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ROMÁN GUBERN

MI OTRO PIGMALION

(“Nada es permanente a excepción del cambio. La permanencia es una ilusión de los sentidos”. Con esta reflexión de un filósofo clásico, Heráclito, doy fin a esta larga serie de 10 años de trabajos sobre cine. Mil gracias y mil perdones a cuantos hayan tenido la osadía y paciencia de leerlos).

Gracias a un gran amigo, ya desaparecido pero que siempre tengo presente, me acerqué al cine cuando era un adolescente que acababa de abandonar el pueblo para marchar a la capital a realizar el curso que entonces se denominaba Preuniversitario y que era selectivo para ingresar en la Universidad. Corría el año 1965 y en los meses siguientes me fui enterando que existía un cine más divertido, pero al mismo tiempo más profundo y más artístico que la mayoría de las películas que nos pasaban en el Palacio Erisana, en el Salón Alhambra o en las escasas películas que se veían en aquella televisión en blanco y negro. En Sevilla tenía la posibilidad de ver películas que seguramente no llegarían al pueblo y tendría opción de ver “otro cine” en aquellos cineclubes de las diferentes facultades universitarias. Mi amigo fue una especie de Pigmalión para mí.

 Yo me interesé rápidamente por el tema, pero me faltaban fuentes informativas. Acudí – después de ahorrar durante varios meses – a dos fuentes: “Historia del cine mundial de los orígenes a nuestros días”, de George Sadoul, que era una especie de “biblia” del cine para los cinéfilos y “La historia del Cine”, en dos grandes tomos, de Román Gubern. Debo confesar que el oráculo Sadoul no me convenció. Sin embargo, Gubern me sedujo desde el primer instante y me convertí en un fiel seguidor suyo, un devorador de muchos de sus textos. Román Gubern fue el otro Pigmalion que me acercó al mundo del cine. A él va dedicado este pequeño homenaje.

“Se empieza a ser sabio cuando uno comprende que, incluso en su especialidad, ignora mucho más de lo que sabe”. Para decir esa frasehay que tener un bagaje profesional y moral de gran altura, sobre todo si quien lo dice presenta la trayectoria de Román Gubern (Barcelona, 1934). Su figura sobrepasa las fronteras de la cinematografía y para exponer, aunque resumido, su curriculum necesitaríamos varios folios; no obstante hay va un pequeño resumen: Doctor en Derecho por la Universidad Autónoma de Barcelona y Catedrático de Comunicación Audiovisual de la misma Universidad; profesor en las Universidades de la Sorbona, Harvard, Yale, Southern California (Los Ángeles), Venice International; conferenciante en el MoMA de Nueva York; investigador en el Massachusetts of Technology; profesor de Historia del Cine en el California Institute of Technology (Pasadena); presidente de la Asociación Española de Historiadores del Cine; miembro de la Association Française pour la Recherche sur L’Histoire du Cinéma; Miembro de la New York Academy of Sciences, de la American Association for the Advancement of Science y del Comité de Honor de la International Association for Visual Semiotics. Abruma la formación tan heterogénea de Gubern, que abarcó la historia, la literatura, el cine, los comics, la filosofía, el derecho o la comunicación. Guionista, crítico, director, escritor, profesor, su relación con el cine ha sido enorme.

Ha escrito cerca de 50 libros sobre cine, comunicación y comics. Ha publicado infinidad de artículos en El País (pueden revisarse por Internet). Pero además su labor no solo ha sido teórica, sino que ha escrito varios guiones cinematográficos. Entre sus libros más destacados podemos señalar: Godard polémico (1969), Historia del cine (1969), El lenguaje de los cómics (1972), Mensajes icónicos en la cultura de masas (1974), Un cine para el cadalso. 40 años de censura cinematográfica en España (1975), El cine español en el exilio (1976), El cine sonoro en la II República, 1929–1936, (1977), La caza de brujas en Hollywood (1987), Proyector de luna (1999), Patologías de la imagen (2004) o Cultura audiovisual (2013). En colaboración con Javier Coma o Luis Gasca escribió vario textos sobre el comic y su influencia en la cultura. Dirigió el Cine Club Universitario de Barcelona en los años 50. Su colaboración con la prensa escrita se realizó en revistas como Cinema Universitario, Nuestro cine, Triunfo, Destino o El País. Fue también director del Instituto Cervantes de Roma.

Escribió varios guiones tanto para el cine como para televisión. Para el cine escribió Mañana será otro día, España otra vez, Un invierno en Mallorca, Dragón Rapide o El largo invierno, luego dirigidas por Jaime Camino y Espérame en el cielo, de Antonio Mercero. Como cineasta independiente escribió y dirigió en 1964, Brillante porvenir y en 1969, Costa Brava.

Sus trabajos como historiador nos han acercado al cine de la II República o al impacto de la censura a lo largo de los años. Su labor como investigador también ha sido encomiable, llegando a descubrir una película de Buñuel de 1930 sobre la familia de Salvador Dalí (una película doméstica pero no exenta de interés) y durante su estancia en Francia dos películas de Benito Perojo con Concha Piquer que se creían desaparecidas: El negro que tenía el alma blanca, de 1927 y La bodega, de 1929.

En definitiva, un intelectual de primera línea del que se pueden sentir orgullosos no solo el cine español en particular, sino la cultura española en general y que mantiene una claridad mental envidiable a sus 90 años. En una entrevista del año 2020 expuso con lucidez su impresión sobre la situación político social de los últimos tiempos:

“La verdad es que lo que está ocurriendo en Cataluña me tiene asombrado y perplejo, y no entiendo cómo en un estado europeo, en una democracia como la española, puede haber un movimiento insurreccional activo. Hablo con muchos amigos franceses, alemanes, etc., y están perplejos al ver que hay una insurrección en toda regla de una parte de un estado democrático europeo. Es verdad que la política es compleja, que hay muchos puntos de vista, muchas creencias, pero siempre que me preguntan digo que, antes que nada, me siento europeo. Luego, puedo ser español, y catalán, pero primero europeo, porque además, he vivido en París, en Roma, y conozco Europa bastante bien. Pienso que la situación española es complicada, pero como sufrí la dictadura de Franco que era la más fascista, y por eso marché de España, comparándola con la situación actual, desde luego que ahora estamos mucho mejor, pero me sigue incomodando mucho la situación en Cataluña, y le diré por qué: en el franquismo, los catalanes, junto con los madrileños, gallegos, andaluces, etc. luchamos contra la dictadura; y durante la Guerra Civil, de la cual soy hijo porque nací en 1934, cayeron en los frentes y muriendo juntos catalanes, madrileños, extremeños, andaluces…, luchando todos contra el fascismo. Para mí, ese es el pacto de sangre. Es cierto que en España hay culturas diversas: Euskadi, Cataluña o Galicia, y la Constitución las reconoce con personalidad propia, pero a mí personalmente, esta ruptura que se propone desde Cataluña me duele mucho como catalán”.

Espero y deseo que Román Gubern nos acompañe, todavía, muchos años…

19/10/2024

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EL CINE EN LA MODA Y EN LA MESA 

Situémonos en la España de los años 40 del pasado siglo: destrucción, hambre, represión, cárceles abarrotadas, fusilamientos diarios… un panorama desolador que los ciudadanos comunes trataban de aligerar durante unas dos horas sublimando problemas por el único medio que se lo permitía: el cine. Las pantallas de las salas de cine aún con la merma de las prohibiciones, de la censura y de la escasa calidad del cine español permitían a nuestros padres y abuelos - al menos en las grandes ciudades y pueblos –olvidar sus problemas diarios. Las salas se llenaban y las películas, especialmente las norteamericanas, eran las elegidas por los españoles para acercarse a la fábrica de sueños.

Entre esas películas están dos que curiosamente repercutieron de forma muy popular tanto en la moda de toda España como en los “pinchos” de bares y tabernas, especialmente en el Norte de nuestro país. Los títulos de esas dos míticas películas se incorporaron al léxico de los españoles para designar un jersey y un aperitivo.

REBECA es el título de la primera de esas películas. Una obra maestra de Alfred Hitchcock de 1940 (no confundir con la deplorable versión británica de 2020 dirigida por un tal Ben Wheatley) en la adaptación de la novela de Daphne Du Maurier y que permanece fresca después de más de 80 años de su estreno. Unas grandes interpretaciones de Joan Fontaine y de la excepcional Judith Anderson como la siniestra señora Danvers. Dejo al margen al sobrevalorado Laurence Olivier, un actor más dotado, creo, para el teatro que para el cine. Pocas veces la atmósfera de una película ha creado tal grado de intriga y tensión como en Rebeca.

Pues en Rebeca, la actriz principal, Joan Fontaine en el papel de Señora De Winter, luce un jersey en su casa palacio, la famosísima Manderley. Este tipo de jersey era conocido como Cardigan y consistía en una chaqueta de punto sin cuello, abrochada por delante, y cuyo primer botón está, por lo general, a la altura de la garganta. El nombre Cardigan se debe a James Thomas Brudenell, séptimo conde de Cardigan quien popularizó su uso. Este Conde fue el héroe de la guerra de Crimea de 1854 cuando ordenó el ataque suicida que se conoce como la Carga de la Brigada Ligera y que ha sido llevada al cine en varias ocasiones.

Desde el estreno de Rebeca, las mujeres españolas y por extensión los hombres, adoptaron ese nombre para designar a ese tipo de prenda tanto en su variante masculina como femenina y que aún hoy día se sigue usando.

Para nuestra segunda película hubo que esperar al año 1946. Ese año se estrena en España una película del artesano de Hollywood Charles Vidor (no confundir con King Vidor) que trajo numerosos problemas de cabeza a las autoridades religiosas. GILDA, pues ese era la película, fue uno de los señalados éxitos del cine negro norteamericano con actuaciones estelares de Glen Ford y la actriz de origen español Rita Hayworth.

Rita interpretó a uno de los más recordados personajes de femme fatale del cine negro y su sensualidad y erotismo, más o menos camuflado, durante varias escenas especialmente en aquella que las calenturientas mentes españolas creían que después de quitarse el guante se quitaba todo lo demás… fue demasiado para los moralistas autoridades eclesiásticas de nuestro país. Para varios obispos españoles no se podía tolerar semejante pecado, aunque incluso solo fuese de pensamiento y amenazaron a los espectadores que acudiesen a ver la cinta nada menos que con la excomunión. Como siempre pasa en estos casos lo que ocurrió fue precisamente todo lo contrario: los espectadores acudieron en masa a ver a Rita/Gilda.

La escena principal de la película era algo picante para la época y un cliente del Bar Casa Vallés de San Sebastián conocido como Txepetxa, tras ver la película y no sé por qué mecanismos psicológicos, aunque me los puedo imaginar, comenzó a ensartar en un palillo una aceituna, una piparra (guindilla) y una anchoa mientras trasegaba vino en la barra del bar. De ahí a que todos los clientes comenzaran a realizar la misma operación solo había un paso por lo que, advertido e inteligente, el dueño del bar se adelantó a prepararlos él mismo para ofrecerlos a la clientela denominando Gilda al nuevo aperitivo por el paralelismo entre el picante de la guindilla y las escenas picantes de la película. Desde entonces hasta hoy, la Gilda sigue siendo uno de los pintxos más conocidos de los bares de la ciudad donostiarra. Por cierto, se aconseja tomar la Gilda de un solo bocado para disfrutar de todos los aromas y sabores a la vez (también desconozco si inicialmente se debía hacer pensando en Rita/Gilda, aunque esto debía ser un pecado mortal de los gordos…).

13/10/2024

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LA MÁS ENTRAÑABLE: RAFAELA APARICIO

SU PAREJA DE TODA LA VIDA

Hace muchos años la actriz Florinda Chico fua a visitar en una residencia de ancianos a una antigua compañera y amiga. Florinda salió muy impresionada porque su amiga no la reconoció y la catalogó como una desconocida. Poco tiempo después esa anciana murió víctima de la edad y del Alzheimer. Era una de las grandes características del cine español de todos los tiempos: RAFAELA APARICIO.

Si el capítulo anterior lo dedicamos a un actor de reparto esencial en la historia del cine español (Antonio Riquelme), este lo vamos a dedicar, en el lado femenino, a una mujer que ocupó durante muchos años los teatros, los cines y las pantallas de televisión con su peculiar físico, una malagueña de Marbella (1906) que inicialmente estudió Magisterio (profesión que solo ejerció durante dos años). Las actividades de su padre, empresario taurino y teatral hizo que los primeros años de Rafaela fueran itinerantes: La Carolina, Sevilla y Córdoba

Se inició en el teatro en 1929. Debutó en el cine en 1935 como figurante en Nobleza baturra, de Florián Rey. Desde entonces se dedicó solo al teatro y no volvió al cine hasta 1955 cuando participó en Al fin solos, de Alejandro Perla. A partir de ese año compartió cine, teatro y la incipiente televisión.

Rafaela Aparicio tuvo una curiosa vida sentimental. A finales de los años 20 se casó; un matrimonio que duró poco más de un año y que ella calificó como el mayor error de su vida. En 1933 se unió, sin documentos por medio, con otro conocido actor de reparto, Erasmo Pascual, con el que tuvo 2 hijos y con el que compartió el resto de su vida.

Hablar de Rafaela Aparicio es hablar del cine español de la segunda mitad del siglo XX. Participó en decenas de películas de desigual calidad, pero dejando en todas ellas su impronta de gran actriz, aunque encasillada en unos papeles muy definidos. Su físico y su voz no le permitían tener registros más amplios, pero Rafaela siempre cumplió con sus personajes dotándolos de mayor amplitud en la escena y en la pantalla de lo que se suponía que podían dar de sí.

En una selección de la nómina de sus más de 100 películas podemos destacar:

-La vida por delante (Fernando Fernán Gómez, 1958)

-La vida alrededor (F. F. Gómez, 1959)

-Atraco a las tres (José María Forqué, 1962)

-El extraño viaje (F.F. Gómez, 1964)

-Historias de la televisión (José Luis Sáenz de Heredia, 1965)

-Sor Citroën (Pedro Lazaga, 1967)

-Historia de la frivolidad (Narciso Ibáñez Serrador, 1967)

-Ana y los lobos (Carlos Saura, 1973)

-Duerme, duerme mi amor (Francisco Regueiro, 1975)

-Mamá cumple 100 años (Carlos Saura, 1979)

-Profesor Eróticus (Luis María Delgado, 1981)

-El Sur (Víctor Erice, 1983)

-El año de las luces (Fernando Trueba, 1986)

-El mar y el tiempo (Fernando F. Gomez, 1989)

Rafaela Aparicio participó en varias películas de gran calidad, incluso alguna obra maestra (El extraño viaje, Mamá cumple 100 años o El Sur); también participó en muchas películas de baja calidad y sorprenderá a algunos que incluya en la lista a ese impresentable e infumable bodrio de Profesor Eróticus pero es que no me he podido resistir a citar una película en la que el personaje principal respondía al nombre de Profesor Figueredo. Ruego me perdonen por aquello de la identidad del apellido.

En los años 60 formó pareja con su amiga Florinda Chico en una serie de éxito en la televisión (La casa de los Martínez). Sus papeles habituales fueron los de cocinera o chica de servicio, aunque no faltaron curiosos personajes como la monja de Sor Citroën. Rafaela recibió numerosos premios a lo largo de su carrera incluido un Goya de honor por toda su trayectoria.

En 1994 intervino en su última película ¡Oh, cielos!, de Ricardo Franco. Poco después ingresó en una residencia de Canillejas en Madrid con un Alzheimer que se complicó con problemas vasculares, falleciendo en 1996. Al entierro de la actriz que había participado en decenas y decenas de obras de teatro y de películas asistieron poco más de media docena de representantes del sector (Andrés Pajares, Luis Varela o Juanjo Menéndez entre esos pocos).

Hoy, en la memoria sentimental de los españoles, cinéfilos o no, Rafaela Aparicio ocupa el lugar entrañable que sus compañeros de profesión no supieron darle en su último viaje.

2/1'0/2024

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UN CARACTERÍSTICO MUY PRINCIPAL: ANTONIO RIQUELME

MANOLO GOMEZ BUR, PEPE ISBERT, ANTONIO RIQUELME Y ANTONIO GARISA. FALTA MANOLO MORÁN

1955. Conversaciones de Cine Español de Salamanca. Juan Antonio Bardem lee las conclusiones finales:

“El cine español es: Políticamente ineficaz. Socialmente falso. Intelectualmente ínfimo. Estéticamente nulo. Industrialmente raquítico”.

Realmente el problema estaba en otro sitio: en el demencial sistema de censura previa que eliminaba la capacidad creativa de directores y guionistas y los abocaba a la autocensura. El desenlace era volcarse en películas intrascendentes o en comedias blancas que en ningún momento pudiesen afectar a las bases ideológico-morales del régimen.

El resultado de esos años de cine español es que las pantallas se nos llenaron de folletines sin calidad, de comedias a cuál más blanca y de películas folclóricas que aprovechaban el “tirón” de cantantes o de niños prodigio.

A pesar de todo, contar con directores como Berlanga, Fernán Gómez, Bardem o los importados Vadja o Ferreri, guionistas como Azcona, primeros actores como Fernando Rey o Rabal, actrices como Bautista o Pennella y directores de arte como Gil Parrondo supuso que se filmaran, entre otras, al menos varias grandes películas como Bienvenido Mr. Marshall, El mundo alrededor, La muerte de un ciclista, El cebo o El cochecito.PLACIDO

El gran número fueron películas con más o menos calidad que se sacaron a flote no por sus guiones o por su puesta en escena sino por una pléyade de actores y actrices entonces llamados secundarios, luego característicos o de carácter y hoy de reparto. La nómina sería larguísima para citar a los grandes profesionales que dieron dignidad y especialmente humor a una gran serie de películas mediocres en su mayoría. Pepe Isbert, Manolo Morán, Gómez Bur o los hermanos Ozores entre los hombres y Rafaela Aparicio, Isabel Garcés, Gracita Morales o Laly Soldevila entre las mujeres, fueron algunos de estos actores y actrices de reparto que llenaron nuestras pantallas en aquellos años 50 cuando el cine español se planteó el problema que lo tenía encorsetado en la mediocridad. A pesar de que faltaban más de 20 años para que se diesen las condiciones para realizar un cine en libertad, pronto se iban a incorporar una serie de nuevos directores con la consolidación de los ya citados que dieron un empujón a la calidad de nuestro cine.

Entre todos estos actores de reparto me gustaría destacar uno que es muy conocido por su físico, por su aparición en más de 150 películas entre 1915 y 1967, pero que seguramente es muy desconocido por su nombre. Un actor con una fisonomía muy peculiar y sin el que no es posible entender la historia del cine español. Un actor del que dijo un crítico: “Cuando un actor se apaga deja hueco a otro bajo los focos. Pero cuando Riquelme muere en 1968 nadie cabe en tan poco sitio”. Hoy vamos a conocer la historia de ANTONIO RIQUELME.

Antonio Riquelme (Madrid 1894-1968) era nieto e hijo de actores (padre y madre). Se inició pronto en el teatro que nunca abandonó a lo largo de su vida. Debutó en el cine en 1915. Fue a partir de 1930 cuando su figura se hizo familiar en gran cantidad de cintas españolas, especialmente en las décadas de 1950 y 1960. Riquelme intervino en todos los subgéneros que podemos adscribir al género de la comedia y actuó bajo la dirección de los grandes realizadores del cine español de esos años.

Durante los años del cine mudo compartió la pantalla con la escena teatral. En los años 30 participó en 6 títulos y en plena guerra civil en un documental de ficción de Fernando Roldán titulado ¡Así venceremos! (1937) realizado por los anarquistas madrileños con el fin de insuflar ánimo en la ciudadanía para defender Madrid.

Antonio Riquelme actuó en el cine durante nada menos que 6 décadas y la de 1950 fue sin duda la más prolífica de todas ellas. En total más de 150 películas cuentan con la aparición en intervenciones no muy largas de este actor que dejaban una impronta de su personaje real y divertida.

La nómina de las películas en que intervino nos traerá a la memoria títulos que forman parte de la historia de nuestro cine con numerosos éxitos, algunos fracasos, escasa calidad en muchas de ellas, pero también algunas de las mejores cintas del cine español:

-El crucero Baleares (1941). Película maldita del cine franquista. Hecha con todas las intenciones y presupuesto por un falangista (Enrique del Campo, que posteriormente abandonó el cine) para ser una superproducción de alabanza a los marineros muertos en el hundimiento en 1938 del crucero Baleares y que solo resistió el preestreno ante las autoridades políticas y militares, siendo retirada inmediatamente de las pantallas sin llegar a distribuirse por las salas convencionales (parece que la Marina franquista no quedaba en buen lugar ante el Ejército).

-Los ladrones somos gente honrada (1942)

-Deliciosamente tontos (1943)

-Santander ciudad en llamas (1944). Un enorme fracaso, en este caso por una puesta en escena muy pobre y un guion muy débil. Riquelme tiene un largo papel de “andalú” y una de las protagonistas, como curiosidad, se llama Araceli: es la película más antigua en la que observo ese nombre tan ligado a mi tierra.

-La torre de los siete jorobados (1944). Uno de sus mejores papeles en la película de Edgar Neville.

-Ella, él y sus millones (1944)

-Jeromín (1953). En la película de Luis Lucia - con el que intervino en varias cintas más - realiza el que según los críticos es el mejor papel de su carrera, apartado de personajes estrambóticos como solía hacer generalmente.

-Aeropuerto (1953). Riquelme en el papel de un comisario que persigue a Manolo Morán.

-Las aventuras del barbero de Sevilla (1954). También tuvo ocasión de actuar a las órdenes de otro gran director: Ladislao Vadja.

-Novio a la vista (1954). Con Berlanga en la dirección.

-¡Felices Pascuas! (1954). El otro gran director español de los años 60, Juan Antonio Bardem, también lo dirigió.

-¡Aquí hay petróleo! (1955). Un intento fallido del director Salvia de hacer una nueva película coral como las de Berlanga.

-El fenómeno (1956). Con F. F. Gómez, en este caso haciendo de representante de futbolistas.

-Manolo, guardia urbano (1956)

-Los ángeles del volante (1957)

-Historias de Madrid (1958). Uno de sus papeles más largos en una cinta coral que da poco de sí.

-Bombas para la paz (1959). Junto a Fernán Gómez interpretando a un supuesto sabio loco, loco, loco…

-Los tramposos (1959). Una comedia de Lazaga que hoy sería políticamente incorrecta.

-El cochecito (1960). Riquelme es el médico del personaje de Isbert en esta obra maestra de Ferreri.

-El espontáneo (1963). También tuvo ocasión de actuar en el “nuevo cine español”, en esta ocasión con Jorge Grau.

Una curiosidad en su filmografía fue su colaboración en el rodaje no finalizado de una película de 1943 en torno a la figura del torero Manolete (Sol y sombra de Manolete) dirigida por el francés Abel Gance pero que no se llegó a concluir.

En definitiva, más de 150 películas de todos los géneros interpretando muy diferentes personajes con todo tipo de registros, pero siempre amparándose en su peculiar físico y siempre de forma convincente ya fuese un militar, un científico, un sereno, un médico o cualquier otro papel característico de las decenas que interpretó.

Antonio Riquelme estuvo trabajando hasta el mismo año de su muerte en 1968. Contaba con 73 años de edad. Aunque su nombre figure en la lista de los actores de reparto no hay duda de que su aportación al cine español fue muy principal y ahí están sus películas para disfrute de los cinéfilos.

25/9/2024

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LA VIDA EN UNA SOMBRA

LLORENC LLOBET-GRÁCIA

Nuestro capítulo de hoy va a estar dedicado a una figura desconocida del cine español hasta hace unos años y que solo tiene en su haber 22 cortos y un único largometraje que se ha convertido en una película de culto.

Vamos a aprovechar para definir esta descripción: ¿Qué es una película de culto? Pues podemos definirla como una película que sin tener inicialmente éxito de público o de crítica se va convirtiendo con los años en una obra admirada por un sector cada vez más amplio de espectadores y con una mayor aquiescencia en cuanto a su calidad por parte de la crítica especializada llegando, en algunos casos, a abandonar esta clasificación y convertirse en películas aclamadas por la generalidad de público y especialistas. Una característica también de la mayoría de ellas es que por diferentes motivos se han considerado películas malditas por los problemas que ha conllevado su realización: censura pre o postproducción, problemas económicos, escándalos en su estreno, accidentes durante el rodaje, problemas de derechos legales, etc.

Un ejemplo, a nivel internacional, de este tipo de películas lo constituyeron en su día La parada de los monstruos (1932) de Tod Browning y El gran Lebowski (1998) de los Hermanos Coen. No han faltado en España este tipo de películas. En un breve repaso citaría La torre de los 7 jorobados (1944) de Edgar Neville; El mundo sigue (1963) o El extraño viaje (1964) de Fernando Fernán Gómez; El desencanto (1976) de Jaime Chavarri; Arrebato (1980) de Iván Zulueta; Amanece que no es poco (1989) de José Luis Cuerda o Tren de sombras (1997) de José Luis Guerín.

Pero hay una película en España que se redescubrió 40 años después de su producción y que la mayoría de los críticos consideran se trata de una obra maestra del cine español por su moderno guion y por una puesta en escena espectacularmente original. Una película que tuvo tantos problemas que se puede considerar también dentro de la categoría de malditas y que además se significó como el único largometraje que su director, Llorenc Llobet Gracia, rodó en su vida: VIDA EN SOMBRAS.

Debo confesar que poco sabía de este director y de esta película hasta hace pocos años en que pude verla en un cine club. Cuando comencé a verla pensaba que su fama se debía a esas boutades de la crítica más intelectual que de vez en cuando nos hace soportar películas insufribles y que una vez pasado su momento se pierden afortunadamente en el limbo de la mediocridad. Debo confesar que me equivoqué. En un programa de TVE con José Luis Garcí, Guillermo Cabrera Infante, Antonio Giménez Rico y Fernando Méndez Leite hablaron de las mil y una bondades de la película y cierto es que no me defraudó. Vida en sombras es una gran película, pero lo que más llama la atención es que está hecha en España en… 1948.

Pero veamos quien fue su responsable. Lloren Llobet nació en Barcelona en 1911. Se inició pronto en el cine amateur rodando numerosos cortometrajes. Llama la atención varios que realiza durante la guerra civil: Olimpiada Popular, Llegada de Azaña a Barcelona. Después de la guerra realiza varios más, alguno con el cinematográfico título de Sucedió una noche.

En los años 40 se relaciona con Carlos Serrano de Osma, otro director maldito del cine español, y con varios de sus técnicos pone en marcha un largometraje que se convertirá sin él saberlo en el primero y último que realizará y que con los años será una película de culto. LLorenc, empresario del transporte hasta entonces y cineasta amateur, se embarca en un proyecto largo y difícil, enfrentado desde un principio a una férrea censura y que le causará graves estragos económicos. La película fue catalogada por la Administración como de tercera categoría por lo que no tuvo subvenciones, se prohibió su exhibición en el extranjero y no se pudo estrenar hasta pasados varios años con un nuevo montaje y solo en cines de barrio, pero en un nuevo montaje realizado por el productor que eliminó cuantas escenas pudiesen soliviantar a la censura. El resultado, en 1953, fue otro fracaso de público y el relego definitivo de la cinta al ostracismo. Solo en 1973 y en Sabadell pudo sacarse del olvido al presentarla en un cine club de la ciudad.

 Llorenc, hastiado, dejó el cine en 1954 y la película permaneció olvidada hasta que en 1983 fue rescatada por Ferrán Alberich quien al año siguiente realizó un corto documental (Bajo el signo de las sombras) en el que aparecen su viuda y sus amigos, entre ellos Carlos Serrano de Osma. La película de Llobet había sido restaurada un año antes y este corto pretendía acercarnos a la vida del director que había fallecido en 1976. Un trabajo de José Luis Castro y Rubén Higueras con el título de la película nos acercó mucho mejor que el corto anteriormente citado a los avatares de Llobet y su película.

No quiero profundizar en la película pues lo mejor es que en alguna ocasión tengáis oportunidad de verla. Asistimos a la devoción por el cine de un cineasta amateur de enorme altura. Se trata de un melodrama ambientado en plena guerra civil del 36, con muchas referencias autobiográficas, con una clásica historia de cine dentro del cine y con una apuesta innovadora para aquel cine español de los 40 lleno de hazañas imperiales o rancio folklore. No sé cómo Llobet logró reunir un gran elenco artístico formado por unos enamoradísimos – en la pantalla y en la vida real – Fernando Fernán Gómez y María Dolores Pradera.

Actualmente una gran mayoría de los críticos consideran que VIDA EN SOMBRASes una de las 10 mejores películas de la historia del cine español… Yo no soy nadie para llevarles la contraria.

16/9/2024

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EL DIBUJANTE DEL CINE: JOSÉ RAMÓN SÁNCHEZ

Hoy vamos a recordar a un personaje realmente muy curioso y que a través del dibujo y la pintura se acercó al cine. Un artista que dijo de sí mismo: “He sido caricaturista e ilustrador, historietista y pintor, maquetista y escultor, he hecho un poco de todo y lo interesante si tengo que destacar algo en mi trayectoria es que he hecho muchas cosas distintas”. Hoy conocemos y recordamos a JOSÉ RAMÓN SÁNCHEZ (Santander, 1936)

José Ramón Sánchez se inicia muy joven en el dibujo y especialmente en el dibujo publicitario en los famosísimos Estudios Moro de Madrid en 1957. Unos años después comienza a trabajar en el cartel publicitario. Pero cuando Sánchez se da a conocer fue tras la muerte de Franco con los dibujos de los carteles electorales del PSOE en las elecciones de 1977 y 1979. Suya fue también la ilustración de la Constitución de 1978 para los escolares.

Su acercamiento al cine tiene efecto en 1979 cuando realiza la película de dibujos animados El desván de la fantasía junto a Cruz Delgado. Su figura se hace todavía más amplia y famosa para los niños españoles cuando en TVE aparece en los primeros años 80 en los programas Un globo, dos globos, tres globos, junto a Gloria Fuertes, en Sabadabadá junto a Mayra Gómez-Kemp o en Dabadabadá.

En esos años es cuando comienza a plasmar en pintura su gran afición al cine realizando desde entonces y hasta la actualidad varias colecciones:

-La gran aventura del cine:  realizada en 1980, compuesto por 120 cuadros y 20 retratos de actores y actrices. Un gran repaso al cine norteamericano de todos los tiempos. Un magnífico libro hoy bastante cotizado en librerías de lance y que me enorgullezco en tener. Aparecen películas como Moby Dyck, La vuelta al mundo en 80 días, El conde de Montecristo, Pinocho, King-Kong, Supermán, La guerra de las Galaxias, El último Mohicano, Rio Rojo.                                                                                                                                                               -50 años de cine español: 29 cuadros de 29 películas españolas seleccionadas por el pintor.                                                                                                                                 -La vuelta al cine en sesión continua.                                                                                                          -Me enamoré de una máscara: dedicada a Lon Chaney.                                                                               -Amores del cine.                                                                                                                                                  -Transiciones: 30 retratos de estrellas del cine; 24 de personajes y 6 de parejas. Aparecen retratos de Chaplin, Clark Gable, Brando, Orson Welles, Buster Keaton, Greta Garbo, y, asimismo, por parejas de película: Spencer Tracy - Katharine Hepburn, Humphrey Bogart - Ingrid Bergman, Ava Gardner - Burt Lancaster, Liz Taylor - Montgomery Clift y el propio Bogart con Lauren Bacall.

Este acercamiento de un cartelista publicitario al mundo del cine lo define él mismo como: “El cine es mi sueño desde niño y no he tenido los condicionamientos, grandes o pequeños, que te puede dar el cartelismo industrial”. José Ramón Sánchez ha sido pintando hasta la actualidad y presentando exposiciones por toda España.

A su hijo Daniel le preguntaron en una ocasión “¿Y tú por qué no pintas?” A lo que respondió “Para mí hablar de pintura es hablar de mi padre. Pero hablar de mi padre, es hablar de cine. Gracias por enseñarme lo que es el arte. Gracias, papá, por enseñarme a mirar”. Y es que, con los antecedentes del padre, su hijo no podía ser otro que Daniel Sánchez Arévalo (AzulOscuroCasinegro, Gordos, Primos, La gran familia española).

Dejo para el final una crítica anónima desde Zaragoza de su película El desván de la fantasía, que evoca el tiempo de José Ramón Sánchez en aquellos ya lejanos años 80:

“Buenos, buenos recuerdos, me trae este desván. El papá de Daniel Sánchez Arévalo ahora es mucho menos conocido que el hijo. Realmente ahora nadie conoce a José Ramón Sánchez. José Ramón Sánchez dibujó el cine de los que queríamos iniciarnos en el cine allá por los años 80. Dibujaba a los hermanos Marx o el incendio de Lo que el viento se llevó. Eso lo hacía en un programa de televisión. Antes había firmado esta simpatiquísima película acerca de los misterios que para un niño suponía subir al desván, pero no un desván cualquiera, sino al de la fantasía. Y eso, si eres niño, es mucho. Las imágenes, los dibujos, mejor dicho, de José Ramón, y si le llamo así parece que le llamo como al poeta, se han convertido, se convertían al verlos semana tras semana, en iconos de la televisión, la española, que era la única que había, y la mejor, no porque no hubiera otra sino porque de verdad era lo que tenía que ser: una magnífica cadena. Los nietos, el abuelo, la canción, por Dios, que no se me olvida y ni se me olvidará. ¿Ñoño, a estas alturas, recordar estas cosas? No, como en el tenis dirían. El desván de la fantasía era un divertimento semanal, que se esperaba con emoción. Pero eso fue después de la película, que básicamente juega con los mismos elementos y personajes. Condensados en 75 minutos se le perdonan falta de ligazón entre las historias, prima el contenido, cosa a la que José Ramón Sánchez ofrecía mucha importancia. Como en una viñeta. Razón por la cual, y por tantas otras, hay que darle las gracias a su creador y factotum. Muchas gracias, José Ramón”.

2/9/2024

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LA CAZA DE BRUJAS VI:  LAS PELÍCULAS ANTISOVIÉTICAS

En la Tesis Doctoral de Alejandro Crespo (El cine y la industria de Hollywood durante la Guerra Fría) se establecen las condiciones en que se desarrolló la cinematografía de Estados Unidos tras el fin de II Guerra Mundial y el inicio de la Guerra Fría con la difusión por todo el país de una sensación de miedo ante el nuevo enemigo: la Unión Soviética. Esto desembocó en la Caza de Brujas y en un cambio del mensaje que las películas de Hollywood debían de transmitir a la ciudadanía. Se alejaron de temas sociales y se optó por el patrioterismo más simplón y por un mensaje anticomunista que pudiera calar con sencillez en los espectadores.

El anticomunismo no era nuevo en el cine norteamericano desde el mismo momento en que los bolcheviques se hicieron con el poder en Rusia. Ya en la etapa muda se realizaron algunas películas críticas con el nuevo régimen ruso (por su parte en la Unión Soviética comenzaron tempranamente los mensajes anticapitalistas en el cine como el de 1924 Las extraordinarias aventuras de Mr. West en el país de los bolcheviques, dirigida por Lev Kulechov,). Ya en los años 30 los propios dirigentes norteamericanos vieron antes al enemigo en Rusia que en Alemania y se realizan varias películas con mensaje anticomunista en forma de sátira como la magnífica Ninotchka (1939) de Lubisth o Camarada X (1940) de King Vidor. Se puede decir que estas fueron una serie de películas anticomunistas suaves y de calidad media/alta… nada que ver con lo que vendría unos años después.

Por otra parte, durante los años más “calientes” de la Guerra Fría el cine nos dejó dos sátiras que atacaban a ambos sistemas, capitalista y comunista: Un, dos, tres (1961) de Billy Wilder y Dr. Strongelove (1964) de Stanley Kubrick (en un tono dramático no nos podemos olvidar de Punto límite,1964, de Sidney Lumet). Estas eran obras maestras que “repartían” para ambos mandos y que no tienen nada que ver con el fenómeno del que vamos a hablar en este capítulo: la ola de anticomunismo que se tradujo en una serie de películas de bajísima calidad y con sonoros fracasos en taquilla.

Y es que a partir del final de la guerra mundial y, sobre todo, desde 1947 las producciones se dirigen a otro enemigo: la Unión Soviética y especialmente a su modo de vida con un histérico miedo a que la sociedad norteamericana cayera en manos de ese modo de vida comunista en contraposición al individualismo capitalista de los Estados Unidos.

Los autores no se ponen de acuerdo en el número de películas que se pueden clasificar como anticomunistas y que se realizaron en los años de la Guerra Fría. Oscilan según los autores entre un mínimo de 33 y una máximo de 171. Esta oscilación se debe a que muchos títulos que se engloban en esta categoría no son aceptados por todos los críticos. Así se catalogan con “mensaje anticomunista” películas de ciencia ficción o de espías como La guerra de los mundos, Con la muerte en los talones, La humanidad en peligro, La invasión de los ladrones de cuerpos, El manantial, El FBI entra en acción o incluso la saga de James Bond.

Según Alejandro Crespo estas películas anticomunistas se pueden dividir en tres subgrupos según la trama desarrollada: 1) Melodramas de espionaje; 2) La posición del comunismo dentro de los Estados Unidos y 3) La Guerra Fría en el exterior.

Las películas son de un maniqueísmo infantil muy parecido al de las producciones indias de los años 80 y 90: lo único válido es el modo de vida americano mientras que los comunistas son todos unos delincuentes al estilo de los gánsteres.

Los elementos básicos que se debían transmitir eran:                                                                                           

A) Demonización de la Unión Soviética; B) Centrar las historias en la ausencia de libertades en los países de órbita soviética y la crueldad de sus regímenes; C)                                                                                                 Hacer hincapié en la destrucción de las familias y el amor; D) Alertar sobre el peligro nuclear.

Todo esto se acentuaba con elementos formales: los comunistas son feos, sucios y de trato desagradable. La iluminación y los juegos de luces sirven para acompañar la definición de los personajes.

Hubo dos periodos de producción en estas películas. La primera, alrededor de 1947 cuando los estudios deseaban manifestar claramente su repudio al comunismo. Especialmente lo hicieron algunos de los que intervinieron en las películas prosoviéticas de unos años antes. A partir de 1951, con la guerra de Corea y la llegada a la escena política de McCarthy se inició una segunda oleada de películas anticomunistas. Lo que sí unió a todas ellas fue la baja calidad y el fracaso en la taquilla.

Vamos a señalar para terminar algunas de esas películas, todas ellas de muy difícil acceso hoy día:

EL TELÓN DE ACERO (1948, William A. Wellman): se le considera la primera película con entidad propiamente anticomunista tras el fin de la II Guerra Mundial. Interpretada por Dana Andrews (que había participado en la prosoviética La estrella del Norte) y por la guapísima Gene Tierney (una de las actrices más bellas de aquellos años) y con un guion de un anteriormente significado izquierdista Milton Krims que estaba haciendo méritos para no caer en las listas negras. La historia, típica de espías, está basada en hechos reales: un empleado de la embajada soviética en Canadá revela la existencia de una red de espías soviéticos en ese país y lo denuncia a la policía. Una película al margen de su sesgo político muy ramplona y que fue un fracaso en la taquilla. Su estreno en Nueva York tuvo consecuencias en el orden público cuando manifestantes de uno y otro signo político se enfrentaron a las puertas de la sala de cine.

EL DANUBIO ROJO (1949, George Sidney): Cuenta con la intervención de Walter Pidgeon y con una ambientación que intenta emular a El tercer hombre; es una película de aventuras y una de las que tiene menos fervor propagandístico de esta serie, aunque el fondo maniqueísta (buenos los occidentales versus malos los rusos) está presente.

LA MANO EN LA SOMBRA (1951, William Cameron Menzies): Completamente desconocida para mí; según la sinopsis es una mezcla de aventuras, espionaje y terrorismo bacteriológico.

MI HIJO JOHN (1952, Leo McCarey): Un dramón en toda regla. Un matrimonio de una zona rural descubre que su hijo es comunista lo que se traduce en una tragedia familiar. Leo McCarey era un director de indudable éxito (Siguiendo mi camino) y un ferviente anticomunista que colaboró con el HUAC como testigo amistoso y que pretendió hacer prestar un juramento de lealtad anticomunista a todos los miembros del Sindicato de Directores.

La película no tiene grandes valores artístico, pero si cuenta con una anécdota muy curiosa: el actor principal, Robert Walker falleció cuando quedaban pocas secuencias para terminar el rodaje. Hubo que rodar escenas colocando a su personaje de espaldas a la cámara y solicitando a Alfred Hitchcock imágenes de Extraños en un tren que se había rodado poco antes y en la que intervenía ese actor.

EL GRAN JIM MCLAIN (1952, Edward Ludwig): La gran apuesta de John Wayne en la que demás de actor fue productor. Wayne fue un feroz anticomunista que no dudó en afiliarse al MPA ultraconservador para atacar a todo bicho viviente en Hollywood que fuese simplemente liberal, aunque también es cierto que no llegó a delatar a nadie. Puso un gran empeño en esta película dirigida por un oscuro Edward Ludwig.

Según los críticos todo el empeño de la película era hacer propaganda contra los cineastas acusados de militancia izquierdista y defender al senador McCarthy. Pero la película buscaba algo más profundo y era criticar las leyes norteamericanas como la Quinta Enmienda de la Constitución (el derecho a o declarar contra uno mismo) a la que acogieron muchos acusados a partir de 1951.

MARTE EL PLANETA ROJO (1952, Harry Horner): Con la actuación de Peter Graves esta película de ciencia ficción es posiblemente una de las que alcanzó un nivel más bajo de calidad en toda esta serie que estamos analizando.

En unos años en que estaba de modo la ciencia ficción de serie B la película se sirve de ella para hacer apología patriotera del modo de vida norteamericano en contraposición con el de los comunistas.

MANOS PELIGROSAS (1953, Samuel Fuller): Con un joven Richard Widmark y con un director de prestigio como Fuller (Yuma) esta película de bajo presupuesto es la que tiene más calidad de toda la serie. Patriotismo, anticomunismo y gánsteres se mezclan en una película de género negro que se deja ver al margen de su primario sesgo ideológico.

FUGITIVOS DEL TERROR ROJO (1953, Elia Kazan): Con su “colega” de delaciones Adolphe Menjou, Eia Kazan realiza lo más bajo de su filmografía partiendo de una historia real ocurrida en un circo en Praga. Dicho sea de paso, el título original de la película era Man on a Tightrope pero ya sabemos cómo se las gastaban en aquellos años en nuestro país para encauzar los mensajes…

RED INVISIBLE (1957, Henry S. Kesler): Con Sterling Hayden, un chivato arrepentido y un gran actor, esta mediocre cinta se adscribe al género del espionaje y el cine negro con psiquiatras por medio.

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CASADA CON UN COMUNISTA (1949, Robert Stevenson): Esta no necesitó que le cambiasen el título en España… se lo cambió la propia productora en origen. La película la interpretó un actor de talante liberal en su vida privada (Robert Ryan): su personaje sufre un chantaje por su antigua militancia comunista.

La calidad es mínima, pero la historia de la producción de la película bien daría al menos para un documental.

Según las crónicas la idea pasó por 12 guionistas y 13 directores sin que ninguno se quisiera hacer cargo de ella para realizarla. El productor Howard Hughes harto y muy escamado cortó por lo sano: a todo el que se negaba a colaborar en la película lo denunciaba como comunista entre otros Nicholas Ray, Joseph Losey y John Cronwell. Entre sus “hazañas” está el llegar a cerrar 3 meses el estudio para buscar comunistas entre sus empleados.

Algunos actores como Merle Oberón y Paul Lukas llegaron a cobrar por un trabajo que no llegaron a realizar. Al final se decidieron por cambiar el nombre de la película en la que se confundían los gánsteres con los comunistas por The Woman on Pier 13. A la postre mala calidad y fracaso en la taquilla.

TOPAZ (1969, Alfred Hitchcock): El ejemplo ya tardío del cine de la Guerra Fría es esta película de HIT, una de las más flojas de su filmografía, aunque muy por encima de las citadas anteriormente.

La trama es la típica el género de espías de esa época entre estadounidenses y soviéticos, basándose en una novela de Leon Uris.

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Llegamos al final de esta serie y no deja de llamar la atención que el histerismo colectivo que sacudió a la sociedad norteamericana por aquellos años no respondía a una realidad cuantitativa. En 1949 el Partido Comunista de Estados Unidos era una pura anécdota que además no recibía ningún tipo de ayuda de la Unión Soviética. Alrededor de 1955 tenía poco más de 5.000 militantes y muchos de ellos eran ¡agentes infiltrados del FBI!

Pero a ese histerismo colectivo le sucedió unos años después -algo digno de alabar -la vergüenza colectiva, como lo dejaron claro varios de sus máximos representantes políticos nada dudosos de su patriotismo y anticomunismo:

-Eisenhower en 1954: “Si nos persuadimos a nosotros mismos de que cada individuo o partido que se opone a nuestras convicciones es necesariamente traidor y perverso, entonces estaremos aproximándonos al final del camino de la libertad”.

-Truman en el mismo año: “Todo lo que se haga para limitar —no importa en qué forma— los derechos constitucionales del individuo, constituye un peligro para la libertad de todos”.

-hasta el propio Ronald Reagan: “Hubo una parte oscura en esta batalla: fue una historia de víctimas y no sólo de villanos (…). Mucha gente muy buena se vio falsamente acusada de ser comunista simplemente porque era liberal”.

Dejo para el final dos manifestaciones de estrellas de Hollywood. La primera de Lauren Bacall que muestra el clima de aquellos años. “Asistí a dos sesiones de las audiencias y me dieron miedo. No quisiera ser alarmista, pero creo que deberían ustedes ser conscientes del peligro. ¡Cuando empiezan a decirle a uno qué tipo de películas puede hacer, qué temas puede escoger, es el momento de resistirse y luchar! Han empezado por nosotros, pero siento mucho decirles que no se detendrán una vez que hayan terminado con nosotros”.

La segunda es de Orson Welles que criticó duramente la postura de algunos profesionales de ideología izquierdista que traicionaron su ética al convertirse en colaboracionistas:

“Lo malo de la izquierda estadounidense es que traicionó para salvar sus piscinas”.

20/7/2024

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LA CAZA DE BRUJAS V: PELICULAS PROSOVIETICAS

La sociedad norteamericana en los inicios de la II Guerra Mundial era profunda y mayoritariamente aislacionista y no quería que Estados Unidos se involucrase en el conflicto. Esa era la promesa política del presidente Roosevelt. Con el ataque japonés a Pearl Harbor el 7 de Diciembre de 1941, Estados Unidos entró en la guerra. Roosevelt necesitaba que la opinión pública se inclinase rápidamente hacia la intervención militar y pronto comenzaron a filmarse películas antinazis y antijaponesas, así como documentales que exaltaban las victorias norteamericanas y minimizaban las iniciales derrotas ante los nipones en el Pacifico. Se realizaron decenas de películas de todos los géneros que defendían la intervención militar. Hasta Tarzán y Batman aparecieron implicados en la lucha contra alemanes y japoneses.

Pero había un problema: Estado Unidos se había convertido en aliado del enemigo del capitalismo, la Unión Soviética, y las películas anticomunistas de unos años antes con Ninotchka a la cabeza había que sustituirlas por otras que enfatizasen la alianza ruso-americana y la lucha del pueblo y de los dirigentes de la Unión Soviética. Así se los hizo llegar Roosevelt a los grandes estudios y de estos en pocos años, hasta el final de la guerra, salieron unos productos, 8 en total, que históricamente se han convertido en curiosidades pero que, en su día tras el fin de la guerra, le dieron enormes problemas a todos los que habían intervenido en esas películas. La mayor parte de los guionistas, algunos directores y actores de estas películas tuvieron que sufrir las represalias que se pusieron en marcha tras el final de la guerra y que culminaron histéricamente en la Caza de Brujas.

Dos curiosidades sobre estas películas: la primera es que en sus guiones otorgan a los papeles femeninos una inusual importancia en películas de tipo bélico. Era la traslación a la necesidad de incorporar las mujeres al esfuerzo de guerra de toda la nación. La segunda curiosidad es que ya os podéis imaginar que estas películas jamás fueron estrenadas en España y solo algunas de ellas se han podido ver después de 1975 editadas en DVD.

Examinemos brevemente cuales fueron estas películas:

MISS V FROM MOSCOW (1942): dirigida por Albert Herman. Una rusa y un norteamericano en el París ocupado trabajan para la resistencia francesa. No la conozco y según los críticos es bastante artesanal y endeble.

MISIÓN EN MOSCÚ (1943): pura y curiosa propaganda prosovietica. Dirigida por Michael Curtiz, con la intepretación de Walter Huston y  con un guion de Howard Koch -quien posteriormente fue puesto en la lista negra y tuvo que exiliarse en el Reino Unido – es un conjunto de alabanza a todo el sitema político soviético, incluidas las purgas al trotkismo (caracterizado como una quinta columna al servicio de Hitler) y al mismo Stalin. El propio embajador estadounidense en Moscú, Joseph Davies, aparece en los primeros planos dando fe de la bonanza del regimen ruso a todos los niveles. Pero si es curioso que el propio embajador avale la película lo es más que fuese producida por la Warner cuyo propietario cuando finalizó la guerra se convirtió en uno de los más encarnizados perseguidores de izquierdistas o simplemente liberales en Hollywood.

EL CHICO DE ESTALINGRADO (1943): dirigida por Sidney Sankow y Tay Garnett (el mismo de la gran versión de El cartero siempre llama dos veces, de 1946) es una película puramente bélica que sirve para ensalzar la lucha de los ciudadanos rusos, en este caso unos niños, frente al avance de los alemanes hacia Estalingrado.

LA ESTRELLA DEL NORTE (1943): dirigida por Lewis Milestone (Sin novedad en el frente) y con un elenco de actores de primera línea con Dana Andrews, Walter Huston Walter Brenan y Erich Von Stroheim; fue la respuesta que la MGM dio al presidente Roosevelt cuando este les comunicó a las grandes productoras que “América necesita un filme de nuestros aliados rusos. Debe ser un retrato bien estructurado que motive el suministro de apoyo al gobierno en su alianza con la Unión soviética”.

Es la película más conocida de toda esta serie. Es de buena factura y es de una candidez increíble con algunas secuencias que rayan en la ñoñería: granjeros rusos que viven en un país idílico, cantando La Internacional y completamente ajenos a la invasión nazi que se les venía encima.

En 1957 “rehicieron” la película: cambiaron el montaje y sobre todo los diálogos. Los hechos no ocurrían en Rusia sino en Hungría; una voz en off alertaba del peligro comunista y para perder la conexión con el original le cambiaron hasta el título por Armored Attack (afortunadamente hace pocos años se ha podido ver en su integridad original).

Como era de esperar la guionista Lillian Helman fue puesta en la lista negra y el director tuvo que huir a Europa para continuar su carrera. 

SONG OF RUSSIA (1944): dirigida por Gregory Ratoff y Laslo Benedek es posiblemente la más conocida de esta serie junto a La estrella del Norte. Tuvo como actor estelar a Robert Taylor que luego para disculparse de esta aparición prosovietica declaró voluntariamente ante el HUAC denunciando a muchos compañeros. La película es la clásica historia de amor: poco antes del inicio de la guerra un director de orquesta norteamericano de gira por la Unión Soviética se enamora de una chica rusa. Luego en la guerra, ambos, símbolo de la unión de la US y de USA, lucharan frente a los alemanes.

THE RUSSIAN GIRLS (1943): dirigida por Henry S. Kesler y Fyodor Otsep narra las aventuras amorosas, en plena invasión nazi de la Unión Soviética, entre un piloto de aviación norteamericano herido y una voluntaria rusa de la Cruz Roja.

CONTRAATAQUE (1945): dirigida por Zoltan Korda y con Paul Muni entre sus actores. Adaptación de una obra de teatro que exaltaba el heroísmo de los soldados rusos ante los alemanes; el director de origen húngaro logra una buena película de género bélico.

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DIAS DE GLORIA (1944): dirigida por Jacques Tourneur (La mujer pantera) y con la intervención de Gregory Peck. Tourneur dirige con eficacia la exaltación de los guerrilleros rusos ante los nazis, aunque sin grandes calidades artísticas y destacando las múltiples alabanzas a los soviéticos. A destacar que fue la primera película en la que Gregory Peck fue el actor principal.

13/7/2024

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LA CAZA DE BRUJAS IV: LAS PELÍCULAS

No se puede decir que haya gran cantidad de filmaciones centradas en el estudio de los hechos de la Caza de Brujas o en sus personajes. Las que directamente se centran en los hechos ya sea en documentales o en ficción son escasas. Otro tanto sucede con aquellas películas que tocan el tema de soslayo (Tal como éramos,) o las que, de una forma casi subliminal, según algunos sesudos críticos hacen mención a estos hechos ya sea criticándolos (Johnny Guitar, Un rey en Nueva York), justificándolos (La ley de silencio) o incluso casos con posturas divergentes en sus análisis (Solo ante el peligro).

He revisado todo el material posible y solo he encontrado 6 películas de ficción y 5 documentales. Resulta bastante curioso que los documentales sean muy tempranos en el tiempo, salvo el último, con respecto a las películas de ficción. Coinciden las fechas de producción del tercer documental realizado con la primera película de ficción sobre el tema: 1976. Han pasado 70 años y la producción norteamericana sobre la Caza de Brujas se puede decir que ha sido muy escueta. ¿El motivo? Es posible que la sociedad norteamericana, al menos el sector más democrático que es el que predomina en el cine, sienta vergüenza por aquellos hechos y no esté muy encantada reconociendo ciertas heridas producidas por el mismo mundo del cine.

Revisemos cronológicamente lo realizado hasta la fecha:

LOS DIEZ DE HOLLYWOOD: John Berry (1950).

La primera producción fue este corto documental (15 minutos) coetáneo con los hechos narrados y en el que aparecen los Diez de Hollywood acusados:

Alvah Bessie, periodista, novelista, crítico y guionista Herbert J. Biberman, guionista, productor y director Lester Cole, guionista y productor Edward Dmytryk, director Ring Lardner Jr., guionista John Howard Lawson, guionista, historiador y dramaturgo Albert Maltz, novelista, dramaturgo, guionista Samuel Ornitz, novelista, guionista, profesor Adrian Scott, productor y guionista Dalton Trumbo, novelista, guionista y director

Tan coetáneo fue el documental con los hechos narrados que inmediatamente tras su exhibición el director, John Berry, también fue incluido en la lista negra.

ORDEN EN LA SALA: el segundo documental es de 1964 y estuvo dirigido por Emile de Antonio. Lo interesante de este documental es que nos ofrece las sesiones del Comité de Actividades Antiamericanas de 1954 en las que McCarthy cayó en desgracia tras ser acusado de haber presionado al Ejército por dar tratos de favor a algunos miembros señalados por el propio senador. Realmente tiene el valor de ser un documento histórico.

HOLLYWOOD ON TRIAL: es el tercer documental que he localizado. Se realizó en 1976 y lo dirigió David Helpern. Analiza todo el recorrido de la Caza, estuvo nominado al Oscar y tiene la curiosidad de que la narración en off corre a cargo de John Huston.

LA TAPADERA: en ese mismo 1976 Martin Ritt filmó la primera película de ficción sobre estos hechos. Una gran película en clave de comedia dramática sin duda, con un curioso papel de Woody Allen y con un grandioso Zero Mostel. Hay que señalar que hubo que esperar unos 25 años para que una de las grandes productoras, Columbia Picture, denunciara los hechos de la Caza de Brujas. (En esta película me emociona el tratamiento tan elegante de un suicidio, posiblemente uno de los mejores filmados de toda la historia del cine).

CAZA DE BRUJAS: hubo que esperar otros 15 años para que en 1991 se tratase de nuevo este tema con esta ópera prima dirigida por Irving Winkler- el productor de Toro salvaje- y que contó con un gran Robert de Niro entre sus actores. Es una película didáctica que muestra las presiones sobre los profesionales del cine y los sufrimientos entre los familiares y los amigos de los afectados. Posiblemente sea el tratamiento más emocionante de este tema.

RED HOLLYWOOD: en 1995 Thom Andersen y Noël Burch dirigen este documental en el que se analizan diferentes etapas del cine en Estados Unidos, especialmente los años de la Caza de Brujas con entrevistas a algunos de los que fueron incluidos en las listas negras y acusados.

PUNTO DE MIRA: la única producción no norteamericana, en este caso una coproducción hispanobritánica, se realizó en el año 2000 y fue dirigida por Karl Francis. Cuenta con la aportación española de Angela Molina.

La historia de la película circula en torno a Herbert J. Biberman, uno de los Diez de Hollywood y director de la película La sal de la tierra de 1954, que realizó tras salir de la cárcel y que fue boicoteada por las distribuidoras. Punto de mira (rodada en parte en la provincia de Murcia) no es una gran película, pero sirve para conocer la represión a que se vieron sometidos los Diez de Hollywood pues la primera parte está dedicada a las acusaciones y la segunda a las vicisitudes del rodaje de La sal de la tierra; actualmente esta película tiene el honor de estar guardada en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por sus valores artísticos y culturales.

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BUENAS NOCHES Y BUENA SUERTE: sin duda la más conocida de todas las referidas aquí. Fue dirigida e interpretada en 2005 por George Clooney y tuvo gran éxito tanto en Estados Unidos como en el extranjero.

La película es un homenaje a todos los perseguidos por el macartismo y narra unos hechos reales: el enfrentamiento que, en 1953 vía televisión, el periodista Edward Murrow mantuvo en su programa contra McCarthy. El programa fue clave para que la opinión pública cambiase con respecto al senador. A Murrow se le considera uno de los precursores de la televisión moderna.

El título de la película arranca con la frase que el presentador Murrow despedía todos los días su programa: “Buenas noches y buena suerte”.

TRUMBO Y LA LISTA NEGRA: documental de 2007 dirigido por Peter Askin sobre un guion de uno de los hijos de Dalton Trumbo. Se relata la vida personal y familiar de Trumbo en los días en que fue acusado y condenado, las presiones e infamias que sufrió su familia, especialmente sus hijos en el colegio. Conocemos las cartas personales que escribió durante esos meses a los familiares y amigos, leídas por famosos actores actuales como

el recientemente fallecido Donald Sutherland, Liam Neeson, Dustin Hoffman o Michael Douglas.

Un documental entrañable que además de sus valores cinematográficos permite acercarnos al lado más íntimo, personal y familiar de este gran guionista del cine.

TRUMBO. LA LISTA NEGRA DE HOLLYWOOD: la penúltima de las películas reflejadas es muy reciente, 2015, y fue dirigida por Jay Roach. La película es un biopic sobre el novelista, guionista y director Dalton Trumbo, el más señalado de los 10 de Hollywood y sirve para recrear las situaciones y personajes que vivieron aquellos días.

Trumbo, que nunca negó pertenecer al Partido Comunista, era el guionista más prestigioso y mejor pagado de Hollywood. Tras ser condenado y pasar un año en la cárcel se quedó sin trabajo y tuvo que escribir clandestinamente para que otros se otorgasen sus guiones o hacerlo directamente con seudónimos. Trumbo tuvo que exiliarse un tiempo en Méjico donde conoció a Buñuel (que también había huido de Estados Unidos unos años antes ante la cruzada anticomunista).

Por la película pasan muchos de los personajes famosos de la meca del cine por aquellos años, aunque se centra sobre todo en la vida del guionista de películas como Papillon, Éxodo, El demonio de las armas o El hombre de Kiev. Recibió el Oscar en dos ocasiones y ambas usando seudónimo: Vacaciones en Roma (1953) y El Bravo (1956); en esta última utilizó el seudónimo Robert Rich y cuando se le llamó en la gala para entregarle el Oscar… nadie se presentó. Muchos años tuvieron que pasar para que la Academia de Hollywood lo reconociese como autor de estos dos guiones: nada menos que en 1993 y 1975 respectivamente.

Al fin en 1960 y bajo la presión de Kirk Douglas su nombre se rehabilitó y pudo aparecer su nombre en los créditos de Espartaco como guionista. Su hija Mitzi que contaba 15 años cuando el estreno recuerda que “Fue la primera vez que vi su nombre en pantalla. Fue increíble, fantástico”. En 1971 Dalton Trumbo nos ofreció una de las grandes películas pacifistas, Johnny cogió su fusil, como guionista y director.

Trumbo. La lista negra de Hollywood, es una película didáctica sobre el tema que nos ocupa, que merece ser recomendada y que por encima de los avatares del guionista norteamericano lo que nos presenta es un documento contra la censura de cualquier tipo.

SER LOS RICARDO: confieso que la he añadido como un estrambote ya que tenía finalizado el capítulo con la película anterior, pero es que en 2021 se realizó esta última, dirigida por Aaron Sorkin, que aunque en sentido estricto solo responde a las relaciones sentimentales entre la actriz y cómica de TV y cine Lucille Bal (Nicole Kidman) y su marido de origen cubano Desi Arnaz (Javier Bardem) muestra durante todo su desarrollo el ambiente ante las sospechas que tuvo que sufrir la actriz por su posible afiliación comunista. El relato se atiene con bastante exactitud a los hechos reales salvo en la secuencia final, tiene una buena factura y se deja ver gracias especialmente a la actuación de Kidman.

7/7/2024

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LA CAZA DE BRUJAS III: LOS ACUSADOS

LOS DIEZ DE HOLLYWOOD

JOHN GARFIELD

ALBERT MALTZ

EDWARD DMYTRYCK (ACUSADO Y ACUSADOR)

EDWARD G. ROBINSON (ACUSADO Y ACUSADOR)

ZERO MOSTEL

BETSY BLAIR Y GENE KELLY

DASHIEL HAMMET ES CONDUCIDO A LA CARCEL

LILLIAM HELLMAN

” PODRIA RESPONDER, PERO ME ODIARIA MAÑANA POR LA MAÑANA”

¿Es en la actualidad o ha sido usted miembro del Partido Comunista? Con esta pregunta se iniciaba el interrogatorio a que eran sometidos los llamados a declarar ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas (HUAC). En 1954 cesaron parcialmente las actividades de ese comité, aunque no cesaron las represalias laborales para cualquier sospechoso de ideas liberales o progresistas. En esos momentos quedó establecida una lista de 324 culpables ¡de haber pertenecido a un partido político legal! de los cuales algunos sufrieron cárcel, pero todos padecieron una desafección social total hacia sus familias y lo que es peor quedaron proscritos como profesionales del cine y tuvieron que “buscarse la vida” en el más genuino concepto de la frase. Pero esta lista era mucho más amplia ya que se extendió a los “sospechosos” que también quedaron señalados y fueron ignorados por la industria del cine en esos años y los siguientes, prácticamente hasta el final de la década de los 50.

Entre todos ellos se produjeron crisis personales, familiares y hasta algún suicidio. Los menos pudieron incorporarse al teatro o a la naciente televisión. Alguno - como los guionistas – recurrieron al seudónimo para poder seguir trabajando en condiciones muy precarias. Muchos tuvieron que recurrir al exilio en Méjico o en Europa para continuar su carrera, como los casos de Dalton Trumbo, Albert Maltz, Hugo Butler, John Wexley, John Bright, Ben Barzman, Michael Wilson John Berry, Jules Dassin, Ring Lardner, Ian McLellan Hunter, Howard Koch, Joseph Losey o Charles Chaplin (el exilio de Orson Welles fue en gran parte por motivos económicos, aunque su salida de Estados Unidos le valió no ser acusado directamente).

Javier Coma en su Diccionario de la Caza de Brujas ofrece una completa lista de todos los “testigos inamistosos” u “hostiles” implicados en estos episodios. Tras 1947 la lista se amplió algo más en 1951 ya con el fanático McCarthy. Vamos a repasar en este capítulo algunos de esos nombres comenzando por los llamados Diez de Hollywood:

HERBERT BIBERMAN (1900-1971): guionista y director. Estuvo encarcelado durante 5 meses en 1950 y en 1954 dirigió la mítica película La sal de la Tierra, una producción semidocumental que narra una huelga de mineros y que fue boicoteada por los distribuidores. En 1969 dirigió la película antirracista Slaves.

ALVAH BESSIE (1904-1985): periodista y guionista. Participó en la guerra civil española en la Brigada Lincoln. Guionista de éxito, fue encarcelado por 10 meses y posteriormente trabajó en un club nocturno de San Francisco encargado de la iluminación y el sonido. En 1975 participó como actor en la película española España otra vez, de Jaime Camino.

LESTER COLE (1904-1985): fundador de la Asociación de Guionistas de Cine, escribió más de 40 guiones, entre ellos el de la película Nacida libre. Pasó 10 meses en la cárcel y posteriormente se exilió en Inglaterra y siguió escribiendo con seudónimo.

JOHN HOWARD LAWSON (1894-1977): periodista y guionista. Fue el primero en ser llamado a declarar a lo que se negó por lo que fue acusado también de desacato y condenado a cárcel. Tuvo que seguir su carrera firmando sus trabajos con seudónimo.

SAMUEL ORNITZ (1890-1957): dramaturgo, novelista y guionista, fue autor de numerosos guiones antinazis en la década de los años 30 y en la de los 40.

ADRIAN SCOTT (1911-1972): productor y guionista de cine y televisión. Encarcelado 10 meses. Su mujer también estaba en la lista negra y ambos usaron seudónimo hasta los años 60. Se exilió en Inglaterra donde trabajó como productor ejecutivo.

ALBERT MALTZ (1908-1985): dramaturgo, novelista y guionista. Ganador de varios premios por sus novelas ganó también el Oscar en dos ocasiones por documentales. Tras su paso por la cárcel pasó varios años en Méjico. Leyó una declaración ante el Comité en la que dijo “Preferiría morir a ser un vil americano que se arrastra ante hombres cuyos apellidos son Thomas y Rankin, pero que ahora llevan a cabo en Estados Unidos actividades como aquellas realizadas en Alemania por Himmler y Goebbels”.

RING LARDNER, Jr. (1915-2000): Guionista de gran éxito (ganó dos Oscar por La mujer del año y MASH). “Podría responder, pero me odiaría mañana por la mañana”: esa es la respuesta que Lardner dio en 1947 al HUAC por lo que fue acusado de desacato y condenado a un año de cárcel. Escribió varios años con seudónimo, pero luego pudo recuperar su trabajo plenamente a partir de 1965.

EDWARD DMYTRYCK (1908-1999):Con este director de prestigio de origen canadiense tuve dudas en cuanto a incluirlo en este capítulo o en el de los acusadores. Fue el único de los Diez de Hollywood que tras pasar por la cárcel terminó colaborando y en 1951 dio al HUAC más de 25 nombres de posibles comunistas. Esta postura le granjeó el título de traidor entre sus antiguos compañeros que le acompañó hasta su muerte con enfrentamientos públicos con algunos de ellos. Tras su rehabilitación su producción artística fue muy endeble. Antes de estos sucesos fue director de películas como Historia de un detective, Encrucijada de odios o El motín del Caine.

DALTON TRUMBO (1905-1976): el más conocido de los Diez de Hollywood. Director y sobre todo guionista de gran éxito y afiliado al PC norteamericano. En los años 40 era el guionista mejor pagado y tiene en su haber guiones como los de Espartaco o Éxodo. Tras pasar por la cárcel se amparó en los seudónimos para seguir trabajando y logró ganar 2 Oscar bajo nombres no reales en las películas: Vacaciones en Roma y El Bravo. Participó en la creación de la productora King Brothers que dio trabajo a los proscritos por el HUAC. Salió del anonimato cuando por fin pudo aparecer en los créditos de Espartaco gracias a la presión de Kirk Douglas sobre la productora.

Antes de morir nos dejó bajo su dirección una mítica película antibelicista: Johnny cogió du fusil.

LOS OTROS ACUSADOS:

ARTHUR MILLER: al conocido escritor y uno de los maridos de Marilyn Monroe le retiraron el pasaporte y fue condenado por desacato por no delatar a nadie. Fue un gran amigo de Elia Kazan hasta las delaciones de este y por ese motivo no lo volvió a tratar. Miller escribió la obra Las brujas de Salem en 1953 en alusión a la Caza de Brujas. Varias películas como Muerte de un viajante, Panorama desde el puente y Vidas rebeldes están inspiradas en sus obras.

JOHN GARFIELD (1913-1952): un gran y desgraciado actor (El cartero siempre llama dos veces entre otras películas). Llamado a declarar en 1951 se negó a dar nombres y se puede decir que ahí terminó su carrera Un año después fallecería de un ataque cardiaco. Garfield se convirtió en el símbolo de las víctimas de la Caza de Brujas.

EDWARD G. ROBINSON (1893-1973): uno de los actores más famosos del cine negro (Hampa dorada, Perdición). Cuando fue llamado a declarar renegó del comunismo y dio varios nombres, pero solo citó a los que ya estaban condenados. Le tuvieron retirado el pasaporte varios años y él trató de dar todas las muestras de patriotismo hasta con anécdotas chuscas como cuando siendo jurado en el Festival de Cannes puso una reclamación a la dirección por permitir que en Bienvenido Mr. Marshall una banderita norteamericana corriera bajo el agua de una calle hasta un sumidero o que se repartiesen prospectos anunciadores de la película con una reproducción de un billete de dólar con las imágenes de Pepe Isbert y Lolita Sevilla en vez de la de George Washington. Berlanga tuvo que ir a declarar a una comisaría y como consecuencia de estos incidentes… se quedó sin la Palma de Oro.

ORSON WELLES (1915-1985): uno de los más grandes directores de la historia del cine. Investigado por el FBI y figurando en algunas listas como comunista por su apoyo a causas de izquierda pudo evitar al HUAC por su autoexilio profesional motivado por problemas económicos.

MARTIN RITT (1914-1990):señalado como comunista, aunque siempre lo negó, la CBS lo despidió en 1951. Ritt es autor de La tapadera, una de las mejores películas sobre los hechos que estamos analizando.

ZERO MOSTEL (1915-1977): un gran actor de teatro y cine (Golfus de Roma) tiene un papel antológico en La tapadera. Negó pertenecer al PC y también se abstuvo de dar nombres.

JULES DASSIN (1911-1994): delatado por Edward Dmytryck se exilió en Francia donde continuó su carrera como director con películas como Rififí, La ciudad desnuda o Noche en la ciudad.

BETSY BLAIR (1923-2009):la actriz de Marty o de Calle Mayor y esposa de Gene Kelly no pudo entrar en el PC ya que no se le permitió para no comprometer a su marido. Ocupó la lista negra en los primeros años de la década de los 50 y trabajó en algunas películas europeas como la ya citada de Bardem.

CARL FOREMAN (1914-1984): productor y guionista. No quiso declarar ante el HUAC en el año 1951 y terminó huyendo a Inglaterra en la que siguió su carrera en películas como El puente sobre el rio Kwai.

LEWIS MILESTONE (1895-1980): director que, aunque no llegó a figurar en la lista negra fue represaliado por la industria por lo que tuvo que emigrar a Europa. Todo como consecuencia de haber dirigido en la época prosoviética la película La estrella del Norte, en 1943.

JUDY HOLLIDAY (1922-1965): actriz que testimonió en 1952 declarándose “estúpida por haber apoyado causas progresistas” aunque no llegó a denunciar a nadie, por lo que fue “blanqueada”, pero su carrera profesional se detuvo en seco. Previamente había conseguido un Oscar en 1950 por su interpretación en Nacida ayer.

AARON COPOLAND (1900-1990): compositor de música que ganó el Oscar por la partitura de La heredera. Había colaborado con Milestone en La estrella del Norte y por ese motivo cayó en desgracia.

DASHIEL HAMMET (1894-1961): uno de los grandes escritores de novela negra (El halcón maltés, La llave de cristal). Compañero sentimental de Lilliam Hellman pasó varios meses en la cárcel en 1951. Muy activo en el PC norteamericano. Tuvo que declarar en tres ocasiones: 1951, 1953 y 1955 y en todas ellas se negó a dar nombres.

JOHN HUSTON (1906-1987): actor y director de enorme prestigio (El halcón maltés, La jungla del asfalto) fue uno de los más activos en el Comité para la Primera Enmienda que se opuso al HUAC por lo que fue interrogado de forma privada. La prensa ultraderechista lo acusó de comunista en varias ocasiones por lo que se trasladaría durante una década a Irlanda de la que se haría ciudadano y luego a Méjico.

GENE KELLY (1912-1996): la gran figura del musical (Cantando bajo la lluvia, Un americano en París) para evitar una citación del HUAC por sospechas de actividades izquierdistas estuvo en Europa en 1952. Cuando regresó se puso en manos de un abogado que elogió sus actitudes anticomunistas y de esa forma ser blanqueado.

JOSEPH LOSEY (1909-1984): un gran director (El sirviente, Rey y Patria, El mensajero o Accidente). Perseguido por el FBI y avisado antes de que lo llamasen a declarar se trasladó a Europa. Un año después regresó y testificó voluntariamente a puerta cerrada, aunque no existe constancia de que revelase algún nombre. Al constatar que se le había colocado en la lista negra y no tenía opciones para trabajar volvió a Europa, a Inglaterra concretamente, donde completó una brillante carrera.

GALE SONDERGAARD (1899-1985): actriz ganadora de un Oscar y esposa de Herbert Biberman que vio interrumpida su brillante carrera cuando en 1951 se negó a contestar al HUAC cuando formaba parte de la lista negra de Hollywood.

FRITZ LANG (1890-1976): uno de los grandes directores de todos los tiempos. De origen vienés. Permaneció durante un tiempo en la lista negra hasta que diferentes cartas exculpatorias -sin delatar a nadie - lo rehabilitasen y de esta forma completar su carrera. Algunas de sus películas: Metrópolis, El vampiro de Dusseldorf, Los sobornados, La mujer del cuadro o Furia.

LILLIAM HELLMAN (1905-1984): escritora, guionista y autora teatral. Fue profesora en Harvard y Yale y llamada a declarar ante el HUAC en 1952 negándose a dar nombres. Fue autora de guiones como los de La loba, La calumnia o Julia.

BERTOLT BRECHT (1898-1956): el poeta y autor teatral fue también guionista de algunas películas (Galileo). Fue citado a declarar junto a los Diez de Hollywood y negó ser comunista. Ante el miedo a que fuese acusado posteriormente, unos días después se marchó a Europa ya que su nacionalidad era alemana y no regresó a Estados Unidos.

PHILIP YORDAN (1914-2003): productor y guionista de más de 40 películas (Johnny Guitar, Más dura será la caída, Rey de Reyes). Participó en la productora King Brithers reescribiendo guiones de otros compañeros que estaban condenados, pero según parece adueñándose indebidamente de la autoría de algunos. Al estar en la lista negra se marchó a España donde trabajó en varias superproducciones de Samuel Bronston como El Cid, La caída del Imperio Romano o 55 días en Pekín.

PAULETTE GODARD (1905-1990): actriz de gran éxito (Tiempos modernos, El gran dictador) a la que sus dos matrimonios con dos represaliados Ch. Chaplin y Burgess Meredith le valieron ser considerada una sospechosa y su carrera se vio frenada en Hollywood. En 1952 un abogado le consiguió la rehabilitación. A pesar de ello y sin encontrar trabajos adecuados se trasladó y se retiró en Suiza hasta su muerte.

ABRAHAM POLONSKY (1910-1999): novelista, guionista (Cuerpo y alma) y director (El valle del fugitivo). Incluido en la lista negra junto a su mujer, se negó a declarar ante el HUAC en 1951. Pudo dirigir muy pocas películas y algunos de sus trabajos están sin acreditar en otras. Participó en varios documentales sobre la Caza de Brujas en los últimos años de su vida.

FRANK SINATRA (1915-1998): actor (El detective), productor y posiblemente el cantante más conocido del siglo pasado (alguien escribió que cuando muriera Sinatra se habría acabado el siglo XX) fue acusado desde varios frentes por filocomunista. En 1960 quiso contratar a un guionista de los Diez de Hollywood para que escribiese un guion sobre el fusilamiento de un soldado norteamericano por deserción en la II Guerra Mundial lo que no pudo conseguir ante el escándalo en determinados medios de comunicación ultraderechistas. Fue uno de los fundadores del Comité sobre la Primera Enmienda que se opuso a la caza desde sus inicios. (Con sus luces y sus sombras – que también las hubo, como sus relaciones con la Mafia – Sinatra se mostró siempre como un tenaz antifascista. Durante una de sus estancias en España para ver a Ava Gadrner, en 1964, fue llevado a declarar tras un incidente en el Hotel Pez Espada de Torremolinos. Al ver la foto de Franco le dedicó varios insultos. Esto motivó que se le aplicase una fuerte multa y fuese expulsado de España dos días después).

CHARLES CHAPLIN (1889-1977): creo que no es necesario dedicar una línea a quien es un icono cultural del siglo XX y conocido por todos. Cuando estaba en Inglaterra en 1952 – tenía ciudadanía británica - se le impidió regresar a Estados Unidos donde había desarrollado toda su carrera ya que había sido acusado de filocomunista por sus películas Tiempos modernos o El gran dictador. La revancha suya fue rodar en 1957 Un rey en Nueva York, película menor en su filmografía, aunque no ausente de calidad y que es una crítica encubierta a la Caza de Brujas.

Es sumamente interesante el interrogatorio a que fue sometido en las investigaciones iniciales por el Departamento de Inmigración a instancias del FBI y que el propio Chaplin resumió de esta forma:

-"Una semana después recibí una llamada telefónica del Departamento de Inmigración para decirme que desearían formularme algunas preguntas. ¿Podían venir a mi casa? contesté. Vinieron tres hombres y una mujer; la mujer traía una máquina estenográfica. Los otros llevaban unas cajitas cuadradas que contenían, indudablemente, magnetófonos. El principal interrogador era un individuo alto y delgado, de unos cuarenta años, apuesto y astuto. Me di cuenta de que eran cuatro contra uno, y que debí haber hecho que estuviera presente mi abogado, aunque no tenía nada que ocultar. Los conduje al salón principal y la mujer llevó su máquina estenográfica y la colocó sobre una mesita. Los otros se sentaron en un diván, con los magnetófonos delante. El interrogador sacó un dosier de unos treinta centímetros de alto, que depositó cuidadosamente en la mesa que tenía junto a él. Me senté enfrente."

—Es Charles Chaplin su verdadero nombre?

- Sí.

- Algunas personas dicen que su nombres es…aquí mencionó un nombre de evidente sonido extranjero y que usted es originario de Galitzia.

- No. Mi nombre es Charles Chaplin, como mi padre, y nací en Londres, Inglaterra.

- Dice usted que no ha sido nunca comunista?

- Nunca. No he formado parte jamás de una organización política en mi vida.

- Usted pronunció un discurso en el que dijo «camaradas». ¿Qué quería usted dar a entender con eso?

—Exactamente eso. Busqué la palabra en el diccionario. Los comunistas no tienen la exclusiva de esa palabra.

— Ha cometido usted alguna vez adulterio?

— Óigame —le contesté—, si está buscando una argucia para echarme del país, dígamelo y arreglaré mis asuntos de acuerdo con ello, porque no deseo permanecer en ninguna parte donde se me considere persona non grata.

—Oh, no! —me dijo—; es una pregunta que se hace al tramitar todos los permisos para una nueva entrada.

—Cuál es la definición de «adulterio»? —pregunté.

- Significa “fornicaciòn con la esposa de otro hombre” – me dijo

- No, que yo sepa -le dije

- Si este país fuese invadido, lucharía por defenderlo?

- Con toda seguridad, quiero a esta Nación, aquí tengo mi hogar y aquí he vivido durante 40 años

- Pero Ud. no se ha hecho ciudadano americano.

- No hay ninguna ley en contra de eso. Sin embargo, pago aquí mis impuestos.

- Pero por que sigue las consignas del partido?

– Si Ud. me dice lo que son las consignas del partido y de qué partido podré contestarle si las sigo o no.

Estos son algunos de los ejemplos de los más de 400 que sufrieron la persecución durante la Caza de Brujas. Lo más lamentable es que fueron perseguidos por pertenecer a un partido político legal. Como dijo el propio Kirk Douglas, uno de los que luchó por acabar con esa represión: “Yo me sentí mal por esas personas. No estaban tratando de derrocar a su gobierno”.

3/7/2024

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LA CAZA DE BRUJAS II: LOS ACUSADORES

UNA DE LAS SESIONES DEL HUAC CON PARNELL Y NIXON EN LA PRESIDENCIA

PARNELL

McCARTHY

HOOVER

NIXON

JACK WARNER

WALT DISNEY

ADOLPHE MENJOU

STERLING HAYDEN

AYN RAND

En este apartado tenemos que establecer dos categorías: por una parte, los políticos que llevados por su radicalidad ideológica no dudaron en saltar todas las convenciones y derechos recogidos en la Constitución norteamericana para interrogar y acusar a varios cientos de profesionales del cine. Los podemos definir como “acusadores externos”, pero también y creo que, hasta más grave, hubo numerosos “acusadores internos” desde dentro del mundo del cine que no dudaron en delatar a sus compañeros por diferentes razones. Realmente formaron, en un término muy usado en España hace años, un verdadero contubernio.

Los políticos, acusadores externos, que comandaron esta cruzada fueron individuos fanáticos sin escrúpulos, que no dudaron en cambiar la presunción de inocencia por la de culpabilidad. También hubo algún que otro arribista que quiso hacer méritos como patriota exaltando el miedo de la población ante una posible conspiración comunista y ciertamente alguno lo logró como fueron los casos de Nixon y Reagan.

También fueron muchos los que formaron el frente de acusadores internos. Delatores, chivatos en el sentido más popular del término, que testimoniaron contra sus compañeros de trabajo y por diferentes circunstancias, encabezados por los propietarios de los estudios cinematográficos que querían tener domesticada a la fauna laboral de servicios (todos los empleos técnicos del cine: sonidistas, iluminación, maquilladores, meritorios, etc.)  en unos años de crisis en el sector y por otra parte tener controlados los mensajes ideológicos que podían transmitirse a través de las películas. Los delatores lo fueron básicamente por fanatismo ideológico o por miedo a la cárcel o a perder sus, en algunos casos, muy sustanciosas carreras cinematográficas. Los hubo famosos y menos famosos, actores y actrices, periodistas, directores, productores y guionistas esencialmente.

Veamos primero los principales acusadores externos (los políticos):

THOMAS JOHN PARNELL: presidente del Comité de Actividades Antinorteamericanas (HUAC) desde Enero de 1947. Fue él y no McCarthy el que condujo las primeras sesiones del Congreso en las que declararon numerosos cineastas; tuvo el “honor” de compartir cárcel con algunos los acusados por él ya que cayó en desgracia por corrupción, por haber falseado las nóminas de los trabajadores del Comité para apropiarse del dinero. En 1954 escribió un libro con el curioso título de: “Los rojos compañeros de cárcel del cazador de rojos”.

RICHARD NIXON: el más conocido de todos por su corrupta Presidencia de los Estados Unidos y su defenestración en 1974. Participó en las primeras semanas de actividades del HUAC (es muy interesante para conocer al personaje la película que lleva su nombre, Nixon, de Oliver Stone).

EDGAR HOOVER: el director del FBI durante casi medio siglo (aconsejable ver J. Hedgar de Clint Eastwood) cooperó abiertamente con el HUAC usando todos los medio legales e ilegales de que disponía por su alto cargo. Fue el personaje más poderoso durante casi 50 años en Estados Unidos y al que temían hasta los presidentes (sobrevivió políticamente a ocho de ellos). Homosexual homófobo despreciaba la privacidad de las personas y especializó al FBI en investigar la vida íntima de políticos y artistas en los que se cebó su fanatismo especialmente a Frank Sinatra, Charles Chaplin y Marilyn Monroe.

ROY COHN: primer ayudante de McCarthy pese a su juventud, se caracterizó por su fanatismo y por no tener ética alguna en sus investigaciones por lo que tuvo que dimitir en 1954. Se le prohibió ejercer la abogacía en 1986 y ese mismo año murió de SIDA (se decía de este personaje que era un judío antisemita y un homosexual homófobo).

AYN RAND (1905-1982): de origen ruso y precursora del individualismo más feroz y egoísta, declaró voluntariamente en 1947 ante el HUAC como testigo amistoso y centró sus denuncias en la película prosoviética de 1944 Song of Russia. Desarrolló su carrera en Hollywood siendo autora del guion, entre otras de El manantial. También escribió una de las novelas de más éxito en toda la historia de los Estado Unidos: La rebelión de Atlas.

JOSEPH McCARTHY (1908-1957):McCarthy encarna el espíritu (el macartismo) de la caza de brujas, se le han atribuido unas responsabilidades que no le correspondían. Ya señalamos en el capítulo anterior que la Caza de Brujas se había iniciado en 1947 a través del Congreso de los Estado Unidos en el que McCarthy no tenía escaño. Él continuó la caza como Senador en 1950 cuando dijo en un discurso que disponía de una lista de 205 personas afiliadas al PC en el Departamento de Estado. Poco después inició una cruzada para señalar y prohibir gran cantidad de libros sobre todo extranjeros. De ahí pasó al cine, pero desde luego con muchas menos acusaciones numéricas de las que se realizaron unos años antes, aunque el recorrido mediático fue mucho mayor. Trató también de implicar al Ejército en sus sospechas y esa fue su perdición. Entonces se acuñó la palabra macartismo para definir todo el proceso y unas medidas atentatorias contra las libertades de los ciudadanos ante una supuesta conspiración nunca probada. En 1954 fue defenestrado y en 1957 falleció a los 47 años víctima de su alcoholismo.

Los acusadores internos (los profesionales del cine):

HEDDA HOOPER: la periodista viperina de Hollywood y feroz anticomunista denunció públicamente a una serie de actores. Su actividad fue tan fanática que algunos de sus camaradas de cacería la llamaron para que se moderase como el mismo ¡John Wayne!

LOUELLA PARSONS: la otra lengua viperina del cine norteamericano tan fanática como la anterior también denunció en sus artículos a algunos profesionales del cine.

JACK L. WARNER: el fundador de la Warner Bross fue primer representante de los estudios que no dudó en comenzar a dar nombre (12 en su caso) para que fuesen investigados aportando gran cantidad de datos sobre los denunciados. Afortunadamente nos dejó para la posteridad películas como Casablanca o Tener y no tener.

WILLIAM ALLAND: actor secundario, ayudante de Orson Welles y productor que reconoció en 1953 su militancia en el partido Comunista. Nombró a una serie de colegas entre ellos a su exesposa Virginia Mullen lo que da muestras de su catadura moral.

ZSA ZSA GABOR: actriz de origen húngaro más conocida por sus 9 matrimonios, varios amantes y por sus frases ingeniosas (“Debo de ser una buena ama de casa, porque cuando me divorcio, siempre me quedo con la casa”) que por sus virtudes artísticas. Tras ser investigada por el FBI tras la II Guerra Mundial por dudosas afinidades con los nazis se convirtió en una feroz enemiga de la dictadura soviética al servicio del HUAC, aunque eso no le impidió tener como amante al dictador dominicano Trujillo. Se negó a participar en una película que iba a dirigir Jules Dassin, uno de los acusados, y la productora lo expulsó según los deseos de la actriz.

ELIA KAZAN: uno de los más conocidos “chivatos” de la causa fue sin duda Elia Kazan. El gran director, de origen griego, había militado en el Partido Comunista entre 1934 y 1936. Lo denunció ante el HUAC el productor Jack Warner y Kazan decidió someterse a los interrogatorios y denunciar a 15 de sus antiguos compañeros para salvar su carrera. Su justificación ante un productor teatral fue “Tengo que pensar en mis hijos”. La respuesta predijo el futuro del director: “Esto pasará y entonces serás un soplón también para tus propios hijos, piensa en eso”. Efectivamente, cuando en 1999 la Academia le otorgó un Oscar honorífico por toda su carrera más de la mitad de los asistentes ni aplaudieron ni se levantaron en la entrega del premio. Continuó su carrera justificando su postura en algunas películas como Fugitivos del terror rojo o La ley del silencio que motivó la obra teatral de Arthur Miller Panorama desde el puente.                                                                                               Desde luego su categoría moral no iba en paralelo con su categoría artística y así nos ha dejado películas como Un tranvía llamado deseo, Al este del edén, América América, Esplendor en la hierba o El compromiso.

GARY COOPER: el actor que interpretó a tantos personajes buenistas como El Sargento York o Juan Nadie, fue uno de los más encarnizados cruzados y declaró de forma voluntaria ante el HUAC. En esos años protagonizó el western Solo ante el peligro que según algunos críticos es una defensa de la Caza de Brujas aunque modestamente yo no veo por ningún lado ese matiz.

RONALD REAGAN: actor secundario por aquellos años inició su carrera política haciendo exaltación de la delación colaborando con el FBI y con el HUAC. Según algunos se casó con la actriz Nancy Davis que estaba incluida en la lista negra por error para limpiar su nombre.

LEE J. COBB: actor bastante conocido por aquellos años fue denunciado en 1951 por lo que se quedó sin trabajo. Dos años después denunció a una veintena de compañeros.

ROBERT TAYLOR: primera figura del cine norteamericano por aquellos años y protagonista de éxitos como Quo Vadis o Ivanhoe, había protagonizado en plena II Guerra Mundial una película (Song of Russia) de apoyo a la Unión Soviética por lo que, de forma voluntaria, declaró, denunciando a varios compañeros presentando incluso pruebas.

JEROME ROBBINS: el gran coreógrafo y director de musicales (West side story) antiguo afiliado al PC norteamericano claudicó en 1953 y dio numerosos nombres al comité.

STERLING HAYDEN: un actor esencial del cine negro de la época que cuenta con películas como La jungla del asfalto o Atraco perfecto. Estuvo unos meses afiliado al PC en 1946 y en 1950 para quedar exonerado dio varios nombres. A su favor queda que poco después se arrepintió y se manifestó en varias ocasiones ante el Tribunal con una pancarta que decía “No digáis nada. Son innobles”.

ROBERT ROSSEN: fue citado en tres ocasiones para testificar ante la Comisión, estuvo considerado en un principio como “testigo hostil”. En 1951 aseguró que no pertenecía al Partido Comunista, pero no quiso contestar si lo había sido anteriormente. Acuciado por su inclusión en la lista negra, en una tercera comparecencia a puerta cerrada dio más de 50 nombres. Sin embargo, prefirió continuar su carrera en Europa y alejarse de los perseguidores y de aquéllos a los que había denunciado. Cuenta en su carrera con películas como El buscavidas, Los violentos años 20 o El político.                                                                        

ADOLPHE MENJOU: un infame individuo. Yo creía que su actuación en el despreciable personaje de Senderos de gloria respondía a su buen registro de actor, pero creo que realmente se interpretaba a sí mismo. Se ufanaba en decir que él era “un hostigador de rojos; soy un cazador de brujas si las brujas son comunistas”.

En Youtube se le puede ver declarando ante el HUAC con expresiones siniestras y con un lenguaje gestual acompañante que produce auténtica vergüenza.

 MARTIN BERKELEY: un guionista que se hizo tristemente famoso por ser el delator que más nombres citó ante el Comité, hasta un total de 162. Denunció, entre otros, a Dorothy Parker, Dashiell Hammett y Lillian Hellman, como asistentes a una reunión en su propia casa en la que, según él, se fundó la sección del Partido Comunista en Hollywood en 1937. Reconoció haber formado parte del PC durante siete años, para más tarde unirse a la organización conservadora Motion Picture Alliance (MPA).

IRA GERSHIN: hermano del compositor George Gershwin y letrista de canciones y autor teatral de éxito. Denunció a los asistentes en su casa a una reunión de Comité para la Primera Enmienda.

WALT DISNEY: el exitoso productor de películas de dibujos animados fue un contumaz perseguidor de izquierdistas desde muy temprano. Tras ofrecerse como informador al FBI llegó a tener la calificación de Agente Especial de ese organismo. Fue uno de los fundadores de la MPA y en 1947 testificó voluntariamente y denunció a varios profesionales del cine.

HOWARD HUGHES: polifacético, excéntrico y multimillonario personaje (El aviador, de Martin Scorsese). Productor y director de cine, pasó de defender a los miembros del Comité para la Primera Enmienda fletando un avión propio para trasladarlos a Washington a perseguir a todos los profesionales de la izquierda, llegando a pretender que se prohibiera el rodaje de La sal de la tierra. Dirigió la famosa productora RKO llevándola a la ruina (ya detallaremos las circunstancias del rodaje de Casada con un comunista).

27/6/2024

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LA CAZA DE BRUJAS I: EL CONTEXTO HISTÓRICO

LOS COMPONENTES DEL HUAC (CON NIXON A LA DERECHA)

LOS PRIMEROS ACUSADOS

(En aquella gran película de Berlanga, Bienvenido Mr. Marshall, el inefable personaje interpretado por el genial Pepe Isbert sufre, mientras duerme, una pesadilla: ha sido llamado a declarar ante el Comité sobre Actividades Antinorteamericanas. La alusión de Berlanga es clara y muestra como en 1953 el impacto de los hechos que vamos a relatar había llegado a nuestro país).

Que el cine ha sido un elemento de preocupación y objeto de control por parte de los gobiernos de cualquier signo es un hecho bien demostrado históricamente. En el caso de las dictaduras esto se lleva a límites insospechados amparándose en la censura y las prohibiciones. No puedo obviar la estupidez de algunos códigos de censura como el norteamericano Hays en el que se estipulaban los segundos que debía durar un beso o se prohibía que en la pantalla se gritara ¡fuego! pues podía inducir al pánico entre los espectadores. Tenemos los ejemplos de la Unión Soviética (para Lenin el cine era “la más importante de las artes”) con la censura a Eisenstein o de la Alemania nazi que dio lugar al exilio de numerosos profesionales del cine. En España tuvimos ejemplos de algunas situaciones esperpénticas como las de aquellos años en que se hacían dobles versiones, una censurada para consumo interior y otra para su visión en el extranjero o las simples prohibiciones de proyectar determinadas películas que solo pudieron verse a partir de 1977. Recientemente hemos visto como el régimen iraní ha centrado en algunos directores como Jafar Panahi su política de censura para tratar de frenar sus denuncias. Pero lo que llamó en su día la atención es que un fenómeno de este tipo se diese en un país en el que los derechos y libertades (aunque no para todos) forman parte de sus señas de identidad: es el triste episodio que se conoció como LA CAZA DE BRUJAS EN HOLLYWOOD.

Este episodio de la caza de brujas en Hollywood creo que es bien conocido, aunque el paso del tiempo ha focalizado la responsabilidad del mismo de forma un tanto equivocada. El canon del proceso ha sido en la ortodoxia histórica el siguiente: ante el peligro comunista un político fanático, McCarthy, comienza a acusar a diestra y siniestra al mundo del cine en Hollywood. Una serie de profesionales denuncian la desviación comunista de sus compañeros y muchos de ellos son condenados a la cárcel, al exilio o a ser excluidos en cualquier trabajo relacionado con el cine. Este es, en resumen, lo que hemos conocido pero los hechos son mucho más complejos. Veámoslos.

Partimos de una constitución, la norteamericana muy garantista con las libertades y los derechos individuales: “Ningún representante del grado que fuere, puede establecer lo que es correcto en materia de política, nacionalismo o cualquier otro tema de opinión, ni tampoco forzar a la ciudadanía a confesar mediante hecho o palabra sus creencias personales”. La situación geopolítica que se estableció tras el final de la II Guerra Mundial dio al traste con todo esto y políticos y jueces se saltaron todas las normas establecidas. Profesionales del cine, bien por miedo o bien por interés se convirtieron en secuaces y delatores de sus propios compañeros de profesión.

Que en el mundo de dominio capitalista, encabezado por Estados Unidos, no sentó nada bien la revolución soviética es algo obvio. Ya desde los años 30 se filman varias películas con una feroz crítica al sistema comunista. Alguna como la gran Ninotchka (1939) de Lubitsch (aunque el director deslizó también criticas hacía el modo de vida capitalista). Al mismo tiempo cierto número de profesionales del cine de todos los niveles, no llegó al 1%, y numerosos intelectuales se afilaron al Partido Comunista (PC) ya que veían que la única defensa contra los fascismos europeos era la Unión Soviética. Este fue un fenómeno muy curioso de los años 30; en muchos estados occidentales, incluida España, intelectuales y artistas se afiliaron bien al partido comunista de su país al mismo tiempo que también otra serie de intelectuales se afiliaron a partidos fascistas con el modelo italiano y no el alemán. Ambos partidos constituían las vanguardias ideológicas de la época. La mayoría de los unos y los otros terminarían por abandonar esas organizaciones años después: los afiliados a partidos comunistas tras los sucesos de Hungría, la defenestración política de Stalin o la primavera de Praga. Por su parte los filofascistas se apartaron pronto de sus partidos como fue el caso en España de Laín Entralgo o de Ridruejo.

 

Durante la II Guerra Mundial la Unión Soviética se convirtió en aliada de los Estados Unidos para luchar contra el Eje y de hecho se realizaron varias películas por recomendación del presidente Roosevelt con unas loas a la lucha del pueblo soviético, a su gobierno e incluso a su líder y dictador Stalin que vistas hoy día producen cierta vergüenza ajena.

La victoria aliada trajo como consecuencia el cambio de enemigo: ya no era el Eje (Alemania-Italia-Japón) sino la Unión Soviética. Una histeria anticomunista, que culmina cuando la Unión Soviética lanza su primera bomba atómica en 1949, se desata en Estados Unidos mediada por los grupos más conservadores (en un libro de texto de finales de los 40 se  enseña a los escolares: “El FBI insta a los americanos a que informen directamente en sus oficinas de cualquier sospecha que puedan tener sobre actividades comunistas por parte de sus compatriotas estadounidenses. El FBI está perfectamente capacitado para verificar esos informes según las leyes de una nación libre. Cuando los americanos hagan esto con sus sospechas en lugar de mediante habladurías o la publicidad, estarán actuando según la tradición americana”); por otra parte, cierto sector de la política no tiene pudor en poner en marcha leyes que van en contra los más elementales principios de la Constitución norteamericana como la Ley de Seguridad Interna de 1950 que incluso autorizaba el establecimiento de campos de concentración para los comunistas en tiempos de situación crítica nacional (aunque esto no era nuevo: durante la II Guerra Mundial más de 100.000 japoneses, la mayoría con ciudadanía norteamericana, fueron ingresados en campos de internamiento).

La plataforma de actuación contra los comunistas norteamericanos surgió mucho antes, en 1938, desde el Congreso de los Estados Unidos formando el denominado Comité sobre Actividades Antinorteamericanas conocido en inglés como HUAC. En 1944 se fundó la Motion Pictures Alliance for the Preservation of American Ideals (MPA), una alianza de los elementos más conservadores de la industria cinematográfica cuyo objetivo era oponerse “a los esfuerzos de comunistas, fascistas y otros grupos de ideología totalitaria para pervertir el cine y utilizarlo para la difusión de ideas y creencias antiamericanas” que sirvió de gran apoyo al HUAC.

Tras la pausa de la guerra mundial se persiguió a partir de 1947 a comunistas y liberales en el teatro, la universidad, la Administración del Estado y hasta el Ejército. Lógicamente el cine por su trascendencia mediática era también una diana de estos ataques.

Era la consecuencia en el interior de la Guerra Fría. Comenzaron los juicios y condenas a miembros del PC, un partido que no pasaba de unos cuantos miles de militantes y que en Hollywood no llegaba al 1% de afiliación entre todos los profesionales. Varias decenas de miembros de ese partido fueron encarcelados y se cree que unas 20.000 personas perdieron sus empleos en otras profesiones.

Desde un principio además de perseguir a los militantes comunistas de cualquier profesión se puso en el punto de mira al cine y ya en 1940 investigaron e interrogaron entre otros a Humphrey Bogart y James Cagney que quedaron exonerados en esos momentos. El HUAC no se limitó al cine, sino que investigó a intelectuales y artistas de todo tipo (se calcula que se prohibieron más de 30.000 libros en esos años) pero la difusión mediática sobre todo de la prensa y la televisión fue muy superior en el caso del mundo del cine al de otros sectores afectados.

El desarrollo del proceso de la Caza de Brujas se puede dividir en dos oleadas: la primera en 1947 se caracterizó por la resistencia de los acusados (básicamente los Diez de Hollywood) y la movilización de muchos de su compañeros para enfrentarse al HUAC formando lo que se llamó el Comité para la Primera Enmienda; la segunda oleada de caza se produjo a partir de 1951 con menor cantidad de acusados con respecto al cine y se caracterizó por el miedo de muchos de los declarantes que los llevó a convertirse en delatores.

El HUAC estuvo dirigido por diferentes congresistas en las décadas siguientes (no olvidemos que estuvo activo hasta 1975). En 1947 asumió la presidencia un curioso personaje del que hablaremos en el futuro: John Parnell Thomas, con la inestimable ayuda de otro congresista luego muy conocido, Richard Nixon. Parnell centró rápidamente las acusaciones en Hollywood: se investigaron inicialmente a 19 profesionales y de estos solo fueron llamados a declarar a 10, que serían conocidos como los Diez de Hollywood, junto al escritor Bertolt Brecht. (Los motivos de sospecha pueden parecer hilarantes a día de hoy, pero muestran el histerismo y fanatismo de aquellos años en Norteamérica: se tenían por películas comunistas “Aquellas que criticaban a los ricos, a los miembros del Congreso o que mostrasen a un sodado desengañado de la guerra”. Increíble pero cierto)

“¿Es usted o ha sido usted miembro del Partido Comunista?” Esta es la pregunta que se le hacía a los investigados y que la mayoría se negaron a responder por lo que eran acusados de desacato, enviados a la justicia ordinaria y allí eran condenados a penas de cárcel y multas. Pero no terminaba ahí la odisea de estos profesionales, sino que luego veían como sus contratos eran rescindidos y no había forma de encontrar trabajo en el sector cinematográfico. Mientras que algunos guionistas salvaron en precario la situación escribiendo con seudónimo y valiéndose de amistades que entregaban sus trabajos, los directores y actores no tuvieron posibilidad alguna de continuar trabajando por la índole de sus personales intervenciones en las películas.

Inicialmente hubo una respuesta por parte de los profesionales para defender a sus compañeros acusados y fue Frank Sinatra el que primero los apoyó creando una organización llamada Comité por la Primera Enmienda que fue tachada por el FBI, como todo lo que oliese a democracia, como comunista. Esta organización a la que pertenecieron estrellas como Humphrey Bogart, John Huston, Gene Kelly, Katherine Hepburn, Orson Welles, Bette Davis, Billy Wilder, Burt Lancaster, Ava Gardner, Lauren Bacall, Rita Hayworth, Groucho Marx y Henry Fonda firmó una petición en la que se decía: “Los abajo firmantes, como ciudadanos americanos que creen en el gobierno democrático constitucional, sentimos repugnancia e indignación ante el intento reiterado del Comité de Actividades Antiamericanas de calumniar a la industria cinematográfica. Sostenemos que estas audiencias son moralmente inaceptables por los siguientes motivos: Cualquier investigación de las creencias políticas de un individuo contraviene los principios básicos de nuestra democracia. Cualquier intento de contener la libertad de expresión y de fijar referentes de Americanismo es per se infiel al espíritu y texto de la Constitución”.

Este escrito se redactó en casa del letrista Ira Gershwin -hermano menor del gran músico George – que posteriormente, seguramente por miedo, proporcionó al HUAC los nombres de los asistentes a esa reunión. Sinatra, un personaje con algunas sombras en su dilatada carrera musical y cinematográfica, fue ciertamente muy activo al oponerse al HUAC y en una emisora de radio dijo: “Una vez que consigan pisotear el mundo del cine, ¿cuánto va a tardar el comité en ocuparse de la libertad de las ondas? ¿Cuánto tiempo va a transcurrir antes de que se nos indique qué podemos y qué no podemos decir ante un micrófono de radio? Si uno hace una intervención en una emisora nacional en favor de los desvalidos, ¿lo tacharán de comunista? Me pregunto si van a conseguir asustarnos para que nos estemos callados”. Desgraciadamente, este grupo se deshizo pronto por enfrentamientos entre ellos y alguna que otra importante deserción.

De los primeros llamados a testificar fue Bertolt Brecht, con ciudadanía alemana, que se negó a declarar e inmediatamente se marchó a su país; los 10 restantes también se negaron a declarar sobre sus ideas políticas o afiliación por lo que fueron enjuiciados y condenados. Estos fueron los llamados Diez de Hollywood, todos ellos profesionales de primera línea en sus respectivas parcelas y que pasaron a la historia como un ejemplo de resistencia ante un gobierno que se estaba saltando toda la legalidad del país (no olvidemos que el Partido Comunista era completamente legal en Estados Unidos):

-Alvah Bessie, guionista                                                                                                              -Herbert Biberman, guionista y director                                                                                                       -Lester Cole, guionista                                                                                                              –Edward Dmytryk, director                                                                                                                -Ring Lardner Jr., guionista                                                                                                              -John Howard Lawson, guionista                                                                                                              -Albert Maltz, guionista                                                                           -Samuel Ornitz, guionista                                                                                                              -Adrian Scott, productor y guionista                                                                                                          –Dalton Trumbo, novelista, guionista y director

Pero esto fue solo el principio, en los años siguientes otros numerosos profesionales, que Javier Coma estima en unos 400, fueron investigados, enjuiciados y condenados a la cárcel o a perder sus empleos por lo que se produjo un llamativo exilio a Europa (Charles Chaplin o Joseph Losey entre otros) a la inversa de lo que había ocurrido en los años 30 desde Alemania a Estados Unidos. Además, los estudios chantajearon y castigaron a aquellos profesionales que no quisieron denunciar a otros compañeros, aunque desgraciadamente hubo unos 50 que se ofrecieron voluntariamente por miedo o por interés a denunciar a sus compañeros y en algunos casos a antiguos camaradas políticos como el muy conocido caso de Elia Kazan; estos fueron los llamados “testigos amistosos” frente a los “testigos hostiles” que no quisieron declarar y que fueron acusados de desacato engrosando las llamadas “listas negras” elaboradas por los propios estudios. Los tibios o discretamente sospechosos que no quisieron colaborar llenaron las “listas grises” y también se vieron afectados por represalias laborales por parte de los estudios que no los contrataban. El estigma de haber figurado en alguna de estas listas era simplemente el dato para que se les negasen cualquier tipo de contrato laboral en el ámbito de la cinematografía. Parece que un componente económico y no solo político fue el que propició que los grandes estudios se lanzaron a hacer estas listas. Tras la guerra se produjo una crisis en la industria del cine norteamericano: a los estudios se les acabó la posibilidad de monopolizar la distribución y la exhibición en salas y la llegada de la televisión hizo que bajara mucho la asistencia al cine en esos años finales de la década de los 40 y primeros 50 (creo que a eso habría que añadir una evidente merma de la calidad de las películas por diferentes razones y no son menores las que esbozamos aquí). Las “listas negras y grises” permitieron a los estudios expulsar a muchos profesionales contratados.

Tras ese año 1947 el HUAC se olvidó parcialmente del cine y hubo que esperar tres años para que se pusiese en marcha la máquina de difamar y acusar que lideró el Senador Joseph McCarthy. Por tanto, estamos ante una evidencia no siempre clara: el macartismo es anterior a McCarthy. Error ha sido considerar que McCarthy participó desde el principio en la ofensiva del HUAC contra las gentes del cine ya que este organismo dependía del Congreso mientras que McCarthy era Senador.

En 1950 este fanático Senador denuncia un complot comunista en el Departamento de Estado. El momento no pudo ser más oportuno: Guerra Fría, carrera atómica, guerra de Corea… Aprovechando todos estos factores y con la ayuda de medios de comunicación ultra derechistas comenzó “su” Caza de Brujas el senador de Wisconsin quien se puso al frente de un Comité del Senado para atacar indiscriminadamente todo aquél que hubiese tenido alguna postura ligeramente escorada a la izquierda, hubiera intervenido en alguna película calificada de filocomunista o simplemente hubiese ayudado con alguna donación al gobierno republicano de España en la guerra de 1936 (el mismo John Ford, un católico muy conservador fue llamado a declarar por haber donado una ambulancia a la Republica Española, se negó a dar nombres y su única respuesta fue antológica: “Me llamo John Ford y hago películas del Oeste”. Su papel era tan grande en Hollywood que no se atrevieron a dar un paso más en sus sospechas. La gran categoría humana de Ford – un personaje desagradable en la cercanía – se conoce cuando en los duros años de persecución dio trabajo en muchas de sus películas a numerosos técnicos y profesionales represaliados).

Ciertamente esta maquinaria puesta en marcha por un sector de la política gubernamental y por los estudios de cine tenía una enorme carga ideológica para tratar cualquier tipo de desviación en los “mensajes” que se podían trasladar a través de las películas. Durante los años finales de la década de los 40 y toda la década de los 50 proliferaron películas de baja calidad centradas en el anticomunismo. Películas como Las uvas de la ira o Encrucijada de odios ya no era posible realizarlas y por otra parte el crítico “cine negro” también suavizó sus aspectos más sociales.

Pero a la altura de 1954 McCarthy se había pasado de la raya y desde la Casa Blanca se impuso la tarea de acabar con el senador. McCarthy calculó mal un ataque al propio Ejército y ahí fue su final. Fue relevado en la presidencia del Comité y luego condenado por el propio Senado por “conducta impropia a las tradiciones del Senado”. No perdió el escaño, pero los senadores le volvían la espalda y desaparecían cuando quería tomar la palabra. Alcohólico, murió de cirrosis hepática en 1957 a los 48 años. Su sucesor en el Senado dijo sobre él: “Fue una desgracia para Wisconsin, para el Senado y para América”.

Según estima Alejandro Crespo en su Tesis: El cine y la industria de Hollywood durante la Guerra Fría 1946-1969, a la altura de 1955 todavía existía un enorme número de profesionales que no podían solicitar empleo en la industria del cine: 106 escritores, 36 actores, 3 bailarines, 11 realizadores, 4 productores, 6 músicos, 4 dibujantes y 44 técnicos diversos.

Aunque el HUAC persistió hasta 1975 la Caza de Brujas se fue diluyendo y en 1960 Kirk Douglas le dio la puntilla cuando logró que el guionista Dalton Trumbo, uno de los Diez de Hollywood, pudiera aparecer ya en los créditos como autor del guion de Espartaco. El propio expresidente Truman dijo por aquellas fechas “El HUAC es lo más antiestadunidense que hay en el país”. Lo más lamentable de todo es que nunca se pudo demostrar que los “comunistas” de Hollywood hubiesen espiado, saboteado o cometido algún acto terrorista.

Que la Caza de Brujas de Hollywood fue un episodio vergonzante para el cine, la cultura en general y el pedigrí democrático de los Estados Unidos es un hecho cierto, pero también -al César lo que es del César - hay que reconocer la capacidad del sistema para revertir la situación, defenestrar a los lideres de la caza (es muy curiosa la imagen en Trumbo. La lista negra de Hollywood, de Parnell, el inquisidor general compartiendo cárcel con varios de los Diez de Hollywood) y rehabilitar a los acusados… aunque ciertamente causó mucho dolor en el mundo de la cultura.

20/6/2024

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PALABRAS DE CINE

LOS CAMEOS DE HIT

EL ORIGEN DEL WILHELM

TRAVELLING

STORY BOARD DE LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ

UNA BUENA ROAD MOVIE

 SLAPSTICK

PLANO DE LA NOCHE AMERICANA

Los cineastas, como en todas las profesiones, tienen un lenguaje particular lleno de tecnicismos y de anglicismos que, al ciudadano común, le resultan enormemente fríos y desconocidos; pero, al mismo tiempo, los cinéfilos y los espectadores más avanzados, especialmente los de las generaciones más jóvenes, conocen y usan una serie de términos que también resultan complicados de entender a los aficionados más veteranos.

Creo que todos hemos usado en alguna ocasión términos como tráiler, pero hoy son muy comunes palabras también en inglés como remake, spin-off o spoiler por poner solo unos ejemplos. Vamos a repasar algunos de estos términos dejando al margen aquellos que son puramente profesionales y se salen de los comentarios habituales de los cinéfilos como fundido encadenado, ángulo picado o contrapicado, traking, steadycam, etc.

Veamos una pequeña selección en modo alguno parecida a un diccionario y expuesta de forma aleatoria según las he ido recordando, buscando, encontrando y que está abierta a cualquier aportación:

CAMEO: es la fugaz aparición de una famosa persona en el transcurso de una película sin papel alguno en la historia, representándose a sí misma y que, incluso a veces, pasa desapercibida. El director que más usó el cameo fue Alfred Hitchcock que apareció en 37 de las 58 películas que rodó.

SECUELA: cuando una película tiene gran éxito puede derivarse una continuación con los mismos personajes y nuevas historias.

PRECUELA: es una vuelta atrás de una historia y unos personajes contada en una película anterior. El ejemplo más señalado es La guerra de las galaxias cuyos episodios I, II y III se hicieron tras salir la primera trilogía.

BLOOPER: en español tenemos una definición muy diáfana sobre este elemento, son las “tomas falsas” que se producen durante el rodaje por equivocaciones generalmente y que a veces se insertan en los créditos finales especialmente si se trata de una comedia.

REMAKE: realizar una película en base a una antigua sin modificar básicamente la historia y su desarrollo. En general los remakes no consiguen la calidad de la película primigenia (ejemplo: Psicosis).

SPIN-OFF: cuando en una película de éxito uno de los personajes cobra gran protagonismo se decide hacer una nueva producción tomando como base a ese personaje.

BIOPIC: podríamos llamarlo también género biográfico pues en eso consiste, llevar a la pantalla la vida de algún personaje conocido.

BLOCKBUSTER: películas dirigidas al gran público con tramas sencillas, con un gran lanzamiento publicitario, con calidad desigual y que tienen gran éxito en taquilla.

CASTING: es el proceso de selección de los actores para la realización de la película y completar el reparto.

McGUFFIN: palabra inventada por Hitchcock para denominar un recurso narrativo. HIT lo usa como una excusa en el relato ya que parece en principio esencial para la historia, pero luego se muestra sin ningún interés para el desarrollo de la misma (ejemplo máximo: el robo en Psicosis).

FLASHBACK: también lo podríamos llamar en nuestro idioma VUELTA ATRÁS. El flashback sirve para insertar hechos pasados que explican los que ocurre en el presente narrativo. Posiblemente la película en la que mejor se expone esta técnica narrativa sea Ciudadano Kane, de Orson Welles.

FLASHFORWARD: o también IR HACIA DELANTE. Básicamente es lo contrario del flashback: la narración muestra imágenes (sueños) de lo que puede ser el futuro. Es un recurso narrativo menos usado que el flashback.

CLIFFHANGER: recurso narrativo de las antiguas películas por capítulos o de las actuales series. El final de la película muestra una situación de suspense que hace que el espectador quede “enganchado” y a la espera del siguiente capítulo.

GAG: se puede definir como el golpe cómico que no se espera y puede ser tanto visual como verbal, como sonoro. En Hollywood clásico existía el puesto de “gagman” que era el inventor de los gags en cada película.

GUION TÉCNICO: es el guion final donde aparece toda la planificación de planos y secuencias incluyendo la banda sonora. Se le suelen añadir anotaciones. Es el elemento de trabajo en mano del director y su ayudante.

GORE: subgénero de terror en el que la sangre y las vísceras son elemento permanente y esencial de rodaje (en nuestro país también se le llama “cine de casquería”).

RACORD: podemos definirlo como la concordancia o la continuidad entre los planos sucesivos. En una misma secuencia no puede aparecer un personaje fumando un cigarrillo en un plano y en el siguiente una pipa; si eso ocurre estamos ante una “falta de racord o de continuidad”. El hecho de realizar los rodajes sin orden cronológico puede hacer aparecer estas faltas de racord que a veces son imperceptibles para los espectadores.

SCRIPT: hasta hace unos años era un puesto reservado a las mujeres. Su función era lograr que hubiese continuidad en las escenas a nivel de todos los detalles aunque el rodaje se hubiese realizado en días sucesivos. Hoy día con la tecnología moderna la continuidad de una secuencia se ve sobre la marcha y la responsabilidad de este puesto no es tan esencial.

SERIE B: película de bajo presupuesto que los grandes estudios realizaban sobre todo en las décadas de los años 40 y 50; hubo algunas productoras especializadas en productos de serie B de gran calidad e incluso algunas de presupuesto ínfimo a las que se les denominan serie Z (un ejemplo podría ser las del directo Ed Wood).

SPOILER: en román paladino, “no me cuentes el final”. En definitiva: desvelar el contenido de la trama de la película y que pierda el interés para el espectador. Es de las palabras de moda en los últimos años y se emplea para películas y series.

STORY BOARD: se podría definir como la película en tebeo o el guion gráfico; es decir, la trama de la película dibujada. Muchos directores de la etapa clásica eran muy seguidores de esta técnica.

CROSSOVER: se podría decir que “uno más uno es igual a uno”. El Crossover consiste en unir dos personajes o dos sagas de éxito y realizar una nueva película montando una historia con ambos. Un ejemplo muy evidente es El amanecer de la justicia, con Batman y Supermán.

TRAILER: posiblemente sea el anglicismo más clásico y más antiguo del cine. Su fin es meramente publicitario y se inserta en las salas antes de la proyección que se ha ido a ver. Desde hace unos años, con un contenido más resumido, se pueden ver también en la televisión y las plataformas.

TRAVELLING: realización de un plano con la cámara en movimiento desplazándose sobre raíles o llevándola en mano el realizador. De forma casual fue un operario de los Lumiere quien la inventó y Griffith y Eisenstein la desarrollaron. Muy usada por los franceses de la nouvelle vague (las disquisiciones de Godard sobre los travellings forman parte de la historia del cine: “un travelling es una cuestión moral” – aunque realmente lo que dijo Godard es que la cuestión moral es el montaje pues dependiendo de cómo se monte una escena podemos estar ante una comedia o un drama-).

WILHELM: realmente es una curiosidad más que un elemento del cotidiano lenguaje cinematográfico. El wilhelm es un grito convertido en efecto de sonido en muchas películas desde que apareciera por primera vez en Tambores lejanos en 1951. El grito se guardó en los archivos de la Warner Bros y se ha usado repetidamente desde entonces en multitud de películas.

ATREZZO: se le llama así a todos los elemento que forman parte de una escena de la película y que están bajo la supervisión del director artístico.

ELIPSIS: tiempo transcurrido entre dos secuencias. Para la elipsis se recurren a múltiples recursos. La elipsis más amplia en el tiempo es la de 2001 Una odisea en el espacio, cuando el primate lanza el hueso hacia arriba y baja convertido en una nave espacial.

ETALONAJE: proceso de laboratorio informático que permite igualar la luz y los colores de la película.

MAKING OFF: pequeño reportaje que muestras las interioridades un rodaje y que se realiza con objetivo publicitario.

OPERA PRIMA: es la denominación italiana y por extensión universal para designar el primer largometraje de un director.

POSTPRODUCCIÓN: la postproducción engloba todos los complejos procedimientos que se realizan cuando termina el rodaje para completar la película (montaje, sonido, efectos especiales, créditos, etc.).

PREMIERE: se llama así a la gala de presentación de una película para público invitado y medios de comunicación.

ROAD MOVIE: género en el que la acción se desarrolla a lo largo de un viaje por carretera (en este término se pone claramente de manifiesto la influencia anglosajona en el vocabulario del cine pues bien podríamos etiquetar a estas cintas como “películas de carretera”). Uno de los más recordados ejemplos de este género puede ser Easy Rider aunque personalmente me decanto por El diablo sobre ruedas.

SLAPSTICK: en español se puede traducir como bufonada o payasada, pero el slapstick es la “comedia física” del cine mudo por excelencia, aunque se ha seguido usando hasta la actualidad. Se caracteriza por el uso de una violencia “blanca” que mueve a la risa a los espectadores. Un slapstick es una película en la que la violencia física es permanente, pero sin resultados dañinos para los protagonistas.

SCREWBAL COMEDY: o comedia alocada o comedia de enredo con final romántico feliz; verbigracia: La fiera de mi niña.

CINE DE AUTOR: normalmente corresponde este término a aquellas obras en la que el director se erige en controlador de todo el proceso creativo (guionista, director y montador, excluyendo generalmente la producción).

NOCHE AMERICANA: es una técnica que permite rodar en exteriores de día y luego por medio de filtros presentar la acción como nocturna. Las aplicaciones informáticas han hecho que esta técnica caiga en desuso. Un ejemplo de este procedimiento puede ser la película La noche americana de Francois Truffaut.

THRILLER: también llamado CINE NEGRO es un género que tuvo su época de gloria en los años 30 y 40 del pasado siglo. Las películas con trama judicial o policial son las más representativas del género.

SLEEPER: aunque no es de uso habitual por los aficionados, sleeper es la denominación que recibe una película que ha resultado un éxito inesperado en taquilla.

CINE INDIE: básicamente es el cine independiente, es decir aquellas películas que se realizan al margen de los circuitos de producción industrial habituales (en muchos casos es un cine muy cercano al ya citado “cine de autor”).

Dejo para el final este “palabro” totalmente desconocido para mí y que supongo que tiene muy poco uso, aunque los que vivimos la época de los Cine Clubes y las Salas de Arte y Ensayo usábamos el concepto sin conocer el término que lo define:

CONTENUTISMO: el contenutismo consiste en valorar una película por su contenido, dejando al margen el aspecto técnico y estilístico del autor. En mi lejana juventud se establecía como una lucha de opuestos entre “el fondo y la forma” y por supuesto se le daba mayor crédito al primer aspecto (el mensaje) y solo algún friki se atrevía a decantarse por el segundo.

11/6/2024

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TRES PELÍCULAS MUY INCÓMODAS

NEVILLE CON CHAPLIN EN LOS AÑOS 30

CARLOS ARÉVALO

CONCHITA MONTENEGRO

Por todos es bien conocido el desarrollo del cine español a partir del año 1939 con el final de la guerra civil. El establecimiento de la dictadura en toda España y el férreo control que la censura ejerció con todos los medios de comunicación y en el caso que nos ocupa con el cine. Es evidente que todas las producciones realizadas a partir de aquellas fechas tenían que contar con el placet de los organismos controladores de la dictadura y en aquellos años no se les escapaba nada que pusiese en duda sus presupuestos políticos, morales o religiosos. Esencialmente todos los profesionales del cine de los años 40 eran adictos al régimen, habían participado activamente en la guerra civil o al menos eran sumisos con los poderes establecidos (no fue hasta los años 50, con unos jóvenes, Bardem y Berlanga, cuando comenzaron a aparecer subliminales críticas al establishment que requirieron una feroz actuación por parte de los censores).

Por todo ello sorprende, cuando se revisa el cine español de aquellos primeros años de la postguerra, cómo fue posible que algunas películas se convirtieran en un auténtico problema para las autoridades cuando la autoría de las mismas correspondía a fidelísimos seguidores de la dictadura; en esta situación quedaron tres películas de las que nos vamos a ocupar hoy: Frente de Madrid, El Crucero Baleares y Rojo y Negro.

EDGAR NEVILLE fue un director al que aún hoy día no se le ha reconocido su aportación al cine español. Hombre polifacético, estuvo un tiempo en Hollywood trabajando como traductor y guionista y allí entabló amistad con algunos famosos como Charles Chaplin. Neville era un extraño personaje dentro de la maquinaria de la dictadura, pues siendo un aristócrata con título nobiliario entró en ese mundo odiado por las sesudas autoridades franquistas: el mundo del cine. Además, tuvo la osadía de iniciar, a partir de la película de la que vamos a hablar, una relación fuera de los cánones morales de la época con la actriz Conchita Montes y esto le granjeó también la enemistad y el desprecio de ciertos sectores de la dictadura. Su aportación al cine español es muy brillante y la dirección de Neville nos ha legado varias películas en aquellos años 40 de muy buena calidad: El crimen de la calle Bordadores, Domingo de Carnaval, La torre de los siete jorobados, Mi calle, Nada, El último caballo o el documental Duende y misterio del flamenco.

En este caso, con FRENTE DE MADRID, Neville en pleno 1939 se entregó en cuerpo y alma al nuevo régimen fascista para ensalzar las virtudes del bando ganador de la guerra en contraposición con los perdedores. Neville había sido un republicano de derechas que una vez iniciada la guerra civil se puso a disposición de las autoridades golpistas posiblemente para borrar su “pecado” republicano; partiendo de un guion suyo realiza una coproducción con Italia (con la colaboración de la Alemania nazi) rodando dos versiones: una para el país transalpino con el título Carmen frai i Rossi y con actor principal Fosco Giachetti y una versión española con Rafael Rivelles. A ambos los acompañó una joven Conchita Montes de la que Neville se enamoró e iniciaron una relación extramatrimonial que duró hasta el fallecimiento del director en 1967.

Frente de Madrid es una película muy primaria y sumamente maniquea, con los estereotipos radicalmente expresados en imágenes: a los personajes del bando fascista los presenta como individuos limpios, guapos y educados mientras que los del bando republicano aparecen feos y sucios.

En síntesis, la película relata los intentos de un falangista en infiltrarse en la zona republicana para entregar unos mensajes y ver a su novia con quien tenía previsto casarse el 18 de Julio de 1936, boda que lógicamente no se pudo celebrar. En Italia tuvo un gran éxito mientras que en España pasó sin pena ni gloria y afectada por los recortes de la censura; de hecho, la versión española se perdió por lo que la muestra que podemos ver hoy es la italiana doblada al castellano (es posible que la versión española la “perdiesen” las propias autoridades franquistas).

Como he señalado anteriormente la película es de un maniqueísmo absoluto y no tiene grandes valores artísticos; el problema con la censura surgió porque en las últimas secuencias Neville nos muestra un cierto hermanamiento entre dos soldados de los dos bandos en lucha, manteniendo un diálogo sin odio, algo que en plena ebullición fascista el régimen recién instaurado no podía permitir. Afortunadamente hoy se puede ver la versión italiana como una auténtica rareza y Edgar Neville nos obsequió años después con películas de mucha mayor calidad que esta curiosa Frente de Madrid.

A los avatares de la segunda película, EL CRUCERO BALEARES, ya le dedicamos un capítulo y no nos vamos a extender hoy en ella. Dirigida por un curioso personaje, el mejicano ENRIQUE DEL CAMPO, se realizó en 1941 con la participación en su producción de la RKO. Del Campo fue espía del bando fascista durante la guerra civil y no parece que contara, salvo ese, otros méritos artísticos para dirigir la película.

La película cuenta el hundimiento del crucero Baleares en plena guerra civil por parte de la escuadra republicana; no se escatimaron medios de ningún tipo y el apoyo institucional a la película fue total y absoluto. Una muestra de ese apoyo se puede observar en el telegrama cursado por el Departamento Nacional de Cinematografía a los distintos jefes provinciales de propaganda en las ciudades donde iba a estrenarse la película: «Dada la tesis película crucero Baleares que entraña propaganda nacional este Departamento considera oportuno que jefaturas provinciales propaganda de acuerdo casa Radio Films ayuden organización estreno».

Se organizó un gran estreno en 48 capitales de provincia y en Madrid se construyeron unos grandes anuncios publicitarios de la película en plena Gran Vía. Dos días antes del estreno se realizó un pase privado ante un numeroso grupo de autoridades militares del Ejército y de la Armada. Inmediatamente la película fue prohibida sin atenuantes y se ordenó la recogida y destrucción de todas las copias, por ser contraria “a los intereses nacionales”.

¿Cuáles fueron los motivos por los que la película fue retirada, prohibida y destruida finalmente?:

-desilusión en la Armada por la baja calidad del producto que no acompañó ni reflejó la hondura política y propagandística de la “gesta heroica” del crucero.

- falta de dignidad suficiente en la reproducción de los principios y hábitos de la escuadra

- excesiva frivolidad de las escenas. Más concretamente, las escenas más esperadas como la rebelión de la marinería y la muerte heroica de sus víctimas, así como el apocalíptico final, fueron un fiasco que, unido a que más de la mitad del guion descansaba en una “vulgar comedieta de amores y amoríos con inadecuadas situaciones sainetescas”, apuntaron hacia la inflexible medida.

Posiblemente en todo ello figurara la lucha subterránea entre Ejército de Tierra y Armada. Mientras que en otras películas se mostraba a sus hermanos del ejército de tierra en heroica resistencia como los cadetes de la Academia de Infantería de Toledo, pertrechados en el Alcázar, la oficialidad del crucero Baleares se presenta esperando el hundimiento entre amoríos y fiestas. La Marina no podía admitir semejante agravio y eliminaron la película.

Pocos años después, en 1947, Enrique del Campo falleció prematuramente. Las copias de la película fueron destruidas y nunca más se supo de El Crucero Baleares. A día de hoy nadie queda ya vivo que asistiera a aquel pase privado del 10 de Abril de 1941 que supuso la destrucción física de una película que ya solo forma parte de la historia más negra del cine español.

La historia de ROJO Y NEGRO es, si cabe, más curiosa aún, pues se trata de la única película de total inspiración falangista hecha en la inmediata postguerra. Dirigida por CARLOS ARÉVALO se estrenó en 1942 en el cine Capitol de Madrid, tuvo un gran éxito y estuvo tres semanas en cartel, luego desapareció totalmente y no se exhibió más hasta que se encontró una copia en los años 90 del siglo pasado y la Filmoteca Española la restauró.

La película contó con actores como Ismael Merlo y la guapísima Conchita Montenegro, la llamada “Garbo española” y a la que algún día le dedicaremos un capítulo. Cuenta la historia de unos jóvenes amigos desde niños que se hacen novios, pero que militan cada uno en distintos bandos cuando llega la guerra civil: ella es falangista y él un anarquista de la CNT y nos muestra las actividades clandestinas en Madrid durante la contienda civil. El título de la película no es baladí pues recordemos que tanto la bandera falangista como la anarquista cuentan con los colores rojo y negro.

Lo curiosos de la película es que, aunque tratándose de un producto propiamente del nuevo régimen, dota a los personajes del bando republicano de una humanidad que llama la atención cuando las películas típicas de aquellos años como Raza o Sin novedad en el Alcázar muestran a los republicanos como auténticas bestias.

Arturo Pérez- Reverte ha dicho de esta película: “Rojo y negro, es una de mis películas españolas favoritas. Admiro esa historia sombría y dura, hija bastarda del cine franquista, estrenada en 1942, demolida por la crítica oficial y retirada después de sólo tres semanas de cartelera para verse enterrada en el olvido”.

Efectivamente la censura no actuó sobre ella, pero la película fue retirada por mostrar ligeros matices de humanidad en el personaje masculino y solo se encontró una copia 50 años después. Según el testimonio de un empleado de la productora que asistió al estreno, la película molestó enormemente a los militares y estos la hicieron llegar hasta el Palacio de El Pardo para que la viese el dictador… de ahí a desaparecer de las salas de exhibición solo había un paso.

Hasta aquí esta pequeña y negra historia de 3 películas españolas que realizadas desde dentro del régimen, supusieron una auténtica molestia para las jerarquías del gobierno; el cine español de aquellos años se decantó rápidamente por películas como Raza, Sin novedad en el frente, Harka o El santuario no se rinde, que no presentaban ningún tipo de ambigüedad en sus historias de adhesión a los principios del régimen fascista.

17/5/2024

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OSCAR WILDE EN EL CINE

CON SU AMANTE

“PARA OSCAR WILDE, AQUEL QUE PRESUME DE SODOMITA”   

EN PARÍS, ANTE SU TUMBA

Uno de los más grandes autores de teatro del siglo XIX, Oscar Wilde, ha sido llevado en numerosas ocasiones al cine tanto para adaptar sus obras como para contar su triste y turbulenta vida. Oscar Wilde nació en Dublín en 1854. No voy a hacer una profunda revisión de su vida que creo es suficentemente conocida por todos (al final os remito a algunas películas que nos acercan a su tormentosa existencia).

Pronto su forma de vida extravagente y llamativa se hizo notar en el Londres victoriano, especialmente porque le acompañó el éxito en el teatro. Su reputación en aquella sociedad puritana estaba en boca de todos ya que mantenía una relación sentimental con el hijo del Marqués de Queensberry (fundador del boxeo deportivo moderno). Ante una acusación de sodomía por parte del padre de su amante Wilde lo demandó; en el juicio todo se le volvió en contra y fue condenado a dos años de cárcel. Al salir de la cárcel marchó a Francia donde vivió con nombre supuesto (Sebastián Melmoth) y en condiciones muy modestas hasta su muerte en París en 1900 con solo 46 años.

La obra de Oscar Wilde forma parte  del legado cultural europeo y sigue viva; sus obras se siguen representando en los teatros de todo el mundo y el cine sigue adaptando sus comedias. Teatro, comedias, ensayos, su única novela (El retrato de Dorian Grey), epistolas como la genial De profundis o poemas como La balada de la cárcel de Reading siguen siendo actuales para editoras y lectores.

OSCAR WILDE EN EL CINE:

ADAPTACIONES DE SUS OBRAS:

EL RETRATO DE DORIAN GREY: la única de sus novelas ha sido llevada al cine en 8 ocasiones desde el lejano 1916 hasta la última en 2009 dirigida por Oliver Parker. Entre ellas está la versión de 1945 dirigida por Albert Lewin y considerada la que mejor ha sabido captar el mito de la eterna juventud de que trata la obra original.

EL FANTASMA DE CANTERVILLE: este cuento que ha sido versionado en teatro y televisión ha sido llevado a la gran pantalla en 3 ocasiones, en 1944 con Charles Laugthon, en 2016 y en 2018.

LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE ERNESTO: posiblemente la más famosa comedia del autor británico ha sido trasladada al cine en 4 ocasiones y en la que destaca la versión de 1952 de Anthony Asquith con el actor Michael Redgrave. También es de destacar la versión de 2002 dirigida por un experto en Wilde: Oliver Parker y con un actor, Rupert Everett, también experto en el autor.

EL ABANICO DE LADY WINDERMERE: esta obra teatral tuvo un gran éxito de público y el cine la ha recogido en 3 ocasiones. La primera, en la temprana fecha de 1925 del gran Ernest Lubisth y la segunda de su discípulo Otto Preminger de 1949.

UN MARIDO IDEAL: 4 adaptaciones diferentes con directores como Alexander Korda o el citado Oliver Parker y actores como Paulette Godard, Julianne Moore, Cate Blanchett o Rupert Everett.

SALOMÉ: 5 adaptaciones en total. Las más interesantes la de 1953 de William Dieterle con Rita Hayworth y los dos experimentos de Al Pacino en 2011 (Wilde Salomé) y en 2013 (Salomé).

La primera es un documental que muestra el proceso de producción de la obra teatral de Wilde: Salomé. No la conozco, pero si de algo vale ahí os dejo la crítica de Carlos Boyero: "Esta película inclasificable, supone el tributo de un actor grandioso a un autor al que ama (...) un documental sobre la creación teatral, una reflexión profunda sobre el arte." 

La segunda (Salomé), escrita y dirigida por el mismo actor, es una dramatización a partir del documental anterior. Estamos pues ante dos obras de carácter más bien experimental. 

EL GIGANTE EGOISTA: en 2013 y 2020 se han realizado 2 versiones de esta obra de Wilde. La primera de la directora Clio Barnard es de un gran realismo social al estilo del que tanto hemos visto en las últimas décadas. La segunda es una versión argentina de cine de animación.

UNA MUJER SIN IMPORTANCIA: una curiosidad. En 1945 el argentino Luis Bayón realiza esta adaptación de la comedia dramática de Wilde; dada la fecha y el país de producción no deja de ser u exotismo en esta lista de adaptaciones.

BIOPICS:

Pero si estas 30 películas han sido adaptaciones de sus obras me han resultado aún más interesantes las películas que se han hecho sobre su peripecia vital: un total de 5, lo que muestra la intensa trayectoria del escritor.

-Los juicios de Oscar Wilde (1960, Ken Hughes). Con un gran Peter Finch.

-Oscar Wilde (1960, Gregory Ratoff). Destaca sobre todo la interpretación del escritor por parte de Robert Morley.

-Oscar (1985, Henry Herbert). En este caso se trató de una miniserie para TV.

-Wilde (1997, Brian Gilbert). Realizada como una autobiografía.

-La importancia de llamarse Oscar Wilde (2018, Rupert Everett). El actor que había encarnado en varias películas al escritor dirige y actúa en este biopic sobre los últimos años de Wilde.

(Recomiendo ver la de Hughes y la de Everett – por este orden- para tener una visión completa de la vida del escritor).

Su pensamiento político y su postura vital se puede deducir de sus numerosas e ingeniosas frases entre las que muestro una selección

 Mantengo largas conversaciones conmigo mismo, y soy tan inteligente que a veces no entiendo ni una palabra de lo que digo

Las preguntas nunca son indiscretas, las respuestas sí

Si quieres enfurecer a tu enemigo, perdónalo

Los niños aman a sus padres. Cuando crecen, los juzgan

 Lo peor en este mundo no es estar en boca de los demás, sino no estar en boca de nadie

Aconsejar de economía a los pobres es como aconsejar comer menos a un hambriento

Lo mejor que se le puede hacer a un niño, es que sea feliz

Haría cualquier cosa por volver a ser joven, excepto hacer deporte

Que hablen de uno es espantoso. Que no hablen, es peor

Como mala persona, soy un completo desastre

En el arte como en el amor, la ternura es lo que da la fuerza

A veces la gente se pregunta bajo qué tipo de gobierno viviría mejor el artista, y solo hay una respuesta: en ninguno.

Jamás debemos casarnos si pretendemos seguir enamorados

10/5/2024

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ZWEIG EN EL CINE

Uno de los más prolíficos escritores del siglo XX es sin duda Stefan Zweig. Odiado, censurado y perseguido por los alemanes en el periodo nazi terminó su vida suicidándose en unión de su segunda esposa.

Zweig nació en Viena en 1881 y falleció en Petrópolis (Brasil) en 1942. Conocido por su faceta de escritor, fue también crítico literario, periodista e historiador. Pertenecía a una familia judía, aunque él nunca ejerció la religión de sus mayores. Se licenció en Filosofía y viajó por gran parte de los países del primer mundo. Pacifista declarado tanto en la Primera como en la Segunda Guerra Mundial, fue perseguido por el régimen nazi y huyó con su mujer hasta Brasil donde el 22 de Febrero de 1942 ambos se suicidaron ante el avance de las tropas alemanas y la posibilidad de una victoria nazi global. En su nota de despedida dejó escrito “Creo que es mejor finalizar en un buen momento y de pie una vida en la cual la labor intelectual significó el gozo más puro y la libertad personal el bien más preciado sobre la Tierra”.

La producción literaria de Zweig es ingente y quien quiera conocer la historia moderna de Europa debe acercarse a sus obras entre las que destacan: Castellio contra Calvino (un auténtico tratado contra la intolerancia y que debía ser de lectura muy recomendada en los colegios), Momentos estelares de la humanidad o El mundo de ayer, publicada tras su muerte y que es su autobiografía. En la ficción pura dejó grandes obras como Carta de una desconocida, Veinticuatro horas en la vida de una mujer o Novela de ajedrez. Otra de sus especialidades fueron las biografías destacando las de Fouché, María Antonieta, Erasmo o Balzac.

Con este bagaje de contenido era normal que el cine se acercase a su obra y que llevara a la pantalla algunas de sus obras. He revisado las adaptaciones y si no he contado mal un total de 26 películas se basan en sus novelas. Vamos a revisarlas:

OBRA:LA CASA AL BORDE DEL MAR: La casa al borde del mar (1924, Alemania).

OBRA: ARDIENTE SECRETO. Se realizaron 3 versiones en cine: El ardiente secreto (1923, Alemania); El ardiente secreto (Alemania, 1933 y dirigida por el solvente Robert Siodmak); Secreto en llamas (USA, 1988, dirigida por Andrew Birkin con Faye Dunaway, Klaus Maria Brandauer

OBRA: AMOK. De esta novela con el aborto inducido de por medio se realizaron 4 versiones: Amok, película soviética de 1927 dirigida por Kot Mardjanishvili a quien no tengo el gusto de conocerle película alguna; La locura del trópico, de Fedor Ozep (1934) -otro del que no tengo el gusto de conocer-: Amok: la curiosidad de esta versión mexicana de 1944 es fue dirigida por un exiliado español, Antonio Momplet; Amok: la versión más reciente es 1993, dirigida por Joel Farges y con Fanny Ardant en elenco  de actores.

OBRA: CARTA DE UNA DESCONOCIDA. Sin duda es la novela de Zweig de la que se han hecho más versiones, un total de 6: Narkose (Alemania,1929); Parece que fue ayer (Alemania, 1933, dirigida por John Stahl); Rosas blancas: (Finlandia, 1943). Curiosamente no aparecía el nombre de Zweig en los créditos ya que Finlandia participaba en la guerra con los nazis y el nombre del escritor austriaco estaba proscrito en los países de influencia alemana; Carta de una desconocida: (USA, 1948) Sin duda la gran adaptación de las obras de Zweig. Dirigida por Max Ophuls es una de las películas archivada para la posteridad en la Biblioteca de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa"; Feliz año amor mío: película mexicana de 1957 sin grandes valores artísticos; Carta de una mujer desconocida: (China, 2004) de Jinglei Xu. Primera y muy buena adaptación de una obra de Zweig al cine chino.

OBRA: MIEDO. De esta se han realizado tres versiones hasta la fecha: Silenciosa acusación: (Alemania, 1928); La Peur: (Francia, 1936); Ya no creo en el amor (La Paura): (Italia, 1954). Otra de las grandes adaptaciones de Zweig, en este caso dirigida por Roberto Rossellini y con su por entonces compañera Ingrid Bergman.

OBRA: 24 HORAS EN LA VIDA DE UNA MUJER. Se han hecho 4 versiones todas con el mismo título que la novela: 24 horas en la vida de una mujer. La primera es argentina de 1944; la segunda y la tercera son francesas de 1952 y 1968; la más reciente es alemana de 2002.

OBRA: IMPACIENCIA DEL CORAZÓN. Se han hecho dos versiones: La piedad peligrosa, norteamericana de 1946 e Impaciencia del corazón, mejicana de 1960.

OBRA: NOVELA DE AJEDREZ. Dos versiones: Juego de reyes (Alemania, 1960). La última novela que escribió Zweig la dirigió en cine Gerd Oswald; The royal game (Alemania, 2021). La más reciente adaptación, dirigida por Philipp Stolzl.

OBRA: VIAJE AL PASADO. En 2013 Patrice Leconte (Francia) realiza esta adaptación con el título La promesa.

OBRA: MARÍA ANTONIETA. Uno de los géneros en el que más trabajó Zweig fue en el de las biografías. Algunas se consideran obras maestras como las de Magallanes, María Estuardo o Erasmo de Rotterdam. Sin embargo, solo una ha sido llevada al cine y en el ya lejano 1938: María Antonieta, película norteamericana dirigida por W. S. Van Dyke protagonizada por Norma Shearer y Tyrone Power.

ADAPTACIÓN DE VARIAS OBRAS: El Gran Hotel Budapest (USA, 2014) de Wes Anderson, que adapta y toma referencias de varias obras: Veinticuatro horas en la vida de una mujer, La piedad peligrosa, La embriaguez de la metamorfosis' y su autobiografía El mundo de ayer.

Por último, en 2016 se realiza un biopic sobre el escritor austriaco: Stefan Zweig: adiós a Europa, de María Schrader y en la que se narra los últimos años de su vida.

Podemos resumir diciendo que el cine se ha acercado un total de 30 veces a sus obras o a la vida de un escritor esencial para entender el siglo XX y que luchó hasta su muerte contra la intolerancia y la dictadura.

9/4/2024

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UNA PROXIMACIÓN A SICILIA … EN EL CINE

(Futtinini es la palabra que han inventado los sicilianos para definir su filosofía de vida: la ligereza y la importancia de centrarse tan solo en las cosas importantes).

LA RESPUESTA A STROMBOLI

EL DIA DE LA LECHUZA (a que a esa anciana la hemos conocido todos en nuestra tierra…)

SEDUCIDA Y ABANDONADA

BAR VITELLI, DE EL PADRINO QUE CONTINÚA ABIERTO

PINO MANIACI (TELEJATO)

Con su rica historia por la que han pasado numerosas civilizaciones, un patrimonio artístico de primer nivel, paisajes de enorme belleza y unos condicionantes culturales sensiblemente diferentes a las del resto de la península italiana era de esperar que el cine se acercase a bucear en la sociedad y en los acontecimientos históricos de esa isla (si además le añadimos el componente “mafia” todavía se hace más verosímil el acercamiento del cine).

Numerosos y grandes directores se han centrado en esa isla como localización y como epicentro de sus historias, con Luchino Visconti a la cabeza de todos ellos y sin olvidar al aborigen Giuseppe Tornatore. Según la International Movie Database se han rodado en Sicilia más de 2.000 títulos, lo que supone que, tras Roma, es la región de toda Italia en la que se han filmado más películas.

El subdesarrollo, el tipismo de sus gentes y sus costumbres, el caciquismo (a mí también me suenan estos argumentos en nuestra tierra) son elementos sobre los que giran las historias y esencialmente alrededor de tres palabras iniciadas en M: Miseria, Mafia, Machismo.

He revisado varios artículos y de ellos he seleccionado aquellas películas que me parecen de más calidad en torno a Sicilia y sus costumbres. Las he elegido en primer lugar por su calidad, pero también por la presencia física de sus ciudades o por situaciones sociales, ya sean tradiciones o costumbres arraigadas en la población, que pueden ser representativas de esa isla.

Esta es la selección:

LA TERRA TREMA

Visconti rueda en 1948 este drama social alrededor de unos pescadores explotados por los patronos. Una obra esencial del neorrealismo italiano.

(No disponible en TV)

EN NOMBRE DE LA LEY

En 1949 Pietro Germi filma la que puede considerarse primera película que aborda el tema de la mafia siciliana. No la conozco, pero según los críticos es magnífica la ambientación que presenta de los pueblos sicilianos.

(No disponible en TV)

STROMBOLI

Roberto Rossellini dirigió en 1950 este drama que resultó un fracaso por cuestiones ajenas a la película. Rossellini había iniciado meses antes una relación extramarital con la actriz de la cinta, Ingrid Bergman. Hoy es una película de culto.

(Disponible en Netflix)

VULCANO

La venganza de Anna Magnani. La actriz italiana se vio abandonada por Roberto Rossellini y se trajo de Hollywood a William Dieterle en ese mismo año, 1950, para que rodara esta película como respuesta a Stromboli con un argumento con muchos puntos de confluencia. Una historia de prostituta redimida en el ambiente hostil y retrogrado de un pequeño pueblo siciliano.

(No disponible en TV)

LA AVENTURA

Formando parte de la Trilogía de la Incomunicación, Michelangelo Antonioni rueda con su musa, Monica Vitti, este drama en 1960 ambientado entre la burguesía de la isla.

(Disponible en Filmin)

VIVA ITALIA

En 1961 rueda Roberto Rossellini esta cinta de género histórico con el fondo de la vida de Garibaldi defenestrando a los Borbones e instaurando la dinastía de los Saboya. No la conozco y los críticos le suelen dar un valor historicista.

(No disponible en TV)

DIVORCIO A LA ITALIANA

Divertida e inteligente comedia negra de Pietro Germi, 1961, con el tema del “delito de honor” en el centro de su historia y con un magnífico Marcello Mastroianni. Os dejo la referencia de la película en Film Affinity:

“Un genial Mastroianni enamorado de su prima descubre que, según la legislación italiana, la mejor manera de quitarse de encima a su mujer no es el divorcio... Divertidísima película de gran éxito internacional que obtuvo el Oscar al mejor guion original, además de dos nominaciones para Mastroianni y Pietro Germi. Un gran divertimento que desparrama ingenio esconde no poca mala leche y se erige, desde su estreno, como una obra clave de la "comedia a la italiana".

(Los exteriores están rodados en Ragusa)

(Disponible en Movistar y FlixOlé)

EL PODER DE LA MAFIA

1962. Alberto Lattuada. Una genial comedia con todos los tópicos de la vida siciliana y una gran interpretación de Alberto Sordi; evidentemente con un guion de Marco Ferreri y Rafael Azcona no podía salir mal. Es la más recomendable para conocer los tópicos de la Sicilia “profunda”.

(No disponible en TV)

SALVATORE GIULIANO

1962. Dirigida por Francesco Rosi. Biopic del bandido siciliano del mismo nombre de la película: un independentista que en 1947 solicitó al Presidente Truman que Sicilia se integrara en EEUU para preservarla de la Unión Soviética (luego nos quejamos de Puigdemont…).

(No disponible en TV)

EL GATOPARDO

1963. Luchino Visconti. Sin duda la adaptación de la obra de Tomassi de Lampedusa es una obra maestra de la historia del cine.

(La secuencia del baile fue rodada en la Sala de los Espejos del Palacio de Valguarnera y Gangi de Palermo)

(No disponible en TV)

SEDUCIDA Y ABANDONADA

Hace más de 50 años que vi esta magnífica comedia dramática rural de 1964 con la dirección de Pietro Germi (la vi en una de aquellas salas de Arte y Ensayo en las que al final de la década de los 60  nos permitía a los que vivíamos en grandes ciudades ver algunas películas subtituladas).

(No disponible en TV)

EL DIA DE LA LECHUZA

De 1968 y dirigida por Damiano Damiani sobre una novela de Leonardo Sciascia, es este thriller alrededor de la mafia siciliana en un ambiente rural de la isla. A destacar la presencia de una esplendorosa Claudia Cardinale.                                                                                                 

(Disponible en Filmin)

EL VIAJE

En 1974 Vittorio De Sica rueda en Sicilia este drama romántico con Sofía Loren y Richard Burton.

(Disponible en FIilmin)

LA VIUDA INDOMABLE

También con Sofía Loren, pero en este caso con Marcello Mastroianni rueda en 1978 Lina Wertmuller este drama rural siciliano.

(Disponible en Filmin)

CIEN DIAS EN PALERMO

En 1984 Giuseppe Ferrara rueda en Palermo esta película con la lucha que llevó a cabo el general Dalla Chiesa contra los clanes mafiosos de la ciudad. Un thriller bien estructurado y con un Lino Ventura siempre eficaz.

(Exteriores rodados en Palermo)

(Disponible en Filmin)

EL SICILIANO

De nuevo la vida de Salvatore Giuliano según la novela de Mario Puzo. Michael Ciminio la dirigió en 1987.

(No disponible en TV)

CINEMA PARADISO

En 1989 Giusseppe Tornatore dirige este entrañable homenaje al cine con una eterna banda sonora de Morricone y una secuencia final verdaderamente antológica.

(Son numerosas las localizaciones en Sicilia de esta película: Bagheria, Castelbuono, Cefalú, Palazzo Adriano con el nombre ficticio de Giancaldo, que es donde «está» el Cinema Paraíso, Santa Flavia, Termini Imerese…).

(Disponible en Filmin, Prime video, Netflix y Movistar)

JOHNNY PALILLO

El gran payaso- en el mejor sentido de la palabra- Roberto Benigni rueda en 1991 esta comedia alrededor de la mafia.

(Rodada en Palermo).

(No disponible en TV).

EL HOMBRE DE LAS ESTRELLAS

1995. De nuevo Tornatore volvió a Sicilia para para recrear los años cincuenta, cuando Joe Mirelli llega al pueblo con una cámara antigua y una caja con película vieja para hacer soñar con el cine a los tranquilos aldeanos.

(No disponible en TV)

¡SICILIA!

En 1999 ruedan Daniele Huillet y Jean-Maire Straub ruedan este drama familiar que muestra las tradiciones y costumbres de la isla. No la conozco.

(No disponible en TV)

MALENA

Tornatore vuelve a su tierra natal para rodar en el año 2000 con la espectacular Monica Bellucci esta historia rural en plena Segunda Guerra Mundial

(Gran parte se rueda en Siracusa)

(No disponible en TV)

LOS CIEN PASOS

En el año 2000 Marco Tullio Giordana filma esta historia biográfica real de los años 50 y 60 del pasado siglo con un trasfondo político evidente. No la conozco.

(Rodada en Cinisi, Palermo)

(No disponible en TV)

BAARIA

2009. Otra obra de Giuseppe Tornatore y de nuevo ambientación rural para una historia de amores y clases sociales.

(Gran parte rodada en la ciudad de Bagheria)

(No disponible en TV)

EL VALLE DEL JATO

Curioso documental sobre un curioso personaje que se atrevió a lanzar un modesto canal de televisión local con una sola finalidad: denunciar los atropellos de la mafia en Sicilia.

En 2012 Caterina Monzani y Sergio Vega rodaron este documental sobre Pino Maniaci y su canal Telejato en pleno corazón del poder mafioso en Sicilia.

(Rodada en Partinico y San Giuseppe Jato)

(Disponible en Filmin)

EL COMISARIO MONTALBANO (SERIE)

Serie detectivesca de TV desde 1999 basada en las novelas de Andrea Camilleri y dirigida por Alberto Sironi. La longevidad de la serie, 14 temporadas y 37 episodios de larga duración da idea de su éxito.

(La serie está rodada en diferentes localizaciones de la provincia de Ragusa: Porto Empedocle, Punta Seca, Modica, Scicli, Donnalucata, Comiso, Chiaramonte Gulfi, Ispica, Pozzallo, Vittoria y Scoglitti).

(Disponible en rtveplay)

EL PADRINO I, II, III

Dejo para el final estas tres obras maestras dirigidas por Francis Ford Coppola (1972, 1974, 1990). Creo que poco puedo añadir a esta legendaria saga que forma parte de la mejor historia del cine.

(Aunque algunas secuencias transcurren en Corleone, allí no se pudo grabar y se realizó en la provincia de Messina: en Forza D´Agro y Savoca, en este pueblo está el Bar Vitelli y en la Iglesia de Santa Lucía se grabó la boda de Michael Corleone. También se rodaron secuencias en Palermo y Taormina).

(Disponibles en Movistar y Amazon)

26/3/2024