thebiancaexperience

[thebiancaexperience]

La historia detrás de "Peperina" de Serú Girán.

Hoy vamos a estar analizando y deconstruyendo Peperina, canción incluida en el cuarto álbum de estudio de la banda argentina Serú Girán lanzado en el año 1981. El disco fue convertido a formato CD tres veces, y además cuenta con una película estrenada en 1995, grabada durante el recital que dio la banda en el estadio River Plate en 1992.

Antes de empezar, quiero hablar un poco de lo que es el grupo Serú Girán, que en mi opinión es el mejor de argentina por lejos. Llamados los Beatles criollos, el conjunto reúne a los más capos del rock nacional: Charly García en el piano, David Lebón en la guitarra, Oscar Moro en la batería y Pedro Aznar en el bajo. Yo siempre los comparo un poco con Led Zeppelin en el sentido de que cada miembro de la banda es EL MEJOR en su categoría, o se encuentra por lo menos en el top 5. Pasa lo mismo con Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones y John Bonham.

Serú Girán surgió después de la separación de La Máquina De Hacer Pájaros, proyecto anterior de Charly García. Por un lado, arrancamos con la unión García-Lebón, que surgió cuando este último se interesó en el primero. Charly lo fue a ver un día a David cuando tocó en la Universidad de Belgrano, y ahí fue cuando dijo «¡Este es el guitarrista que yo tengo que tener!». Lebón contó que García le pidió tres veces que tocara con él, pero se negó, justificando que estaba muy metido con la meditación y no quería volver al whisky y a toda esa batalla. Un día, Charly le cayó a la casa con facturas, y le propuso tocar juntos por cuarta vez. El guitarrista, al ver tanto entusiasmo, pensó “esto tiene que funcionar” y lo demás es historia.

Una vez encaminado el proyecto, reclutaron a Pedro Aznar después de quedar maravillados con sus habilidades en el bajo. David Lebón contó: «...Cuando lo vi a Pedro pelar el bajo, se me cayó la mandíbula hasta la rodilla. Pensé: este pibe es muy bueno, es casi mejor que yo». Posteriormente se les uniría Oscar Moro, quien antes había sido baterista de Los Gatos y de La Máquina De Hacer Pájaros.

Ahora que ya repasamos la historia de Serú, volvamos al álbum Peperina. En este disco tienen un sonido mucho más homogéneo que en proyectos anteriores, y se titula así por una corresponsal en Córdoba de la revista Expreso Imaginario, llamada Patricia Perea, que siempre daba críticas desfavorables a las performances de la banda.

Pasemos a un análisis más profundo de la canción:

Como opening track y que además lleva el título del álbum, tenemos a Peperina, la canción dedicada a la ya anteriormente mencionada Patricia Perea.

La canción la podemos calificar como progresiva, ya que comienza y los demás instrumentos van apareciendo poco a poco, acelerándose con el tiempo y contando con varios solos de sintetizador. Esta periodista del rock cordobesa, que trabajaba para la revista Expreso Imaginario, criticó una actuación de la banda en Córdoba. A modo de represalia o quizás venganza, Charly le escribe esta canción que la presenta como una groupie despechada. Podemos leer su crítica en la edición 42, publicada en enero del 80, situada en la sección Noticias del Interior. Acá una parte del fragmento inicial:

En uno de los versos de la canción, se encuentra la siguiente estrofa: “Romántica entonaba sus poemas más brillantes, susurrando al oído de mi representante, “te amo, te odio, dame más”.

Casualmente, el representante de Serú en aquellos años era el famoso empresario Daniel Grinbank. En una entrevista publicada en La Voz del Interior, Patricia reconoce sus encuentros amorosos con él, pero sin embargo aclara que uno de los poemas que ella publicó en el Expreso fue erróneamente asociado a Grinbank.

Se dice que cuando escuchó su tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era “un buen sociólogo”. Finalmente sentenció que «En el fondo, Peperina es una canción de un machista despechado». Por otro lado, Patricia recuerda cuando la banda volvió a Córdoba para presentar el disco: «Estaba Daniel Grinbank –manager de Serú Giran por esos años- y a cada estrofa que iba cantando, yo le respondía que eso no era así.» También dijo que Grinbank la invitó a una cena de honor, pero decidió retirarse antes de que terminara el show.

Ese mismo año, Patricia (que al realizar la crítica tenía 17 años) decidió abandonar las crónicas para licenciarse en filosofía. Dio clases en la universidad y en el colegio, además de publicar un libro de poemas.

Después de quedar marcada para siempre con el nombre de Peperina, a catorce años de la publicación de la canción, se estrenó una película que nuevamente exponía su reputación. La película se tituló Peperina, protagonizada por Andrea del Boca, que la retrató como una hippie promiscua y soñadora. Patricia declaró en una entrevista de 2012: «No me llamaron, no me preguntaron cómo había sido la historia. Hicieron una porquería que nada tiene que ver con la realidad y me deja mal parada. Estaba en la facultad y tuve que dar explicaciones, no era bien visto. Generó problemas en mi actividad laboral, vida familiar, afectiva, fue una cosa espantosa».

Perea decidió responder con un libro, con el objetivo de limpiar su nombre. Se tituló Peperina por Peperina, pero no tuvo demasiada difusión. No obstante, le envió un ejemplar a Charly García y éste le contestó que le había gustado. Sin embargo, no fue suficiente: Peperina tuvo que cargar con la cruz de ser una canción. Incluso cuando falleció a sus 56 años, los periódicos lo titularon como “Murió la mítica Peperina, musa de Serú Girán”.

[thebiancaexperience]

Análisis de canción: "Toco y me voy" de Bersuit Vergarabat.

En esta nueva entrada de blog, vengo con otra propuesta diferente, algo innovadora, como para renovar: hacer este análisis en forma de podcast, y subirlo a Youtube junto con algunas imágenes e información al respecto. El video va a estar subido, pero acá les dejo el análisis textual en caso de que prefieran leerlo completito y más detalladamente.

Vamos a hablar de "Toco y me voy", un himno futbolero que salió allá por el 2000 dentro del álbum "Hijos del culo" de La Bersuit. Pero antes de empezar a hablar de la canción en sí, quiero repasar un poco el trayecto de la banda.

Bersuit Vergarabat es un proyecto que en marzo de este año cumple 34 años de trayectoria, con 14 discos publicados hasta la fecha y mucha historia en la cual indagar. Se hicieron notar por la combinación de varios géneros, con base en el rock pero también mezclando con otros ritmos latinoamericanos, como la cumbia, el tango y el candombe.

Pero hoy, aprovechando la euforia y la expectativa por el mundial, voy a repasar este himno futbolero, uno de los clásicos más coreados del rock nacional que va dedicado al jugador de fútbol Ricardo Bochini, el máximo ídolo en la historia de Independiente.

"Toco y me voy" es una canción dedicada a los enamorados del fútbol, aquellos que dejan la vida y el corazón en una misma pasión. Y justamente, este tema nos recuerda todas esas cosas bellísimas que tiene el fútbol: la mística de ir a la cancha, el espíritu de ir y dejar el alma en el potrero, los grandes ídolos, los pequeños detalles que hacen de este deporte el más lindo del mundo y el orgullo de ser argentino. Porque sí, en esta previa del mundial estamos todos subidos a la Scaloneta y dispuestos a dejarlo todo en la cancha.

Todas esas emociones van acompañadas del sentimiento del hincha, del amor por el fútbol, de lo que marca la diferencia entre un amante del deporte y un seguidor más. Tanto así, que en la canción se lo describe como "el fuego sagrado de mi corazón" y, citando una vez más la letra, destaco la frase "la camiseta es como un dios".

Todos tenemos un gran amor o una gran pasión. Yo soy una enamorada de la música y de los libros, pero hay quienes están enamorados del fútbol, y no hay nadie mejor que ellos para escuchar esta canción y sentirla en lo más profundo. Por mi parte y desde el lado musical, este tema me despierta un sentimiento que quizás no habré desarrollado mucho antes, pero que ahora me produce una mezcla de alegría y nostalgia, de emoción y de pasión. Concluyo el análisis de "Toco y me voy" con una frase recurrente pero que no deja de ser sincera: que orgullo ser argentino.

Para finalizar este video quiero mandarle un especial saludo a mi papá Facundo, que me contó que este tema fue el primero que escuchó de La Bersuit y por el que se hizo fan. Gracias pa por compartir no solo tu pasión por la música, sino también por el fútbol.

[thebiancaexperience]

muy buen análisis . !!!! me gustó voy a seguir leyendo un poco hacia atrás en tu blog. vos seguí hacia adelante. la música es un bello lugar donde estar ..

Muchas gracias <3 coincido plenamente

[thebiancaexperience]

Estaría bueno un análisis por décadas... Por ejemplo las 10 mejores bandas Argentinas de los 70, los 80 o los 90. Éxitos!

Muy buena sugerencia! la voy a incorporar, muchísimas gracias

[thebiancaexperience]

Análisis de canción: Somewhere Only We Know – Keane

Bueeeeno, vengo a revivir este blog que desde julio del año pasado no actualizaba. Pasaron tantas cosas en el medio y a la vez siento que fue ayer cuando me senté a escribir el análisis de "folklore".

Hoy les propongo algo diferente, voy a analizar una canción en vez de un álbum, que quizás parezca muy personal pero para mí es importante ponerlos en contexto y ubicarlos en tiempo y espacio para que comprendan la profundidad de la letra y lo que ésta significa, al menos, desde mi punto de vista.

En este último tiempo, hace ya varios meses, me está tocando atravesar situaciones difíciles que me han puesto, de una u otra forma, entre la vida y la muerte. Me he cuestionado mucho el sentido de vivir, recaí en el pasado y en las cosas que no puedo reparar y por último me enfrasqué en intentar detener el futuro. En esos momentos, donde "esquivas a tu corazón y destrozas tu cabeza", mi refugio más grande fue la música. Entre todo el amplio catálogo, esta canción en particular resonó intensamente en varios momentos críticos, y me acompañó en otros.

"Somewhere Only We Know", «En algún lugar que solo nosotros conocemos», es el primer sencillo del álbum debut de la banda Keane, titulado "Hopes and Fears" y publicado en 2004. El vocalista reveló que la canción en sí trata de "poder sacar fuerzas de un lugar o experiencia que compartiste con alguien. Cree que es una idea con la que mucha gente se puede identificar".

Por otro lado, podemos encontrar la explicación del baterista de la banda, Richard Hughes, en el sitio de Chris Flynn:

Cito: "Nos han preguntado que si «Somewhere Only We Know» es acerca de un lugar específico, y Tim ha estado diciendo que para él, o para nosotros individualmente, puede ser acerca de un espacio geográfico o un sentimiento; puede significar algo individualmente para cada persona, y la pueden interpretar como una memoria suya... Es tal vez acerca de un tema más que de un mensaje específico... Los sentimientos pueden ser universales, sin ser totalmente específicos para nosotros, o un lugar, o un tiempo..."

Ahora, más allá del contexto previo que les puedo ofrecer de la canción, les voy a contar cómo la interpreto yo. Para entenderme mejor, les propongo que vean este video que tiene la letra traducida al español y saquen sus propias conclusiones.

Una vez que hayan escuchado la canción, paso a decirles lo que significa para mí:

Esta canción me la dedico a mí persona. La narración la interpreto como si se estuviese hablando con uno mismo. Por momentos recordando el pasado, como cuando habla del sendero que recorre y solía conocer y amar, y por otros momentos pensando en el futuro, como cuando dice que necesita un lugar donde empezar. El núcleo de la canción, y lo que para mí le da más sentido, es el reencuentro. Es aprender a conocerse y encontrarse con uno mismo.

"Oh, simple thing, where have you gone?" es una de las líneas con las que más me identifico. ¿En qué momento la vida empezó a ser tan difícil de enfrentar? no hay un punto específico, una fecha y horario exactos. Pero de repente, creces y te das cuenta que las cosas no son fáciles, cuando ya parece demasiado tarde.

"So tell me when you're gonna let me in I'm getting tired and I need somewhere to begin"

Así que dime cuándo vas a dejarme entrar, me estoy cansando y necesito un lugar en donde empezar. De nuevo, me encuentro hablándole a Bianca, y preguntándole: ¿cuándo vas a abrirte ante vos misma y dejarte entrar? ¿Cuándo nos vamos a reconciliar, mente y corazón, para poder empezar de nuevo?

Y por último,

"This could be the end of everything So why don't we go Somewhere only we know?"

Este podría ser el final de todo, así que, ¿por qué no vamos a un lugar que solo nosotros conocemos?. Esta frase es tan ambigua, porque mi lado racional me dice que no hay nadie que me conozca más que yo misma, pero en mi corazón siento que no tengo ni idea de quién soy, o quién era. Cambié, porque pasaron cosas que me rompieron y me armaron de nuevo para siempre. Me siento como una pieza de cerámica que se rompió, y de a poco se fueron pegando de nuevo los pedazos, para formar una figura similar pero no idéntica. Con detalles y agujeros por todas partes que faltan rellenar, con bordes irregulares que precisan moldearse y con una fragilidad que la hace extremadamente vulnerable al más mínimo roce. No obstante, sigue siendo una figura, que existe y esta ahí. Y, aunque parezca poco, para mí es un montón.

Al escuchar esta canción hay una mezcla de sentimientos que van desde la nostalgia por el pasado ("Is this the place we used to love?") e incertidumbre y miedo por el futuro ("I need somewhere to begin"). Que son, básicamente, las emociones que siento en este momento de mi vida. "Somewhere Only We Know" me dió algo muy poderoso, además del sentimiento de identificación, que es la sensación de comprensión. Es una de las pocas canciones que, desde el inicio hasta el final, me llegan hasta lo más profundo y logro verme reflejada en lo que dicen. Y por eso hoy se las comparto, para que la escuchen y puedan darle la interpretación que ustedes quieran o necesiten.

Concluyo este pequeño análisis para decirles que, si hay algo en lo que creo firmemente, es en que la música salva vidas. Al menos en mi caso, resulta una conexión muy fuerte entre lo que represento y lo que los artistas expresan. Es un refugio de infinitas posibilidades que desarma tus más intrínsecos pensamientos y los convierte en algo más. Me despido, y les recomiendo como siempre que escuchen música, y que sobre todo la disfruten y la analicen. Hay tanto provecho que se le puede sacar a una simple canción, y yo tuve la suerte de encontrarme con esta.

[thebiancaexperience]

¿Tenes pensado hacer alguno de Hozier?

Sí, probablemente haga el segundo, Wasteland, Baby!

[thebiancaexperience]

folklore (2020) – Taylor Swift

Tracklist:

the 1

cardigan

the last great american dinasty

exile (Ft. Bon Iver)

my tears ricochet

mirrorball

seven

august

this is me trying

illicit affairs

invisible string

mad woman

epiphany

betty

peace

hoax

bonus track:

the lakes

BUENO, aparezco. Hoy es 24 de julio y, además de cumplirse 4 meses desde que no publico en el blog, es el primer aniversario de “folklore”, el octavo disco de Taylor Swift. Como este año ganó el premio Album Of The Year en la edición número 63 de los Grammys (y además es candidato a ser mi favorito de la artista) se merecía una inclusión acá. Fue el primer álbum de Taylor que experimenté siendo fan de ella, porque venía de escuchar algunos temas sueltos de los demás sin tomarme el tiempo de escucharlos completos canción por canción. El 23 de julio del año pasado, sin promoci��n ni previo aviso, la mina publica en Twitter que a la medianoche (es decir, ya 24) iba a sacar su nuevo álbum, a menos de UN AÑO de haber lanzado el anterior, “Lover”. Ya que me pareció recontra raro que anuncie el álbum de la nada, y más tratándose de ella, me puse la alarma para escucharlo y lo pude disfrutar ni bien salió. El primer tema está bueno, y ya al segundo te das cuenta que la va a descocer toda. A partir de ahí me re cebé escuchando el resto de su catálogo y un par de meses después volvió a sorprenderme con otro álbum más, “evermore”, la hermana de “folklore” y quizás aún mejor que el anterior, del que tal vez hable más tarde. Por ahora vamos con este, al que le hago una mención honorífica porque metafóricamente me salvó las papas el año pasado cuando estaba re deprimida por la cuarentena y la vida en general, lo que es raro si consideramos que el álbum en general es re triste y tiene un par de canciones que te destruyen. Bueno, no los entretengo más porque la verdad son las 3 am y estoy en modo redacción -13. Empecemos con el análisis que esto da para largo.

El álbum:

Después de construir un catálogo musical casi que enteramente basado en sus experiencias y vida personal, Taylor Swift decidió enfocarse en contar las historias de otras personas en folklore, álbum que grabó durante la cuarentena debido al COVID-19. El proceso de elaboración del álbum fue más íntimo, ya que es la primera vez que decidió grabar en su casa, con un estudio elaborado improvisadamente y no en una discográfica. En la película de Disney+ “Folklore: The Long Pond Studio Sessions” tenemos una vista más de cerca a todo el proceso de preparación del álbum, donde se explica el significado de las canciones a medida que son interpretadas por primera vez de forma presencial por Taylor y sus colaboradores, Aaron Dessner (de The National) y Jack Antonoff, sin olvidar la participación de Justin Vernon con quien Swift canta “exile”.

El mini estudio que se armó Taylor fue bautizado “Kitty Committee Studio”, parcialmente porque durante gran parte de la grabación del álbum sus gatos estaban peleando de fondo. Es un dato re random que cuentan en la peli, pero me pareció buenísimo y además hay que destacar el fact de que la mina es cat lover como yo. Nada, eso, kitten superiority.

Volviendo al tema álbum, en esta ocasión Swift se alejó un poco de los sonidos mainstream (lo que no le impidió tener hitazos, como cardigan) y experimentó con melodías más introspectivas, centrándose más en la instrumentalización del piano, la guitarra, el violín y la batería. Una vez más, cambió de género y se adentró en el indie folk principalmente, y de forma secundaria en el rock alternativo y el electro folk. Sin duda este proyecto vino acompañado no solo de un cambio de sonido, sino de estilo y de estética. Este álbum es uno de los que más me gusta porque tiene bastante versatilidad lírica. Hay temas que hablan un poco de la vida personal de Taylor, como peace o invisible string, pero también hay otros que cuentan historias inventadas, como la trilogía cardigan/august/betty en la que después voy a indagar más a fondo. Está bueno porque es una forma de darse cuenta la capacidad y talento que tiene Swift como compositora, por lo que además aprovecho para destacar que el punto más fuerte de este álbum son las letras. Para mí Taylor siempre estuvo muy infravalorada como autora, quizás en parte por ser una figura pop tan mediática y con un montón de singles conocidísimos que son re pegadizos; pero el hecho de que tenga canciones comerciales no quiere decir que sean malas, y mucho menos que eso sea lo único que ella pueda interpretar. Con este álbum les cerró el orto a todos los que dicen que no sabe componer, y además salió (otra vez) de su zona de confort mezclando distintos géneros y experimentando con los temas principales de sus canciones. Nada, una reina, es literalmente la industria musical (sí, le re voy a chupar las medias en el análisis, jódanse viejo).

Como última parte en esta introducción, vamos a mencionar tan solo algunos de los récords que rompió folklore:

Es el proyecto más aclamado de la artista, con un puntaje de 88 en Metacritic y elogios de todo el mundo.

En tres meses, el álbum vendió un millón de copias, convirtiéndolo en el primer y único álbum en obtener esa cantidad de ventas en el año 2020.

Fue nominado a 5 premios Grammy: canción del año y mejor interpretación de pop solista (cardigan), mejor interpretación de dúo/grupo pop (exile), mejor álbum vocal de pop y álbum del año (folklore). De todos los premios ganó el más importante, álbum del año, convirtiendo a Taylor Swift en la primera mujer y la cuarta artista en general en ganar 3 veces el AOTY (ya lo había conseguido antes con Fearless y 1989).

OK me re explayé, pero es que había que presentar el álbum como se debe. Arrancamos entonces con el análisis track by track:

the 1

Primer tema del álbum y segundo single, the 1 se centra en la nostalgia y la remembranza de un viejo amor. Narrada en primera persona, habla de cómo hubiera sido si las cosas se daban de una forma diferente, y los protagonistas de la relación terminasen juntos. Hay varias referencias a canciones anteriores, por ejemplo, el verso “I thought I saw you at the bus stop, I didn’t though” me recuerda a la letra de Holy Ground, “Sometimes I wonder how you think about it now, And I see your face in every crowd”. Así como esta hay varias, y tiene muchas vibes de I Almost Do, temazo.

El opening de la canción es el verso “I’m doing good, I’m on some good shit”, que retrata implícitamente la propia situación de Taylor en cuanto al álbum, dando a entender que le está yendo bien y está probando cosas nuevas. Además, no olvidemos que este álbum difiere muchísimo de los demás en cuanto a letras y sonido, sobre todo si lo comparamos con su antecesor, “Lover”. Asimismo, el optimismo de la primera frase también podría referirse a la batalla legal en la que se encontró Swift hace algún tiempo en torno a la venta de sus másters. Esto es algo que voy a tratar de resumir lo más brevemente posible porque es larguísimo. Básicamente, Taylor tenía un contrato con Big Machine Records, discográfica de Scott Borchetta. Hizo un acuerdo que duró alrededor de 13 años y, al finalizarlo, firmó con otra compañía, Republic Records y Universal Music Group. Ahora, el quilombo empieza porque BMR retiene los derechos de los primeros 6 álbumes y, además, la compañía es vendida al productor Scooter Braun, que a su vez vende los derechos de los primeros trabajos de Taylor a una empresa de capital privado, negándoles la oportunidad de negociar con ella. En resumen, le prohibieron comprar los derechos de sus propias canciones. Por lo tanto, Swift es dueña de las letras que compuso, pero no de las grabaciones que hizo con su anterior discográfica. Todo esto desencadenó en una zarpada batalla legal, que culminó con la decisión de Taylor de regrabar sus discos anteriores y lanzarlos al mercado nuevamente. En abril de este año salió el primero de los álbumes “Taylor’s Version” (que cronológicamente es el segundo de su carrera), Fearless.

En fin, era importante aclarar eso porque dentro del álbum hay pequeñas referencias a este conflicto, que además resultó ser uno de los puntos de inflexión más grandes en su carrera.

cardigan

El single principal del álbum y uno de los mejores en general, con tremenda letra y TREMENDO videoclip que está buenísimo, porfa véanlo.

No sé por dónde empezar. Este tema es la primera parte de lo que Taylor llama el “Teenage Love Triangle” (o triángulo amoroso adolescente), que está conformado por otras dos canciones más: august y betty. Cada una de ellas aborda el tema desde el respectivo punto de vista de las personas involucradas, en diferentes tiempos de su vida. No sé cómo explicarles sin spoilearles el resto de las canciones, así que lo voy a resumir así nomás para que más o menos se guíen si es que no escucharon el álbum. Betty y James son dos adolescentes de 17 años que están en pareja, viven en la misma ciudad y asisten al mismo colegio. Durante el verano, James se va de vacaciones y engaña a Betty con Augustine, la chica que protagoniza el octavo tema del álbum, august. Según Taylor, cardigan está narrada desde la perspectiva de Betty, alrededor de 20 o 30 años después de los hechos sucedidos, y aclara que para ella hubo una reconciliación y terminaron juntos.

Adentrándonos más en la letra, cardigan habla de la presunta inocencia que se les atribuye a los jóvenes y adolescentes, subestimándolos tanto a ellos como a sus experiencias. Betty deja muy en claro que ella “sabía todo cuando era joven”, y recorre las distintas etapas de su reacción ante la infidelidad, culminando con el perdón y contando que, al final, ella sabía que James iba a volver. La verdad que me quedo cortísima hablando de esta canción, pero es tan linda que todo el mundo debería escucharla, aunque sea una vez.

the last great american dinasty

El tercer track de folklore nos cuenta la historia de Rebekah Harkness, una artista y socialité estadounidense que, en 1947, contrajo matrimonio con William Hale, heredero de la fortuna Standard Oil. Luego de casarse, la pareja compró una mansión en Rhode Island y la llamaron “Holiday House”, que luego en 2013, luego de pasar más de 50 años vacía después de que Rebekah enviudó, fue comprada por Taylor Swift. La canción recorre la historia de esta mujer, a la que se le adjudicó la culpa de un montón de cosas por consecuencia de los prejuicios y la mirada pública, siendo entre ellas la más “popular” la muerte de su marido, que sufrió dos ataques cardíacos siendo el último el que terminase con su vida. A lo largo del tema, se hacen varias comparaciones entre Rebekah y Taylor, como por ejemplo sus estilos de vida no convencionales, el hecho de que fueron etiquetadas como “locas” o “histéricas”, su historial de experiencias sexistas, etc.

En The Long Pond Studio Sessions, Taylor cuenta que llevaba queriendo escribir una canción sobre Harkness desde que se mudó a Holiday House, y que este álbum fue su oportunidad ideal para finalmente hacerlo.

exile (feat. Bon Iver)

Nominado al Grammy por mejor interpretación de dúo, exile está interpretado por Taylor Swift y Justin Vernon, líder de la banda indie folk Bon Iver. La letra trata acerca de una pareja de exnovios que pasa a través de una ruptura dolorosa, en la que ambos creen tener la razón y haber dado miles de señales en vano. En un clip enviado a las estaciones de radio a finales de agosto del año pasado, Taylor explicó que exile es una canción escrita a partir de la falta de comunicación en las relaciones, y de cómo ninguno de los dos protagonistas estuvo ni podrá estar en la misma página que el otro, ni siquiera después de terminar su noviazgo.

Durante la canción se van intercalando las voces de Swift y Vernon, cada uno representando las dos partes del conflicto y ofreciendo su punto de vista acerca del mismo.

Los créditos de la letra figuran a nombre de Taylor Swift y de un colaborador misterioso, de nombre William Bowery. Su identidad permaneció en secreto hasta el estreno de The Long Pond Studio Sessions, donde se revela que el co-compositor de exile es nada más ni nada menos que Joe Alwyn, el actual novio de Taylor, con el que lleva varios años en pareja. Aparentemente Alwyn improvisó en el piano los primeros acordes de la canción y una pequeña parte de la letra, y al escucharlo Swift le pidió continuar componiendo el resto juntos.

my tears ricochet

Naturalmente, uno de los mejores temas del álbum, no es coincidencia que se encuentre quinto en el orden numérico. Las pistas número 5 del catálogo de Taylor tienen la reputación de ser las más íntimas y vulnerables de cada álbum, fenómeno que se repite a lo largo de toda su carrera, y por supuesto my tears ricochet no podía ser la excepción.

Cronológicamente fue la primera canción que Swift compuso para el álbum, y según ella habla de un “torturador amargado” presentándose en el funeral de su “objeto de obsesión caído”. Aborda muy bien el sentimiento de traición, sobre todo cuando el acto es cometido por una persona que solía ser de absoluta confianza y que sabía perfectamente donde atacar para que el golpe sea mortal. Según algunos fans, podría hacer alusión a la vida personal de la artista, precisamente acerca del conflicto alrededor de la venta de sus másters por parte del dueño de su ex discográfica, como ya les mencioné antes. Además, el hecho de que en la canción se hagan referencias a estar en un funeral podría ser un pequeño guiño al videoclip de Look What You Made Me Do, en el que la cantante afirma que “la vieja Taylor está muerta” y hasta se la muestra enterrada. Re épico.

Por otro lado, en The Long Pond Studio Sessions (ya perdí la cuenta de cuantas veces mencioné esta película, háganse un favor y véanla que está buenísima) Taylor relaciona la letra de my tears ricochet con el divorcio, y de cómo dos personas que alguna vez se amaron incondicionalmente y juraron estar juntas por siempre de pronto pueden pasar a odiarse o a verse como completos extraños. Como dato de color, Taylor contó que escribió las primeras líneas de la canción luego de mirar "Marriage Story", la película de 2019 dirigida por Noah Baumbach. Justamente, este filme que tiene como protagonistas a Adam Driver y a Scarlett Johansson, ambos nominados al Óscar por sus respectivas actuaciones, trata directamente el tema divorcio, ofreciéndonos los dos puntos de vista existentes. Se las recomiendo, es original de Netflix y está muy buena.

mirrorball

Esta es una de las canciones que toca un tema personal en la vida de Taylor, ya que en la letra ella se comprara con una bola de espejos, que refleja a todas las personas a su alrededor y entretiene a los demás, por más de que esté rota en mil pedazos. Me parece una re linda metáfora, porque justamente lo que hace llamativos a estos objetos es que están conformados por cientos de pedacitos que reflejan la luz, lo cual se puede relacionar con las personas “rotas”. Por otro lado, mirroball también podría referenciar las vivencias de Swift como celebridad y/o figura pública, sobre todo porque a mucha gente le entretiene mirar como los famosos se quiebran, y en el caso de Taylor es algo que pasó millones de veces porque tiene un historial de conflictos públicos y humillaciones gigante. La mina es súper exitosa, pero tuvo un montón de quilombos, y más de una vez su vida personal, relaciones amorosas y conflictos legales (acá entra de nuevo lo de los másters) fueron el foco de atención.

seven

El séptimo track de folklore, seven, habla de la inocencia en la niñez y de cómo uno a esa edad cree que los problemas se resuelven fácilmente, porque casi todas las cosas nos resultan de bastante sencillez. Esa mirada simplista que se tiene del mundo, antes de racionalizarnos por completo e insertarnos conscientemente en él. La protagonizan dos amigas de la infancia, de las cuales una de ellas sufre una infancia bastante dura en su casa y tiene un padre abusivo (en uno de los versos de la canción Taylor canta “creo que tu casa está embrujada, tu papá está siempre enojado y creo que esa es la razón”). La letra es muy tierna, habla en gran parte de la amistad que tienen estas dos niñas y de cómo les encantaría empacar sus muñecas y un suéter para mudarse a India.

En The Long Pond Studio Sessions, Swift recuerda cuando solía hacer berrinches en cualquier lugar cuando estaba triste o enojada, y de cómo actualmente cuando ve a un niño hacerlo una parte de ella lo entiende y desearía hacer lo mismo. Asimismo, se pregunta “¿cuándo fue que dejé de estar tan indignada por algo que era capaz de tirarme al suelo a llorar? Por supuesto que uno después aprende que no se pueden hacer rabietas todo el tiempo, pero creo que también hay algo que se ha perdido ahí.”

Me gusta mucho el concepto que pretende abordar, porque en muchas cosas coincido plenamente. Si bien el conocimiento muchas veces es una virtud, mentiría si dijera que no me gustaría volver a tener siete años y ser ignorante de tantas cosas de la vida, pero más feliz. Igual eso me pasa porque soy re existencialista y me da bronca no entender el mundo, pero bueno.

august

Nombrado octavo track del álbum igual que agosto es el octavo mes del año, august es la segunda parte del Teenage Love Triangle que les mencioné antes. Está narrada desde el punto de vista de “la otra chica” Augustine, quien tuvo un amorío con James en las vacaciones de verano. En The Long Pond Studio Sessions, Taylor cuenta que quiso dar el punto de vista de las tres partes sin condenar las acciones de ninguno. Contrario a lo que uno creería, en ningún momento se villaniza a Augustine o se la culpa por formar parte de la infidelidad, sino que nos hacen empatizar con ella mostrando que realmente estaba enamorada de James y creía que tenían algo real. La canción está narrada de forma que la protagonista se encuentra recordando el verano que pasó junto a su amor, y de cómo ella creía que realmente estaban enamorados e iban a terminar juntos. El tema está cantado con un tono súper nostálgico y melancólico, lo que encaja dolorosamente bien con el ritmo alegre y pegadizo de la canción.

this is me trying

Este es uno de los temas más tristes y que más me mueven de todo el álbum, porque habla de una persona que está pasando un mal momento y constantemente intenta hacer su mejor esfuerzo, pero éste no está ni cerca de ser suficiente. Se puede interpretar de varias maneras, la más notoria al escuchar la canción por primera vez es la de alguien admitiendo tener la culpa de los problemas en una relación, reconociendo sus errores y tratando de repararlos. Se mencionan varios catalizadores de la caída del narrador, como el alcohol, el miedo, el fracaso, los problemas en torno a la madurez emocional, etc. Esta letra en pandemia me re pegó, porque pasé de ser excelente en el colegio a sentir que no estaba aprendiendo nada y que todo me costaba el doble. En The Long Pond Studio Sessions, Taylor Swift relaciona la letra de la canción con los trastornos mentales (depresión, ansiedad, entre otros) y el alcoholismo, destacando que las personas que padecen estas condiciones hacen un gran esfuerzo para continuar día a día, y que éste no siempre es reconocido. Me pareció muy real porque uno nunca sabe por lo que puede estar pasando una persona, algunos exteriorizan más sus emociones que otros, y eso no quiere decir que no les afecte su situación.

illicit affairs

Por el título ya nos vamos dando cuenta como viene la onda, illicit affairs es otro tema de Taylor que habla de la infidelidad. Lo que es interesante es que en lugar de “demonizarlo” y/o condenarlo como lo hizo en canciones anteriores (“Should’ve Said No”, por ejemplo) lo trata de una manera similar a como lo hizo con august, con un matiz más empático y comprensivo. En la canción, reconoce el factor emocionante y pasional que puede haber en una infidelidad, pero también admite la herida al corazón que termina resultando al final. Con aires de secretividad y sigilo, Taylor narra el clandestino encuentro de los dos amantes, y termina el ciclo con la trágica confesión de que al final se enamoró de alguien que no puede tener, y por eso está condenada a tener un romance ilícito.

invisible string

Otro tema personal del álbum, invisible string habla de la relación de Taylor Swift y su actual pareja, Joe Alwyn. Durante The Long Pond Studio Sessions, la artista contó que siempre le gustó esa teoría del destino que dice que cada paso que estás dando te lleva al lugar en donde realmente deberías estar. Esta canción está basada fundamentalmente en el mito asiático del hilo rojo, que une a las personas que están destinadas a estar juntas. Con esta idea como núcleo, la canción va desarrollando distintas etapas de la vida de Taylor y la de Joe, remarcando ciertas coincidencias (por ejemplo, en el primer viaje de Alwyn a Los Ángeles, fue a comer al restaurante favorito de Swift y además se subió a un taxi que justo tenía sonando en la radio una canción de ella, “Bad Blood”). Al final la canción termina con ellos dos por fin coincidiendo y estando juntos, además de tirar algún que otro palito para sus ex. Uno de los versos de la canción habla de los chicos que le rompieron el corazón, y de cómo ahora ella le envía regalos a sus bebés. Fun fact, el ex de Taylor, Joe Jonas, fue papá alrededor de esa fecha con Sophie Turner y ella les envió un regalo para felicitarlos. Además, hace poco Katy Perry tuvo un pibe con Orlando Bloom y también les mandó un regalo, LE BORDÓ UNA MANTITA. No son ex, pero ellas dos tuvieron un re bardo, además lo quería mencionar porque re tiernis.

mad woman

Así como Blank Space es el tema girl power de 1989 y Look What You Made Me Do el de reputation, no podía faltar mad woman en folklore. En esta canción, Taylor conecta los conceptos de mujer delirante e “histérica” con su propia vida personal, referenciando ooootra vez el quilombo que ya les conté de los másters. Según las propias palabras de la artista, dichas en The Long Pond Studio Sessions, mad woman trata acerca del “female rage” o “furia femenina”. Dentro de la misma película, Taylor cuenta que lo que más ira le provoca dentro de su experiencia siendo mujer es que la demonicen por responder de forma defensiva ante un ataque, ya sea personal o mediático. Como mujer, la sociedad muchas veces espera que te quedes callada y aceptes el comportamiento masculino sin chistar, porque si te llegas a ofender o respondes de la misma manera sos una exagerada, histérica, sensible. Más de una vez nos culpan a nosotras por responder que al varón por atacar, como si nuestras acciones fueran las que realmente ofenden y están fuera de lugar en vez de ser al revés. La letra de la canción se puede aplicar a muchas vivencias femeninas, pero en el caso de Swift está más que nada dirigido a lo que sufrió durante toda su carrera por x o y motivo. No podés cantar sobre tu ex que te manipuló psicológicamente porque automáticamente sos una zorra, o fuiste vos la estúpida que se dejó manipular. No podés salir a hablar públicamente de la venta de tus másters sin tu consentimiento porque te estás victimizando y buscas llamar la atención. Y así una infinidad de cosas más que lamentablemente le pasan a muchas artistas mujeres.

Este tema está dentro de mi top 5 canciones del álbum, no solo suena re bien, sino que es Taylor empoderada y we love to see it.

epiphany

Uno de los temas que más sentido le da a la pandemia y a la cuarentena, epiphany describe a una persona que tiene la esperanza de encontrar la paz en sus sueños a pesar de vivir en un mundo lleno de caos y violencia. En The Long Pond Studio Sessions, Taylor cuenta que el tema toca algo de su vida personal, ya que hace alusión a la experiencia de su abuelo en la guerra, quien peleó en Guadalcanal en la Segunda Guerra Mundial y nunca fue capaz de hablar de ello, ni siquiera con su esposa e hijos. Este suceso le hizo pensar, ¿qué tendrá que pasar en la vida de alguien para que le impida volver a pronunciar esas palabras en voz alta?, y partiendo de esa idea adaptó la canción a lo que viven los médicos actualmente debido al coronavirus, sustentándose principalmente de las vivencias que pueden llegar a experimentar, por ejemplo, el trastorno de estrés post-traumático.

El primer verso de la canción hace referencia al abuelo de Taylor, Dean, y de su experiencia en la Batalla de Guadalcanal. Este evento tomó lugar en la playa de la isla del mismo nombre, y las bajas fueron de más de 60.000 soldados estadounidenses y aproximadamente el 65% de los soldados japoneses. Luego, en paralelo con el primer verso, se fusiona la narrativa con la actual batalla contra el COVID-19, hablando de cómo el único contacto que reciben los pacientes enfermos por parte de sus seres queridos es a través del plástico.

Como dato, al comienzo del videoclip de “cardigan” podemos ver una foto del abuelo de Taylor durante su servicio.

betty

La tercera y última parte del Teenage Love Triangle, este decimocuarto track de folklore narra la historia desde el punto de vista de James después de haber engañado a Betty con August. La canción excede nostalgia y arrepentimiento por parte del narrador, que después de volver de sus vacaciones de verano se entera que Betty sabe de su infidelidad gracias a rumores del colegio. Nuevamente menciono la colaboración de William Bowery (aka Joe Alwyn) que compuso el estribillo entero de la canción y luego terminó de escribirla junto con Taylor.

Ahora, acá es cuando me pongo insoportable y digo NO HAY MANERA DE QUE EL TEENAGE LOVE TRIANGLE SEA HETEROSEXUAL. Tremenda sapphic love story. Primero que nada, nunca se especifica explícitamente el género de James, por lo que tranquilamente podríamos interpretar que es mujer. Además, varios de los nombres que Taylor usó para contar esta historia son los nombres de las hijas de sus amigos, Ryan Reynolds y Blake Lively. Inez y James son las más grandes, y a la menor le pusieron Betty.

Por otro lado, Taylor confirmó el género de James (sí, es varón, la puta madre) en la radio, pero bueno quién te conoce hermana, no escucho y sigoooo. Interprétenlo como tengan ganas, muchachos.

peace

Nuevamente nos encontramos ante un tema con tintes personales de la vida de Taylor, y a su vez uno de los más maduros que compuso a lo largo de toda su carrera. En peace, Swift nos cuenta sus inseguridades respecto a sus relaciones, explicando que por más que lo intente no está segura de poder brindarle paz a su pareja porque hay muchas cosas que no puede controlar ni dependen de ella. Como celebridad, uno se expone a que invadan su privacidad y comenten constantemente sobre su vida, lo que suele dificultar tener relaciones estables y normales con otras personas; sobre todo tratándose de una figura tan mediática como lo es ella. En la canción, menciona todas las cosas buenas y sanas que puede aportar en una relación, pero también menciona las consecuencias que incluye salir con ella teniendo una vida de ese estilo.

En mi opinión, este tema es uno de los que más marca la diferencia entre los anteriores proyectos de Swift y folklore. Al ser el primer álbum publicado en sus treintas, se nota muchísimo más el crecimiento que tuvo como persona y como artista, y dentro de él hay muchas miradas al pasado con un eje más maduro.

hoax

El último tema de folklore, hoax, nos ofrece un apropiado cierre para este álbum lleno de oscuridad y melancolía. Esta canción narra los problemas y dificultades que perduran en una relación tóxica, y describe que por más que uno esté en el borde de la desesperanza debido a su pareja, es incapaz de dejar ir la relación. Según una entrevista con el colaborador Aaron Dessner, “hoax” y “the 1” fueron las últimas canciones escritas para folklore, por lo que decidieron que una sea el principio del álbum y la otra el final.

Según Taylor nos cuenta en The Long Pond Studio Sessions, “hoax” encarna toda la temática del álbum: las confesiones, los elementos de la naturaleza, la volatilidad y la ambigüedad emocional, etc. Durante el proceso de composición, Swift reconoce que tuvo que salir de su zona de confort al escribir ya que no suele hacer canciones que involucren más de una temática específica. En este caso, muchos de los sentimientos y descripciones de la canción no eran acerca de una sola persona o de una situación individual, sino más una construcción de varios eventos y sensaciones mezclados.

bonus track: the lakes

El verdadero cierre del álbum podría considerarse este bonus track, escrito por Taylor Swift y Jack Antonoff. En The Long Pond Study Sessions, la artista menciona que “the lakes” es una especie de testamento que alude al lugar (o situación) del cual quería escapar y en dónde se veía escapando. El Lake District es una ubicación en Inglaterra al que Swift visitó hace algunos años, que tiempo atrás (siglo XIX) solía ser el sitio de retiro o escape de distintos artistas y poetas, entre ellos William Wordsworth y John Keats. Al tomar como referencia esta locación habla de cómo, a consecuencia de la pandemia, no podía ir físicamente al Lake District, pero que igualmente ese era su lugar de escape imaginario, una especie de zona de confort mental.

Por otro lado, Jack Antonoff comenta que, inicialmente, la canción era una versión orquestal mucho más excéntrica que la que terminó quedando en el álbum, pero Taylor le pidió hacerla un poco más simple para matchear la estética del mismo. Por suerte hoy, 24 de julio, como es el primer aniversario de “folklore” Swift publicó un tweet de agradecimiento y además subió “the lakes (original versión)” a Spotify. Ambas interpretaciones son muy buenas, pero después de haberme acostumbrado tanto a la primera creo que queda mejor con el resto del álbum y encaja mejor siendo simple.

Conclusión:

Para mí “folklore”, más que un álbum, es como un libro increíble que no puedo parar de leer. Si bien el talento de Taylor Swift como compositora se deja en claro en sus anteriores trabajos, creo que este álbum es el excelente ejemplo de la capacidad lírica que puede alcanzar, y mi mente todavía no puede concebir que la mina se mandó tremendo álbum (posiblemente el mejor de su carrera) porque estaba aburrida en cuarentena.

Y, de la misma forma que los libros, “folklore” está dividido en capítulos:

folklore: the escapism chapter contiene "the lakes", "seven", "epiphany", "cardigan", "mirrorball" y "exile".

folklore: the sleepless nights chapter contiene "exile", "hoax", "my tears ricochet", "illicit affairs", "this is me trying" y "mad woman".

folklore: the saltbox house chapter contiene "the last great american dinasty", "august", "the 1", "seven", "peace" y "betty".

folklore: the yeah I showed up at your party chapter contiene "betty – Live from the 2020 Academy of Country Music Awards", "the 1", "mirrorball", "the last great american dinasty", "invisible string" y "cardigan".

La verdad no sé muy bien como cerrar, me encantó lo que hizo Taylor con este álbum y amo el hecho de que siempre se esté adaptando, renovando y perfeccionando como artista. Quizás en el futuro hable del hermano de “folklore”, “evermore”, álbum que también anunció de forma sorpresiva el 11 de diciembre del año pasado. Los dos comparten varias similitudes, pero en cuanto a estructura y seguimiento de las canciones éste está mucho mejor planteado.

LA RE VIVÍ con este análisis, pero bueno, no había manera de resumirlo más que esto. Espero que les haya gustado <3

[thebiancaexperience]

Que gustos más básicos

dale te aviso

[thebiancaexperience]

Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (1974) – Sui Generis

Tracklist:

Instituciones

Tango en Segunda

El Show de los Muertos

Las Increíbles Aventuras del Señor Tijeras

Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal

El Tuerto y los Ciegos

Música de Fondo para Cualquier Fiesta Animada

Tema de Natalio

Para Quien Canto Yo Entonces

Bonus Tracks:

Juan Represión

Botas Locas

Como hace poco fue 24 de marzo, el Día de la Memoria por la Verdad y la Justicia, decidí retomar esta entrada que tenía medio abandonada, pero me parece muy muy importante. Hay muchas formas de rememorar y tener presente nuestro pasado como país, y una de ellas es a través de la música; es por eso que elegí este álbum en particular, que sonó muy fuerte allá por el 74 y tiene que seguir retumbando en nuestras mentes hoy en día.

Hoy voy a hablar del tercer álbum de Sui Generis, uno de los más conocidos y sin dudas el más emblemático de esta bandaza de rock nacional: Pequeñas anécdotas sobre las instituciones. Es un álbum que suena muy muy bien, pero su punto más fuerte son las letras: cada canción tiene material para hacer un análisis detalladísimo de lo que estaba pasando en ese momento en Argentina, vivido en carne propia por los integrantes de la banda, y con el paso de los años se convirtió en una de las obras más aclamadas relacionadas a la Dictadura Militar.

Pero primero un repaso por el grupo en sí para los que no conocen o nunca escucharon (no sé qué estás haciendo con tu vida entonces), de más está decir que se los recomiendo a todo el mundo.

La banda:

Sui Generis (“único en su tipo” en latín, bautizados por García quien dijo que había visto la palabra en un libro de geografía, y entendió su significado mucho después) fue un dúo de rock de Argentina formado por Nito Mestre y Charly García en 1969. Digo dúo porque esa formación (Charly-Nito) es la esencial a lo largo de su carrera, pero cabe destacar que fueron contando con varios músicos de apoyo durante las grabaciones y recitales. Empezaron como una bandita de adolescentes, surgida de la fusión de dos agrupaciones (To Walk Spanish y The Century Indignation) mientras cursaban la secundaria en el Instituto Social Militar Doctor Dámaso Centeno (dato gracioso: tanto Nito como Charly se llaman Carlos Alberto).

Como sus principales influencias podemos rescatar a Simon & Garfunkel, aunque si nos remontamos a los inicios tenían un sonido inspirado en Vanilla Fudge y Procol Harum. Otro dato de color: compusieron una ópera rock de nombre “Theo, el hijo de la luna” basada en The Who, que luego podemos ver plasmada en algunas canciones de La Máquina de Hacer Pájaros y en “Eiti Leda” de Serú Girán.

Ni bien arrancaron se presentaron varias dificultades, desde cambios en la formación a inconvenientes en el desarrollo del proyecto. No voy a mencionar los varios integrantes que fueron y vinieron en el grupo, pero resumido así nomás quedaron Nito y Charly solos. El resto de los miembros se bajaron justo antes de uno de sus primeros shows y los dejaron re en banda. OBVIO estaba todo mal, citando a Nito “pensamos que era el final de un sueño”, se querían matar. Pero, por algún golpe del destino (traducción: se habían gastado la guita en cerveza y no podían devolver el cachet), los dos flacos se mandaron a tocar igual, uno con la flauta y el otro con una guitarrita criolla, y al público le encantó.

Para no hacerla más larga, llegaron en el momento justo para tener éxito. En esa época recién se había separado Almendra, Los Gatos y Manal, por lo que los exmiembros estaban tratando de formar otros grupos; así que en pleno auge lograron pegarla y firmar un contrato para empezar a tocar en el Teatro ABC.

El álbum:

El 16 de diciembre de 1974 se publica Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, que shockeó con un cambiazo de sonido en comparación a los trabajos previos de la banda. Dieron un vuelco hacia el rock más eléctrico y cambiaron de onda totalmente, idea de Charly, que viajó a Estados Unidos para comprar los instrumentos que se usaron en la producción: un piano eléctrico Fender Rhodes, órganos Hammond y sintetizadores ARP String Ensemble y Moog.

La idea general del álbum es una crítica a las distintas instituciones, entre ellas la justicia, el matrimonio y el ejército. Pero antes de hablar de eso, hay que ubicarnos un toque en el contexto histórico en el que se grabó el álbum y la situación del país en ese entonces.

Argentina. 1 de julio del 74, fallece el presidente Perón y asume su esposa Isabel, anteriormente vicepresidenta. Se ven enfrentadas la izquierda y la derecha peronistas, la violencia política es cada vez más creciente, estallan más de cuatrocientas bombas en septiembre y como si esto no fuera poco aparece la Triple A, que amenaza con la muerte a distintos intelectuales y artistas del país, de los cuales muchos huyen de Argentina. Por otro lado, empieza la operación clandestina de la agrupación Montoneros y comienza una guerrilla en la que se ve involucrada el ERP, instalado en ese entonces en la selva tucumana. Si bien el golpe de estado se dio recién en marzo de 1976, el clima represivo y el constante enfrentamiento comenzaron mucho antes, y junto con ellos la censura.

Charly cuenta que el álbum originalmente iba a llamarse “Instituciones” a secas, pero no pudieron permitirse sacarlo así porque era demasiado. En un intento de suavizar el nombre, lo cambiaron a “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones”, modificando también otras de las ideas principales que querían implementar. La idea de Charly era hacer varios temas, uno dedicado a la policía, otro al ejército, otro a las familias… si el álbum ya fue considerado fuerte en ese entonces con todos los arreglitos que le metieron, dejarlo como estaba hubiese sido inimaginable. De cualquier forma, una de las cosas que más admiro de Charly a nivel compositor es la capacidad que tiene de hacer pelota a los corruptos (entre otros) mediante una pieza musical tan metafórica que pasa desapercibido. Por poner un ejemplo, una de las canciones más conocidas en contra de la dictadura es Canción de Alicia en el País (del álbum Bicicleta de Serú Girán, un proyecto posterior) que relata perfectamente lo que se vivía por aquellos años, pero adaptándolo a una forma más “light” cosa de no morfarse tremenda censura, y comparando a los militares con personajes fantasiosos (rey de espadas, brujos, etc.).

Ahora que más o menos tenemos una idea general de la banda y del contexto histórico del país, paso al análisis individual de cada tema:

Instituciones

ARRANCAMOS FUERTE. Si bien yo no lo elegiría como el tema más representativo esencialmente del álbum, es un muy buen comienzo y funciona perfecto como introducción a lo que es el disco en sí. Acá se nota mucho el avance musical de Sui Generis, tanto en sonido como en letras. Anteriormente hice énfasis en lo novedoso de los sonidos de este álbum, pero otra cosa que destaco también es la evolución de las letras, que son mucho más maduras en comparación de las anteriores compuestas por Charly.

Instituciones representa la opresión ejercida por parte de, justamente, las instituciones, hacia la juventud. Estas referencias se pueden ver reflejadas en varios versos, por ejemplo:

“Oye, hijo, las cosas están de este modo

Una radio en mi cuarto me lo dice todo

¡No preguntes más!

Tenés sábados, hembras y televisores

Tenés días para andar aún sin los pantalones

¡No preguntes más!”

Si bien las acusaciones hacia el sistema se hacen presentes una vez que analizamos el tema, no deja de ser bastante limitado en cuanto a contenido; podrían haber dicho muchísimo más. De hecho, lo hicieron. Instituciones es uno de los temas que tuvieron que censurar para poder publicar el álbum, aunque por suerte hoy podemos encontrar la letra original para leerla, aunque no haya sido grabada en el estudio. Acá se las dejo:

“Pero es que ya me harté de esta libertad

y no quiero más padres

que acaricien mi espalda.

Soy un hombre que quiere andar

sin permiso para ir a llorar.”

Tango en Segunda

Este tema salió como reemplazo de uno de los más censurados del álbum, “Juan Represión”, del que voy a hablar después. No tiene tantos tintes de crítica como el anterior, en mi opinión su punto fuerte es el sonido, con una parte instrumental bastante larga que está buenísima. Es esencialmente Charly experimentando con elementos del rock progresivo y abusando un toque de los sonidos del mini moog, cosa que básicamente quedó bien porque lo hizo él (sí, es como la quinta vez que le doy crédito a Charly solo por ser Charly, pero yo les advertí que le tengo la más profunda devoción, además estoy siendo bastaaante objetiva porque posta es re buen compositor y artista).

La única patadita que tiene este tema es una burla hacia el mánager de la banda, Jorge Álvarez, al que medio le tenían bronca por todo el tema de hacerles censurar el disco:

“A mí no me gusta tu cara

Y no me gusta tu olor

Hay tres o cuatro mamarrachos

Con los que yo estoy mejor”

Después, si queremos ser un poco más específicos, hay secciones que se pueden interpretar como una crítica hacia la gente y cómo se manejaban en ese entonces, considerando la situación. Versos como “Alguna gente que conozco vive metida en un baúl” podría hacer referencia a la negación de ciertas personas ante el clima nacional que había en ese entonces. Esta es mi forma de verlo, pero como no es tan evidente como otras letras del álbum se los dejo a su libre interpretación.

El Show de los Muertos

Charly García escribió este tema A LOS VEINTITRÉS AÑOS. Es increíble. Y te hace reflexionar, ¿cómo es que un pibe de 23 años escribe la frase “cuántas veces tendré que morir para ser siempre yo”? ¿en qué contexto?

En el 74, un año y medio antes del golpe de Estado, un joven Charly García escribió sobre algo que iba a condicionar a la Argentina en un futuro cercano, y que además iba a dejar una huella imborrable para siempre: el horror, la sangre y la muerte (más específicamente los muertos). Este es uno de los grandes temas de Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, que de cierta manera profetiza todo lo que estaba por venir respecto a las desapariciones forzadas.

No solo hace una crítica amarga hacia la política, sino que va entresacando y metiendo reflexiones personales, como por ejemplo:

“Yo crecí con sonrisas de casa

Cielos claros y verde el jardín

Y qué estoy haciendo

Acá en esta calle con hambre”

Aunque en seguida redirecciona el enfoque hacia algo mucho más político, como vemos en el siguiente verso:

“Y no es el que duerme tranquilo

Y el que me asesina sin saber”.

Además de tener una letra sumamente metafórica y cargada de ironía, El Show de los Muertos tiene un estilo muy propio de algunos temas de Pink Floyd, efecto dado gracias al saxo sintetizado. Destaco también que en este tema los instrumentos van a la par de las voces, elemento muy característico del progresismo.

Las Increíbles Aventuras del Señor Tijeras

Justo después del fin de El Show de los Muertos se escuchan en estéreo, yendo y viniendo de un canal al otro, unos tijeretazos: empieza la gran fábula, increíblemente metafórica, que tiene como protagonista al Señor Tijeras. Esto es buenísimo, porque no es simplemente un personaje ficticio inventado para la canción, está basado en una persona real: Miguel Paulino Tato, un periodista y crítico de cine que se encargaba de dirigir el Ente de Calificación Cinematográfica, el organismo dedicado a censurar y prohibir todo contenido “no apto” para el consumo en aquel entonces. Tan célebre fue este tipo que en 1995 le hicieron una película llamada “El Censor”.

La lírica de este tema es impresionante, y está narrada como si fuese un cuento: una pequeña descripción del personaje, el desarrollo de la historia y finalmente el desenlace. El punto culmine de la canción se da cuando el Señor Tijeras, luego de volver a su casa y saludar a su esposa, se encierra en su sala “a cuidar la moral” (una forma de decir que se ponía a censurar todo contenido considerado inmoral presente en las películas). Les dejo la estrofa que sigue a continuación:

“Y el hombre la acuesta sobre la alfombra

La toca y la besa, pero no la nombra

Se contiene, suda y después

Con sus tijeras plateadas

Recorta su cuerpo

Le corta su cuero

Deforma su cara

Y así mutilada la lleva cargada

Hasta la pantalla

Justo a la mañana”

La mujer de la que se está hablando representaría una película, en cuyo caso la mutilación es una metáfora a la censura. La parte en la que detallan que el censor se contiene antes de hacer su trabajo refleja un conflicto de sentimientos por parte del mismo, entre los que se destacan el nerviosismo, la ansiedad y la excitación. Podemos interpretarlo como que, al final, el Señor Tijeras además de recortar las películas de cierto modo se censura y se reprime a sí mismo.

Finalmente, los últimos versos de la canción son “Te veré en 20 años en televisión, cortada y aburrida, a todo color”, refiriéndose al futuro de las películas censuradas, pero más específicamente a una en particular: “Último tango en París” de Bernardo Bertolucci, que fue censurada luego de durar una semana en cartelera por supuesto contenido pornográfico. Y tal como dijo Charly, sucedió. La transmitieron en 1994 por cable, recortadísima y aburrida, justamente porque a causa de la censura perdió toda su esencia.

Por último, pero no menos importante, cabe mencionar que esta fue otra de las canciones que tuvieron que modificar debido a la censura. Les dejo la última estrofa que es bastante heavy:

“Yo detesto a la gente que tiene el poder

de indicar lo que es bueno y lo malo también.

Sólo el pueblo, mi amigo, es capaz de entender.

Los censores de ideas temblarán de horror con el hombre libre

a la luz del sol.”

Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal

Simplemente AMO este tema. Uno de mis favoritos, es súper divertido y me encanta el ritmo, además de que rompe un toque con el estilo medio tétrico y oscuro del álbum, siendo bastante animado y alegre (pero no por eso carente de calidad lírica y críticas a las instituciones). Tiene un sonido muy progresivo también, y ésta canción en particular me hace acordar mucho al estilo de lo que después sería La Máquina de Hacer Pájaros.

Yendo más para el lado de la letra, Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal le pega muy fuerte a una de las instituciones más sagradas: el matrimonio. Además de hacer varias manifestaciones de rebeldía, este tema tiene una entonación excesivamente irónica, que es lo que le da la gracia en primer lugar. Por un lado, te tira frases re lindas y representativas de lo que es estar casado, por ejemplo:

“Si viene bien que sigamos juntos

Haremos todo a pesar del mundo

Y no habrá penas para ninguno

Y no seremos dos sino uno”

Y por el ooootro te mete un PALAZO a los medios de comunicación (en realidad a uno en particular) en la estrofa que dice:

“Tendremos un gato en el jardín

Tendremos un hijo si quiere venir

Muchos desayunos y ningún Clarín”

La verdad es que esta canción tiene un significado medio ambiguo, y se puede interpretar de muchas formas. Investigando un poco, leí que mucha gente le da el significado de que en realidad es Charly cantándole a una prostituta, lo cual tiene mucho sentido si nos detenemos a escuchar frases como “falsificadora de querer” y “Vendrá la luna por la mañana / Y tal vez todo termine en nada /Y que te importa si fuiste mía / Y que te importa la policía”. En cualquier caso esto no está del todo claro, aunque ahora que lo veo de esa forma me parece una interpretación bastante acertada.

Una incógnita de la letra de este tema que me persiguió desde el primer momento en que lo escuché es esa parte que dice “Estoy en busca de lo naranja y verde”. ¿QUÉ ES LO NARANJA Y VERDE? Durante años creí que seguro el significado era re obvio, pero como yo soy boluda y nací mucho después capaz era sobre alguna referencia a la época que se me escapaba, PERO NO. Estuve haciendo un toque de research a ver si encontraba en algún lado de qué carajo estaba hablando Charly (admito que me encuentro googleando eso más veces de las que me gustaría admitir) y no hallé casi nada. Me hizo sentir un poco menos mal, porque no es que YO no entendí, nadie entendió.

Sin embargo, hay gente que dice que lo naranja y verde se refiere a la plata, porque los billetes de esa época eran de esos dos colores. En cuyo caso seguramente hace referencia a los matrimonios arreglados y/o interesados. Como tiene bastaaante sentido yo me conformé con esa explicación, pero si me llego a cruzar a Charly le pregunto.

El Tuerto y los Ciegos

No sé qué es lo que me gusta más de este tema: el estilo folk, la letra o el violín (cortesía de Pinchevsky). Mentira, sí sé: es la letra. Es la hora de criticar otra institución más, en este caso la religión y la Iglesia, y junto con ellas la presión que ejercen sobre la sociedad, sobre todo centrada en los fanáticos religiosos.

Esta canción habla de un personaje de la mitología griega llamada Casandra, hija de los reyes de Troya, Hécuba y Príamo, que poseía el don de la profecía. ¿Cómo lo obtuvo? Era sacerdotisa de Apolo, y a cambio de una noche con él pactó la adivinación como recompensa. Pero, cuando accedió a ella, rechazó el amor de dios (cosa que encaja justito) y por ello fue maldecida: iba a poder ver el futuro, pero nadie jamás iba a creer en sus profecías. De hecho, dado el momento, ella predijo la guerra de Troya, pero nadie le creyó. El título de la canción se debe al dicho popular “en tierra de ciegos el tuerto es rey”.

¿La mejor parte de la canción? La frase “la mediocridad para algunos es normal, la locura es poder ver más allá”. Una de mis favoritas de Charly.

Música de Fondo para Cualquier Fiesta Animada

SE VIENEEEEEE el (probablemente) mejor tema del álbum, y uno de los más profundos en cuanto a la letra. Ya pasamos por críticas al matrimonio, a la censura, a la religión… ahora le toca a una de las instituciones que más corrompida se vio durante la previa de la dictadura, y que resulta también una de las más importantes: la justicia (¿o debería decir, injusticia?). Este tema está tan lleno de referencias que lo voy a ir haciendo estrofa por estrofa:

“Había una vez, resultado de un juez

Que era amante de los jueves

Un gran señor que sufría el deshonor

De sus sirvientas infieles”

La canción ya arranca indicando que el objeto de crítica es un juez, instrumentador de justicia. Las sirvientas infieles son el pueblo, que están obligadas a servirlo aunque no lo deseen, por eso el deshonor.

“Y una mujer neurótica sirviendo el té

En las habitaciones de algún juez

Disponible el primer jueves del mes”

Toma de punto a las esposas/mujeres de los jueces, resignándolas a ser las que les sirven el té y nada más, disponiendo del juez solo una vez por mes. Se menciona de vuelta el día jueves, igual que en la primera estrofa, indicando que él disfruta de ese momento en el que le sirven.

“Había una vez, una casa con tres

Personas en una mesa

Uno en inglés, otro hablaba en francés

Y el otro hablaba en caliente

Cada uno mantenía su conversación

Que giraba en tres temas en cuestión

Amor libre, propiedad y represión”

Una de mis partes favoritas de la canción, que hace referencia a los tres poderes: el legislativo, el ejecutivo y el judicial. Como los tres hablan distintos idiomas (el inglés el que seguía todo lo que dictase el norte, el francés el que está en desacuerdo con eso y el caliente el que actúa por impulso sin pensar) no se entienden entre ellos. Metáfora perfecta para resumir toda la situación política del momento, y que tristemente resulta atemporal en muchos otros casos. Es increíble como este álbum envejeció tan tan bien, porque hay letras que fácilmente las podés aplicar hoy en día.

“Había una vez, un país al revés

Y todo era diferente

Todo el dolor, el oro y el sol

Pertenecían a la gente

En esa casa dividieron el pastel

Y no dejaron nada sin comer

La bandeja se la llevó la sirvienta”

Clásica metáfora de los bienes como un pastel, el cual dividen y comen sin dejar absolutamente nada. Cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia: se roban todo, y la bandeja se la lleva la sirvienta, nuevamente representando al pueblo.

Este tema es tremendo. La ambientación es buenísima, muy acorde al clima que se vivía por aquellos años. Por supuesto, entra en el listado de los temas modificados por la censura, así que les adjunto la parte que tuvo que ser recortada:

“Había una vez

en la casa de un juez

una fiesta impresionante:

vino y caviar, y mujeres sin bailar

y marihuana en los cuartos

y un presidente hablando

sobre un pueblo en paz

y la manera de tranquilizar

a las bocas que pedían libertad

Había una vez

una casa con tres personas en una mesa:

un leñador con su hijo menor

y su mujer blanca y gruesa.

Sus vidas eran miserables bajo el sol

y el que levantó el brazo con dolor

está muerto, alguien dijo, por error.

Y en la fiesta

la noche pasa amablemente

y hasta el juez se acuesta

con el presidente,

bailan y ríen.

Había una vez

un país al revés

y todo era diferente.

Todo el dolor el oro y el sol

pertenecían a la gente.

Yo miraba de lejos ésta dividir

en mi plato no hay nada para mí.

¿Qué justicia

habrá entonces

para el pueblo?”

¿Se imaginan si llegaban a sacar esto? “hubiese sido tremendo”, mismas palabras de Charly García. Aunque esta canción es una de las más editadas, la idea sigue prevaleciendo y por suerte lograron dejar plasmada la esencia del tema, que se sigue entendiendo muy bien pese a los recortes.

Tema de Natalio

Así como Tango en Segunda tuvo que reemplazar a Juan Represión en el álbum, “Tema de Natalio” surgió como un reemplazo de Botas Locas, completamente instrumental. Tenemos a Pinchevsky en el violín nuevamente, en un tema fuertemente influenciado por la banda YES (particularmente el comienzo de la canción And You And I, del álbum Close To The Edge), un referente habitual para las bandas de esa época. Muchos dicen que es el punto débil del álbum, POR FAVOR NO OPINEN. NADIE QUIERE ESCUCHAR LO EQUIVOCADÍSIMOS QUE ESTÁN.

A ver, por un lado, capaz lo dicen porque al ser instrumental y no tener letra no te llega tanto como los otros temas, pero es una obra maestra de principio a fin. Es la cerrada de boca personal por parte de Sui Generis hacia aquellos que decían que eran “dos tipitos con una guitarra y una flautita”. Lamentablemente la gente no estaba lista para semejante música y por eso el álbum en general no fue tan bien recibido en cuanto al sonido respecta, pero bueno: otra prueba de que Charly siempre fue un adelantado.

Obviamente es un garrón que hayan censurado Botas Locas, pero la verdad es que si eso no hubiese pasado este tema probablemente jamás viera la luz, así que aaalgo bueno salió. Agradezco que lo hayan incluido en el álbum porque la verdad es excelente. Nada más que agregar.

Para Quien Canto Yo Entonces

Este es el último tema del álbum así tal cual se sacó en diciembre de 1974, porque los otros dos temas que siguen directamente fueron eliminados del álbum (Botas Locas y Juan Represión).

Citando al, entre otras cosas, conductor de radio Carlos Polimeni, Para Quien Canto Yo Entonces es “una canción autocrítica sobre la misión del artista”. Esto lo escuché en un recorte de radio que encontré por ahí, que habla del álbum Pequeñas anécdotas sobre las instituciones y hace especial hincapié en el tema del que les hablé antes, Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal. Les dejo el link por si alguien quiere escucharlo:

Y digo que es una autocrítica porque en este tema Charly se pregunta, justamente, ¿para quién canta él? Si los humildes nunca lo entienden, si los hermanos se cansan de oír las palabras que oyeron siempre, si los que saben no necesitan que él les enseñe… ¿a quiénes, entonces?

El mismo Charly te lo responde: “yo canto para esa gente porque también soy uno de ellos” “ellos escriben las cosas y yo les pongo melodía y verso, si cuando gritan vienen los otros y entonces callan”. Nunca tan claro. Él no solo representa las ideas del pueblo y le hace frente a la represión, sino que él ES el pueblo. Ese sentido de deber, pero también de pertenencia, es algo que predomina durante todo el álbum, y que se hace más evidente en este tema en particular. Y precisamente el animarse a decir lo que en ese entonces nadie quería (o nadie se atrevía) es lo que convierte a Sui Generis en una de las bandas con letras más políticas del país, con versos que todavía siguen sonando fuerte 47 años después.

Definitivamente un gran cierre para la versión original de Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, que obviamente también se ganó su lugar en el podio de las canciones censuradas. La letra original fue publicada años más tarde:

“Y yo canto para usted,

señor del reloj del oro.

Sé que a usted nada lo hará cambiar

pero quiero que se entere

que su hijo no lo quiere.”

Bonus Tracks:

Juan Represión

Dando un giro al enfoque de las letras, este tema obviamente está relacionado a la opresión y a la censura, pero visto desde otra perspectiva: la del represor. Juan vendría a ser un militar, policía o personalidad opresora del momento que se ve engañado y/o manipulado y por ello actúa en nombre de la justicia pensando que lo que hace es correcto, cuando en realidad no lo es; “se disfrazó de bueno con un disfraz de villano, y los malos de la historia son los héroes cotidianos…” Al final de la canción, relatada en forma de historia, Juan termina en un asilo de ancianos siendo consciente de que nadie lo ama, viviendo “como pidiendo perdón” y esperando el momento de su muerte. En esta canción la represión es planteada como el instrumento para desahogar las propias penas del personaje, que al final se da cuenta (tarde) de que se estuvo reprimiendo también a sí mismo todo el tiempo. En mi opinión, una de las letras más fuertes del álbum, que podemos afirmar casi con seguridad que está inspirada en López Rega.

Botas Locas

El último tema a analizar y otro de los más heavys, un palazo directo al ejército, del que por cierto García formó parte antes de sacar el álbum Vida (Canción para Mi Muerte, por ejemplo, fue escrita mientras estaba internado en el hospital del cuartel). La historia de esta canción no es muy diferente a lo que vivió su autor: se habla de un joven que es obligado a prestar servicio militar a su país pese a diferir en la política actual del mismo, y que luego de ver como es el mundo dentro del ejército decide abandonarlo. Hay frases muy fuertes, siendo la más destacada “si ellos son la patria yo soy extranjero”. El tema expone muchas de las cosas que pasaban en ese entonces, como la represalias que sufrían los soldados al mostrar su libertad de expresión, el adoctrinamiento al que estaban forzados, etc. Se critica mucho también al nacionalismo y a los principios nacionalistas, porque no olvidemos que en aquellas épocas muchas cosas las justificaban con el “amor a la patria” (casi como hoy en día. Nah, ¿vos decís?)

Como en esta entrada di pocos datos anecdóticos, acá va uno bastante importante, y trata de la vez en la que marcharon TODOS presos por tocar este tema en Montevideo. Allá en Uruguay la dictadura había empezado en 1973, y en régimen fue bastante similar a la argentina. Aunque este tema había sido borrado del álbum la banda decidió dejarlo en el setlist, y el garrón que se comieron fue que obviamente el concierto estaba vigiladísimo por las fuerzas de orden. Tocar este tema en vivo vendría a ser el equivalente a un cartel con luces de neón que diga “fuck the police”, y cuando escucharon la letra y se dieron cuenta del agitamiento que había en el público los detuvieron en seguida.

Uno de los integrantes de la formación, Rinaldo Rafanelli, contó que “Fueron presos hasta los equipos. Después nos hicieron declarar a todos por separado. El primero en ir fue Charly, que, cuando volvió, nos hizo señas de que dijéramos que no sabíamos las letras”. Ahora, ustedes se estarán preguntando, ¿qué carajo les dijo Charly para zafar? Se los contaría, pero la verdad es que es mucho mejor que lo escuchen del mismísimo García que lo contó en una entrevista y además le metió efectos de sonido:

Amo como lo cuenta cagándose de risa. Y amo como el cerebro gigante de Charly le salvó el cuero a toda la banda, únicamente porque el tipo es un genio y tiene la capacidad de inventarse una letra alternativa y escribirla, todo mientras los milicos lo amenazaban. No deja de ser un momento de mierda, pero que bueno que quedó como anécdota y hoy lo podemos escuchar.

Conclusión:

Después de 5027 palabras hablando del álbum (porque sí, soy re larguera) llega el final. No queda mucho por decir que no haya dicho ya, excepto el papel que cumple esta obra en mi top personal. Sin dudas pienso que es el mejor de Sui Generis (aunque mi favorito es irremediablemente Vida, de 1972) y uno de los mejores trabajos que hizo Charly García en general. Pese a todo lo que digan, yo creo que es un álbum que, para bien o para mal, envejeció bastante bien. Muchas cosas de las letras viejas de Argentina son aplicables ahora, y en este discazo hay varios ejemplos. Me parece muy importante tener este tipo de música presente, no solo por su calidad y su valor artísticos sino también por su cuota de verdad y de cuestionamiento a las instituciones. No se puede cambiar el pasado, pero se puede hacer memoria todos los días. No olvidemos ni perdonemos.

[thebiancaexperience]

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) – The Beatles

Tracklist:

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

With A Little Help From My Friends

Lucy In The Sky With Diamonds

Getting Better

Fixing A Hole

She’s Leaving Home

Being For The Benefit Of Mr. Kite!

Within You Without You

When I’m Sixty Four

Lovely Rita

Good Morning Good Morning

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)

A Day In The Life

Como primera entrada de este intento de blog, voy a hablar de uno de mis álbumes favoritos y, además, uno de los más aclamados de la música: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. A menudo se lo menciona como el mejor álbum de la banda, cosa que no disputo si bien mi favorito de ellos es por lejos Rubber Soul. Si sos un nerd de la música como yo, esto probablemente te resulte entretenido porque está lleno de facts random de la creación del álbum, curiosidades sobre cómo fue producido, etc. Además, es larguísimo, así que acomódate bien y andá preparándote para una lluvia de información que recopilé lo mejor que pude mientras tomaba mate en mi cama a las tres de la madrugada.

Respecto a cómo fue hecho, el cuarteto de Liverpool tardó 129 días en grabarlo. Cansados de las giras y de la histeria colectiva generada por la beatlemania, decidieron que necesitaban un tiempo para liberarse de sí mismos y, siguiendo la idea de McCartney, se encerraron cuatro meses en Abbey Road con el objetivo de experimentar en el estudio. Fue entonces cuando se les ocurrió crear un alias, una banda ficticia para ponerse en otro papel a la hora de hacer música y así tener más libertad creativa. Un alter-ego de los Beatles, concepto con el que ya no se sentían identificados y de hecho hasta se habían hartado.

La idea general del álbum es una banda que da un recital, por eso está cargadísimo de arreglos con music hall, influencias sinfónicas, etc). Se lo recalca como uno de los primeros discos conceptuales por el hecho de que todas las canciones se suceden de manera continua sin interrupciones y de forma global, idea propuesta por Paul McCartney (sí, otra vez él. ¿Alguien lo puede parar a Paul? Lo hizo él solo prácticamente) para superar Pet Sounds de The Beach Boys, que había salido unos meses antes y del cual tomaron mucha inspiración. El nombre surge gracias a que, en uno de los viajes de la banda, Mal Evans (roadie, asistente y amigo de los Beatles) le pidió la sal y la pimienta a Paul, y éste en vez de entender “salt and pepper” lo malinterpretó como “Sargeant Pepper”. El resto del título, “Lonely Hearts Club Band” es una forma de burlarse satíricamente de los grupos estadounidenses con nombres largos.

Al trabajar bajo un alias, los Beatles se permitieron mucha más experimentación, tanto musicalmente como en ventas. Sobrepasando cualquier limitación, jugaron mucho con nuevos sonidos tales como orquestaciones, instrumentos hindúes, música oriental, grabaciones tocadas al revés y rock psicodélico. Estas innovaciones sin dudas transformaron al rock en objeto de culto, porque nadie había escuchado nada similar antes. Además, si nos remontamos al contexto histórico en el que fue lanzado, este álbum fue editado poco antes del conocido verano del amor en San Francisco, convirtiéndose en el emblema del movimiento hippie.

Comercialmente hablando, fue el primer LP en incluir las letras de las canciones impresas, funda doble, una bolsa interior decorada y a su vez el primer álbum de rock en ganar un Premio Grammy.

Una de las cosas más emblemáticas de esta joya de los Beatles es la portada (de hecho, es más un retrato cultural de la época que funciona como una descripción perfecta de aquellos años), diseñada por Peter Blake y su esposa en aquel momento Jann Haworth.

En la imagen del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band aparecen 57 personalidades elegidas por los miembros de la banda para la portada. Entre los más destacados se encuentran Fred Astaire, William Burroughs (elegidos por McCartney), Karl Marx, Oscar Wilde (admirados por Lennon) y algún gurú indio escogido por Harrison, quien en aquella época estaba altamente conectado con la cultura oriental y la meditación. También resaltan otras figuras importantísimas de la historia tales como Lewis Carroll, Edgar Allan Poe, Marlon Brando y Albert Einstein, entre otros que luego fueron descartados (como Hitler y Jesús).

Análisis de canciones:

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Como apertura del álbum tenemos este temazo que introduce a la banda alias que crearon los Beatles, mayormente interpretada por McCartney y con una gran performance vocal de su parte. En síntesis, la canción presenta a al grupo ficticio y la letra relata uno de sus conciertos, en donde le hablan a la audiencia diciéndoles que esperan que disfruten el show. 

With a Little Help From My Friends

Pasamos al segundo tema del álbum, interpretado por Billy Shears (alter-ego de Ringo Starr dentro del álbum), quien según dicen grabó el tema mientras sus compañeros de banda estaban parados a su alrededor, dándole mucho sentido al título del tema “con una pequeña ayuda de mis amigos”. Además, fue una de las últimas canciones compuestas por Paul McCartney y John Lennon juntos.

En el verso uno, Starr empieza disculpándose por cantar fuera de tono, siendo su punto fuerte la batería, no el canto. De hecho, la línea “Would you stand up and walk out on me?” era originalmente "Would you throw tomatoes at me?” pero Ringo se opuso por miedo a que el público realmente le arrojara tomates mientras interpretaba el tema en vivo. Nada, eso, POBRECITO. En esta casa amamos y respetamos a Ringo Starr.

Una de las cosas que más me llamó la atención fue esta pequeña referencia a Shakespeare en una parte de la canción: al principio, cuando Ringo canta “lend me your ears and i’ll sing you a song” se está refiriendo a la obra “Julio Cesar”, puntualmente a la frase “Friends, Romans, Countrymen, lend me you ears” (RE NERD el dato, pero me pareció buenísimo, grosos los Beatles referenciando a William)

PERO BUENO, pasando a lo importante, es decir, el significado de la canción en sí, el pensamiento popular indica que trata esencialmente sobre drogas. No es casualidad que el estribillo contenga “i get high with a little help from my friends” siendo que la palabra “high” se utiliza como sinónimo de drogado, y los “pequeños amigos” vendrían a ser justamente los estupefacientes. Es simple, pero la referencia está ahí, ponele que camuflada. O al menos eso es lo que pensaba el entonces vicepresidente de los Estados Unidos, un empedernido anti rock. La banda nunca entró en detalles acerca del “get high”, pero es claro que el álbum está repleto de pequeñas referencias a las drogas que pegaban muy bien con la época.

Lucy in the Sky With Diamonds

UFF, POLÉMICA. Un clásico de The Beatles por donde la mires, Lucy in the Sky With Diamonds es una de las canciones en la que más referencias a las drogas se pueden encontrar. Irónicamente, no trata de eso.  Pese a su controversial título en el cual vemos formadas las siglas de la droga LSD, las vibras psicodélicas de la canción, los detalles que describían la sensación de estar alucinando y la subcultura del “Verano del Amor” reinante en ese entonces, la letra realmente habla de uno de los dibujos que hizo el hijo de John, Julian.

Un día, Julian volvió de la escuela y le mostró la imagen que había dibujado de su amiga Lucy, que volaba sobre un fondo de estrellas brillantes. Lo tituló “Lucy en el cielo con diamantes”. Si bien Lennon generalmente fue abierto acerca de las referencias a las drogas en las canciones de los Beatles, siempre tuvo énfasis en recalcar que esta en particular no hablaba sobre eso.

Foto del dibujo:

Sin embargo, hay muchos detalles que dicen lo contrario. Uno de mis favoritos es este guiño a Bob Dylan, quien unos años antes interpretó su canción “Mr. Tambourine Man” una canción que presuntamente habla del LSD y que contiene el verso “beneath the diamond sky” (bajo el cielo de diamantes), muy parecido a Lucy in the Sky With Diamonds”.

No sé, la realidad es que es todo un mito de la música. Por ahí leí que Paul McCartney confirmó en una entrevista de los 90s que la canción mayormente trata del LSD, otros que dicen que Lennon se inspiró en Alicia en el País de las Maravillas, y muchas cosas más. Obviamente queda en manos de la libre interpretación de cada uno, pero si me preguntan hay demasiadas insinuaciones que indican tremendo viaje de ácido (dale, chica con ojos de caleidoscopio, si ahí no está hablando de los reminiscentes del LSD yo no sé).

DATO: Una estrella enana blanca llamada BPM 37093, más conocida como Lucy, obtuvo su nombre en honor a esta canción. Está formada por carbono cristalizado/diamante, y se sitúa en la constelación Centauro, a 54 años luz.

Getting Better

Esta canción es re optimista, la amo. Fue compuesta mayormente por McCartney, con algunos coros y adiciones por parte de Lennon. La idea de la canción vino de la frase favorita del baterista suplente de la banda, Jimmie Nicol, quien reemplazó a Ringo durante 8 días en la gira mundial de 1964. En “Many Years from Now”, la biografía oficial de Paul, podemos leer que tenía la intención de hacer un tema con tono y letra optimista, tanto para animarse a él mismo como para animar a quienes la escucharan.

Eso es lo que podemos sacar en el primer vistazo a la canción. Después te vas dando cuenta de que aborda un tema más oscuro, el abuso doméstico. En una de las últimas entrevistas importantes que dio Lennon antes de su muerte, habló de como el 3er verso de la canción hablaba sobre como él solía ser. “I used to be cruel to my woman, I beat her and kept her apart from the things that she loved” (solía ser cruel con mi mujer, la golpeaba y la mantenía alejada de las cosas que amaba) hace referencia al pasado violento de John. Expresó su arrepentimiento en dicha entrevista: “Solía ​​ser cruel con mi mujer, y físicamente, con cualquier mujer. No podía expresarme y golpeé. Luché contra hombres y golpeé a mujeres. Es por eso que siempre hablo de la paz. Son las personas más violentas las que van por el amor y la paz. Todo es al revés. Pero creo sinceramente en el amor y la paz. Soy un hombre violento que ha aprendido a no ser violento y se arrepiente de su violencia. Tendré que ser mucho mayor antes de poder enfrentar en público cómo trataba a las mujeres cuando era joven ".

Fixing a Hole

Una de las canciones más pop del álbum, trata de como muchos de los fans se instalaban fuera de la casa de Paul todo el tiempo, y de la forma en la que él lidiaba con esa situación: “See the people standing there/ They worry me, and never win/ And wonder why they don’t get in my door.” (veo a la gente parada ahí / me preocupan y nunca ganan / y me pregunto por qué no vienen a mi puerta). Lo raro del tema para McCartney es que la gente que se paraba afuera de su casa jamás se presentaba como un amigo ni intentaba entablar conversación, sino que llevaban una actitud más que nada acosadora para hacerse notar. Realmente los Beatles amaban hablar con los fans que se mostraban amigables con ellos, pero este no era el caso.

Paul contó que una vez hubo alguien que sí se animó a tocar la puerta. ¿Quién? Un tipo que era igual a Jesús. Llegó de lo más tranquilo, llamó a la puerta y claramente McCartney le contestó (siempre lo hacía a menos que fuesen aburridos). El chabón se presentó literalmente como Jesucristo y Paul lo invitó a pasar.

Según explicó, fue algo así: “Este tipo dijo: "Soy Jesucristo". Yo dije, "Oop", un poco sorprendido. Le dije: 'Bueno, será mejor que entres entonces'. Pensé: 'Bueno, probablemente no lo sea. Pero si lo es, no voy a ser yo quien lo rechace ". Así que le di una taza de té y simplemente charlamos y le pregunté: "¿Por qué crees que eres Jesús?" Hubo muchas víctimas en ese entonces. Solíamos tener muchas personas que tal vez eran inseguras o atravesaban crisis emocionales o lo que sea. Entonces dije: 'Tengo que ir a una sesión, pero si prometes estar muy callado y sentarte en un rincón, puedes venir'. Así lo hizo, vino a la sesión y se sentó muy silenciosamente y nunca lo vi después de eso. Le presenté a los chicos. Dijeron: '¿Quién es este?' Yo dije: 'Él es Jesucristo'. Nos reímos un poco por eso ". En fin, amo este relato. Te amo Paul McCartney, sos un copado.

Ooooooooobviamente hay una segunda interpretación del tema, que ooooooooobviamente tiene que ver con la droga. Y sí, son los Beatles. Hay muchos que dicen que la canción habla de la marihuana, y que Paul la fumaba para inspirarse. Qué se yo, es medio rebuscado. Además, nada supera a la anécdota de Jesús.

She’s Leaving Home

Bueno. Es momento de hablar de la enorme, magnífica, excelente, fantástica y ME PONGO DE PIE, She’s Leaving Home. Sin dudas mi tema favorito del álbum y el segundo mejor de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band después de A Day in the Life. ¿Escucharon bien el arpa del principio? Así te reciben en el cielo. (DATO: el arpa la tocó Sheila Bromberg, la primera mujer artista en aparecer en un disco de los Beatles).

Este tema fue otra de las ideas de McCartney, que en este álbum las viene clavando todas. Está basada en hechos reales, específicamente en una historia que Paul leyó en el diario del 27 de febrero de 1967 sobre una adolescente de 17 años llamada Melanie Coe que se escapó con su novio mayor.

Foto del artículo:

Si prestamos atención a la letra, hay varios factores que nos indican que el dejar su hogar le causa tristeza:

“Leaving the note that she hoped would say more” (Dejó una nota, deseando que ésta dijera más)

“clutching her handkerchief” (agarrando su pañuelo) lo cual da a entender que estaba llorando mientras se iba, sintiéndose culpable.

Pero también habla de la liberación que ella sintió al irse: “Stepping outside, she is free” (saliendo, ella es libre) señalando que ella veía a la casa de sus padres como un lugar que la aprisionaba.

El resto de la letra habla también de la reacción de sus padres, que están destrozados por la partida de su hija y a la vez confundidos con el porqué de la situación, ya que ellos le dieron todo lo que ella pudo pedir excepto lo que realmente quería: aventura, experiencias desafiantes, etc.

Cuando los padres de Melanie la encontraron dos semanas después de su escape, ella se justificó diciendo que ellos nunca le habían dicho que la amaban.

Investigué un poco para ver si se había enterado que los Beatles le hicieron una canción y, efectivamente, lo hizo algunos años después. Volvió a casa con sus padres hasta los 18 años, cuando se casó y dejó su hogar permanentemente.

Fun fact: Conoció a Paul McCartney en 1963, algunos años antes de la noticia en el programa ITV’s Ready Steady Go!

Being for the Benefit of Mr. Kite!

Compuesta por John Lennon, quien tomó inspiración en un afiche de circo del siglo XIX, adquirido por él mismo en una tienda de antigüedades el 31 de enero de 1967 mientras grababa el video promo de “Strawberry Fields Forever” en Sevenoaks, Kent. Lennon explicó que prácticamente toda la canción venía del póster, a excepción del caballo (en la canción se dice que se llama Henry, cuando el afiche lo identifica como Zanthus). “Mr Kite”, mencionado en la canción, vendría a ser el circense William Kite, que trabajó para el dueño del circo (Pablo Franque) entre 1843 y 1845.

Foto del póster:

Por supuesto que el tema se ve ligado al concepto más recurrente que surge al hablar de los Beatles: las drogas. El verso en el que habla del caballo Henry está visto por algunas personas como una referencia a la heroína, y ahí fue cuando Lennon salió a aclarar que toda la canción estaba basada en el póster menos el caballo. Dejando esto de lado, me parece uno de los temas más falopa de la banda: ¿para qué se gastan en buscar referencias a drogas en otras canciones o dichos de los integrantes del grupo cuando existe ESTA CANCIÓN? ¿su existencia no es el comprobante más verídico de que definitivamente consumían algo? ¿podría algún ser humano componer esta canción estando LIMPIO DE DROGAS? Yo no creo.

Within You Without You

Llega el único tema del álbum escrito por George Harrison, uno que apenas lo escuchas te das cuenta que fue idea de él: tiene muchísima influencia musical del estilo indio, muy diferente a cualquier cosa que hayan hecho los Beatles antes. Harrison la compuso después de haber estado seis semanas meditando en India con Ravi Shankar, su mentor, en 1966. Muchas de sus ideas acerca de la filosofía hindú y las enseñanzas de los Vedas se ven incorporadas en la canción.

Por ejemplo, frases como: “Never glimpse the truth, then it's far too late when they pass away” (nunca vislumbran la verdad, entonces es demasiado tarde cuando mueren” hace referencia a aquellas personas que se esconden detrás de la ilusión de las cosas materiales y efímeras, como el dinero o la belleza, y por ello nunca son capaces de entender el verdadero significado de la vida.

Hablando de las influencias musicales hindúes, dentro del tema podemos encontrar una gran variedad de instrumentos: la tambura (instrumento de cuerda pulsada utilizado para mantener sonidos zumbantes constantes), el sitar (instrumento de cuerda pulsada parecido a la guitarra, el laúd o el banjo pero con el mástil más grande, con sonido metalizado y glissandos) y el dilruba, bastante parecido al sitar. Todo esto acompañado de swarmandal (cítara india), violines y chelos. Para la percusión, se utilizó una tabla, instrumento indio utilizado como acompañamiento rítmico.

When I’m Sixty-Four

Paul McCartney escribió este temazo A LOS QUINCE AÑOS. Increíble. Sin embargo, no vio la luz hasta que salió Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, para ese entonces tenía 25 (inicialmente ese no era el título de la canción, pero fue adaptado porque justo el año que salió el padre de Paul tenía 64). La canción trata de un hombre joven que imagina cómo va a ser la vida cuando envejezca junto a la mujer que ama, preguntándose si ella lo seguirá amando y cuidando “cuando pierda su cabello”.

Irónicamente, Paul se divorció de su segunda esposa, Heather, a los 64 años de edad. Todo mal.

Este tema aparece acreditado a Lennon-McCartney, pero cuando le preguntaron a John sobre eso él le dio todo el crédito a Paul, argumentando que a él jamás se le ocurriría escribir una canción así.

Lovely Rita

McCarteny escribió esta canción sobre una oficial de estacionamiento que lo multó afuera de Abbey Road Studios Two, donde se grabó la mayor parte del álbum. Lo gracioso es que realmente la mujer se llamaba Meta Davies, pero Paul decidió llamarla Rita en la canción porque para él “se veía como una”.

Dibujo que hizo Paul en el proceso de escribir la canción:

Hasta ahí viene lo normal. Peeeero, acá entra un tema que vine evitando hasta ahora: la teoría de la muerte de Paul. Resumido así nomás, existe una gran creencia popular que dice que Paul McCartney falleció y fue reemplazado por un doble. Este tema vendría a tratar sobre el momento en el que McCartney se distrajo mientras manejaba, se accidentó y murió. Re loco. Se puede leer más en detalle toda esta conspiración, pero no le voy a dar mucha bola porque no creo que sea verdad y esto ya está quedando larguísimo.

Good Morning Good Morning

Este es el tema número 4 de las b-sides de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Habla sobre la insatisfacción y el aburrimiento de ser una persona normal que lleva una vida normal, que curiosamente funciona como presagio de los tiempos de Lennon como “amo de casa” en los 70s. Está inspirado en un anuncio de Corn Flakes de 1965 que mostraba un gallo cantando, muy parecido al que se escucha al comienzo de la canción. Está buenísima para usar como alarma, lo digo por experiencia propia.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)

En esta canción, la banda de los corazones solitarios del Sargento Pimienta se despide del público, cerrando el ciclo de su recital (concepto en el que basaron el álbum) y abriéndole paso al punto culmine del álbum, A Day in the Life. De acuerdo con “The Beatles Bible”, la idea central de la canción vino del road manager de la banda, Neil Aspinall. Se le ocurrió que, ya que habían hecho un tema inicial de bienvenida, deberían cerrar de la misma forma, incluyendo una repetición de despedida para finalizar el álbum.

A Day in the Life

Si hay una sensación que me encantaría experimentar por primera vez de nuevo, es aquella que sentí cuando descubrí este tema. Es lo más parecido a sentir que tu alma flota; no sé cómo describirlo exactamente, pero es increíble. Y a pesar de que nunca voy a vivirlo como algo nuevo, cada vez que vuelvo a escuchar esta canción tengo un dejo del sentimiento que me abrumó, tal como abrazar a un amigo que conoces desde hace años, o como reencontrarte con tu juguete favorito de cuando eras chico. Es una sensación que te renueva por dentro, pero al mismo tiempo se siente tan familiar como volver a la casa en donde creciste.

Sin duda alguna es el mejor del álbum, y un perfecto final para el mismo.

Lennon escribió las secciones del inicio y del final de la canción mientras que McCartney contribuyó con el puente y, además, para el clímax, contrataron una orquesta de 40 músicos.

La verdad es que este tema por sí mismo ya se merece un solo post para explicarlo a fondo. Hay múltiples maneras de interpretarlo, se tomó inspiración de varias cosas para escribirlo (Lennon se inspiró en las noticias y Paul en la juventud), por supuesto que tiene una forma de relacionarlo con las drogas, etc. Indagando un poco más en la inspiración de John, se basó mucho en el accidente de de Tara Browne, heredera de la fortuna de la familia Guinness, quien falleció en un accidente automovilístico a los 21 años.

Artículo del accidente:

A menudo se la reconoce como la mejor canción de The Beatles y una de las piezas individuales más importantes en la historia del rock. Se encuentra en el puesto 28 de las 500 más grandes canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.

Conclusión:

Que grandes que son los Beatles. Yo creo que, si algún día nos visita vida extraterrestre y hay que mostrarles algo de nuestra cultura relacionado con el arte, hay que ponerle este álbum. Tomá, esto es lo mejor que tenemos.

¿Es realmente Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band el mejor álbum de la historia? Para mí (y para muchos más) sí. Pero me es difícil ser objetiva cuando The Beatles es mi banda favorita (aunque igualmente también califica perfectamente para ser la mejor del mundo). Durante mucho tiempo este álbum estuvo en el puesto N°1 en el Top 500 Greatest Albums de la Rolling Stone, siendo desplazado hacia el #25 a finales del 2020. Independientemente de los rankings, creo que es una obra de arte que todo el mundo debería escuchar por lo menos una vez en la vida. Es una genialidad, tanto musical como culturalmente.

Creo que eso es todo lo que tengo para decir en este primer análisis (que poquito, 4000 palabras). Quiero dedicarle esta entrada del blog a mis abuelos Moni y Julio, fanáticos de los Beatles igual que yo y que me bancaron a full con este proyecto. Los amo y espero que lo disfruten.

[thebiancaexperience]

Hola. Honestamente no sé muy bien cómo empezar esto, así que voy a sintetizarlo de la forma más directa que pueda. The Bianca Experience (sí, el nombre viene de la banda “The Jimi Hendrix Experience”) es un pequeño proyecto que se me ocurrió hace ya algunos meses pero que esperé hasta ahora, 2021, para concretar. Mi idea inicial era escuchar y analizar todos los álbumes correspondientes al Top 500 Greatest Albums de la Rolling Stone, pero recientemente esa lista fue actualizada y me hizo cambiar de idea.

Acá voy a subir análisis más o menos objetivos de ciertos álbumes: algunos favoritos, otros que tengo pendientes para escuchar y el resto que me vayan recomendando amigos y/o conocidos. Voy a hablar del contexto histórico en el que se publicó cada álbum, con descripciones de la banda o artista al que pertenecen, el significado de las letras y  quizás algún que otro tecnicismo musical (pese a que no soy experta en el tema).

Cabe aclarar que esto lo hago meramente porque me encanta escuchar música e investigar sobre la misma, y voy a usar este blog como una especie de libreta personal para ir anotando la cantidad de música que escucho en el año.

Sin nada más que agregar, espero que les guste <3