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Tras La Tormenta - Hirokazu Koreeda
La mayoría de las películas en la actualidad ya no tienen algo que decir, no tienen un mensaje, un discurso, un significado más profundo. Y si lo hacen, es superficial o demasiado complejo. Sin embargo, Tras La Tormenta de Hirokuzu Kore-eda no solo tiene algo que decir, sino que lo dice de forma tan bella que uno queda perplejo.
Hiroshi Abe interpreta el papel de Shinoda Ryota, un detective que está en la quiebra financiera, divorciado y viviendo en la ilusión de su gloria pasada como autor galardonado. Lucha para llegar a fin de mes y, a menudo recurre a las apuestas y el robo, además de actividades que implican extorsión para mantenerse y pagar la manutención de su hijo, Shingo.
En general, el tema de Tras La Tormenta es lidiar con las circunstancias actuales frente a los sueños no realizados y las esperanzas rotas. Este tema es fuerte en los personajes de Ryota y Yoshiko. Además, la ex esposa de Ryota, Kyoko (interpretada por Yoko Maki) también desempeña un papel importante ya que encarna a la persona que logra enfocar su vida únicamente en los tiempos actuales. Mientras Ryota todavía se percibe a sí mismo como el padre responsable de Shingo, Kyoko ha avanzado y ha aceptado el hecho de que Ryota nunca estuvo destinado a ser un padre responsable. Incluso ha encontrado un nuevo novio y, a excepción de la visita mensual, preferiría que Shingo no pasara tiempo con su papá real.
Se necesitan habilidades superiores para hacer películas y para convertir una historia como esta en una buena película. Las emociones tienen que medirse con cuidado, para evitar que se convierta en un melodrama aburrido y exagerado. El diálogo debe ser natural, pero al mismo tiempo no superficial. Y los actores tienen que ser completamente creíbles. Son esas pequeñas cosas que hacen que sus personajes sean tan reales: cuando su madre comienza a rogarle que se quede a pasar la noche, el escritor le dice que no use una voz en la que parece que está a punto de morir. Estas son exactamente las cosas que las madres y los hijos se dicen el uno al otro, con una mezcla de afecto e irritación.
El director también da pequeños indicios y referencias que el espectador entiende completamente después de un tiempo. Al principio, la madre del escritor comenta que un vecino se mudó a una casa más grande; más tarde descubrimos que esto siempre ha sido su propio sueño, y que está cansada de su pequeño departamento.
Tras la Tormenta fue definitivamente, una joya.
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Titicut Follies - Frederick Wiseman
"Titicut Follies" es un controversial documental de Frederick Wiseman. La película registra eventos en la Prisión Estatal de Bridgewater para criminales locos. Fue filmada en 1967, pero fue sometida a una prohibición mundial hasta 1992. La Corte Judicial dictaminó que la película era una invasión de la privacidad de los reclusos, a pesar de que a Wiseman se le había concedido permiso para filmar en la prisión. La prohibición fue simplemente un intento de las autoridades de silenciar las incómodas verdades que la cámara de Wiseman había desencubierto.
A menudo se dice que Wiseman es uno de los principales defensores del cinéma verité. Sus películas no tienen narración, música ni títulos. Simplemente observa a sus sujetos con un desapego frío y clínico. Cualquier cosa que Wiseman filma, el espectador debe interpretar por sí mismo. No hay explicaciones.
En mi opinión, la escena más difícil de ver es la alimentación forzada. Un médico fuma un cigarrillo mientras inserta un tubo de goma largo en la ventana de la nariz del paciente y vierte la sopa en un embudo. A mitad del procedimiento, el cigarrillo del médico cae en el embudo. En una intromisión de director sorprendentemente pesada, Wiseman intercala esta escena dolorosa con atisbos del cadáver del paciente preparado para el entierro.
La forma de Wiseman es muy parecida a una película de Stanley Kubrick. Él ve a sus sujetos en términos de secciones y partes. En términos de máquinas y construcciones más grandes. Su cámara siempre está distante, separada y objetiva
No obstante, detrás de esto hay un artista que parece abrazar la improvisación y el caos. Wiseman funciona rápido con una sola cámara y un micrófono simple. Él atrapa lo que puede, sin propósito y sin plan, esculpiendo sus películas por completo en el momento. Esto presta sus películas, cuando se ven juntas, una sensación extraña. Uno tiene la sensación de grandes construcciones sociales, instituciones gigantescas y comunidades en expansión, máquinas como en sus labores y rutinas, y sin embargo, dentro de estas máquinas, Wiseman captura fugaces vislumbres de humanidad, espontánea y salvaje.
Una película increíble pero perturbadora que te deja con una sensación incómoda durante varios días.
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Ordet - Carl Theodor Dreyer
Ordet es acerca de la fe, y en mi opinión puede que sea la exploración más impresionante de la experiencia religiosa en el cine. La historia es realmente simple. Borgen es un granjero. Su hijo Anders ama a Pedersen, la hija del sastre. Pero Borgen y Pedersen profesan diferentes creencias; Pedersen se adhiere a una creencia fundamentalista austera mientras que Borgen cree en un cristianismo más terrenal, menos metafísico. Si bien son cordiales entre sí, ambos padres se oponen al deseo de sus hijos de casarse.
Borgen tiene otros dos hijos, un alegre agnóstico llamado Michel, y Johannes, que estudió para ser un pastor y que ahora se ha vuelto loco pensando en los imponderables de la fe y la duda. Johannes vagabundea en medio de la noche para predicar al viento, y le declara a cualquiera que escuche que él es el Cristo resucitado.
La esposa de Michel, Inger, es la figura clave en el drama. Ella es una esposa y madre radiante, sencilla y trabajadora. Michel e Inger tienen un amor carnal el uno por el otro; ella está embarazada de su tercer hijo. Inger confía en que la bondad esencial del corazón de su esposo lo llevará de vuelta a la fe.
A pesar de que Orden es una película lenta, no es aburrida. El ritmo es perfecto para el tema, y cuando llega la crisis y la película se dirige implacablemente hacia el clímax, uno no puede apartar la vista de la película. Tu corazón palpita de miedo y anticipando lo que sucederá a continuación. Honestamente, la película tampoco es especialmente intelectual, sino que sus temas tienen que ver más con la belleza y el cine.
La cinematografía de Carl Dreyer es sobresaliente. Los interiores inquietantemente iluminados, los paneos de un lugar a otro en la misma habitación, las actuaciones un tanto distantes pero intensas, los exteriores puramente fotografiados, etc. Esta visión ferozmente personal hace que el espectador de verdad logre adentrarse en la historia.
Ordet, al final del día, trata de la dificultad en buscar a Dios a través de un sistema de creencias sin poder verlo dentro de ti mismo. En algún punto de la película, Johannes recuerda que Cristo dijo: "Pide y recibirás", y pregunta con una fe profunda en el resultado. Los otros, tan atrapados en sus "creencias", simplemente se olvidan de preguntar.
Ordet, para mí, es una obra de arte totalmente sincera, conmovedora e inolvidable.
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Un Verano con Monika - Ingmar Bergman
Un Verano con Monika tiene una historia clásica de cine de arte, una historia simple pero que es muy madura y emocionalmente compleja. Dos amantes adolescentes escapan de la tiranía de sus padres. Roban un barco, viajan juntos por las islas del sur de Suecia y se deleitan en su lujuria adolescente. Algunas cosas suceden en el camino, pero realmente no vale la pena mencionarlas.
Lo que hace que esta película sea una obra maestra es el tercer acto. El amor adolescente a menudo es idealizado. Sin embargo, quizás Ingmar Bergman era demasiado pesimista para que sus personajes encontraran una felicidad interminable para cuando la película se desvaneciera. Harriet Andersson, interpreta a Monika mientras que Lars Ekborg interpreta a Harry. Hay una parte de Monika que podría realmente amar a Harry, pero parte de ella solo quiere la experiencia de una aventura, la independencia de sus padres, la experiencia del amor y, sobre todo, del sexo. Andersson provoca a la audiencia, pero Bergman es cuidadoso de no convertirla en una fantasía masculina barata, algo que me parece increible.
Finalmente, cuando el verano está por terminar, Harry decide que los dos no pueden pasar el resto de sus vidas navegando sin rumbo, además, Monika está embarazada. Bergman evita el tipo de final en el que los dos regresan a casa, en cambio le da a estos dos personajes un golpe de realidad. Harry, sumamente entusiasmado, se casa con su novia y consigue un trabajo decente. Cuando nace su hijo, se llena de alegría. Desafortunadamente, Monika no puede tener la misma actitud. Esta vida monótona y rutinaria de la que esperaba escapar recae sobre ella para atraparla una vez más. El hecho de que tiene un hijo la molesta: ya no puede hacer lo que quiera, además de que su lujuria ahora queda insatisfecha: Harry la ve como la bella madre de su hijo, ya no tanto como su amante. En la escena más memorable de la película, ella recoge a un nuevo novio en un bar. Bergman le permite mirar directamente a la cámara, uno de los primeros ejemplos de un cineasta rompiendo la cuarta pared. Monika nos mira a los ojos y vemos el dolor, el miedo y la soledad que ha adquirido. La toma se mantiene durante lo que parece una eternidad, a pesar de que solo consta de unos pocos segundos.
Monika deja a Harry y a su bebé. La película termina con Harry solo, mirándose a sí mismo y a su hijo en el espejo. Está herido, eso es seguro, pero en realidad no la juzga. Después de todo, él entiende a Monika. Mientras recuerda la belleza del verano que él y Monika compartieron, sostiene en su brazo la única evidencia que queda de esa época. Es un final triste, pero, con la calidez que vemos en la expresión de Harry, sabemos que el niño será muy querido por su padre y nos quedamos con un último mensaje: la vida continua.
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La Cabina - Antonio Mercero
La película comienza con varios trabajadores instalando una nueva cabina de teléfono en la plaza de la ciudad. Poco después un hombre y su hijo pasan caminando, una vez que el niño ha se ha subido al camión, el hombre entra en la caja para hacer una llamada telefónica. Mientras levanta el receptor, la puerta se cierra lentamente. El hombre está bastante irritado cuando resulta que el teléfono no funciona, esto no es nada comparado con cómo se siente cuando no puede abrir la puerta. Varios transeúntes intentan ayudarlo, incluidos los niños, el hombre fuerte local, un obrero, la policía y finalmente el cuerpo de bomberos. Ninguno, sin embargo, puede abrir la puerta o incluso romper el cristal. Finalmente, el obrero que instaló la caja regresa, pero en lugar de liberar al hombre atrapado, se lleva la caja en la parte trasera de un camión. Mientras conducen, pasan otro camión con una cabina telefónica y también un hombre atrapado dentro. Finalmente, el camión ingresa a una instalación construida en una montaña y el hombre se horroriza al encontrarse en una habitación grande llena de cajas telefónicas idénticas, cada una conteniendo un cadáver. La película termina con los trabajadores instalando una nueva caja de teléfono en la plaza, dejando la puerta abierta para atrapar a su próxima víctima.
Esta película muestra que es posible hacer que el horror sea genuinamente perturbador sin violencia ni violencia. No se da ninguna explicación de los eventos, ni siquiera se insinúa, ni hay indicios de que el hombre sea otra cosa que la primera persona en ingresar a la nueva casilla, dando al espectador la sensación de que si le pudiera pasar a él le podría pasar a cualquiera . Aunque la película está en español, es posible que alguien la disfrute ya que no hay mucho diálogo y de todos modos es fácil entender lo que se dice.
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O Lucky Man - Lindsay Anderson
Por decir lo menos, esta es una película extraña. No tiene una "trama" real en sí misma o al menos no es una historia contínua y cohesiva, sino que sigue a un hombre mientras se desplaza a través de varios eventos y personas, y cómo esas experiencias le afectan o no. Los eventos también son bastante surrealistas, a menudo muy extraños, brutales o sexuales, y en ocasiones un poco molestos. Las características comunes o elementos unificadores en todas partes, aparte del carácter, son constantes comentarios sociales, a menudo bastante duros; el hecho de que toda la película es una serie de experiencias aparentemente aleatorias, cada una por casualidad que conduce a la siguiente, y una conclusión final; y el hecho de que al final los eventos cambian el personaje.
Sin embargo, hay algo en la película, tal vez una mezcla de la rareza, la aparente aleatoriedad de todo, los impactos de los eventos y la gente, y la gran descripción de McDowell de un personaje aparentemente desorientado pero simpático, que atrae al espectador a la atención sobre los eventos. El resultado es que el espectador desea seguir mirando durante las aproximadamente 3 horas para ver qué sucederá a continuación. Hay algo apasionante sobre la falta de una trama particular para que el espectador quiera ver qué evento aparentemente aleatorio, desconectado seguirá y adónde conducirá. Al final, el espectador ve una progresión y cómo la película termina esencialmente con un contrapunto al principio.
Además, todos son agradables de ver. Esto es particularmente cierto en el caso de McDowell, por supuesto, ya que generalmente es excelente y es la única persona constante en todo momento, retratando maravillosamente las transformaciones de Travis.
Al mismo tiempo, el espectador también encuentra constantemente numerosos puntos, imágenes, eventos, etc., que se trabajan en el espectador y hacen que el espectador piense.
La película también tiene una gran banda sonora que creo que realmente ayuda a la película. Las canciones tienen una forma de incrustarse profundamente en el espectador al igual que el personaje de McDowell y los eventos mismos. Las letras también son bastante reveladoras y pegadizas.
Esta película ciertamente no es para todos y yo diría que al cinéfilo promedio probablemente no le guste o al menos se sienta confundido o aburrido. Pero, para algunos, al menos, esta será una película intrigante y apasionante.
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Enamorada - Emilio Fernández
El melodrama romántico Enamorada fue uno de los mayores éxitos de México en ese momento. La película del pueblo fue dirigida por el actor mexicano convertido en director Emilio Fernández, quien escribió la historia con Íñigo de Martino, y también escribió el guión.
Durante la Revolución Mexicana, a principios del siglo XX, el guerrillero general José Juan Reyes (Pedro Armendáriz), conquista la ciudad de Cholula, cerca de la Ciudad de México, y exige que los ricos le dan dinero para apoyar la revolución o de ser ejecutado por el pelotón de fusilamiento el ejército revolucionario de la muchedumbre maltrata a los ricos en su ocupación. Mientras tanto, el general se enamora locamente de la bella Beatriz Peñafiel (María Félix, la actriz más importante de México), la hija de un padre rico (José Morcillo). Pero ella se resiste a él.
La forma en que ambos se enamoran se maneja hábilmente con un ligero toque por parte de Fernández, ya que logra evitar el lado sangriento de la revolución para el lado romántico.
El cambio fundamental para el General tiene lugar cuando visita a su amigo sacerdote sabio (Fernando Fernández) en la iglesia y se siente abrumado por el poder de los símbolos cristianos y más movido por el coro de la iglesia cantando el Ave María. Bajo las estrellas de la noche, evidentemente, un hombre nuevo, al altivo y severo general se humillará en la casa palacio de Beatriz como un trío de músicos con su serenata La Malagueña debajo de la ventana de la habitación, mientras que ruega por su perdón. Esta escena, una de las más famosas del cine mexicano, eleva la película a un reino espiritual más inquietante.
La cinematografía en blanco y negro de Gabriel Figueroa es suntuosa. Las actuaciones son todas buenas, con la de María Felix siendo hipnótica.
Esta película mexicana casi olvidada es una pequeña joya y vale la pena buscarla.
Fue rehecho en 1950 como The Torch con Armendáriz repitiendo su papel junto a Paulette Goddard.
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El Quinto Sello - Zoltan Fabri
En un ambiente devastado por la guerra en 1940 en Hungría y bajo un régimen fascista sin nombre que gradualmente toma el control del país, cinco hombres de diferentes ocupaciones se sientan en una mesa en un bar local, beben y conversan sobre varias cosas. A pesar de la atmósfera violenta afuera, los hombres intentan divertirse y pasar un buen rato, pero gran parte de su conversación, como es lógico, gira en torno a la situación tensa y la forma de lo que vendrá. En medio de temores de advertencias de ataques aéreos, los hombres entablan discusiones interesantes que se centran en los mismos cimientos de la guerra y la dictadura, que provienen de ideologías diferentes y desde un punto de vista individual.
En tal escenario, uno de los hombres hace una pregunta hipotética estrictamente desde una perspectiva individual, que rompe la compostura de todos, agita sus creencias y los pone en un lugar difícil. La respuesta es aparentemente simple, pero poco a poco se dan cuenta de que, como la vida misma, no hay respuestas fáciles para todo.
"The Fifth Seal" se desarrolla de forma claustrofobica con la acción atada a la barra tenuemente iluminada, salvo por un par de secuencias muy importantes durante las cuales se desplaza a otra parte. La atmósfera prevaleciente de violencia y terror nunca se muestra en la pantalla y simplemente se sugiere de la manera más efectiva mediante sonidos de carnicería en el exterior, dejando los visuales a nuestra imaginación, un dispositivo utilizado a menudo por Hitchcock. Las preguntas pertinentes con respecto a la moralidad y la conciencia se plantean y sopesan contra el pragmatismo y la necesidad de sobrevivir. Los puntos de discusión planteados son desde distintas perspectivas: el gobernante y el gobernado, el opresor y el oprimido, sus respectivos roles como miembros de una sociedad, en contraste con sus roles como seres humanos altruistas en busca de la salvación.
Uno de los aspectos más destacados de "El quinto sello" es la conversación impactante pero muy esclarecedora entre uno de los oficiales fascistas y un individuo misterioso (Zoltán Latinovits), vestido con atuendo civil, que parece ser su líder y mentor. Sus escalofriantes palabras se basan en las creencias básicas de la autocracia y son la clave de la manipulación psicológica masiva que ayuda a un régimen fascista a prosperar y florecer. Aplastando el espíritu de un hombre y quitándose su autoestima es suficiente para aplastar a toda una sociedad.
"The Fifth Seal" es una obra maestra bien dirigida y realizada por expertos del cine húngaro, una película fascinante que golpea con fuerza y nos deja con mucho en qué pensar.
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Les Diaboliques - Henri George Clovzot
Se dice que fue el brillante suspenso de un asesinato en el baño inspiró a Alfred Hitchcock para crear Psycho, pero sospecho que a Hitchcock también le puede haber fascinado la naturaleza a la Patrick-Hamilton de la trama y su giro final.
La esposa del director, Véra Clouzot, encarna a Christina, la abusada esposa de Michel, un detestable director de primaria magníficamente interpretado por Paul Meurisse, un hombre que tiene abiertamente una aventura con una maestra, Nicole (Simone Signoret), por la que es famoso por abusar tanto como su esposa. Así que Christina trama con Nicole asesinar a su marido.
La primera mitad es interesante e increíblemente bien pensada. Pero la verdadera fortaleza de la premisa subyacente de la película comienza en el momento de la trama de punto medio. La segunda mitad es fascinante, porque la trama estrecha comienza a rebosar de misterio y suspenso. Se basa en diez minutos finales que son tan aterradores como casi cualquier final en la historia del cine; interiores oscuros, sombras, luz ominosa al final de un largo pasillo, una ausencia general de sonido, una mano enguantada, un grito y una imagen inesperada. Es la definición misma de suspense escalofriante.
Hay una pista para ayudar a resolver el misterio de la historia en los primeros diez minutos de la película; pero como cualquier buen misterio, esa pista es muy sutil. Toda la actuación de la película es excelente, incluso para los actores infantiles. Y, Simone Signoret es tan maravillosa aquí como lo es en todas sus otras películas.
Aunque no es estrictamente una novela policíaca, "Les Diaboliques" es un clásico misterio de asesinato que se ha ganado una merecida reputación por establecer el estándar del suspenso cinematográfico. La historia es fascinante, y la película está bien hecha técnicamente. Películas más recientes han intentado copiarlo; pero este es el original.
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La Cocotte d’Azur - Agnes Varda
Un comentario irónico acompaña imágenes que muestran el mundo kitsch de la Costa Azul. La edición, muy rigurosa, teje vínculos formales entre los planes que alimentan esta ironía. Agnès Varda había filmado esta película a raíz de Coast Side.
Con este pequeño documental, Agnes Varda nos regala una nueva visión de las playas de Niza, demostrando de forma sumamente pura lo que es el cine. Contrastando de forma poética cada esquina de Niza.
Lo que más me llamó la atención de esta película es el hecho de que no haya diálogos, y el personaje principal es un lugar, algo que me imagino debe de ser una tarea sumamente difícil. Me parece muy bonito la forma en la que Agnes Varda logra retratar la playa, pero también me parece triste que es una realidad alternativa, un pasado al que ya no podemos regresar.
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El Proceso - Orson Welles
Joseph K. se despierta una mañana y encuentra a la policía en su departamento. Él es acusado y debe ser juzgado. Por qué ofensa él no sabe. Se topa con un paisaje de pesadilla de limbo judicial y supervivientes cínicos, exigiendo justicia.
Cuando uno analiza, es muy fácil concluir que Orson Welles, más que nadie, fue el candidato ideal para adaptar una historia de Kafka. Posee todas sus marcas características: el ambiente de pesadilla, una figura de poder manipuladora (el Defensor, interpretado por el mismo Welles) y un desfile de personajes desconcertantes que, aunque absurdo, son parábolas muy reveladoras para las deficiencias de la raza humana. Abriendo con una introducción increíblemente dibujada, la película realmente comienza con K despertando en su cama. Es entonces una cascada de increíbles tomas con la cámara deslizándose con una gracia desconcertante y edición ingeniosa. La cámara siempre transmite una sensación de malestar y su combinación con los conjuntos de estilo soviético y la geometría opresiva mejoran aún más el aura de la paranoia.
Del elenco, Anthony Perkins interpreta perfectamente el papel del acusado desconcertado. Recibe ayuda de Jeanne Moreau, Max Haufler, Romi Schneider, Akim Tamiroff y, especialmente, como siempre, el propio Welles. Algunos pueden objetar la transposición de la novela de Kafka a tiempos más modernos, pero no se puede negar que el espíritu está perfectamente capturado. Welles podría engañarte para que creas que El Proceso es una historia de su invención, pero que también es su película más personal. Cabe mencionar que el mismo Welles llamó a esta película su mejor obra, tal vez porque fue su primera película completamente controlada en mucho tiempo. En mi opinión si es una de sus mejores.
Si Kafka escribió un escenario de pesadilla, Orson Welles siguió sus indicaciones a la perfección creando una serie de escenas surrealistas, transformando la película de lo banal a lo inquietante. Pero aparte del drama, la película es una obra maestra visual. Los decorados son asombrosos: incluso los que parecen normales, como almacenes y pasillos, se transforman por la forma en que se graban. La iluminación se aprovecha al máximo, mientras que cada toma y cada ángulo de la cámara es una obra de arte memorable. Nunca se ha utilizado una película en blanco y negro para obtener un mejor efecto. Todos los amantes del arte cinematográfico clásico deberían tener esta película.
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Panna a Netvor - Juraj Herz
Panna a Netvor, traducida muchas veces como “La bella y la Bestia” pero aunque una traducción más precisa es "La doncella y el monstruo". Es una versión del cuento más teñida de terror, que realmente no es para niños pequeños.
Los cuentos de hadas parecen especializarse en transformaciones mágicas: bestias en humanos, mendigos en príncipes y princesas, etc. Pero si uno los analiza con atención, se vuelve obvio que las transformaciones no son realmente transformaciones - Cenicienta, por ejemplo, siempre fue una princesa, solo tenía que ser reconocida como una. Entonces, lo que hacen muchos cuentos de hadas es mostrar las cosas como realmente son, o al menos, como deberían ser. Esta versión de "La bella y la bestia" muestra las cosas tal como son y cómo deberían ser, además de que trabaja para cerrar la brecha, haciéndola más moderna que el cuento de hadas promedio.
Cuando comienza la historia, las cosas tal como son son bastante horripilantes: nuestra "Bestia" (Netvor) no es un príncipe; nunca es llamado uno, vive en una mansión y no en un castillo, y aunque tiene sirvientes, son monstruos similares a él. Él es en parte un pájaro y en parte una bestia, la cual está representada tanto por su cuerpo como por una voz siniestra que le dice que mate cosas, incluida nuestra "Bella", Julie. Su voz nos dice que ha sido completamente transformado durante al menos veinte años.
Por lo general, es bastante difícil hacer que cualquier personaje de Bella sea interesante, ya que simplemente existe como un accesorio para que la figura de la Bestia pueda salvarse, pero esta película lo intenta. Como en el cuento de hadas original, ella es hija de un comerciante, no un inventor (como en la versión de Disney); sus dos hermanas egoístas, obsesionadas con el dinero, están programadas para casarse con otros comerciantes, y su padre ha invertido todo en comprar cosas para sus respectivas bodas. Lamentablemente, los productos deben viajar a través del Bosque Negro, y las personas que conducen los carros tropiezan con uno de los cables de viaje de la Bestia. De modo que se destruyen todas las propiedades del mercader y él y sus tres hijas quedan prácticamente en la calle. El mercader se va con el retrato de su madre para vender. Las dos hijas egoístas quieren oro y gemas, pero Julie aceptará una rosa silvestre .Pero nuestra Bestia se ha llenado de violencia por la destrucción de los bienes del comerciante, y cuando el mercader se tropieza con la casa, la Bestia hace que sus criados lo alimenten y le den vino, y hasta deposita joyas en la mesa para que el mercader las lleve a cambio del retrato. Entonces el comerciante toma una de las rosas de la Bestia. Cuando regresa con cosas brillantes, las dos hermanas mayores están encantadas, incluso después de que el comerciante les dice que necesita morir porque se llevó una rosa para Julie. A menos que, por supuesto, una de las tres hijas regrese a la Bestia en su lugar, entonces Julie se va al bosque.
Julie llega a la casa de la Bestia, bebe un vino de aspecto sospechoso y se desmaya. Luego, sueña con estar encerrada en un ataúd y ser rescatada por la Bestia en forma humana. Mientras duerme, la Bestia se para encima de ella y lucha con la voz que quiere que la mate y beba su sangre. Finalmente, para lograr ignorar a la voz, corre hacia el bosque y mata a un venado. Cuando Julie se despierta, está sola. Mientras está sentada frente al fuego, la Bestia aparece detrás de ella, ordenándola que no se dé vuelta, y comienzan a platicar. Ella le dice por qué está allí. Él le pregunta si puede visitarla la noche siguiente, y comienza la persecución del gato y el ratón. De modo que sus días continúan: cada mañana y cada tarde, la mesa parece establecerse, y tiene bonitas joyas y vestidos para ponerse, y la vida es buena.
Esta versión en film noir del cuento de hadas clásico es cautivadora y mágica. En muchos aspectos, está más cerca de la historia original que otras versiones que he visto. Cabe mencionar que la fotografía es uno de los elementos más importantes de la película, puesto que le da ese toque mágico, sobre todo en la última escena cuando la Bestia, ya transformado en humano, carga a Julie a través de los pasillos y puertas de la mansión.
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El Cremador - Juraj Herz
El Cremador es una película sumamente extraña e inquietante que definitivamente no es para los débiles de corazón. Es una película que a pesar de incomodar al espectador, lo hace de una forma tranquila. Hay un final magistral, molesto, triste, aterrador y loco que devuelve la película a su enfoque.
Kopfrkingl es el director del único crematorio de la ciudad, un negocio que su padre comenzó 40 años antes. El lugar es Checoslovaquia justo antes de la Segunda Guerra Mundial. Nazis y sus colaboradores checos pronto asumirán el control. Kopfrkingl es un hombre sincero, un poco regordete, de mediana edad y dedicado a los servicios que presta. Él piensa en su crematorio casi como un templo. Está casado con la mujer que conoció en la jaula de las panteras del zoológico. Kopfrkingl tiene dos hijos, a quienes ama con locura; también tiene un médico judío que revisa su sangre todos los meses para asegurarse de que “no ha sido contagiado de nada de sus cadáveres”, aunque probablemente esté más preocupado por atrapar alguna enfermedad de su prostituta favorita, a la que visita todos los meses.
"La cremación es humana", le dice Kopfrkingl a su sus hijos Mili y Zina, y a nosotros como espectadores, "libra a la gente del miedo a la muerte. Queridos niños, no teman a la cremación. La muerte es solo la liberación del alma. La pureza de la cremación trae pureza al alma. Tan solo 75 minutos en el horno y el crematorio han devuelto el polvo al polvo y sin el desorden que la otra forma garantiza”.
Es solo una cuestión de tiempo antes de que los amigos checos de Kopfrkingl, quienes tienen sangre pura alemana, le muestren que se necesita un nuevo orden para traer pureza y rectitud. Su crematorio le dará a su vida su propio propósito y la pureza que estaba destinada a ser. A lo largo de la película, aprendemos cuán calmado y monstruoso es.
Es obvio que Kopfrkingl es un loco, pero gran parte de su personalidad es el hecho de que sea tan calmado. Peina el cabello de un cadáver y luego, sin pensarlo, se peina el cabello con el mismo peine. La tranquilidad de Kopfrkingl proviene de la certeza de que lo que hace tiene un noble propósito. Hay ternura, pero no compasión, moral pero sin moralidad, amor pero sin compromiso, creencia pero un gran desorden. Cabe mencionar que al haber tenido un pariente judío, los hijos de Kopfrkingl están clasificados como judíos, y para ser limpiados, todos deben morir.
The Cremator no es en una comedia negra, es más un canto fúnebre lleno de ironía. Una vez que entendemos el punto que el director, Juraj Herz, establece para nosotros, no hay mucho más que desarrollar. Lo que queda es observar cómo funcionan las cosas. Entre más nos adentramos en la película, nos damos cuenta de que las cosas no funcionarán bien para casi nadie. En una inversión extraña y quizás no planificada del simbolismo, la matanza nazi de judíos que implica el uso eficiente de crematorios se convierte en una metáfora de la locura de Kopfrkingl.
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Padre Padrone - Vittorio y Paolo Taviani
Los hermanos Taviani, Vittorio y Paolo, nacieron y se criaron en la Toscana Italiana, hijos de un abogado antifascista acomodado, y trabajaron juntos como cineastas toda la vida. Además de adaptar a Goethe y Pirandello, realizaron películas ambientadas en la Italia de principios del siglo XIX y en los últimos días de la ocupación alemana.
Su trabajo más importante, sin embargo, es Padre Padrone (también conocido como Padre, Maestro), basado en una memoria de Gavino Ledda sobre su dura educación como hijo de un campesino psicológicamente y físicamente abusivo en la posguerra, y cómo llegó para crear su propia vida después de que su padre le prohibió ir a la escuela a los seis años. Gavino se vio obligado a cuidar a las ovejas de la familia en las montañas siendo analfabeto a los 20 años. Fue entonces cuando las circunstancias familiares lo obligan a unirse al ejército; allí aprende a leer y escribir y se inspira para ir a la universidad y romper con una tradición patriarcal opresiva.
Es una historia realista y atrevida contada de una manera estilizada, impresionista con dos actores interpretando a Gavino a los seis y 20 años, una actuación brillantemente antipática pero comprensiva de Omero Antonutti como el padre, y el propio Ledda superando y siguiendo la imagen. La película está llena de incidentes vívidos e incisivos y metáforas poderosas, aunque carece de sentimentalismo o triunfalismo.
Padre Padrone recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1977 y se cree que el presidente del jurado, Roberto Rossellini, gastó tanta energía en desafiar a la dirección del festival (que quería que el premio fuera para A Special Day) y persuadir a su jurado, que provocó su ataque al corazón fatal días más tarde. Sin embargo, Pauline Kael, que estaba en el jurado y pensó que era una "película casi genial", escribió después de la muerte de Rossellini que "no había duda entre los miembros del jurado de que tenía que ganar la Palma de Oro".
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Le Diable, Probablement - Robert Bresson
Charles es una fuente de preocupación para sus amigos Michael, Alberte y Edwige. Dedican gran parte de su tiempo a adorarlo y preocuparse por él, porque no puede encontrar consuelo en nada. El consumismo, la destrucción ambiental y la codicia han creado un vacío de desilusión en el que viven estos jóvenes personajes, y Charles, sobre todo, no ve salida, encuentra este mundo desagradable, pero morir por escapar de él es tan inútil como intentar triunfar en él y contribuir a él.
Cada escena y plano en esta película es drenada de calidez y vitalidad. Es como si todos en el mundo hubieran ya aceptado la mecanización industrializada y su propia impotencia ante esta. Muchas de las tomas ni siquiera muestran las caras de las personas, solo sus cuerpos anónimos caminando, sus cabezas cortadas. La actuación es deliberadamente mínima y subestimada. En este mundo vacío, no hay un rayo de esperanza representado por nadie.
Sin embargo, esto no está mal. Lo que hace que esta película sea tan grandiosa, en esencia, es su disposición a mostrar las cosas como realmente son. Mientras los otros en la película se aferran a las ingenuas esperanzas de una "revolución", Charles ha cruzado a una especie de iluminación existencial. Charles sabe que cualquier fantasía de derrocar al gobierno o de desafiar a la autoridad es inútil cuando es la humanidad la que guía y permite la persistencia de un status quo destructivo. Hay una escena muy poderosa en la que Charles le dice a su psicólogo que su único problema es que ve muy claramente.
Le Diable, Probablement deja en claro que, para algunos no hay instituciones, ni lugares en la sociedad para apoyarse o reunir fuerzas. Rendirse es su única opción. Bresson describe a este tipo de persona como alguien que casi logra una iluminación en su rechazo a aceptar lo que la sociedad le dice que acepte y el precio final que se paga por ello.
Si bien el suicidio nunca debe ser celebrado, la belleza y la claridad de la descripción de los mecanismos que conducen al suicidio del personaje en las películas de Bresson es digna de elogios.
París nunca se ha visto más frío o más sombrío; el color es casi inexistente, y la película comienza y termina en la oscuridad. La luz es escasa en todas partes. Esta película de Robert Bresson es un poderoso grito de desesperación dirigido a un mundo sin valores.
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Stalag 17 - Billy Weilder
Stalag 17 es una película de guerra dirigida por Billy Weilder que fue estrenada en 1953. Esta película me pareció interesante porque Weilder supo encontrar el balance perfecto entre drama y comedia. Esta película podría convertirse fácilmente en un drama pesado, pero en su lugar se elige un enfoque más ligero, sin perder su potencia más dramática y seria. Hace que la película sea entretenida y eficaz. Es una película de los 50’s, pero no se siente como tal. La película parece estar adelantada a su tiempo con el manejo de la historia, la dirección y el estilo general de la realización cinematográfica. El trabajo con la cámara es especialmente bueno y vale la pena mencionarlo.
La película es una muy buena representación de las vidas de los oficiales prisioneros de guerra estadounidenses en un campos alemanes. Los soldados tratan de aprovechar todo al máximo, incluso con recursos sumamente limitados. Cada pequeña cosa y aquellas están fuera de lo común son lo que los hace pasar sus días y lo que los mantiene vivos. Es interesante que la primera mitad de la película ni siquiera trata sobre el personaje de William Holden, no es hasta después de la mitad de la película que la historia comienza a tomar forma y la trama principal de la película se vuelve obvia. De antemano uno podría esperar que esta película fuera acerca de los prisioneros de guerra que intentan escapar, pero la realidad es que es una historia mucho más compleja y profunda.
Pero sobre todo, hay que reconocer que la película está muy bien realizada y especialmente dirigida, esto no es sorprendente, ya que el hombre detrás de esto -Weilder- gano 6 oscares a lo largo de su carrera, uno de ellos como mejor director por Stalag 17, cabe mencionar. Asimismo, William Holden hace un gran trabajo al retratar a este personaje tan complejo. Al principio, uno no sabe qué pensar de él, ya que no es un personaje muy agradable. Sin embargo, poco a poco se convierte en un personaje fuerte e importante que comienza a hacer lo correcto.
Aunque no ha sido de mis favoritas a lo largo del curso, creo que vale la pena no solo verla, sino estudiarla.
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El Puente - Bernhard Wicki
El Puente es definitivamente la mejor película de guerra que he visto en toda mi vida, pero también es de las más tristes y definitivamente de las más conmovedoras, una historia desgarradora e intransigente de la inutilidad de la guerra y la trágica pérdida de la vida e inocencia de la infancia.
El Puente se basó en la novela de Manfred Gregor, inspirada en sus propias experiencias como niño en la guerra, y adaptada por Michael Mansfeld, Karl-Wilhelm Vivier y el director Bernhard Wicki. Un par de días antes del final de la Segunda Guerra Mundial, siete muchachos alemanes de dieciséis años de un pequeño pueblo son reclutados para el servicio militar.
Lo que más me impresionó de 'The Bridge' es que dedica mucho tiempo a la vida de los niños antes de su enlistamiento en el ejército, lo que hizo más fácil que me encariñara con ellos. Sus experiencias sencillas en un pueblo pequeño contrastan fuertemente con las imágenes de muerte y destrucción que más tarde serán testigos. En medio de las dificultades cotidianas de los muchachos, esto no parece preocuparlos en absoluto, sino que más bien los emociona la idea de ir a la guerra por su patria.
Después de su primer día en el ejército, se ordena a toda la fuerza de infantería a marcharse y saludar al próximo ejército aliado. En un acto de pura desesperación, y, con el fin de evitar los reclutas recién enlistados, los siete muchachos son enviados a un pequeño puente de en las afueras de su propia ciudad. Este cruce es estratégicamente insignificante, y los comandantes planean demolerlo tan pronto como lleguen los estadounidenses, pero los muchachos no tienen acceso a esta información. Cuando los estadounidenses llegan al puente, los siete jóvenes reclutas lanzan una ofensiva completa, una tragedia del tipo incorrecto de valentía que resulta en la muerte de todos menos uno.
La historia no abarca un largo período de tiempo, pero las impresiones son fuertes. Hay un increíble nivel de detalle, y en 100 minutos, comunica mucho más que miles de películas juntas; más de lo que normalmente esperarías en tan poco tiempo.
La autenticidad de la historia es sorprendente, la producción no deja nada que desear, el diálogo está bien escrito y se entrega con una sinceridad convincente. Las actuaciones son perfectas, cada una de ellas igual de poderosa que la anterior. Los personajes son creíbles y consistentes. La realidad es que a esta película no se le puede reclamar nada.
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