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Pocas veces una pareja de artistas se casan y conjugan muy bien su carrera artística y su vida matrimonial. Menos común aún, es que ambos usen una misma canción, en versiones y géneros distintos, para volverla un gran producto al cual en estos lares, lamentablemente, no les dieron el reconocimiento debido, tanto a la canción (sea cual sea su versión) como a los artistas.

Lissette Álvarez Choren, conocida primero con el nombre artístico de Lissette y luego como Lissette Álvarez; es una afamada cantautora, músico y actriz cubano-estadounidense nacida accidentalmente en Perú cuando sus padres cubanos, también cantantes, estuvieron de gira por el país. A razón del triunfo de la revolución cubana y el ascenso al poder de Fidel Castro, los padres de ella la inscribieron en el programa "Peter Pan" (plan estatal norteamericano para acoger a niños cubanos y alejarlos del régimen de Castro y colocarlos en refugios estadounidenses), por lo cual adopta su segunda nacionalidad, lo que facilitó, luego de tortuosas experiencias, que ella y su familia terminaran asentándose en Puerto Rico, país al que ella refiere siempre como su segunda patria.

De más decir que gracias a la influencia familiar, Lissette se decantó por la vida artística desde muy joven, teniendo mucha fama local en "la isla del encanto" e incluso un sonado matrimonio y posterior con el también cantante y actor puertorriqueño Chucho Avellanet (con quien protagonizara una pedida de mano transmitida por televisión a nivel nacional), llegando a tener una muy vasta discografía, pero el éxito internacional le llegó con el álbum Caricatura (1984), gracias al cual y guiada por su voz, toda Hispanoamérica disfrutó de "Eclipse total del amor", su versión en castellano del megahit de Bonnie Tyler, contando el disco entre sus surcos también con canciones conocidas como el cover del éxito italiano de Loredana Bertè "No soy una señora (Non sono una signora)", "Fuego" y "Enamorados", una balada a dueto con su segundo y actual esposo: el sonero Willy Chirino. Sin embargo, Lissette presentaría al mundo la canción que nos incumbe y que da inicio al citado disco: Máquina, una canción en ritmo pop con tintes dance que incluía el ameno coro de una voz robotizada y la doble percusión con bridge rock de guitarra que fuera casi marca registrada de Michael Sembello en la canción Maniac (1983). El éxito del álbum le permitió colaborar musicalmente con artistas de la talla de José Feliciano, Raphael, Julio Iglesias, Rocío Jurado entre otros, además de ser parte de la pléyade que participó en la grabación de "Cantaré, Cantarás", la respuesta latina a la canción estadounidense "We are the world" del colectivo USA for Africa.

Por su parte, Wifredo José Chirino Rodríguez, conocido artísticamente como Willy Chirino, también nació en Cuba y, curiosamente, también fue parte del programa Peter Pan, sólo que a diferencia de Lissette, quien fue refugiada en Iowa, él lo estuvo en Miami, donde adopta la calidad de ser cubano-estadounidense. Su vida artística empezó desde muy joven, iniciando su carrera musical en la senda del Rock junto a su primera banda de colegio llamada The Whailers; sn embargo, al mudarse con su familia a New York, se acercó mucho más al género latino, trabajando con gente de renombre como Tito Puente, Celia Cruz, Vicky Carr entre otros, pero una colaboración en particular le abre las puertas de la fama internacional: su inolvidable dueto con Angela Carrasco y ese popurrí de canciones que iban desde el son, el reggae, la cumbia y la y salsa titulado "Caribe" (1985) y que fuera el hit más notable del disco de Angela Carrasco: La dama del Caribe (1985).

Ya casado con Lissette y muy bien asentado tanto en su carrera personal, colaborando en la producción de otros grandes como Óscar D'León, Gipsy Kings, Ricardo Montaner, Raphael y tantos más, Willy Chirino, dentro de su propia producción saca a la luz el disco Acuarela Del Caribe (1989), en el cual retoma "Máquina", la canción que años antes publicara su esposa, pero cuyo autor original es él, puesto que tuvo que hacer arreglos a la letra para adaptarla al papel de la cantante. Esta vez, podíamos oírla en su concepción y género musical original: la salsa.

Lo curioso es que la versión original, la de Chirino, sale publicada años después de su versión modificada, la de Lissette. ¿Cuál versión es la mejor? ¿Cuál gusta más? Imposible decirlo para mí: ambas versiones son inquilinas vitalicias de la playlist de Zona X y sólo queda profesarles todo el amor y respeto como oyente, así como el existente para ambos artistas que, con estilos diferentes, nos dejaron este infravalorado tema en términos comerciales, pero que sin lugar a dudas, pone a bailar, disfrutar y trae al espíritu el sabor de la bella nostalgia para quien oiga la versión que más le plazca o, como al suscrito, para quien lo hace con ambas.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ Lima/Perú • 18/abr./2023

===== PD: para que no se queden con las ganas, el track extra es para recordar Caribe:

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Un día como hoy en 2011, partía lady Amy Jade Winehouse, una de las voces más increíbles en lengua inglesa. Portadora de un estupendo contralto, debutó con su album «Frank» en el 2003, volviéndose profeta en su tierra y para su segundo disco, «Back to black» (2007) el mundo ya estaba a sus pies. Moderna diva del soul, cultivó también el rhythm & blues, el jazz y hasta el ska, con el look de una moderna pin-up girl, con sus tatuajes y su peinado “beehive” a-go-gó. Cantautora cruda y descarnada, por momentos de sus versos no se podía distinguir la confesión ajena a la imaginaria inspiración, mientras el latido acompañaba su pesar al sonido de su excelente canto. Tristemente, terminó siendo noticia más por el escándalo y su conducta auto-destructiva en el consumo de drogas ilegales y alcoholismo en vez de su calidad musical que, fuera de las noticias amarillistas, no dejaba lugar a duda. Un 23 de julio como hoy fue hallada muerta en su apartamento, por exceso de alcohol. Su partir le aseguró presencia en el panteón del “Club de los 27”. Sólo dos discos en vida le bastaron. Sólo dos. Y sin embargo el Olimpo musical no puede concebirse sin su voz, como tampoco puede serlo, en Zona X.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ Lima/Perú • 23/jul./2022

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En la segunda mitad del 2018, esta canción, "Nina cried Power", vio la luz. Y creo que en estas épocas es más que pertinente compartirla. El irlandés Hozier [recurrente inquilino de la Zona X] nos trae un nuevo himno generacional sobre lo que heredamos, y lo que debemos hacer si deseamos una sociedad mejor. Con claras referencias sobre artistas musicales que pedían y/o representaban cambios sociales como John Lennon, James Brown, Bob Dylan, B. B. King, Woody Guthrie, Marvin Gaye, entre otros, no deja de citar en primera línea a las artistas mujeres que nadaron contra la corriente: Nina Simone (que inspira el título de la canción), Billie Holiday, Joni Mitchel, Patti Smith y claro, la propia Mavis Staples, quien con su rasposa, pero no menos preciosa voz [y por lo cual comparto la performance en Windmill Lane Studio, para que sea apreciada en su actual esplendor], da la potencia y sensibilidad exacta en los coros, porque como dice la letra: ♪ ...Y yo [también] podría clamar ¡Poder! / [Ese] poder que fue clamado por otros más fuertes que yo... Golpeándote en el rostro para decirte que sacudas tus cadenas, si [en verdad] amas ser libre... ♪ Repito: definitivamente, más que una canción, un himno.

[Dato: En el vídeo original, aparecen los rostros de personas que actualmente están intentando, fuera de reflectores y portadas de medios, alcanzar un mundo mejor. Si deseas saber de todos ellos y lo que hacen en su activismo social, puedes revisar el siguiente enlace: ► https://nialler9.com/here-who-the-irish-people-activists-in-hoziers-new-nina-cried-power-video-are-what-they-do/]

[Mea culpa: A pesar del denodado esfuerzo, hay una referencia que no pude determinar dentro de la canción. Mavis nombra a "Kenny" y no, no es Kenny Rogers, ni Kenny Loggins, ni Kenny G y tampoco el Kenny de South Park. Si alguien sabe exactamente a quién se refiere, mucho agradeceré su aporte y contribución para que el subtitulado esté completo.]

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ Lima/Perú • 3/jul./2022

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Si alguien me hubiera dicho, hace 20 años, que tendría en mi colección musical a una banda indie de California con un vocalista de descendencia hindú, hubiera soltado una sonora carcajada propia de conversaciones banales y llenas de bromas de aquellas tardes sabatinas reunido con los amigos. Si alguien intentara hacer ese comentario hoy, mostraría orgulloso las canciones de Young The Giant en mi playlist, como "Superposition" y "The heat of the summer". Sameer Gadhia (vocalista principal) y compañía nos demuestran que aún hay artistas que realizan buena música a ritmo de pop, en especial con sus líricas que narran historias ya antes planteadas, de un modo interesante. Comparto su versión "In the open" para su éxito "Silvertongue" (2016), en la cual hacen gala de su talento, sin mezcladora, producción y demás artificios de estudio, demostrando que todavía se hace buena música en éstas épocas.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ Lima/Perú • 05/jun./2022

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Cuando escuché a LP (Laura Pergolizzi) hace unos años con esa tremenda balada llamada "Lost on you", supe que era el tipo de artista que hay que seguir sí o sí. De ese mismo álbum homónimo y cuarto de su discografía, ella publicó también la hedonista y erótica "When we're high", con un impecable bass line en la cual su voz nuevamente resalta y claro, recomendable por el suscrito para la playlist. La canción da para el debate, y no por el carácter lésbico de la cantante (y por ende, de su obra), sino por el rasgo sexista tanto de la letra como del vídeo oficial. Un sexismo que, de provenir de un artista heterosexual, hubiera hecho que las redes sociales ardieran y lapidaran sin piedad, pero que con tufillo de hipocresía — valga decirlo y por ello generaría el debate mencionado—, no ha sido vilipendiado por provenir de una ex–profesa miembro de la comunidad LGTB+, y aún siendo sexista, muestra más clase que cualquier vídeo de reggaetón. Particularmente, no tengo queja alguna y me encanta ver tanta belleza femenina junta en el vídeo [Mea culpa sin ánimo de constricción], que es el complemento perfecto para perderse del todo en ese ritmo tan sensual que da la gravedad y erotismo que da el bajo, y que nos muestra además a una LP no sólo poética, sino también más lúdica y carnal. Algunos bromistas dijeron que LP lograba la aspiración de todo macho: captar la atención de todas las mujeres. Otros, más ácidos aún, dijeron una vez estrenado el vídeo, que toda mujer termina siendo lesbiana si LP está a su lado. Sea cual sea la tendencia, orientación y/o intención, lo cierto es que LP y su arte, no puede (ni debe) dejarse pasar... y menos, en Zona X.

[El dato curioso: la canción sólo figura en la versión europea y deluxe del álbum «Lost on you». Para el resto del mundo, quedó como single]

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ Lima/Perú • 15/mayo/2022

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Desde que el Rock nació, sea cual sea su vertiente o sub-género, le debe todo, absolutamente todo al Blues. No es gratis que Santana, Clapton, Gilmour, Harrison, Moore, y un larguísimo etcétera de iconos del rock no hayan confesado que su primer amor musical, se encuentra en el blues. Y no, no es solo blues el estereotipo de canción triste tocada con la guitarra sobre algún sofá. El blues es básicamente un sentir. Una fuerza vital. Narra historias o simplemente fluye en notas que de un modo u otro tocan, sean entre penas, alegrías, o en forma agridulce, al corazón. El blues, contrario a lo que se piensa comúnmente, deslumbrados por los charts comerciales (e independientes) no ha muerto. Sigue vivo y latiendo, como bien lo demuestra Samantha Fish, con su potente "Bulletproof" (2019); armada con su genial guitara estilo cigar–box; que cae en mi fetiche de armonía alegre y contagiante, como marco a una historia de amor en dirección antónima, e incluso, tóxica.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ Lima/Perú • 1º/mayo/2022

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Hoy decidí escuchar a Estricnina, dúo de música español que, a modo de proyecto, es la confluencia de dos artistas muy conocidos en la península ibérica: Juanito Makandé y Marcos Del Ojo Barroso, conocido con el apelativo artístico de "El Canijo de Jerez", y miembro de la banda de flamenco – rock llamada Los Delinqüentes. Ambos, son cantantes, compositores y guitarristas especialmente de flamenco, pero lo interesante de esta unión es que más allá de esa base musical, se mezclan también con el jazz y el funk. De este proyecto conjunto de ambos artistas llegó a mis orejas su álbum, poseedor quizás del nombre más original jamás hecho en idioma castellano: «Hemos visto cosas que harían vomitar a un murciélago» (2016). Sí, no es broma. Así se llama el disco en formato CD, y que empieza con un instrumental corto muy de mi agrado (“La serpiente de dos cabezas”) para definir lo que busca el dúo: ser venenosos con discreción. Debo decir que, a fe mía, posee un sonido interesante con canciones que además hacen guiños al reggae, al pop y hasta el country. “Oye mujer”, “Hago lo que puedo” y “No hay mañanas en el espacio” son canciones para tener muy en cuenta… sin embargo, es la canción “Corazón de goma”; que incluye la participación e interacción de Vinila von Bismark; lo más interesante de todo el disco, por varias razones: Vinila es, por decir así, una actitud de alter-ego que se ha independizado de su creadora, y que ha ganado a pulso su presencia en España sea a través de su propia producción musical como haciendo covers (tiene uno de “Pena, penita, pena” que no dudo en que “La Faraona” Lola Flores se lo aprobaría), pero que en la canción da el contrapunto agridulce a la historia de desamor que nos van narrando Makandé y El Canijo.

Más allá del hasta ahora indescifrable modismo inicial de la canción (que me propongo averiguar luego con mis contactos españoles), sigue como razón que “Corazón de goma” discurre entre la guitarra flamenca, el contrabajo del jazz, la guitarra de blues, y habrá de contarse también como razón que posee una letra para el aplauso, considerando finalmente, el remate de la misma: Vinila, que actuaba dando el contrapunto en la canción, termina siendo tan parte de ella, que termina reclamando por ello, y esa actitud de unión al parloteo del dúo, incluso se percibe con la nota de guitarra que a propósito desentona, para demostrar ese quiebre de sorpresa por la actitud de la cantante. Particularmente, no guardaría por completo el disco con tan estrambótico título, pero esta canción, como bien dicen en Hispania: “Joder” que se va sin escalas a la playlist de Zona X.

► A tomar en cuenta: • “Avecrén” es una marca de caldos para la comida, tipo Knorr, representada también por una gallina. • "Calzonas" son un tipo de pantalones.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ Lima/Perú • 5/abr./2022

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Los celos han sido, son y seguirán siendo tema para composiciones musicales mientras el ser humano y la complejidad de sus relaciones sentimentales exista. En habla hispana tenemos la poética canción de Camilo Sesto ("Celos"), la archi-conocida de Roberto Lutti ("Celoso"), o la trágica historia de Alaska & Dinarama llamada "¿Cómo pudiste hacerme esto a mí?" (que a mi gusto, es la mejor canción de ellos). De manera local, no olvidemos ese himno de música criolla titulado "Propiedad Privada"... y en habla sajona la historia no es muy diferente: Lennon nos dio "Jealous guy", Garbage nos presentó "If I lost you", Mercury y Queen con "Jealousy" o la muy conocida canción de Rick Springfield, "Don't talk to strangers", entre muchas otras, pero creo que ninguna en idioma inglés puede reflejar ése sentir tan bien como que la canción que compartiré hoy: "You belong to me" ("Me perteneces") que fue compuesta, tanto en letra como en música por dos increíbles artistas de la década de 1970s: Carly Simon y Michael McDonald.

Simon fue ganadora del Grammy y alcanzó la fama por canciones como "You're so vain", "Nobody does it better" (que fue canción de la película Bond «The spy who loved me»), "Jesse" y tantas más; mientras que McDonald era el líder y generador de la segunda era de la banda The Doobie Brothers dando su voz a éxitos como "It keeps you runnin", "Black water" o "What a fool believes" (siendo ésta última co-escrita con Kenny Loggins, a quien todos recuerdan por la canción "Footlose"). Pues bien, ambos "grandes" se unieron y compusieron "You belong to me", tanto en letra como en ritmo, llegando a un acuerdo desde el inicio que la canción les pertenecía a ambos pero que la letra, debido a lo genérico del idioma, iba a variar sin reclamo alguno, para adecuarla a cada propietario.

Con esto, los versos varían entre el género de quien canta: puede ser la "versión femenina", que popularizó Carly Simon, o la "versión masculina" en la versión de McDonald. Esta canción, fue grabada primero por McDonald y The Doobie Brothers en su álbum «Livin' on the fault line» (1977), mientras que Simon la presentó meses después en su disco «Boys in the trees» (1978). Curiosamente, el éxito comercial de la canción recayó más en la voz de Simon por motivos más de género y estadísticas de infidelidad, aunque se molesten algunos.

Lo cierto es que a gusto personal, la versión de McDonald tiene el plus de la orientación musical de su autor, pues él pertenece a ese grupo denominado "Blue eyed soul" ("Soul para blancos") y entrega — a mi parecer — un carácter más intimo y sentido a la letra, gracias también a su voz de barítono que, a pesar de los años y como puede verse en el vídeo, la ha sabido mantener para gusto y aplauso de la audiencia, durante su presentación en vivo "Live on Soundstage" (2017) en la ciudad de Chicago. De más decir que ambas versiones (la de Simon y la de McDonald) son parte de la playlist de Zona X.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ ┤Lima/Perú • 30/mrz./2022├

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Hoy partió a los 74 años Michael (Marvin) Lee Aday, conocido por su nombre ¿artístico? de Meat Loaf (Pastel de carne) y para muchos ese nombre no les mueva ni un músculo, pero para los melómanos, hoy se guarda respetuoso luto. Este cantante y ocasional actor era dueño de una melódica voz y, junto a Jim Steinman cimentaron la maravillosa trilogía musical del murciélago infernal: “Bat out the Hell” (1977), “Bat out the Hell II: Back into Hell” (1993) y “Bat out the Hell III: The monster is loose” (2006). Pero para entender y maravillarnos con Meat Loaf, tenemos que hurgar en su propia vida.

Nacido en 1947, huérfano de madre y portador originalmente del nombre Marvin (legalmente lo cambió a Michael en 1984), recibió el apodo de Meat (carne) por parte de su padre alcohólico para dirigirse despectivamente a el por el tono rojizo de su piel y su prematura obesidad. El segundo apodo, Loaf (hogaza, o forma redonda), fue impuesto por su entrenador de fútbol, al punto que para su anuario ya aparecía con el nombre de Meat Loaf, el cual adoptó con orgullo y confianza. Músico inicialmente, pero siempre seducido por las artes escénicas, Aday participó en teatro (especialmente del género musical) mientras intentaba desarrollar su carrera musical. Fue por su participación en una representación del musical “Hair” que termina siendo contratado por la mítica disquera Motown, para hacer un disco de duetos junto a Shaun “Stoney” Murphy, grabando su álbum debut “Stoney & MeatLoaf” (1971) – sí, con el nombre mal escrito –, y aunque no fue éxito de ventas le permitió ampliar su círculo de contactos volviéndose telonero de Bob Seger, The Stooges y del mismísimo Alice Cooper, con quien compartiría esa tendencia de que los conciertos no eran sólo tocar y cantar, sino generar todo un ambiente teatral sobre el escenario. Después de ese disco, Aday retoma la actividad actoral en Broadway con el musical Hair, pero allí conoce a su futuro colaborador: Jim Steinman, compositor que encontraría en la voz de Aday su fetiche principal y con quien desarrollaría el musical “More than you deserve”. Esta actividad teatral le permitirá a Aday ser parte del cast original del icónico musical “The Rocky Horror Picture Show” (1974/75).

Una vez terminada la temporada teatral, Aday decidió dejar las tablas y enfocarse directamente en la música, creando junto a Steinman y el multi–instrumentista compositor Todd Rundgren, creaban “Bat out the Hell” que saldría a vitrinas en 1977 a través de Epic Records. La calidad del disco era tal, que fue un éxito cuasi inmediato y hasta la fecha está en el ranking de álbumes mejor vendidos de todos los tiempos. Imposible no remitirse a esa preciosa balada "Two out of three ain't bad" . Para el disco siguiente, si bien la dupla compositora Aday/Steinman estaba generando canciones de alta calidad, también fue un choque de egos. Según declaraciones del propio Meat Loaf, quien tuvo que hacer un disco más con Epic por obligación contractual, Steinman le ofreció las canciones “Total eclipse of the heart” y “Making love out of nothing at all”, pero la disquera no le quiso pagar a Steinman por dichas composiciones por lo cual terminaron en las voces de Bonnie Tyler y de Air Supply respectivamente. La dupla se separó y lo sucedido con las composiciones de Steinman, es historia.

Este hecho y gran pérdida de oportunidad hicieron que Meat Loaf cambiara de disquera por dos álbumes más en su nueva casa, Arista Records, con quienes cerraría la década de los ochentas, pero luego volvería a cambiar de disquera, mudándose a Virgin Records, donde nacería la segunda parte de su trilogía y su reencuentro con Steinman. El disco: “Bat out of Hell II: Back into Hell” (1993), con la cual sobresalen esas dos canciones portentosas como la espectacular power ballad “I'd do anything for love (But I won't do that)” que nos deja un eterno misterio, además de la tristísima y reflexiva “Objects in the rear view mirror may appear closer than they are”, la cual es para muchos la mejor composición de Steinman y que, a pesar de su extenso título, es una oda al duelo, a la vida y a lo importante de la misma. Por este álbum, Meat Loaf se hizo acreedor del premio Grammy por mejor performance de vocalista Rock.

Tras el éxito obtenido llegaría el disco “Welcome to the Neighborhood” (1995) en el cual la cancio´n “I'd lie for you (and that's the truth)” en forma sonora y de lírica bien puede considerarse el reprise de “I’d do anything for love…”, ya que también está firmada por Steinman. La labor de la dupla se mantuvo por varios discos más, pero debido a la ya constante fragilidad en la salud de Steinman, ambos decidieron embarcarse en un proyecto que fuera el sello del binomio, por lo cual crearon “Bat out of Hell III: The monster is loose” (2006), teniendo entre sus pistas la alta capacidad lírica de Steinman en canciones como “It's all coming back to me now” (de la cual Celine Dion haría un muy aplaudido cover), “Cry over me” o “Cry to Heaven”.

Tres discos más llegaron bajo la producción de ambos hasta la partida de Steinman en abril 2021. Casi diez meses después le sigue los pasos Meat Loaf.

Es ineludible para los melómanos asociar a Meat Loaf con “I'd do anything for love (But I won't do that)”, sea por el video musical gótico con estructura mezcla de “La bella y la bestia” con “El fantasma de la ópera” que fuera dirigido por Michael Bay (sí, el actualmente afamado director de cine), o por ser una canción de casi doce minutos, o por su intro con el sonido del motor de una moto, o porque si bien la canción y el disco fue promocionado con la voz de Patti Russo en conciertos y presentaciones en vivo, la grabación fuera hecha por Lorraine Crosby, quien figuraba en los créditos del álbum no con su nombre sino con el pseudónimo Mrs Loud, el cual, irónicamente sería el título de su único disco. Lo cierto es que “I’d do anything for love…” es una canción que no puede dejar de oírse, tanto sea por la letra como por la majestuosidad sonora y vocal que posee, posicionándose como una de las mejores canciones de todos los tiempos y que obviamente no puede dejar de estar en la playlist de ZonaX.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ ┤Lima/Perú • 21/ene./2022├

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Érase 1984, y en España aparecía un álbum debut que trajo a nuestros oídos una de las canciones más icónicas de la década ochentera que, sin exagerar, diré que seguirá viva por muchas, muchas décadas más. El álbum: «Mil Siluetas»; la banda: La Unión.

Éste disco, producido por el mismísimo Nacho Cano (quintaesencia de Mecano y compositor prolijo y excelso al cual le tengo particular admiración), fue la 'opera prima' que la agrupación liderada por la voz de Rafa Sánchez presentaba al mundo. Entre sus surcos, canciones como "Sildavia", "Sangre entre tú y yo" o "La Niebla" nos daba idea del horizonte musical de la agrupación, pero sin duda, "Lobo hombre en París" fue no sólo el hit más emblemático del disco sino de la producción musical de la banda hasta la fecha, a pesar de tener álbums más maduros e interesantes artísticamente como «4x4» (1985) o «Vivir al este del Edén» (1988). La Unión, a pesar de no mantener record de ventas y pasear constantemente en ámbitos comerciales, se ha mantenido creando nuevas canciones hasta el año 2010, que sacó su disco «Big Bang», y he de confesar que hasta ese punto les he seguido el rastro.

Retomando "Lobo hombre...": si sólo se escucha la letra porque sí, resulta tan lisérgica como surrealista y aún así, caemos rendidos a la melodía y terminamos aullando en plena pista de baile, pero los versos de "Lobo hombre..." tienen una historia que no todos conocen:

En 1947 apareció en Francia una obra que comprendía varios relatos de terror–fantástico, que lindaba con lo extravagante y aplicando la máxima de Borges: "Nada es imposible". La obra era "Le loup garou" (El lobo hombre), escrita por el escritor y músico Boris Vian, como pueden imaginar narraba en el cuento que da título la desventura del lobo negro vegetariano (sí, leíste bien, vegetariano) llamado Denis, habitante del Bois des Fausses–Reposes y que gustaba entretenerse viendo a los humanos y sus actividades, en especial, de molestar a los amantes que paseaban por el bosque de Fausses–Reposes. Es en una noche de agosto, bajo la luz de luna llena y a la medianoche, que el travieso Denis decide molestar a Etienne Pample, mago de Siam que se hallaba con la mesera Lisette dando rienda a su pasión, por lo cual, ofuscado por la interrupción, entra en querella con el lupino, mordiéndole en una de las junturas y haciéndole huir hacia la caverna que le servía de guarida. Días pasan, días vienen, y Denis sale de su cueva, descubierto por los hombres... para darse cuenta que se ha convertido en uno de ellos. Desnudo y asustado, Denis busca ropajes, mientras poco a poco va asumiendo su nueva condición y apariencia, coligiendo (en su calidad de lobo de alcurnia ilustrado y cultileído) que todo se debe a una maldición del mago de Siam, y decide buscarlo en la ciudad (Paris), desarrollando unas cuantas actividades que le permiten unas monedas y tener un encuentro con una dama en un hotel —que termina siendo una meretriz y ladrona—, llegando el buen Denis a pelear con los proxenetas que le guardaban a ella, ser perseguido por la policía y terminar convencido por los uniformados de que la ciudad no es lugar para él y que retorne al bosque, lo cual acepta, montando su amada bicicleta, mientras asume que no tendrá arreglo a su metamorfosis y ya no es más el lobo aceptado en el bosque, ni el humano que pueda vivir en la ciudad. No olvidemos que a diferencia del clásico cuento de terror, no es un hombre volviéndose lobo (Werewolf), sino al revés (lo que en conceptos fantásticos se denomina Wolfwere).

Por ese trasfondo existencialista y lúdico a la vista, "Le loup garou" se convirtió en la columna vertebral de esta canción homenaje a la obra de Vian, dando así mayor sentido a versos como "♪ Sorprendido, espiando / el lobo escapa aullando y / es mordido / por el mago del Siam ♪" o como "♪ Rueda por los bares del boulevard / Se ha alojado en un sucio hostal ♪", dentro de acordes indie pop con un bass line que le daba el toque oscuro y grave, manteniendo el beat al borde de lo gótico.

"Lobo hombre en Paris" no sólo se convirtió en la canción inevitable e ineludible del repertorio de La Unión, sino que muy pocos se han animado a versionarla, debido a que se ha ganado ese sitial de "casi intocable" por otros artistas, a fin de no alterar su belleza y calidad. Por ello, si había que hacer una mejor versión de la que hizo La Unión en 1984, ese peso sólo podía caer en los hombros de... La Unión. En 2006 sacaron a la luz el álbum «Love Sessions», que no era más que versiones remix de sus mayores éxitos y, como era de esperarse, el primer track del disco fue para "Lobo hombre..." que les comparto en ésta oportunidad y del cual podrán oír no sólo la incursion de beatbox y de la consola electrónica en la versión, sino también del sonido dramático de cuerdas en su composición como violines y chelos. Bien podría decir que esta mejora sólo podía salir de sus propios creadores, y sin duda, es una de los remixes inamovibles de la playlist de Zona X.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ ┤Lima/Perú • 16/ene./2022├

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Absofacto (nombre que por cierto, es un ex-profeso error ortográfico en latín), es el proyecto en solitario del canta-autor y productor Jonathan Visger, quien con la magia del mezclador y un interesante uso de voces en la parte del coro como fondo, nos trae "Dissolve", muy buen single sobre el hastío y la agonía del amor que puede encontrarse en su EP «Thousand Peaces» (2017). Musicalmente, recomendable para darnos la pausa y el chill necesario en la agitada rutina citadina... Esa pausa que se encuentra, en Zona X.

[Y si hay agrado por el nado sincronizado, el video oficial será de vuestro gusto...]

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ Lima/Perú • 29/ago./2020

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Sin lugar a dudas, Daniel Campbell Smith (aka Dan Smith) posee un rango vocal que fácilmente estaría dentro de los top ten de lo que va del siglo. Con un "dejo" peculiar al cantar y que se ha vuelto sello distintivo de la banda Bastille. Desde que tuve oportunidad de oír su opera prima "Bad Blood" hace unos 6 años aproximadamente (album que considero de colección), no han dejado de sacar muy buenas canciones con respecto al amor en su estado más cotidiano. "Joy", single de su último disco llamado «Doom Days» (2019) (cuya canción homónima además es altamente recomendable) relata cómo una simple llamada de la persona correcta puede cambiar tu mundo. Decidí compartir ésta versión realizada en vivo, sin mezcla, sin arreglos y sin glamour, más que a la banda en su forma cruda, en la cual la voz de Daniel no deja cuestionamiento sobre su talento en épocas donde las cámaras promocionan más a dizque "artistas", que abusan del auto-tune y la post-producción en consolas... Porque en Zona X, también nos ponemos románticos.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ Lima/Perú • 29ago./2020

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Casi todos tenemos la aceptación que la poesía y la música van muy de la mano, al punto que cuando se pregunta por algún poeta que ha hecho música y que merezca el aplauso de todos, lo más probable es que se mencione a Bob Dylan, sea que lo hayan oído o no. Su nombre, diría, está más asociado a la “cultural general” o a la cultura pop que al propio disfrute del artista, ya que el género folk o de trova no necesariamente es del agrado de las mayorías; sin embargo dentro de ese conjunto de autores que se mecen entre olas de versos poéticos y tríos armónicos existen varios nombres en nuestra lengua que podríamos citar como Joaquín Sabina, Luis Eduardo Auté, Luis Alberto Espinetta, Joan Manuel Serrat, Facundo Cabral y tanto otros, pero en lengua anglosajona pareciera que sólo pudiéramos pensar en Dylan, obviando descaradamente a quien siendo más poeta que músico, nos entregó arte por doquier: Leonard Cohen.

Canadiense nacido un 21 de septiembre de 1934, se dedicó desde muy temprano a la poesía y, aunque tuvo cercanías musicales a través de la guitarra, más pudo su amor y don por las letras, pues su calidad de autor juvenil lo hizo notorio ganando concursos de poesía en casas de estudios superiores de Montreal, publicando en 1956 su primer poemario “Let us compare mythologies”, mostrando que sobre él había una gran influencia de autores como William Butler Yeats, Walt Whitman, Henry Miller y en especial Federico García Lorca (tanta es su fascinación por el poeta español que nombró a su hija Lorca, en su honor). Así, entre la segunda mitad de los 1950s y la primera de los 1960s, Cohen produjo varios poemarios e incluso se animó en producir relatos de ficción, pero ya empezaba a realizar presentaciones acompañado de su guitarra por lo cual la venia musical fue creciendo cada vez más, hasta que se animó en producir su primer álbum: «Songs of Leonard Cohen» (1967), en el cual resaltó su single promocional “Suzanne”, junto a la voz de Judy Collins. Obviamente, no fue ningún éxito de ventas ni radio hit, pero sí llamó la atención de otros artistas folk, siendo quizás su mayor “versionador” el gran James Taylor, usándose incluso tres canciones del álbum en la película western “McCabe & Mrs. Miller” (1971).

Desde ese punto, Cohen simplemente logró con supina maestría navegar entre producción de poemas y libros como de discos con una altísima calidad lírica, la cual casi siempre fue menospreciada por las radioemisoras y la escena mainstream pero que cada día generaba un mayor culto entre poetas y músicos de diversos géneros, tanto angloparlantes como hispanohablantes: la banda gótica Sisters of Mercy lleva el nombre de uno de los poemas de Cohen, Julio Cortázar menciona las canciones de Cohen en su obra “Libro de Manuel”, además de Taylor, fue versionado por Neil Diamond, Enrique Bunbury, Ana Belén, la banda REM, Jorge Dexler, Lana Del Rey, por sólo citar algunos; contemos además el ser referenciado por artistas como Nirvana, Sabina, Kevin Johansen, Coldplay... y que sus canciones hayan sido utilizadas en el cine y la televisión hasta la saciedad. Es, justamente por ello que algunas radios empiezan a girar los ojos sobre Cohen, cuando Jeff Buckley, en su álbum «Grace» (1994), versiona la balada "Hallelujah" – perteneciente al disco de Cohen «Various positions» (1984) –, haciendo que el mundo se derrita en suspiros y llantos.

Justamente ese disco en particular, el séptimo de su carrera y estrenando nueva casa discográfica, poseía en su primer surco una balada más terrible y dolorosa que la versionada por Jeff Buckley. Dicha canción se encontraba basada en una antigua canción judía que era cantada como una letanía por los descendientes hebreos durante su permanencia en los campos de concentración nazi, y dice la leyenda, que siempre sonaba cuando avanzaban las filas hacia los hornos. La canción es "Dance me to the end of love" y a gusto particular, la canción más triste jamás oída en lengua inglesa.

La temática de Cohen siempre discurrió entre la religión, la política, la sexualidad, la bohemia y la depresión. Su obra es casi un culto tanto entre poetas como músicos y demás decir, entre melómanos. Quince discos de estudios, sin contar recopilatorios, discos en vivo y homenajes; más de una decena de poemarios, dos novelas, cuatro cancioneros, dos documentales en su honor y ganador del premio Príncipe de Asturias en 2011 antes que a Dylan le dieran el Nobel y que, para muchos (me incluyo), era más el mérito de Cohen en recibirlo. A pesar de no ser portada de escándalos (pero sí de los pocos mortales que tuvieron un affaire con la idolatrada "bruja cósmica", Janis Joplin, como se recuerda en su canción "Chelsea Hotel # 2") Cohen sufrió un gran problema financiero al final de su carrera, no por malos manejos de su parte sino de su administradores que durante décadas cumplió el rol de mejor amiga, al punto de tener que querellarla y jamás ser resarcido de la pérdida económica tanto de patrimonio material como intelectual, pues muchos de sus derechos de autor fueron vendidos sin su consentimiento. Cohen falleció a la edad de 82 años en 2016, lúcido y sin haber dejado de producir, por el cual pudo salir su álbum póstumo «Thanks for the dance» (2019).

Si hasta este punto ya recuperaste el latido y la lágrima se dio una pausa después de oír "Dance me to the end of love", queda entonces cerrar con una sonrisa esta remembranza a tan prolijo autor, con la picardía y sensualidad que podía generar con sus versos, y qué mejor que hacerlo con "Slow", canción que da inicio a su álbum «Popular problems» (2014) y que narra esas pequeñas grandes diferencias en las formas y tiempos de la pasión y del amor, en particular, con relaciones donde la edad, juega un papel relevante. Porque Cohen siempre será un invitado de honor, en Zona X.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ ┤Lima/Perú • 21/sept./2021├

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QEPD Charlie Watts, corazón rítmico y en palabras de los mismísimos Jagger y Richards: el real líder de la banda, quien daba la pausa y cohesión a los inacabables Rolling Stones.

Se nos fue, el dandy del rock: dueño de un estilo tan sobrio como elegante. Las baquetas, enlutecen, y hoy, como la canción, todo se pintó de negro.

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Hoy, a los 62 años, ha fallecido Enrique Héctor Chalar, a quien se le conocía más por el nick de Pil Trafa, el referente indiscutible y vocalista de Los Violadores, la icónica banda latinoamericana que junto al guitarrista Gustavo Fossá (a) Stuka, Pedro Braun, (a) Hari-B, y Sergio Gramática fueron un pilar del punk en Argentina, tal como sucediera con Los Saicos para Perú.

La banda originalmente se llamaba Los Testículos, pero como les fue vetado el nombre en todos lados optaron por otro, recortado, pero no menos transgresor pero con mejor trasfondo crítico, puesto que iban a llamarse Los Violadores De La Ley. Influenciados por el sonido de The Clash, Sex Pistols, crecieron en paralelo rítmico con Ramones. Haciendo honor a su naturaleza de banda punk – desde su homónimo álbum debut de 1983 –, Los Violadores tenían el estandarte de la crítica y el anti–establishment, oponiéndose a la dictadura militar de Videla que ya se hallaba en sus postrimerías a través de ese temazo llamado "Represión", la sátira a la mítica serie de guerra Combat con la canción «Mirando la guerra por T.V.» o el ambiente imperante de la guerra fría con "Guerra Total". En ese disco, el último surco estuvo dedicado al cover que nadie pidió, pero que es un must be de toda playlist: "El extraño de pelo largo" a punta de riffs salvajes y con frases finales que más allá de irreverencia, desnudaban el sentir de la sociedad conservadora en la época que La Joven Guardia volvió la canción un hit.

Los Viola (como también se hacían llamar) traspasaron las fronteras ríoplatenses a través de su segundo álbum: «Y ahora qué pasa, eh?» (1985), que contenía entre su listado esa canción tan conocida pero que pocos han hurgado en su trasgresor origen. Para mucho, la canción reflejaba con sus acordes no sólo el sentir de inconformidad de este cuarteto rebelde de descendientes de polacos, sino de "toda latinoamérica unida", parafraseando al gran Jorge Pinarello y su canal de YouTube «Te lo resumo (así no más)» [https://www.youtube.com/c/Teloresumoasinomas] que ha hecho de dicha canción parte esencial de sus programas. El tema, obviamente es "Uno, dos, ultraviolento", pero pocos saben que está basada en nada menos que «A Clockwork Orange» («La naranja mecánica»), la famosa novela de Anthony Burgess, por lo cual utilizaron la jerga Nadsat (inventada por el propio Burgess) entre sus versos [♪ Varias debochcas caminan por ahí / Mueven sus scharros con frenesí / Los málchicos de cuero nos queremos divertir / Con mis drugos al ataque vamos a ir ♪] y asemeja el sentir del personaje Alex DeLarge: un ser motivado por la violencia sin sentido, la violación y claro, amante de Beethoven; es por ello que el tema empieza justamente con un extracto de la 9ª sinfonía del clásico compositor alemán.

Para 1986, Pil y su banda nos traían su tercer álbum «Fuera de sektor», más orientado al post–punk en el uso de teclado y con sonidos menos fieros pero más rítmicos (diría que con influencias de The Cure). Iniciaba el disco con la canción homónima dedicado a la rebeldía pura que linda con el espíritu de la anarquía o por lo menos, de contracorriente en nuestras sociedades; incluyendo también ese otro tema crítico al sistema político económico imperante y cuyo título nos remontaba a la obra de Friedrich Nietzsche: "Más allá del bien y del mal". Porque el rock y el punk no eran pues sólo gritos, sino también una postura política crítica. Esa que tanta falta nos hace hoy en día que aceptamos por verdad lo que puede nacer como un simple meme.

Llegarían tres discos más: «Mercado indio» (1987), «Y que Dios nos perdone» (1989) y «Otro festival de la exageración» (1991). Este último, curiosamente, a pesar de ser el primero en formato CD y acabando así con la era vinil de la banda, también fue el primer final de la misma. Ya en el «Y que Dios...» habían cambiado de baterista al salir Gramática y en el «Otro festival...» las diferencias entre Pil y Stuka se volvieron mayores por lo cual no sólo se disolvió la banda, sino también que Pil, al igual que Stuka, se embarcó en proyectos personales, creando una nueva banda: Pilsen (sí, el nombre es en honor a la ciudad checa que vio nacer a la cerveza homónima). Con dicha banda grabarían dos discos: «Bajo otra bandera» (1993) y «Bestiario» (1994), de la cual, a la postre, también se separaría. Cabe destacar que sí hubo un "reencuentro" con todos los miembros originales de Los Violadores, generando conciertos inolvidables que repasaron la década ochentera (y más famosa) de la agrupación, generando con ellos dos discos más: «Bajo un sol feliz» (2006) y «Rey o reina» (2009).

Siempre se ha hablado de la "hermandad" y lazos que de un modo u otro existen entre peruanos y argentinos más allá de la presencia del generalísimo San Martín. Por alguna razón de la providencia, sea por la guerra de las Malvinas, haber sufrido ambos el "Plan cóndor" o ser rivales futbolísticos que terminan siempre perdonándose todo, lo cierto es que Enrique Héctor Chalar quedó prendado de Lima y desde finales de los 1990s ya era vecino habitual de éstas tierras, al punto de asentar familia aquí, permitiendo a la dialéctica Ciudad de Los Reyes, ser testiguo de sus últimos momentos. No podía ser menos: acogimos a quien reinó en el punk latinoamericano.

Y entre tanta anarquía, puño en alto, espíritu contestatario, reacción contracultural, peleas contra la elite imperante, el reclamo por una sociedad son menos hipocresía y más justicia, pedidos de equidad, solidaridad y empatía... siempre hay un espacio para el amor ["el amor heterosexual", parafraseando nuevamente a Pinarello], pero el amor fatal, peligroso, envenenado y por justamente eso: inolvidable, como inolvidable es "Sentimiento fatal". la canción que comparto de Los Viola en la voz de Pil.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ ┤Lima/Perú • 14/ago./2021├

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𝑃𝑜𝑠𝑡 𝑑𝑒𝑑𝑖𝑐𝑎𝑑𝑜 𝑎 𝑚𝑖 𝑏𝑢𝑒𝑛 𝑤𝑒𝑟𝑒𝑤𝑜𝑙𝑓 𝐶𝑧𝑦𝑎𝑛, 𝑎𝑚𝑖𝑔𝑜 𝑑𝑒 𝑒𝑠𝑡𝑒 𝑣𝑎𝑚𝑝𝑖𝑟𝑜, 𝑞𝑢𝑖𝑒𝑛 𝑡𝑢𝑣𝑜 𝑙𝑎 𝑠𝑢𝑒𝑟𝑡𝑒 𝑑𝑒 𝑐𝑟𝑢𝑧𝑎𝑟𝑠𝑒 𝑐𝑜𝑛 𝑃𝑖𝑙 𝑢𝑛 𝑑𝑖́𝑎 𝑐𝑢𝑎𝑙𝑞𝑢𝑖𝑒𝑟𝑎 𝑞𝑢𝑒 𝑒𝑙 𝑐𝑎𝑙𝑒𝑛𝑑𝑎𝑟𝑖𝑜 𝑑𝑒𝑣𝑜𝑟𝑜́ 𝑎 𝑖𝑛𝑖𝑐𝑖𝑜𝑠 𝑑𝑒 𝑒𝑠𝑡𝑒 𝑠𝑖𝑔𝑙𝑜, 𝑙𝑜𝑔𝑟𝑎𝑛𝑑𝑜 𝑑𝑖𝑠𝑓𝑟𝑢𝑡𝑎𝑟 𝑑𝑒 𝑒𝑠𝑎𝑠 𝑐𝑜𝑛𝑣𝑒𝑟𝑠𝑎𝑐𝑖𝑜𝑛𝑒𝑠 𝑠𝑢́𝑏𝑖𝑡𝑎𝑠 𝑒 𝑖𝑛𝑒𝑠𝑝𝑒𝑟𝑎𝑑𝑎𝑠 𝑞𝑢𝑒 𝑙𝑎 𝑣𝑖𝑑𝑎 𝑡𝑒 𝑑𝑒𝑝𝑎𝑟𝑎 𝑝𝑎𝑟𝑎 𝑣𝑜𝑙𝑣𝑒𝑟𝑡𝑒 𝑚𝑎́𝑠 𝑠𝑎𝑏𝑖𝑜.

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© Augusto Polo Campos voz : Arturo "Zambo" Cavero Velásquez

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Los Destellos es un grupo musical peruano de cumbia y rock instrumental en sus inicios formado en el limeño distrito del Rímac en el 1966. Aunque su intención fue crear un grupo de rock, pero más influenciado por la psicodelia y el sonido surfer de bandas como The Ventures, bien se puede decir que crearon una "proto–cumbia" y ser los pilares de la chicha (cumbia limeña). Lo cierto es que la agrupación fue formada por Enrique Delgado, impresionantemente habilidoso con la guitarra eléctrica y prolífico alumno del prestigioso conservatorio musical de Lima, uniéndose con Tito Caycho en el bajo, Carlos Ramirez en la percusión y Fernando Quiroz (que había integrado antes la banda Los Zanys) como segunda guitarra, llegando a producir la friolera suma de más de quince albums durante su vida artística, y si bien la banda aún subsiste bajo ese nombre gracias a Edith Delgado, la actual propietaria legal de la banda y hermana del fundador, cuenta con todos los integrantes renovados, ante el deceso de todos sus miembros originales. A través de los años han pasado más de 90 músicos, y es por esto que se le conoce como "la universidad de la cumbia". ¿Qué tan buenos eran? Basta este cover de Für Elise homenaje que hicieran a Ludwig van Beethoven y verán que nunca, nunca más, podrán dejar de oírlos.

© [ Zᴏɴᴀ X ] Lᴀʀɴ Sᴏʟᴏ ┤Lima/Perú • 28/jul./2021├