving Beyond Inclusion"

Di Oriente Occidente Dance Festival

Questa mattina alle 9:30 presso l'Urban Center, nell'ambito del progetto Moving Beyond Inclusion, finanziato dall'Unione Europea e in partnership con il Festival Oriente Occidente e la Condaco Dance Company (UK), The Croatian Institute for Movement and Dance/ HRVATSKI INSTITUT ZA POKRET I PLES (HIPP) (HR), Producentbyràn/Spinn (S), Tanzfaehig (D), BewegGrund (CH) si è apertta la serie di incontri sul tema della disabilità e della creazione artistica con la conferenza sul tema: "Politiche, finanziamenti e formazione per l'artista disabile". Dopo l'introduzione del Direttore Artistico del Festival Lanfranco Cis, la presentazione del progetto di Anna Consolati, coordinatrice del progetto per Oriente Occidente ha aperto la conferenza e introdotto le presentazioni dei diversi ospiti: Abid Hussain è direttore del dipartimento Diversità dell’Arts Council Inghilterra. Abid ha diretto lo sviluppo e il lancio dei programmi di finanziamento per la diversità che creano opportunità di resilienza per persone con disabilità, investono nella leadership e supportano la produzione di nuovi lavori. Alessandro Pontremoli insegna Storia della danza e Teatro educativo e sociale all'Università degli Studi di Torino. È co-direttore del Social and Community Theatre Centre dell’Università degli Studi di Torino e membro della Commissione Consultiva Danza del MiBact. Malin Enberg è project manager e comproprietaria di Producentbyrån con sede a Goteborg, fondato nel 2008, è un team di produttori e project manager che lavorano con artisti, compagnie e festival, per conferenze e progetti nelle arti performative sia in Svezia che all’estero.

Emilia Wärff è una designer freelance e danzatrice contemporanea. Dal 2010 è una delle danzatrici principali di Danskompaniet Spinn, la prima compagnia di danza inclusiva svedese.

Si è parlato di politiche di riferimento e programmi che già supportano gli artisti disabili a livello europeo e nazionale, trovando punti di contatto e differenze normative e di contesto in un'ottica di ricerca  e di sviluppo di un valore aggiunto che contribuisca in modo efficace alla valorizzazione delle attività dell'artista disabile in un contesto culturale, normativo e finanziario che coinvolga e sensibilizzi le istituzioni su un piano di intervento concreto.