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Joy Division, Paroles de fan : book review

C’est une véritable somme, un recueil de témoignages, de paroles, que Pedro Peñas Robles, multi-activiste musical à la tête du label Unknown Pleasures Records vient de publier dans la collection « Paroles de fans » aux éditions Camion Blanc.

Les interviewés ne relèvent pas de la catégorie happys fews qui surferaient sur l'effet revival 80's mais d’une palette d’afficionados engagés, acteurs de scènes musicales confidentielles restant dans l’ombre sans chercher l’éclairage médiatique. C’est ce soubassement égalitaire qui fait la force du livre – par sa proportion de traitement ne tenant pas compte de la notoriété des interviewés. Parmi eux, vous reconnaitrez Michel Amato (The Hacker), Thierry Boucanier, Alice Botté, ou encore Richard 23 (Front 242). Chaque discours pèse, les témoignages sont issus de relations viscérales, de personnes ayant intériorisé la tornade Joy Division. Phil K souligne la dimension personnelle et intime que constitue la découverte du groupe en appuyant le fait que Joy Division faisait partie de ces entités que l’on garde précieusement et jalousement, à l’abri d’autrui, que l’on ne souhaite pas partager mais posséder comme un miroir de soi-même.

Les entretiens sont entrecoupés par la narration de PPR autour de son propre parcours, « gamin passionné de musique » déployant ses réflexions autour des cycles culturels, de leur stagnation, rappelant que « comme l’explique Simon Reynolds dans Retromania, aujourd’hui tout se métamorphose en une spirale sans fin de revivals, de remixes, de rééditions, de reformations, de come-back. Comme une consécration de la médiocrité érigée en modern way of life, tout vaut tout ». Un discours que l’on retrouve également chez Alan Moore, qui analyse l’arrivée d’internet comme le début d’un surplace répétitif, d'une ère circulaire qui réactualise incessamment les mouvements du XXème siècle sans prétendre au renouvellement (et marquant la fin de la contre-culture – glam, punk...)

Mais ce n’est pas la naissance d’un genre matriciel (la cold-wave) revenant par vagues que ce livre approfondit, mais la résonnance intime d’un groupe qui engendra justement cette mouvance. Ils s’agit de creuser par quels moyens la réunion de jeunes mancuniens suite aux concert originaire des Sex Pistols, le 20 juillet 1976 a bouleversé non seulement l’histoire de la musique, mais aussi des vies subjectives, point de rencontre entre la grande et la petite histoire. Des morceaux de la première – les concerts fondateurs de 1976 et de 1977, Iggy Pop à Manchester ; le rôle joué par Martin Hannett à la production – traversent donc des souvenirs plus subjectifs.

Parmi les constats et les constantes des interviewés, un vocabulaire visuel pour décrire des impressions et une musique qui doit se vivre plutôt que de se rationnaliser. Dan Söderqvist relie ainsi la froideur avec la poésie qui aurait été apte à illustrer les paysages du Stalkerde Tarkovski (sorti en 1979). Joy Division fait naître des ambiances, des images, des sensations, et c’est peut-être là que réside le secret de cette résonnance entre les sons et les tissages de ces existences reliées entre elles par « le long cri d’inspiration ».

Clémence MESNIER 03/07/2018

English version : This book, published in French (Camion Blanc publisher), is a collection of Joy Division fans’ records. Without taking advantage of the 80s revival, the author/interviewer Pedro Peñas Robles (Unknown Pleasures Records’ director and underground music actor) has chosen many different people to talk about their personal relationship with the band. Every speech (from well-known persons such as Michel Amato aka « The Hacker » or anonymous people) is treated on an equal footing. All of them have swallowed the Joy Division thunderstorm and turned it into a part of themselves. Joy Division is a band that you keep preciously and jealously inside yourself, as a secret, far away from other people. It’s a dark mirror of yourself.The book is composed of interviews and reflexions from PPR about his own exploration of Joy Division. It’s also the opportunity to think about culture cyles and stagnancy. According to Simon Reynolds or Alan Moore, he points out revivals’ mediocrity.Combining music history and intimate stories, this book shows how a band can influence cultural movements and personal lives.

Source : http://www.peek-a-boo-magazine.be/en/reviews/pedro-penas-robles-joy-division-paroles-de-fan/

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Glaare, To Deaf and Day

Glaare is a triangular band from LA. They describe themselves as « The black hole in the back of your mind », a black hole built on dream-pop, shoegaze and dark-pop’s ruins. This is this specific sound, a kind of dirty dream-pop which reminds of the Trailer Trash Tracys’ first opus (the beautiful Candy Girl). It carries on an etheral feminine vocals’ tradition but the singer Rachael Pierce brings a powerful touch, like Zola Jesus’ vocals. Languor, ever-present bassline, laid-back attitude : this music must be listened while your eyes are closed, as falling night's perfect soundtrack. As their Londonian predecessors, Glaare draws their way at the end of the night, during the break when darkness turns into dawn.

Cristalin pedals' effects are the roots to develop a gloomy atmosphere which crosses First Rain and Ruins but this album is not only depressive. It’s also beauty, melody ; strength into loneliness. The « black hole » doesn’t only refer to darkness but also to space and respite. You’ll find some pop chorus on Suffer, incantations on Surrender/Control and cheesy new-wave on Desiree. Instead of raising sad feelings, this album is soothing, a perfect tightrope walk between vividness and sensibility. To Deaf and Day is gonna guide you from the dusk ‘til the dawn.

Source : http://www.peek-a-boo-magazine.be/en/reviews/glaare-to-deaf-and-day/

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Confrontational, The Burning Dawn

A singular signature within the synthwave scene. Confrontational is more « old-school », than other members - but not old-fashioned or obsolete. More than a repetition of 80's bands, Confrontational shares « a joyful awareness of coming after » (a quote from Laurent Jullier, cinema theorician who defines what a remake is). Confrontational is aware of his references, his musical genealogy, his forebears, and he finds his own way, his own dawn. 2015, 2016, 2017 : every year, a new wave of songs floods us, holding some treasures (Keep Faith ; Stranger in theMirror). The Burning Dawn is the last chapter of a trilogy begun with A Dance of Shadows and extended by The Kingdom of Night. If the first release’s aim was to create a signature (and intended to be your nights’ soundtrack), the second chapter clearly guides us to a deeper reading. Times are changing, and The Kingdom of Night was the reflection of a derelict world. Now, it’s the turn of a « burning dawn », like a rebellion, a way to rebirth. This is the picture of the phoenix which comes in our mind. This awakening is surrounded by talented musicians : Cody Carpenter, Tobias Bernstrup, Trevor William Church, Tying Tiffani. This rebirth is empowered by omnipresent synthesizers, used as if it was voices. Confrontational knows how to make synths speak, how to materialize emotions with synths. The human voice appears after -at the second track. As usual, it's a voice without effects, a proof of sincerity : there is nothing to hide. The songs don’t work on heaviness but on atmosphere, progression and feelings (Vendetta). This album is not really made to be « danceable » : it's more an introspective work. But don't worry, these nine songs will be danceable, of course, for gigs (we’ve already seen Massimo and his collaborators on stage, a energy-charged bomb shot out by powerful drums).Every Confrontational albums are like classical movies : you have to listen/see them several times to catch their secret meaning, and every time you discover new qualities. Like a soundtrack, this Burning Dawn is a way to leave the real world and to gather your thoughts in an oniric, obscure and foggy trip. And it makes this project be one of the most engaged and original in synthwave, rising on the twilight of Carpenter and Moroder.

Source : http://www.peek-a-boo-magazine.be/en/reviews/confrontational-the-burning-dawn/

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The Soft Moon, Criminal

« Comment guérir d’un mal non localisé et suprêmement imprécis, qui frappe le corps sans y laisser d’empreinte, qui s’insinue dans l’âme sans y laisser de signe ? ». Luis Vasquez pourrait répondre à Cioran : en s’expurgeant dans une œuvre convulsive, en s’altérant sous un son épais. Voici Criminal, névroses livrées en pâture sur l’autel ténébreux de Sacred Bones Records.Comme à son habitude, les titres de chacune des dix parties sont courts et incisifs. The Soft Moon ne s’encombre ni de détails, ni de lyrisme excessif : tout est brut, matte, non dégrossi. À l’instar des déclarations assénées de façon explicite : “I cry so long / It kills” (It Kills), “How can you love someone like me” (The Pain) “I don’t wanna lose my mind / that’s why I keep you so close” (Give Something). Basse charbonneuse, guitares de fibres nerveuses, chorus omniprésent, identifiant ce son unique, vertigineux, transversal à chaque morceau. Si ce Criminal débute sur deux titres s’engloutissant dans une sorte de noise-post-punk rampant et épileptique, les passerelles avec les productions précédentes sont nombreuses, reprenant en amplifiant des éléments jusqu’à présent exploités en fond. Born into Thiss’ouvre sur le balancement qu’écorchait déjà Feel (sur l’album Deeper) ; le grouillement saturé d’un Choke s’était déjà décelé sur le We Are We de l’éponyme The Soft Moon, ses percussions tribales résonnaient d’ailleurs déjà sur Wrong ; Give me Something rappelle Wasting tandis que les sons plus clairs proviennent du matriciel Total Decay, opus légataire d’une cold-wave anémiée. La structure aussi se renouvelle à travers une gradation émotionnelle atteignant son paroxysme sur la dernière piste (Beinget ses “I can’t see my face / I don’t know who I am” mués en “It’s the way I’m broken […] Lock me”- sur Criminal). Luis Vasquez a lâché les brides : tout est permis du moment que la catharsis se concrétise. De la rythmique post-EBM de ILL à la scansion toute NinInNailesque de Young (dont le martèlement métallique fait écho à la scène industrielle californienne en expansion, typiquement représentée par 3TEETH), jusqu’à à la ballade lépreuse de Give Something (morceau le plus personnel avec Like a Father, sur lesquels la voix se charge justement d’effets, comme pour créer une barrière de protection), la nuit est noire mais la lune suinte de son spleen égratigné. On pensait que Deeper avait atteint le fond du gouffre, or Criminal prouve que l’abyme est interminable quand la lune est douce. Jamais spleen n’aura été aussi oppressant, jamais sa charge n’aura été aussi stimulante.

Source : https://www.sensationrock.net/2018/01/29/the-soft-moon-criminal/

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The L.A. electronic duo Boy Harsher explores the ways to redefine club-music with style and languor. Angustus Muller builds a floating atmosphere, a dreamy dance raised by a rythmed snare and mind-blowing synths. Jae Matthews sings whispering, like the Thousand and One Nights storyteller. We can imagine their music as the Mulholand Drive’s Silencio’s soundtrack. Following the Yr Body is Nothing LP, this short but perfect Country Girlexplores different sides of synthetic music, from the EBM’s strength to drone’s experimentations. 'Morphine'’s groove from the eighties is extended on the song 'Country Girl', which reminds one of 'Yr Body is Nothing'. 'Underwater' is visual, it amplifies bass synths and leads to an hypnosis. These four tracks define nocturnal wandering and insomnia's spleen.

Source : http://www.peek-a-boo-magazine.be/en/reviews/boy-harsher-country-girl/

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3TEETH, Shutdown.exe

Alexis Mincolla (voice), Xavier Swafford (keybords), Andrew Means (drums) and Chase Brawner (guitar) the four members of the industrial band 3Teeth, appeared four years ago. Their visual identity could be confused with retrowave, which was in fashion in 2013 : infographics, numeral figures, algorithms and source-codes are regular in their video-music. But 3Teeth’s music is very far from « synthwave ». They are part of the L.A’s industrial scene, popularised by OMF and Daïs Records, Das Bunker parties, Amanda Jones and Sarah Toon Djs or bands such as Youth Code, Kanga, All Your Sisters or High Functionning Flesh. Less analogic and more produced than them, 3Teeth shares with them their classic influences, Ministry and Skinny Puppy. They are also exploring other genres – having opened for Tool and Primus.

Even if 3Teeth seems to be a classical industrial band because of their appearance – military dress-code, leather, black sunglasses, shaved heads and muscles – and because of the first sounds we can hear –violent kick, aggressive voice, twisted synths-, you need to get rid of that and concentrate on the entire Shutdown.exe.

Instead of starting brutally, there is the ascendant 'Divine Weapon' which opens with a solemn chorus. This creates a deep and symbolic atmosphere to justify their name, 3Teeth, the trident, Poseidon’s divine weapon. If we look at the lyrics, the driving force is religious symbols : « This world's a sham / Fuck your tower of babel / Crucify your eyes / For what you see » ('Slavegod'). Even though Alexis Mincolla was previously used to singing without modulations, new registers are now used (on 'Pit of Fire') and some spoken-word (on 'Tabula Umbra'’s low tempo). The whole work is enhanced by sick-sounds –'Tower of Disease's muffled voices - and we find the oldest but most effective on 'Atrophy' and 'Final Product'. 'B.O.A.' has the same powerful beats. 'Oblivion' and 'Shutdown' seem to be the same song, a continuity which is due to the rythmn work. The « industrial métal » category can be applied to 'Pit of Fire' and 'Degrade', but this album is not only made of blood and steel.

'Insubstancia' is one of the most original songs. Maintaining a noisy background, soft waves come to the forefront while Mincolla speaks about simulacrums : « Thinking that your plan is so ideal / losing true sight of what is real ». 3Teeth manage to brighten industrial tradition with their modern production, leaving a strong impression.

Clémence MESNIER 28/08/2017

FR

3Teeth, quatuor industriel réuni autour d’Alexis Mincolla (voix), Xavier Swafford (claviers), Andrew Means (batterie) et de Chase Brawner (guitare), a fait son apparition en 2013. D’emblée, les codes de leur identité visuelle étaient posés, pouvant prêter confusion avec les univers rétro-futuristes revenant en force à cette période : infographie faite de données chiffrées, algorithmes et codes sources font partie des éléments récurrents de leurs clips. Presque chaque morceau de ce deuxième album est d’ailleurs pourvu de son penchant audiovisuel, mais nous sommes ici très loin de la synthwave que pouvait laisser présager cette iconographie numérique un peu datée.

3Teeth fait partie de la scène industrielle de Los Angeles en plein essor, dont les labels OMF, Daïs Records ; les soirées Das Bunker ; les figures nocturnes comme Amanda Jones ou Sarah Toon et les groupes tels que Youth Code, Kanga, All Your Sisters ou encore High Functionning Flesh ont contribué à populariser. Moins analogique et plus produit que ces derniers, 3Teeth partage pourtant avec eux l’invocation des fondamentaux Ministry et Skinny Puppy, tout en explorant d’autres genres – ils ont notamment assuré les premières parties de Tool et Primus.

Si, à première vue, 3Teeth ne semble pas avancer dans la dentelle voire même écumer les poncifs du genre, autant par les premiers sons –force de frappe, voix agressive et trafiquée, synthés tordus – que par l’apparence –dress-code militaire, blousons de cuir, lunettes noires, crânes rasés et musculature apparente –, il faut pourtant s’en dégager pour se concentrer sur ce Shutdown.exe qui s’impose comme une excellente mouture dans cette scène. Contre toute attente, au lieu de rentrer directement dans le vif du sujet, c’est un 'Divine Weapon' tout en gradation qui fait ouverture sur des chœurs solennels, instaurant un climat grave et symbolique autour de ce morceau qui justifie leur nom, 3Teeth, le trident, arme mythologique de Poséidon et outil de destruction. Sur le plan des paroles, la symbolique religieuse sert de catalyseur « This world's a sham / Fuck your tower of babel / Crucify your eyes / For what you see » (Slavegod)

Alors qu’Alexis Mincolla nous avait précédemment habitués à un chant sans modulation, de nouveaux registres entrent en jeu (sur 'Pit of Fire') et du spoken-word sur 'Tabula Umbra' et son tempo ralenti. L’ensemble est rehaussé par des sons malades –voix assourdies et passées au filtre de 'Tower of Disease'. On retrouve 'Atrophy', un des titres les plus accrocheurs avec 'Final Product', dont les frappes sèches sont reprises sur 'B.O.A.'

'Oblivion Coil' précède 'Shutdown', formant une continuité par leur travail des rythmes ; tandis que 'Pit of Fire' et 'Degrade' dégagent clairement leur classification de métal industriel. Mais ce Shutdown.exe n’est pas taillé que dans le sang et l’acier. 'Insubstancia' est l’un des plus beaux morceaux par l ‘originalité qu’il propose. Conservant un horizon hachuré, il déroule pourtant en premier plan des nappes synthétiques douces dans une annonce de simulacres : « Thinking that your plan is so ideal / losing true sight of what is real ». 3Teeth parvient à patiner les moyens de production actuels pour s’imprimer solidement dans une tradition anxieuse laissant forte impression.

Clémence MESNIER 28/08/2017

Source : http://www.peek-a-boo-magazine.be/en/reviews/3teeth-shutdown-exe/

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Source : https://fr.calameo.com/read/004974113738ad149a82e

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