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“REIMAGINAR LOS ESPACIOS DE ARTE” Seminario intensivo impartido por Eliud Nava.

“Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias”

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Sábado 14 de diciembre de 2019.

A través de distintas fuentes bibliográficas y recursos audiovisuales, se pretendió analizar los conceptos de imaginario instituyente, pensamiento radical y autogestión como ideología rectora para la configuración de proyectos que se establezcan alternativos a las prácticas instituidas; haciendo hincapié en los espacios independientes de arte. El seminario se concibió como un ejercicio teórico y de análisis para concretarse en un proyecto personal que reflejara las reflexiones sobre el objeto de estudio. Como caso de éxito, se revisó el trabajo realizado por el espacio independiente de arte NoAutomático. Los temas tratados fueron: “La institución del arte en el imaginario globalizado”, “Decolonizar el pensamiento. Estéticas de resistencia”, “La configuración de los espacios independientes de arte en México” y “Reimaginar el imaginario. Monterrey en emergencia”. Fue un seminario intensivo de 8 horas de duración, con espacio para comida y convivio.

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"ARCHIVO DE IDENTIDADES. SANTA CLARA COATITLA ECATEPEC, ESTADO DE MÉXICO" Yasodari Sánchez

Residencias "Simultáneos". "Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias" En colaboración con MArCE, Museo Arte Contemporáneo Ecatepec.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Archivo de identidades como memoria de un lugar sujeto del tiempo, la fe y la resistencia ante la urbe; con el hábito de lo sostenible, las prácticas de la región, el apego y devoción ante lo que es identidad, como ejercicio de archivo para la memoria que está en demora-en premura. En esta exposición se presentaron dos proyectos audiovisuales sobre los espacios y personajes del pueblo de Santa Clara Coatitla Ecatepec, en el Estado de México, como resultado de la residencia de Yasodari Sánchez en dicho pueblo. Asimismo, un registro fotográfico del pueblo de Santa Clara Coatitla Ecatepec, realizado con habitantes, en espacios importantes para la identidad del pueblo, como lo son la celebración de la virgen, el consumo del pulque, los comercios y comerciantes que dieron origen al mismo.


Yasodari Sánchez trabajó con la plataforma independiente Museo de Arte Contemporáneo Ecatepec, MArCE, surgida en 2015 que tiene como propósito el generar estrategias de producción alternativas para entender la relación entre el arte, la sociedad y su entorno. MArCE trabaja a partir de la realidad, las costumbres, dinámicas y estéticas del lugar en el que se encuentra, para retomar el espacio público y el diálogo en lugares en que se ha perdido; actualmente la plataforma opera en el pueblo de Santa Clara Coatitla, Ecatepec, Estado de México.

En el caso de la residencia de Yasodari Sánchez, quien trabaja con comunidades vulnerables, socialmente hablando, utilizando como estrategia el arte procesual y la etnografía, la artista realizó una serie de visitas al poblado de Santa Clara Coatitla, en donde aplicó entrevistas a profundidad a distintos pobladores de la comunidad en cuestión. También realizó un registro fotográfico y audiovisual durante la fiesta de la virgen Santa Clara. Con ello, Sánchez concibió un documental desde la reflexión del patrimonio y la memoria del pueblo del municipio de Ecatepec, Estado de México.

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“FAUNA Y FLORA” Regina Hoyos

Residencia “Simultáneos”. “Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias”.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Durante la estancia de la artista en Ecatepec, colaborando con MARCE (Museo de Arte Contemporáneo de Ecatepec), se estableció realizar un mural frente al cerro de Santa Clara. Este mural se creó con base en el diagnóstico socioambiental ��El cerro y sus vecinos y vecinas”, elaborado por Salvador Vásquez Banda, consultor sobre temas referentes al desarrollo sostenible, gestión de residuos sólidos urbanos y cambio climático; Hoyos se enfocó en el aspecto de la flora y fauna en el cerro.

Aunque su estancia fue corta, Regina pudo convivir con algunas personas que viven en Santa Clara y le hablaron acerca de la transformación del cerro. Se propuso ilustrar la vida de área en cuestión, coexistiendo con su pasado y presente, subrayando la conexión que tienen las piezas ilustrativas de la artista con la naturaleza, especialmente con las plantas; con ello, la residencia pretendió generar la posibilidad de re-aprender del pasado, a través de la escucha activa de organismos tan silenciosos como lo son la fauna y flora de la región.

El mural se hizo sobre la base de un poste del teleférico, transporte indispensable para los habitantes del cerro de Santa Clara, el cual lo cruza. Una vez terminado el mismo, se invitó a los habitantes de los alrededores a una convivencia, para platicar y reflexionar sobre la importancia de rescatar y cuidar el ecosistema socioambiental.

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"TEMPLO DE ESTUDIOS SUBCRÍTICOS DE BIQUINI WAX EPS" Daniel Aguilar Ruvalcaba y José Israel Uribe Merino.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

El seminario se desarrolló de una manera lúdica e informal, en el que se trataron temas como la descentralización del pensamiento instituido sobre la función de un artista en la sociedad, haciendo énfasis en lo referente al mercado del arte. En la primera sesión, a manera de confesatorio, los asistentes expusieron sus puntos de vista sobre su propia producción artística y los retos a los que se han enfrentado al incursionar en el circuito del arte regional, terminando con un ejercicio de reflexión sobre el mismo. Se hicieron preguntas como: ¿Tienes proyectos incompletos, rechazados o fracasados? ¿Cuál es el origen de esa sensación de desasosiego ante lo inacabado? Se especificó que la dinámica tendría el formato de terapia grupal y amateur, donde se trabajaría la falta como un elemento ideológico implícito en nuestra cultura capitalista y por lo tanto también latente en las producciones de arte. El miércoles 4 de diciembre de 2019 se presentó "La montaña interminable: Geografía libidinal del fracaso" y el jueves 5 de diciembre de 2019 "Conferencia magistral sobre una lagartija marchita. Una hipótesis para explicar la fragilidad de las sombras". En el segundo día (el jueves 5 de diciembre) se trabajó un texto grupal, con enfoque metafísico, en el que se hacía un análisis sobre el ser y el estar en el mundo, y la función del artista en ello. El seminario concluyó con una convivencia entre todos los asistentes.

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"NO PASA NADA" Iván Manríquez

Residencia "Simultáneos". "Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias".

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

El trabajo que Iván Manríquez presentó en el espacio independiente de arte ERROR, ubicado en la ciudad de Puebla, analizó puntualmente las variaciones cromáticas sobre el paisaje de la ciudad. Este análisis tuvo como objetivo indagar sobre las relaciones que existen entre la percepción del paisaje poblano y la presencia de contaminantes en la atmósfera de esta ciudad, derivados, principalmente, de la actividad volcánica que sucede en este territorio. Para generar esta relación, el artista se hizo valer de diversos datos estadísticos relacionados a los reportes diarios de monitoreo del volcán Popocatépetl (exhalaciones, tremores, explosiones, entre otros) y los registros periódicos de imágenes a través de la utilización de cámaras web.

Las piezas que estructuraron la propuesta tomaron como punto de partida la técnica fotográfica del Timelapse. Esta técnica permite observar tiempos muy prolongados de una acelerada actividad en un lapso más corto de tiempo. Haciendo uso de la fotografía, el video y el mapping, este proyecto se presentó como una experimentación plástica del paisaje en búsqueda del movimiento (virtual) y la visualización de estructuras rigurosamente planificadas.

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"LOS MIEDOS ANCESTRALES PUEDEN VOLVER" Paloma Contreras Lomas

Residencia "Simultáneos". "Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias".

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Paloma Contreras Lomas presentó en NoAutomático un par de piezas artísticas resultado de sus experiencias al hacer una residencia previa en la sierra norte del estado de Puebla; en ellas, la artista reflexiona acerca del imaginario identitario presenté en las zonas rurales de México, impregnándole de estéticas psicodélicas y surrealistas. Además, realizó una lectura, a manera de acción artística, en la que amplió sus referencias conceptuales. "Esos animales negros y sus humanos siguen rondando por aquí: la señora de la tienda, el chofer del colectivo, la vida secreta de los perros negros, todos saben quiénes son y nos comportamos como si no existieran o, más bien, los evitamos. En un país donde la oscurana es el suicidio, hay un montón de familias de animales negros."

Paloma Contreras Lomas (Ciudad de México, 1991) Inicia su formación artística en la carrera de Artes Visuales en la “Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda” (2011-2015) poco tiempo después se integra al colectivo multidisciplinario Biquini Wax EPS (2016) y en el mismo año ingresa al programa educativo SOMA (2016-2018). Es bañista acreditada en el grupo de estudios subcríticos latinoamericanos “Los Yacusi” con quienes ha realizado diferentes curadurías en un papel promiscuo de artista-curadora, así como coordinadora del Museo Comunitario Sierra Hermosa, proyecto localizado en el desierto zacatecano. La obra de Contreras Lomas se extiende a diferentes medios como el video, la escritura, el dibujo y el performance, así como la producción colectiva paralela a su investigación personal. Su trabajo ha sido mostrado en lugares como Palais de Tokyo; FRAC Centre Orléans; Museo de Arte Moderno (MAM); Galería de Arte Contemporáneo Antonio López Sáenz, entre otros. Actualmente y en conjunto planea la creación de La Nación Espiritual muy cerca del volcán Popocatépetl, vive y trabaja en la Ciudad de México. Beneficiaria de la beca Jóvenes Creadores FONCA 2018-2019.

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"¿CONOCES A EDUARDO LÓPEZ?" Issa Téllez

Residencia "Simultáneos". "Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias".

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Esta acción realizada en el año 2017, forma parte de la búsqueda de una solución a un proceso de denuncia sobre acoso sexual sin respuesta. Los rasgos característicos del agresor en este hecho fueron su nombre (que se sospecha falso) y el haber portado una playera del equipo de futbol Rayados. El día del "Clásico Regio" y final de la liguilla del torneo de futbol mexicano, se entregaron folletos afuera del estadio BBVA y en la celebración posterior, acontecida en la Macroplaza de Monterrey, folletos que presentaban la siguiente información: "¿Conoces a Eduardo López? Cometió un delito sexual en mi contra y no lo encuentro. Un rasgo característico es que portaba una playera de Rayados. Si conoces a un Eduardo López que ha cometido delitos sexuales o crees que podría cumplir con el perfil, por favor contáctate conmigo."   Se buscó transgredir el espacio del estadio BBVA, ambiente predominantemente masculino, buscando al agresor en su posible entorno, así como activar un momento donde otros miembros de este entorno se pregunten si conocen a algún Eduardo López, o bien, algún agresor sexual.

La pieza artística se presentó en el espacio independiente PANDEO, ubicado en Ciudad de México, a manera de instalación, en donde se podía apreciar un par de sillas blancas de plástico, así como una hielera con cervezas, mientras una televisión transmitía un vídeo secuencia de fotografías del registro de la acción realizada en el evento deportivo; en el piso estaban tiradas copias del folleto que se entregó en la acción artística, las cuales fueron acompañadas por un smartphone en el que se podía navegar por internet, en una red social, la búsqueda del individuo en cuestión.

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"CONCEPTOS DECOLONIALES EN LAS PRÁCTICAS ARTÍSTICAS" Seminario impartido por Ana Fernanda Cadena Payton.

"Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias" Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Lunes 28, miércoles 30 y jueves 31 de octubre de 2019.

“CONCEPTOS DECOLONIALES EN LAS PRÁCTICAS ARTÍSTICAS” fue un seminario, a manera de introducción, a ciertas teorías decoloniales, aplicadas al arte contemporáneo que se ha generado en torno a las mismas y un acercamiento contextualizado respecto a los contenidos desde una perspectiva cercana. Desde lo histórico a lo subjetivo, desde lo global a lo local, se buscó establecer una serie de problemáticas que pusieran en jaque los modos de producción actuales. El seminario estuvo dirigido a todo público y se impartió en NoAutomático.

Semblanza: Ana Cadena Payton (Monterrey, 1985) es Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad de Monterrey (2011) y cuenta con un Máster en Teoría Crítica por la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) y el Museu d’Arte Contemporani de Barcelona (MACBA), también conocido como el Programa de Estudios Independientes PEI (2013). Formó parte del equipo de Museo Oral de la Revolución (2013) bajo la dirección de Paul B. Preciado en la Capella del MACBA. Dentro de su trabajo artístico cabe mencionar el colectivo Museo Invisible Fundidora y cuya obra ha sido expuesta en México, Colombia y Ecuador. Gestionó el programa de diálogo en torno a urgencias urbanas de Monterrey, mejor conocido como Paisaje, Ciudad y Delito, desde 2018. Actualmente ejerce como curadora independiente, docente del departamento de Arte de la Universidad de Monterrey (UDEM) y directora de Espacio en Blanco.

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“GLUKUPIKRON” Aleph Escobedo

Residencia “Simultáneos”. “Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias”.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Aleph Escobedo presentó en NoAutomático la exposición “Glukupikron”, compuesta por una serie de piezas (esculturas, dibujos, vídeo, fotografías) sobre el deseo/amor primordial en los seres humanos, tomando como referencia algunos textos de Safo. El nombre de la exposición “Glukupikron”, significa “dulce-amargo” en griego y es el término que usaba Safo para referirse a Eros. Escobedo lo hilvana por el deseo/amor que sienten los humanos, los animales, plantas y todos los seres vivos por el agua, por conseguirla, contenerla y controlarla para sobrevivir.

Uno de los ejes narrativos del proyecto es un video que el artista comenzó en una residencia en Ecuador, sobre un sistema de riego que colapsó y se derrumbó en el terremoto de 1987. Es un vídeo entre documental y ficción sobre un sistema de riego que se dañó en tal terremoto, en donde hay una ruina de un reservorio de agua que está partido a la mitad, y en el centro hay dos columnas que sostenían unos canales que atravesaban el reservorio por arriba y lo alimentaban. Uno de los objetivos fue recrear el cuerpo de agua que atravesaba uno de estos canales. Parte de este proyecto fue realizado con el apoyo de Nave Proyectos, ubicado en Guayllabamba, Ecuador.

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“LA GESTIÓN DEL TERRITORIO” Por Rodolfo Andaur.

Proyecto “Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias”. Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Como parte de su residencia curatorial en NoAutomático, y complementaria a la exposición “Escrituras Contagiadas por Atacama”, resultado de dicha residencia, el curador chileno Rodolfo Andaur ofreció una conferencia y una charla en dos instituciones educativas de Monterrey y su área metropolitana. La conferencia se realizó en el auditorio de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León, UANL, mientras la charla en el Centro Roberto Garza Sada de Arte, Arquitectura y Diseño, de la Universidad de Monterrey, UDEM.

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“ESCRITURAS CONTAGIADAS POR ATACAMA” Curaduría por Rodolfo Andaur.

Proyecto “Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias”. Apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

En el marco del proyecto "Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias", apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, NoAutomático extendió la invitación al curador chileno Rodolfo Andaur, para que concibiera la exposición "Escrituras Contagiadas por Atacama", misma que nace de las conversaciones entre Andaur y el escritor Juan Malebrán (Cochabamba, Bolivia), quienes a partir de sus erranbundeos por diversos puntos de Sudamérica, han observado cómo la textura de uno de los desiertos más secos del mundo se extiende rápidamente hacia otras latitudes. Ante este contexto, el cuerpo de los artistas visuales convocados para el proyecto, ha acarreado diversos imaginarios que expone el desierto de Atacama, tales como la desertificación, los estudios astronómicos y los recientes ecocidios.

El brote siempre sigiloso de la inerte tierra de Atacama ha sido la plataforma que inspira, para este caso, imágenes, videos, intalaciones y sonidos que son, en parte, la base argumental que revela, desde una lógica exploratoria y poética, las diatribas de una región del continente americano que yace actualmente convulsionada por los vaivenes políticos, sociales y económicos de una época sin precedentes.

Artistas participantes: * Alejandra Alarcón (BO) * Ana Alenso (VE) * Daniel de Paula (BR) * Katherinne Fiedler (PE) * Benjamin Ossa (CL) * Carlos Silva (CL)

Además de la exposición en NoAutomático, Rodolfo Andaur ofreció la conferencia "La Gestión del Territorio", en el auditorio de la Facultad de Artes Visuales, de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL); así mismo, en formato de charla, repitió tal conferencia en el Centro Roberto Garza Sada de Arte, Arquitectura y Diseño, de la Universidad de Monterrey (UDEM), para completar con ello su residencia en NoAutomático.

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"CASCABEL" Miriam Salado

Residencia “Simultáneos”. “Desplazando El Centro. Apuntes Sobre Disidencias”.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Los tenabaris ("teneboim" en lengua cahita) son tiras de cascabeles elaboradas con capullos de mariposa cuatro espejos (Rothschildia cincta cincta); esta especie se distribuye en el norte del estado de Sinaloa, entre el río Mayo y el río Fuerte. Con sus capullos, los nativos de la zona, el pueblo yoreme, han elaborado artesanías que son utilizadas en las fiesta de Semana Santa, como parte de sus vestimentas folclóricas, que los danzantes configuran para sus rituales religiosos. En la actualidad, cada vez es más difícil encontrar estos capullos en los montes; una de las razones principales es que son recolectados clandestinamente de tu hábitat natural, interfiriendo con su ciclo de vida. Como consecuencia, las comunidades yoremes optaron por utilizar materiales de uso cotidiano como latas de aluminio, botellas y mangueras de plástico, para con ello emular el sonido que producen dichos capullos al integrarlos en las vestimentas folclóricas, logrando así que el nuevo material tuviera la misma función sonora, la cual refiere al cascabel de la serpiente. A Miriam Salado le interesa evocar la serpiente en estado de alerta, integrando en su exploración conceptual y estética las problemáticas sociales de la zona del estado de Sinaloa. 

El proyecto "Cascabel" consistió en una escultura realizada a partir de los instrumentos para música de cuerpo utilizados en danzas rituales de las tribus Yaqui y Mayo del estado de Sonora y Sinaloa. Expresiones religiosas antiguas en donde se relaciona el vínculo del humano con su entorno geográfico y la veneración que hace de la naturaleza como fuente de vida y sustento. El conjunto de piezas sonoras busca generar una síntesis de energía material y ahondar en la relación con la cultura material vinculada al mundo natural y las transiciones por las que han pasado en las últimas décadas, buscando una reflexión sobre la depredación del hombre en su entorno y la capacidad humana para extraer valor de la naturaleza, convirtiéndolos en objetos culturales al mismo tiempo que estos desaparecen y nuevos materiales de uso cotidiano con diversos trasfondos se integran a los rituales.

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"NO TODAS LAS LLAVES FUNCIONAN". José De Sancristóbal.

Residencia “Simultáneos”. “Desplazando El Centro. Apuntes Sobre Disidencias”.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

El resultado de la estancia de José De Sancristóbal en Biquini Wax EPS, como parte del programa "Simultáneos", derivó de un interés por una composición inestable, cambiante. La mayor parte de su tiempo en la residencia lo pasó en la casa donde se aloja el proyecto, intentando familiarizarse con los espacios con los cuales contaba. Como parte de este tiempo, registró en fotografías aquello que llamaba su atención. La azotea se volvió el espacio que más recurrió, y por lo mismo le pareció el mas apropiado para llevar a cabo una propuesta artística. Era de los espacios más tranquilos de la casa y le funcionó como un lugar de reflexión. La intervención final hizo uso de un espejo de agua sobre el cual colocó fotografías de los pisos de la casa (los cuales contaban con diferentes patrones florales y geométricos) y algunas otras tomadas durante su estancia ahí. Estas flores flotaban movidas por el viento que corría en la azotea, volviendo inestable la relación entre una y otra.

Los pisos de Biquini Wax EPS cambiaban de lugar, las imágenes de la casa nunca estaban quietas. El agua jugaba una doble referencia. Por una parte la época de lluvias dejaba varios techos con superficies reflejantes —por otro lado, aludía al proceso técnico de revelado de fotografías-. Cuando la imagen no requiere de un revelado químico, ¿qué imagen es la que nace en el agua? ¿qué se revela? Se hizo uso también de elementos encontrados en la azotea como manera de integrar la pieza al contexto en el que se colocaría. Al final, la azotea de Biquini Wax EPS fue el punto de encuentro para ver los suelos y las nubes en un mismo plano, en un juego cambiante de desplazamientos inestables.

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FAKE Anni Garza Lau

Residencia “Simultáneos”. “Desplazando El Centro. Apuntes Sobre Disidencias”.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

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“FAKE” Anni Garza Lau

Residencia “Simultáneos”. “Desplazando El Centro. Apuntes Sobre Disidencias”.

A partir de la popularización de los teléfonos inteligentes (smartphones) y el uso generalizado de redes sociales desde 2007, la conectividad ubicua, el acceso inmediato a la información y la comunicación en tiempo real se incorporaron a nuestro paradigma de cotidianidad. Como consecuencia, diariamente somos bombardeados por cantidades inaprensibles de información cuyo origen, si bien a veces es imposible rastrear, quizá simplemente no nos interesa. Al mismo tiempo nuestra actividad en cada plataforma y aplicación es cuidadosamente almacenada, cuantificada y calificada para personalizar nuestra experiencia en línea.

En este frenesí de intercambio de datos, la veracidad y objetividad de los discursos se han ido disolviendo a tal extremo que la razón a menudo queda, al menos en el imaginario colectivo, del lado de la viralización, de la cantidad de seguidores o de “likes” a manera de acuerdo comunitario. Sin embargo, la devaluación del pensamiento crítico o de la comprobación científica contra la validación de las masas han demostrado tener consecuencias importantes en los ámbitos políticos, económicos y culturales, y esto no ha pasado por alto por las grandes corporaciones tecnológicas que poseen toda esta información. Bajo un sistema de manipulación constante, herramientas como las fake news, bots y filter bubbles promueven líneas de pensamiento y controlan flujos de información con miras a predecir movimientos sociales. El espejismo de la voz pública (a la que todos tenemos acceso) y la invisibilidad del funcionamiento de ese sistema son una parte indiscutible de la lucha política por la opinión pública más importante a nivel global.

Bajo dicho contexto, este ejercicio artísico hace uso de procesos de deep fake, para apropiarse de la imagen de una figura pública que afecta la percepción general del arte contemporáneo en México, como un acto que evidencía por un lado la fragilidad de los discursos mediatizados en la era de la postverdad y por otro aprovecha la oportunidad para promover el discurso de la artista, sin vulnerar su identidad.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

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"Teología de la Neoliberación" Curaduría por Alejandro Gómez Arias.

Residencias "Simultáneos" "Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias" Proyecto apoyado por el FONCA.

El jueves 1 de agosto de 2019, se presentó en NoAutomático la exposición "Teología de la Neoliberación", un proyecto curatorial a cargo de Alejandro Gómez Arias, quien estuvo en residencia en NA como parte del programa "Simultáneos", del ejercicio "Desplazando el Centro. Apuntes Sobre Disidencias", apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. En este proyecto, Gómez Arias buscó subrayar cómo en nuestra época ha sido tan relevante el rol que ocupa el dinero dentro de la narrativa imperante del capitalismo actual. La exposición partió de la idea irónica de levantar un templo al dinero y a sus cualidades metafísicas en la ciudad de Monterrey. Los artistas participantes fueron: Eduardo Barajas, Anamaya Farthing, Miguel Rodríguez Sepúlveda, Daniel Aguilar Ruvalcaba, Juana Ley, Ernesto Walker y Andy Medina. El título de la exposición hacía referencia irónica a la “Teología de la Liberación”, corriente teológica del cristianismo surgida en 1968 en América Latina vinculada a las luchas de izquierda, que planteaba que la salvación no puede darse sin la liberación económica, política, social e ideológica. Por otra parte, “Teología de la Neoliberación” se planteó como una reflexión ácida de la ideología neoliberal que se mostró a través de un conjunto de piezas —que usan dinero como soporte o como tema—, al tiempo que exhibían las conexiones metafísicas, simbólicas, materiales y de representación de la ideología bajo el capitalismo actual, un reino de signos y bienes cada vez más inmateriales.