suhyeon-kim - Tumblr blog

suhyeon-kim · 5 years ago

Text

HOLLOW 2020

Spectre#3 oil on canvas, handcutting, 100x100cm, 2020

Spectre#4 oil on canvas, handcutting, 100x100cm, 2020

Spectre#5 oil on canvas, handcutting, 100x100cm, 2020

Spectre#1 Acrylic on canvas ,handcutting, 61x61cm, 2019

Spectre#2 Acrylic on canvas, handcutting, 61x61cm, 2019

Spectre#7 acrylic on canvas, handcutting, 53x45cm, 2019

Spectre#6 acrylic on canvas, handcutting, 53x45cm, 2019

About Suhyeon Kim’s ‘Hollow’

Lee Sangyoon (Art historian)

1. Suddenly made hollow hole

Suhyeon Kim holds her solo exhibition 《Hollow》 in LA’s Koreatown, 2 years after the exhibition 《Denial before, indeterminate still》 in 2018. She seemed to vanish then and suddenly shows up to bring word of her exhibition.

The most distinctive change on her new works is not only remarkably brightened and gentle colors but also adjustment of holes’ shape that felt even painful. Exotic colors inspired from desert also embodied ponderosity and honesty with oil painting, instead of existing acrylic coloring. Though the work of ‘digging’ to make holes on canvas using a knife and make people recognize the canvas not as a stage for reproduction but as a substance itself still is the most representative characteristic of Suhyeon Kim’s painting, the overall atmosphere of her works this time is totally different from before. Holes that are now relatively even in size and arranged in an organized way are so away from logic and argument that it recalls Vladimir’s lines that read “But habit is a great deadener.” in Waiting for Godot which never left her hand. The digging work started from 2006 and she is finally skilled after 15 years, which cannot be seen as horrible pain or impulse of destruction any more, or practice of cool-headed reason against tradition either. Suhyeon Kim’s digging holes seems to be hypnotized – it is repetitive, unconscious, drowsy and aesthetic at the same time.

2. Daily life paused due to possibility of death

The change described above appears to begin at a crack and break in dailiness. Her trip to US in 2018 formed spacetime like in a vacuum, which Suhyeon Kim likened to ‘hollow.’ In addition, the pandemic that started in February 2020 actualized unexpected hollow and dished discontinuity, in other words, a pause of life attributed to death. The artist note that says “street without any cars and people, empty gallery, hollow exhibition with no hope for viewers” shows her observation of surreal circumstances in LA’s empty streets without cars or any human traces, closed shops and exhibition with no viewers. It is like a record on life premised on death. She said daily life on pause triggered by the pandemic reminded of deeply sunken, empty space as if a number of people were sucked in all together. Suhyeon Kim stated that this sudden pause may be a state where life and death coexist or perhaps, a moment when death is more vivid than life.

As in lines of Waiting for Godot that read “They give birth astride of a grave,” huge hollow caused by life destined to death and possibility of death made the artist focus on the most essential and original question. It is supposed that the question about the origin has actually lingered around her since a pilgrimage to a desert (Joshua Tree National Park) started in 2019, not because of the pandemic.

A desert in American West where Suhyeon Kim stayed was a ‘off-grid’ place out of GPS tracking, which was like cracked dailiness or a huge sunken pit and at the same time, undefined or undetermined dimension that walked a fine line between reality and surreality. Landscape of the desert stuffed as a pristine form itself also was a place where paused time lasted forever and as in the pandemic, it showed nature that did not belong to either death or life. These two, death and life, could coexist as equivalent values in the dimension of vacuum. What the artist faced here was an existential question. In a desert and an empty city where “nobody comes or leaves and nothing ever happens” and in the pandemic as well, the artists seems to have faced greatness of death, beauty of melancholy or finiteness of her existence.

3. Hollow that is open to anyone but cannot be faced by everyone

Through cracks and hollow space made due to death, the artist approached fundamental issues such as cosmic nature, transcendence, limitations of existence and perpetuity that are open to anyone but cannot be faced by everyone. Questions that had never been experienced in daily life, or, had never been necessary for daily life, shook firmness of existence, which increasingly hazed assertive ‘me’ and overlapped objects that ‘I’ looked at with ‘myself.’ While the existence scattered this way, objects that were easily perceived and recognized also became faint. For example, the speed of time we perceived and experienced in the desert was totally different from that of daily life and notions that we had conventionally recognized were also redefined. A video work <An Ordinary Sunrise> at this exhibition shows how the passage of time is diversely experienced in a desert and how everyday and ordinary landscape is differently recognized. She found in the desert that death was not an end and life was not always brilliant. Considering the changes above, Suhyeon Kim’s works definitely did come closer to nihilism that before but had difference from common melancholy. The distinctive difference here is that her works do not define death as the finality or present death as something charming but humbly accept both life and death on a border where the two are overlapped. This difference is supposedly an outcome that Suhyeon Kim’s consistency to put off making definitions and determination was reflected to expanded sight beyond personal dimension.

3. Simple and great proposition

The ‘Spectre’ series appeared in the process that dilutes the border between everything that cannot be defined or determined any more and has been otherized from me. Given the aforementioned background and process, Suhyeon Kim’s ‘Spectre’ series could be understood as an indicator which belongs to either of existence and non-existence, death and life or on which the two notions are overlapped. I suppose that it would be human existence exposed through the huge hollow hole which is not only the artist’s personal symbol but that of mankind. In the presence of this existential question, the artist chose acceptance over an answer. As the value judgment of whether her work was of canvas or cut pieces or order of rank became one of consuming debate upon the ‘Spectre’ series on which the holes returned to similar forms and meaningless repetition, the proposition faced at the hollow pit inhaled all the disputes at once. Life and death, the simple but great proposition, shows itself through Suhyeon Kim’s painting but does not give us any answer.

“They give birth astride of a grave, the light gleams an instant, then it's night once more.”

Waiting for Godot, Samuel Beckett

김서연의 ‘비움(hollow)’에 대하여

이상윤 (미술사)

1. 갑자기 생긴 빈 구멍

2018년 《부정의 이미, 부정적 아직》 전시 이후 2년 만에, L.A의 코리아 타운에서 김서연의 개인전 《비움 Hollow》이 열린다. 사라지듯 떠났던 작가는 이번에는 불현듯 나타나 전시 소식을 전했다.

눈에 띄게 밝아지고 부드러워진 색감뿐 아니라, 고통스럽기까지 했던 구멍의 형태가 정돈되었다는 점은 이번 신작에 나타난 가장 단적인 변화다. 또한 사막에서 영감을 받은 이국적인 색들은 기존의 아크릴 채색이 아닌 유채(油菜)로 묵직한 무게감과 정직함을 부여하였다. 칼로 캔버스 천에 구멍을 내, 캔버스가 재현의 무대가 아닌 물질 그 자체로 인식하도록 하는 ‘뚫기’ 작업은 여전히 김서연 회화의 가장 대표적인 특징이나, 대체로 작품의 분위기는 이전과 전혀 다르다. 비교적 일정해진 크기와 정돈된 배치로 변화한 구멍들은 작가가 지니고 읽었다는 『고도를 기다리며 Waiting for Godot』의 “습관은 우리의 이성을 무디게 한다”는 블라디미르의 대사를 상기시킬 정도로 논리와 주장에서 멀어졌다. 2006년부터 시작된 구멍 뚫기 작업이 15년 만에 비로소 손에 익숙해져, 더는 처절한 고통이나 파괴 충동으로만 볼 수 없으며, 전통에 저항하는 냉철한 이성의 실천 역시 아닌 듯하다. 김서연의 구멍 뚫기의 행위는 이제 최면에 걸린 듯, 반복적이고 무의식적이며, 동시에 나른하면서 미적이다.

2. 죽음의 가능성에 의해 정지된 일상

위와 같은 변화는 일상성에 생긴 균열과 틈에서 시작된 것으로 보인다. 2018년의 미국행은 작가에게 진공 상태와 같은 시공간을 조성했다. 김서연은 이것을 ‘속이 빈(hollow)’으로 비유하였다. 게다가 2020년 2월부터 시작된 팬데믹(pandemic) 현상은 속이 비고, 움푹 꺼진 예기치 못한 단절 즉 죽음에 의한 삶의 일시 정지(pause)를 실제화하였다. “차도 사람도 없어진 거리, 비워진 갤러리, 관객을 기대할 수 없는 빈 전시”를 기록한 작가 노트는 인적뿐 아니라 차도 지나지 않는 L.A의 텅 빈 거리와 문 닫은 상점, 관객 없는 전시라는 초현실적 상황에 대한 그녀의 관찰이 담겼다. 그것은 죽음을 전제하고 있는 삶에 대한 기록과 같았다. 팬데믹이 몰고 온 정지된 일상은 또한 수많은 사람들이 일제히 빨려 들어가는 것과 같은 움푹 패인 빈 공간을 연상시켰다고 한다. 김서연은 이러한 갑작스러운 정지를 삶과 죽음이 동시에 존재하는 상태, 또는 어쩌면 삶보다 죽음이 더 선명한 순간이었을지 모른다고 설명하였다.

『고도를 기다리며』의 “산모가 무덤에 앉아 출산한다”는 대사와 같이 죽음이 전제된 삶, 죽음의 가능성이 야기한 거대한 구덩이는 작가를 가장 본질적이고 근원적인 질문에 주목하도록 했다. 사실 팬데믹 때문만이 아니라, 2019년부터 시작한 사막(Joshua Tree National Park) 순례부터 근원의 질문은 작가의 주변을 맴돌았던 것으로 생각된다.

김서연이 머물었던 미 서��의 사막은 GPS 위치 추적도 불가능한 ‘탈 좌표(off-grid)’의 장소로, 그녀에게 이곳은 균열이 생긴 일상성, 또는 움푹 패인 거대한 구덩이이자 동시에 현실과 초현실의 경계를 넘나드는 비규정적, 비결정적 차원과도 같았다. 또한 태고의 모습 그대로 박제된 사막 풍경은 그 자체로 정지된 시간이 영속하는 장소이면서 팬데믹과 마찬가지로, 죽음과 삶 어느 쪽에도 속하지 않은 자연을 보여 주었다. 죽음과 삶, 이 둘은 동등한 가치로서 진공의 차원에서 공존할 수 있었다. 여기에서 작가가 맞닥뜨린 것은 실존적 문제였다. “아무도 오지도, 가지도 않고, 아무 일도 일어나지 않는” 사막에서, 텅 빈 도시에서, 그리고 팬데믹 현상에서 작가는 죽음의 위대함이나 멜랑콜리의 아름다움, 혹은 자기 실존의 유한함과 마주하였던 것으로 보인다.

3. 누구에게나 열려있지만, 누구나 마주할 수는 없는 비움

죽음에 의해 생긴 균열과 빈 공간을 통해 작가는 누구에게나 열려 있지만, 누구나 마주할 수 없는 우주적 자연, 초월성, 실존의 한계, 죽음의 충동, 영속성 등과 같은 근본적인 문제들에 다가갔다. 일상에서 경험해 보지 못한, 아니 일상에서는 불필요했던 질문들은 실존의 견고함을 흔들었고, 그럴수록 확신적인 ‘나’는 희미해지고, ‘나’가 보는 대상들이 ‘나’와 중첩되었다. 이렇게 실존적 존재가 흩어지면서, 익숙하게 지각하고 인식하던 대상들도 희미해졌다. 예를 들면 사막에서는 우리가 지각하고 경험한 시간의 속도가 일상에서와 전혀 달랐고, 관습적으로 인식했던 개념들도 재정의되었다. 이번에 전시되는 영상 작품 <어느 평범한 일출(An Ordinary Sunrise)>에서도 역시 시간의 흐름이 사막에서 어떻게 달리 경험되는지, 그리고 일상적이고 평범한 풍경이 어떻게 다르게 지각되는지를 보여준다. 사막에서 죽음은 끝이 아니며, 생명이 항상 찬란하지만은 않았다는 사실을 알게 되었다. 위와 같은 변화를 볼 때 김서연의 작품이 이전보다 확실히 허무주의에 근접한 것은 사실이나, 여느 멜랑콜리와는 차이가 있었다. 죽음을 궁극으로 규정하지 않으며, 죽음을 매혹적으로 제시하지 않는 점, 단지 삶과 죽음이 중첩된 경계 위에서 양자 모두를 겸허하게 받아들이고 있다는 점이 분명 다르다. 아마 이 차이점은 규정과 결정을 보류하는 김서연의 일관됨이 개인의 차원을 넘어 확장된 시각에까지 반영된 결과이지 않을까 생각한다.

3. 단순하고 위대한 명제

이처럼 더는 규정할 수 없고, 비결정적이며, 나와 타자화된 모든 것 사이의 경계가 희석되는 과정에서 이 ‘유령(spectre)’시리즈가 등장하였다. 위와 같은 배경과 과정에 비추어볼 때 김서연의 ‘유령’ 연작은 존재와 존재하지 않음, 죽음과 삶 등 양자 모두에 속하거나 또는 두 개념이 중첩된 상태의 지시체로 이해될 수 있을 것이다. 그리고 비단 작가 개인의 상징뿐 아니라, 모든 인간의 상징체 곧 커다란 빈 구멍을 통해 드러난 인간의 실존이 아닐까 한다. 이러한 실존적 질문 앞에서 작가는 답 대신 수용을 선택하였다. 뚫린 구멍들이 비슷한 형태와 무의미한 반복으로 회귀한 유령 연작부터는 캔버스 화면이냐, 잘린 조각들이냐에 관한 가치 판단이나 위계질서마저 소모적인 논쟁의 하나가 되어버린 것처럼, 빈 구덩이에서 마주한 명제는 논쟁들을 일시에 흡입해 버렸다. 삶과 죽음이라는 단순하지만 위대한 명제는 김서연의 회화를 통해 단지 그 자신을 보일 뿐, 답을 주지는 않는다.

“산모는 무덤에 앉아 출산을 하고, 빛은 잠시 동안 비추고, 곧 다시 밤이 오지”

사무엘 베케트(Samuel Beckett), 『고도를 기다리며』 중에서

#hollow 2020

0 notes

suhyeon-kim · 7 years ago

Text

White Hill 2018

White Hill paraffin, 2018

White Hill

From a small terrace of the exhibition space is seen the hillside of Mt. Bukhansan in the distance. I wanted to make a work that looked like that mountain. I installed a small hill where small stone towers stacked with mountain climbers’ wishes and white burial mounds are overlapped.

작품 White Hill은 파라핀 블록으로 제작된 작은 언덕 형태의 설치 작품으로 등산객들이 오가며 소원을 비는 ��은 돌탑 모양들과 하얀 봉분의 형태가 오버랩이 된다.

#white hill 2018

0 notes

suhyeon-kim · 7 years ago

Text

Sliced Moon 2018

<Sliced Moon> paraffin, LED light, plants 2018

Moon paraffin, LED light, plants 2018

<Sliced Moon> paraffin, LED light, plants 2018

<Sliced Moon> 두 개의 심연

The exhibition space of Sueno339 has room dug deep underground called sunken. I installed a work that represents confined moon there. Moon cut off looking at sky thirstily...

작품 <Sliced Moon> 은 높은 회색 벽들 안에서 하늘을 바라보며 갇힌 모습이다.

두 개의 심연.

달과 하늘

이상과 현실

*썬큰(sunken)이라는 사방이 벽으로 둘러쌓인 깊숙한 곳에 LED빛과 파라핀 블록으로 달 형태의 작품과 베어글라스라는 가는 선 형태의 풀들을 설치했다.

#full moon 2018

0 notes

suhyeon-kim · 7 years ago

Text

Denial ‘Before,’ Indeterminate ‘Still’ 2018

Cut Pieces-Black Lace#2 acrylic on canvas, handcutting 166x130cm 2018

Cut Pieces-Black Lace#2 detail image

Cut Pieces-Black Lace#3 acrylic on canvas, handcutting 166x130cm 2018

Cut Pieces-Black Lace#3 detail image

Cut Pieces-Black Lace#4 acrylic on canvas, handcutting 166x130cm 2018

Stone#1 acrylic on canvas, handcutting130x150cm 2017

Stone#1 acrylic on canvas, handcutting130x150cm

Stone#2 acrylic on canvas, handcutting130x150cm 2018

Stone#2 acrylic on canvas, handcutting130x150cm

stone#1, stone#2

Stone#3 acrylic on canvas, handcutting 60x90cm 2018

“부정의 이미, 부정적 아직” (Denial ‘Before,’ Indeterminate ‘Still’)

“Rather than putting a meaning to canvas, it was a time of denial, emptying and erasing meanings. Here, Denial is a process of searching for a meaning - those endless questions one asks on the way. This process denies ‘before’ as that which is already completed; it instead looks upon ��still’ as that which is indeterminate. - from the artist’s notes Denial is bound to reach a limit at some point because denial must be anchored on that which is denied. As such, Suhyeon Kim’s fourth solo exhibition is a process of overcoming the artist’s self and starting a new journey - all transcending the limits of denial. Kim’s cutting works began in New York in 2006. To the artist, that work was a process of denial: denial of meaning which was so casually put to works, and denial of that feeling of disconnect as if faced with a cliff. One can only assume that the pain which the artist must have felt was akin to that desire to deny and the extreme anxiety stemming from achieving that desire as in Henry Matisse’s <Le bonheur de vivre (1906)>. In other words, Kim had to deny all foundations, all that which imbued paintings with meaning, representation for value, all acts which were comprehensively called creative; and on that empty floor which the artist faced after her creative actions met bankruptcy, Kim must have felt anxiety and fear. Between the old principles which had to be denied and distant new principles which are yet to come, the artist needed a breakthrough for gathering herself. More precisely, she would have needed something even if that fell short of offering a breakthrough. For the artist, an act of denial might have offered a better option than being pushed to indeterminacy. Kim recollects that period as “a sense of desperation as if fate blocked the way.” Thus began Kim’s drilling. Committing a knife to a tight canvas, although seemingly similar to Lucio Fontana’s challenge to the tradition of representation, is in fact heading in an entirely different direction: whereas Fontana’s works created a new form out of cuts, Kim began with specific forms, such as laces from her childhood’s memory, to achieve undecided, irregular forms - indeterminacy. The <Stone> series in the exhibition is titled so to express an intention of de-representation; like chiseling at a stone, small holes are sculpted into canvas. It is also Kim’s homage to Agnes Martin’s serene and meditative works. Thus through an act which symbolizes both emptying and filling, the artist goes from denial to indeterminacy. She transcends ‘before’ to go towards ‘still.’ Through this slow and incremental but certain and continued change, the artist visualizes the ‘still’ of indeterminacy. Perhaps it is a sign of peace of mind; canvas which once blocked one’s view now has holes through which the insignificant reality can be observed. The artist’s vision appears to have expanded enough to betray the extinction of materials like melting paraffin; one wonders whether such progress is made possible by the peace of mind. Layers of paint on the surface, free flowing and stacked, once again confirms such observation. At the same time, the artist has become strong enough to see the problem of existence – that shabby, scared, and anxious behind of being. This is clearly seen in entertaining negative questions. Some have pointed to feminism or issues of materiality in Kim’s works. But reflecting on the progress of the last decade, and even if Kim’s questions include issues of sexual ideology and discussion of materials, it is certain that the artist was not buried in those matters. It is known that each of Kim’s works takes three to four months; each work is a record of questions that the artist asked herself at the intersection of ‘before’ and ‘still’ at least for a season. These questions extend to humanity and existence, universality, sacredness, and transcendence, refusing to be limited to any one of them. Sangyoon Lee, art historian

“부정의 이미, 부정적 아직(Denial before, indeterminate still)”

“캔버스에 의미를 담기보다는 의미를 비우고 지우는 부정의 시간과도 같았다. 여기서 부정이란 어떤 의미를 찾아가는 과정으로 의미를 찾기 위해 끊임없이 던지는 물음을 의미한다. 완결된 ‘이미’를 ‘부정(denial)’하여, ‘결정되지 못한(indeterminate)’ ‘아직’을 응시한다.” -작가 노트 中-

부정은 언젠가는 한계에 봉착한다. 부정하는 대상에 닻을 내리고 있어야 하기 때문이다. 그런 의미에서 김서연의 네 번째 개인전은 부정의 한계를 넘어서는 자기 극복과 새로운 여정의 시작으로 요약된다.

김서연의 ‘뚫기’ 작업은 2006년 뉴욕에서 시작되었다고 한다. 그에게는 이 작업 자체가 부정이나 다름없었는데, 하나는 작품에 익숙하게 부여되었던 의미에 대한 부정이었으며, 다른 하나는 이 막다른 절벽 앞에 선 단절감에 대한 부정이었다. 아마 이 때 작가가 느꼈을 고통은 앙리 마티스의 <생의 기쁨(Le bonheur de vivre)>(1906)에서의 부정하고픈 욕망과 이것이 성공하며 생긴 극도의 불안과 비슷하지 않았을까 짐작해 본다. 다시 말해, 김서연은 그에게 기반이 되었던 것들, 회화에 의미를 부여하는 것, 가치를 위한 재현, 더 포괄적으로는 창작이라 불렸던 모든 행위를 부정해야 했고, 자신의 창작 행위가 부도를 맞게 된 다음 마주해야 했던 빈 바닥 위로, 불안과 두려움이 엄습하였을 것이다.

부정해야 했던 기존의 원칙들과 새롭게 세울 원칙의 요원함 사이에서, 자기를 추슬러야 했던 작가에게 돌파구가 필요했다. 아니, 정확히 말하면 돌파구에 못 미치는 어떤 것이라도 해야 했을 것이다. 작가에게는 무엇인가를 부정(否定,denial)하는 것이 부정(不定,indeterminate)에 내몰리는 것보다 나았을지 모른다. 김서연은 그 때를 회상하며, “운명이 막아선 것 같은 절박감”이었다고 했다. 이렇게 뚫는 행위가 시작되었다. 팽팽한 캔버스 위로 칼을 대는 작가의 행위는 재현 전통에 도전한 루치오 폰타나(Lucio Fontana)의 행위와 표면적으로는 유사해 보일지언정, 전혀 다른 방향으로 전개되고 있다. 폰타나의 작품이 칼집을 내는 것에서 점차 조형적이 되었던 것과 달리, 김서연은 유년 기억에 연관된 레이스 등의 특정 형태에서 출발해 비결정적, 비정형적인 형태, 즉 부정(indeterminate)을 추구하는 방향으로 변화하였다. 이번 전시에 발표된 <Stone>연작은 탈재현의 의미를 담은 제목으로, 마치 돌을 쪼듯, 캔버스의 작은 구멍을 조각한다는 의미가 내포되었다. 이는 또한 아그네스 마틴(Agnes Martin)의 고요하고 명상적인 작품에 대한 작가의 오마쥬이기도 하다.

이처럼 작가는 비움과 채움 모두를 상징하는 행위를 통해, 부정을 넘어 부정으로 향했다. 이미를 딛고 아직으로 가고 있다. 느리고 미미하지만 분명하고 지속적인 변화를 통해, 그는 ‘부정의 아직’을 시각화하였다. 그 만큼 여유가 생겨서일까? 눈앞을 가로 막았던 캔버스가 이제는 뚫려진 구멍으로 인해, 그 너머에 숨겨져 있던 볼품없는 진실을 지켜볼 정도로, 파라핀이 녹아내리듯 물질의 소멸을 드러낼 정도로, 작가의 시각이 확장된 것은 이 여유 때문은 아닐까 생각한다. 표면에 자유롭게 흐르고 겹쳐진 물감 층에서도 이것은 다시 확인되었다. 그러면서 그는 실존의 문제, 즉 초라하고, 두렵고, 불안한 뒤태를 직시할 만큼 견고해졌다. 부정적 질문을 유희하는 쪽으로 더욱 명확해졌다. 혹자는 김서연의 작품에서 여성주의나 물질성의 문제를 지적하기도 하지만, 지난 10여 년의 흐름에 비추어 볼 때, 혹 그의 질문들이 성적 이데올로기의 문제와 물질에 관한 논의가 포함되었다할 지라도, 그것에 매몰되지 않았음을 확신한다. 최소 제작 기간이 3-4개월이라고 하니, 그의 작품은 적어도 한 계절 동안, 작가가 ‘이미’와 ‘아직’의 교차점에서 스스로에게 던졌던 질문들을 오롯이 기록한 것이라 할 만 하다. 그리고 그의 질문은 인간과 실존, 또는 보편, 신성, 초월성으로까지 확장되며, 어느 것 하나에 국한되어 있기를 부정하고 있다.(미술사가 이상윤)

#denial before indeterminate still 2018

0 notes

suhyeon-kim · 8 years ago

Text

The Depth of the Chalice 2017

<Cut Pieces-Black Lace> canvas, acrylic, handcut, 166x130cm, 2017

<Cut Pieces-Gray> canvas, acrylic, handcut, 166x130cm, 2017

<Cut Pieces-Black> canvas, acrylic, handcut, 166x130cm, 2017

#cutpieces2017

0 notes

suhyeon-kim · 9 years ago

Text

Wish 2015

<흰소원 White Wish> beewax,thread,lace, 150x85cm, 2015

<흰소원 White Wish #2> beewax,thread,lace, 150x85cm, 2015

<흰소원 White Wish #3> beewax,thread,lace, 150x85cm, 2015

<흰 White>

소원

눈

둥근

달

정화수

바느질

레이스

눈물

얼음

초

젖

날개

성애

수의

우물

새벽넠

하얀 밤

누군가를 위한

이루어 질 혹은 이룰 수 없는 어떤 간절함에 관하여……

*작품 <흰 소원 White Wish>은 한강의 소설 <힌>에서 영감을 받았습니다.

#wish-2015 #wish #wish2015

0 notes

suhyeon-kim · 9 years ago

Text

Well-waiting 2015

<Well-waiting> paraffin, light, water 2015

Well-waiting

I had an exhibition on Jaraseom Island in a year with heat wave warnings. I dug a well on the island to seek water on hot summer days for this work. The well’s wall stacked with paraffin blocks melted down as if it was exhausted with the sun. The video shows the paraffin wall gradually melts and falls down.

어쩌면 샘은 누군가를 기다리고 있는 것일지도 모른다. 목마른 이가 길을 잃지 않고 찾아오기를 등불을 켜고 기다리고 있을지도 모른다. 품고 있던 물이 다 마르도록 뜨거운 태양 아래에서 숨죽이고 있을지도 모른다. 언젠가 다녀갔던 그 사람을, 섬에 살았던 작은 짐승들을 떠올리며 뜨거운 태양을 견디고 있을지도 모른다. 몇 일 후면 다시 흙으로 덮여져야 할 내일도 모른 채 기다림의 셀레임속에서 오늘을 보내고 있을지도 모른다

#well-waiting #well-waiting2015 #wellwaiting2015

0 notes

suhyeon-kim · 10 years ago

Text

Unbuilt Wall 2015

Unbuilt Wall, paraffin,100(h)x300x300cm,2015

Unbuilt Wall, 2015

Unbuilt Wall, 2014

Drawing for Unbuilt Wall, pencil on paper, 39x 54cm, 2014

I need a wall between myself and the world. The stronger and taller the wall, the more relieved I feel. I wanted to build a wall to take control over my world. Like lighting a candle to pray, I casted bricks of paraffin one by one. With different sizes of paraffin bricks, and without using any kind of adhesive, I built a functional but somewhat fragile wall. The wall was just a border, easily broken down so that I had to confront the reality behind the wall.

나와 세계 사이에는 벽이 필요하다. 그 벽은 견고할수록 높을수록 나는 안심한다. 하지만 그 벽은 단지 경계에 불과했고 연약하게 무너져 벽 너머의 현실을 대면할 수 밖에 없었다. 마치 초를 켜고 기도하듯 파라핀을 녹여 벽돌을 한 장씩 한 장씩 캐스팅했다. 결국 벽을 쌓아 나와 세계를 통제하고 싶었던 것이다. 접착제를 사용하지 않고 조금씩 다른 크기의 파라핀 벽돌을 차곡차곡 쌓아 견고하면서도 연약한 벽을 쌓았다. 조금씩 틈이 있고 기울었던 벽은 어느 순간 더 이상 버티지 못하고 무너져 버렸다.

#Unbuilt Wall 2015

0 notes

suhyeon-kim · 10 years ago

Text

Return to the Meaningless 2014

Cut Pieces-Pink Lace, handcut, arcylic on canvas, 2014

an Empty Letter, A4, handcut, pebble, 21x30cm, 2014

Exhibition View

Drawing for Lace, pencil on paper, 39x 54 cm, 2014

Scratch Drawing, scratch on paper, 39x 54 cm, 2014

Return to the Meaningless 무의미로의 회귀

I carved down countless fragments from a canvas. Perhaps carving a canvas is a reckless act, like knocking the door to an unknown room. It is an essential pause to dream about the beyond: a tuning-in to catch the sound before the silence, a tranquil time that empties and washes off meanings, allowing the search for more significant meanings beyond simply embodying the meanings. After all, meaningless is not a non-meaning, but another side of meaning that makes the original meaning more substantive. It was the night-like time that smoothes over and embraces the fierce stories from the daytime, from which I could be cured and re-start my life once again.

캔버스에 작은 조각들을 무수히 파내려 간다. 칼로 캔버스를 조각하는 것은 빈집을 두드리는 것과 같은 무모한 시도일지도 모른다. 견고한 캔버스를 조각하는 것은 그 너머를 꿈꾸기 위해서 삶에서 필요했던 멈춤이었으며, 침묵 이전의 소리를 듣기 위한 적극적인 귀 기울임의 시간이었다.의미를 담기보다는 더 의미 있는 것들을 찾아 나서기 위해, 의미를 비우고 지우는 시간과도 같았다. 결국 무의미는 의미 없음이 아니라 오히려 의미를 견고 하게하는 의미의 이면인 것이다. 낮 동안의 모든 일들을 덮어주고 보듬어주는 이런 밤과 같은 시간이 있었기에 어쩌면 나는 위로 받을 수 있었고, 다시 삶으로 돌아갈 수 있었는지도 모른다.

Cut Pieces-Pink Lace The process was like respiration, breathing out rough breath. The moment when the knife touches the canvas, the respiration pauses, and then breathes out again as the piece is cut with a snap and falls down. Like the pause (death) and continuing (life) of respiration exhibited on the surface of water, the lace embroidered with respiration becomes a pattern that connects two different worlds. After embroidering one stitch after another, and leaving it behind overnight, the carved fragments evoked belonging, while the earnest willingness of last night fell to be a pile of tiny pieces, a small piece of nothing. The scraggy frame of the canvas reflects the loneliness and meaninglessness of life, analogous to the space between infinite universal time and the instant moment of our common lives.

나에게 작업의 과정이란 거친 숨을 몰아 내쉬는 호흡과도 같았다. 캔버스에 칼을 데는 순간 호흡은 멈추었다가, ‘툭’ 하고 잘린 조각이 떨어지면서 숨을 내쉰다. 마치 물 표면에서 숨이 끊기고(죽음) 이어지듯(삶) 호흡이 교차하며 짜여진 레이스는 서로 다른 세계를 이어주는 무늬가 된다. 한땀 한땀 수를 놓듯 파내려 가는 조각들은 하룻밤을 뒤로하고 어느새 아련한 그리움들을 불러낸다. 간밤의 간절했던 나의 의지들은 아무것도 아닌 작은 조각이 되어 힘없이 떨어지고 또 떨어졌다. 수북히 쌓여진 작은 조각들…….앙상하게 드러나는 캔버스의 뼈대에서 삶의 쓸쓸함과 무상함이 느껴진다. 그것은 우주의 무한한 시간 사이, 순간에 불과한 우리네 삶의 단면과도 닮아있을 것만 같다.

#Return to the Meaningless 2014

0 notes