kinostorm

[kinostorm]

Немного мыслей об Оскаре

Юбилейную 90-ю церемонию вручения Оскар ждали по многим причинам. Во-первых, в этот раз малоизвестных фильмов, которых киноакадемики откопали откуда-то из недр производственных студий было критически мало - все знаковые ленты были всем заблаговременно известны и широко прокатились в кинотеатрах перед самим действом. Некоторые - даже стали любимчиками не только кинокритиков, но и обычных зрителей. Во-вторых, все предсказания казались максимально правдивыми: ежегодная традиционная игра в "угадайку" была в этот раз самой простой. В принципе, почти все предикшены оказались верными, но без сюрпризов (как это всегда и бывает), все равно не обошлось.

Вообще церемония получилась максимально приятной и позитивной. Никаких животрепещущих драм, никаких скандалов. Главное соперничество развернулось между "Тремя билбордами" и "Формой воды", где триумфатором за исключением актерских номинаций вышла мелодрама дель Торо. Однако, как мне кажется, идеальным раскладом было бы, если "Билборды" взяли бы статуэтку за "Лучший фильм", а дель Торо - за режиссуру. Но, видимо, киноакадемикам история любви Ихтиандра и немой уборщицы оказалась ближе. Решающую роль, сдается мне, сыграл в этом в первую очередь не толерантный посыл картины, а скорее количество всевозможных культурных отсылок: мексиканец впихнул в свой фильм референсы и к кино 60-х, и к музыке, к изобразительному искусству и даже к архитектуре. Киноакадемики в таких трепетных и ностальгических решениях режиссеров души не чают. Таким образом дель Торо присоединился к своим мексиканским друзьям оскароносным режиссерам - Иньярриту и Куарону.

МакДонна - жалко, тут и нечего говорить. Однако все-таки стоит порадоваться за дель Торо. Мексиканца можно без зазрения совести назвать одним из самых неудачливых постановщиков. Количество несбывшихся проектов, разбившихся об айсберг финансовых проблем у него просто зашкаливает. Первый громкий успех Гильермо, фэнтезийная драма "Лабиринт Фавна", ограничилась победой в номинации "Лучший иностранный фильм. Однако сейчас "Форма воды" может вывести дель Торо на совершенно новый уровень: к постановщику наверняка придут большие деньги, что позволит ему снять все, о чем он только мечтал. Вполне возможно, что это будет многострадальный "Пиноккио", а может быть даже и еще более многострадальные "Хребты безумия". А может, он придумает что-то еще. В общем, это не может не радовать.

Вторая причина, по которой жалко МакДонна - Оскар за лучший оригинальный  сценарий нагло и вероломно у ирландца отобрал Джордан Пил со своим "Прочь". И опять-таки, за победу Пила - искренне радостно. Дебютант полного метра сотворил из своего хоррора тончайшую сатиру и рассмотрел проблему толерантности в Соединенных Штатах совершенно с иного угла. Будем надеяться, что в будущем Джордан порадует нас еще более изобретательными работами.

Однако все-таки стоит пояснить, почему именно "Три билборды" должны были брать победу в этих номинациях. Картина Мартина изысканно и остро вскрывает пороки всего американского общества, а, учитывая, что так круто эту тему рассмотрел ирландец, только добавляет МакДонна очков уважения. Можно, конечно, высказать теорию о том, что "Билборды" не победили из-за отсутствия так обожаемой киноакадемиками темы толерантности, но причина, скорее всего, тут более банальная: для лучшего фильма картине не хватило режиссерского таланта ирландца, а для лучшего оригинального сценария - везучести. Все-таки "Прочь" Пила можно назвать в какой-то степени новаторским, чего не скажешь о "Трех билбордах", что позволило сатирическому хоррору оторваться по голосам от ленты ирландца. Хотя я думаю, что разрыв там был абсолютно минимальный. В актерских работах - все просто и предсказуемо: победителями вышли  Гэри Олдман, Фрэнсис Макдорманд, Сэм Рокуэлл и Эллисон Дженни. Если вы ожидали увидеть здесь кого-то другого, то значит вы просто не смотрели фильмы с участием этой четверки.

Отдельной радостной новостью хочется выделить триумф Роджера Дикинса, который спустя 13 неудачных номинаций, все-таки смог победить в "Лучшей операторской работе". Главным визави мэтра был Хойте Ван Хойтема с "Дюнкерком", однако даже невооруженным глазом было понятно, что шведу до картинки "Бегущего по лезвию 2049" очень и очень далеко. Можно, конечно, развести полемику по поводу того, что "опять продинамили Дэни Вильнева", но давайте будем честны: его "Бегущий по лезвию" в первую очередь шедевр визуальных эффектов и технических аспектов, а не сценарных или режиссерских. Если какой фильм канадца и заслуживал статуэтки, так это "Прибытие". В технических номинациях самым настоящим титаном стал Кристофер Нолан и "Дюнкерк". Абсолютно все, что связано с монтажом позволило Гению замаскировать откровенно плохой военный фильм и сделать из него настоящее пиршество для глаз и аймакса.

Причина поражения российской «Нелюбви» - самая банальная и простая: почитайте синопсис победителя этой номинации «Фантастической женщины» и все вопросы отпадут сами собой.

Естественно, все написанное выше - чистейшее имхо. Лично я считаю, что 90ая церемония, за исключением пары позиций, оказалась самой справедливой за долгое время. Рад, что киноакадемики наконец-то заметили труды Гильермо дель Торо и Гари Олдмана, пропушили действительно талантливого сатирика Джордана Пила, а также наконец-то дали выиграть Роджеру Дикинсу. Все было предсказуемо и без серьёзных эксцессов. Хорошо это или плохо - узнаем попозже. Ибо, как показывает практика, скандальные решения киноакадемиков застревают в памяти намного дольше.

[kinostorm]

В черной-черной Африке: почему “Черная Пантера” сейчас на волне хайпа?

КВМ пополнилась фильмом про главного чернокожего супергероя Марвел

Черная Пантера - культовый персонаж для комиксов Марвел. Стэн Ли придумал его еще в далеком 1966 году, а появился Т’Чалла в первый раз в гостях у Фантастической Четверки. Герой настолько полюбился читателям, что ему сразу был выдан карт-бланш: Пантера получил личную арку, место в команде Мстителей и собственную страну Ваканду, королем которой он по своей мифологии являлся. Первый черный супергерой не снискал большой популярности в наших краях, однако на западе его чтят и любят. Поэтому настало время для личной экранизации в рамках КВМ. Итак, Кевин Файги, Райан Куглер, «Черная Пантера».

Фильмы Марвел всегда радуют нас высоким качеством всех кинематографических составляющих: визуал, режиссура, сценарий. «Чёрная Пантера» не стала исключением. В этом фильме все на очень высоком и конкурентноспособном уровне. Новая лента Марвел, не смотря на далеко не главный приоритет главного героя в киновселенной, одним мизинцем уделывает любой фильм ДС. Так что к черту обычный киноанализ. Давайте лучше разберёмся, настолько ли инновационна «Пантера» для супергеройского кино, как твердят западные кинокритики, и насколько важен сольник про короля Ваканды для всей киновселенной Кевина Файги.

Вообще «Чёрную Пантеру» стоит воспринимать как один сплошной эксперимент. Марвеловцы решили поэкспериментировать с подачей, основным посылом и набором актеров, и, как это бывает со множеством экспериментов, что-то удалось, а что-то нет. К сильным сторонам можно и нужно относить весь сеттинг - вы нигде больше не увидите такой невероятный мир, как Ваканда. Пёстрая племенная африканская культура здесь переплетается с высокими технологиями и футуристикой - узкие пыльные трущобы соседствуют с хай-тек поездами на магнитной подушке, у главных героев есть своеобразный Facetime, который выводит голограмму собеседника, а под землей творится самый настоящий киберпанк. Оторвать глаз от этих красот очень и очень сложно. Настолько сложно, что только после просмотра осознаёшь, что в фильме было всего 3,5 экшн-сцены, очень странный монтаж во время драк и в принципе скучноватый сюжет. Именно это визуальное великолепие не дает покоситься на часы в особо затянутые моменты - картинку просто приятно поглощать с неистовым синефильным голодом. Музыкальная составляющая - выше всяких похвал. Кендрик «Наше все» Ламар объединил трэп и племенные мотивы, что просто идеально ложится на визуал. Любители хип-хопа наверняка сходу добавят почти весь ost-альбом к себе в плейлист - помимо К-Дота тут вам и Schoolboy Q, The Weeknd, Vince Staples, SZA и многие другие. Невооруженным ухом заметно, что артисты не отлынивали и записали свои партии на совесть. Ну и конечно герои. Сам Т’Чалла - отлично прописан, женские персонажи - прекрасны. У каждой из них есть свой характер, мотивация и личный экранный бенефис. А Майкл Б. Джордан воплотил самого крутого злодея Марвел со времён Локи - история Эрика Киллмонгера хоть и сводится к банальной мести, но все же он радует и философией, и предысторией, и политической позицией. Наблюдать за этим антигероем (все же банальное «злодей» - это не совсем про него) одно удовольствие.

Если в фильме традиционно все хорошо с основными кинопоказателями, почему «Пантера» вызывает у одних восторг, а у других отвращение? Все дело в подтексте. Позиционируя свою ленту отчасти политическим триллером, Куглер и его фильм выглядят попросту претенциозно. Как говорится, «назвался груздем - полезай в кузов», вот только постановщик совершенно не вытягивает политическую составляющую сюжета. Нет, сделать экшн-вариацию африканского «Карточного домика» практически невозможно, но постоянные реплики главных героев «Мы не рабы!», «Мы - свободный народ!», «Ваканда не падет!» звучат ужасно лозунгово и патетично. Куглер захотел сделать из своего фильма не просто кинокомикс, а громкое высказывание, да вот только ему катастрофически не хватает для этого слов.

Обратимся к вездесущим томатам. На момент написания этого текста, рейтинг на rottentomatoes у фильма составляет 100% на основе 203 рецензий. Скорее всего это показатель со временем немного упадет, но «Черная Пантера» еще долго будет удерживать лидирующие позиции  среди всей кинолинейки Марвел. Почему? Дело в том, что проблема расизма на Западе является уж очень болючей и довольно сильно влияет на общественное мнение, затуманивая в некоторых местах объективность. «ЧП» - это, простите за тавтологию, на 99% чёрный фильм. В нем собрали всех значимых молодых чернокожих актеров современности, ленту поставил чернокожий режиссёр, да и сюжет повествует о Чёрном Континенте, откуда все чернокожие люди родом. Поэтому американские кинокритики наверно не один раз задумывались о том, что за порку фильма относительно его слабых сторон, вполне можно схлопотать обвинения в нетолерантности. А это - стопроцентное гонение, разрушенная карьера и многочисленные судебные разбирательства. Справедливо или несправедливо - никто разбираться не будет, презумпции невиновности для Американского общества не существует, люди там привыкли по большей степени доверять эмоциям. И из «африканской бондианы», как утверждал сам Куглер, усилиями масс-медиа «Черная Пантера» превращается в рупор пропаганды толерантности, которой, однако, отчасти сама и является. Хорошо это или плохо - вопрос уже отдельный. Но походу Джордан Пил со своим «Прочь» достучался не до всех. Обидно.

Помимо этого есть еще одна важнейшая деталь. «Черная Пантера» - последний фильм перед эпичной «Войной Бесконечности», где, судя по трейлеру, важную роль сыграет и Т’Чалла с Вакандой. Напряжение - сумасшедшее, поэтому ожидаешь от этой ленты какой-то крутой подвязки к самому атомному супергеройскому капустнику в истории. А ее… нет.  В «Пантере» есть только одно мало-мальски важное событие для КВМ, да и то, оно уже косвенно было проспойлерено в трейлере третьих «Мстителей». Получается, что лента не несет какого-то информационного веса для зрителя помимо ознакомления с самим главным героем. А хардкорных фанатов КВМ, которые разбирают каждую сцену в каждом фильме на пиксели и знают все о Камнях Бесконечности и то, какую роль они сыграют в «ВБ», «Пантера» и вовсе рискует разочаровать до глубины души.

При просмотре иногда складывалось такое впечатление, что Куглер специально вводил в свой фильм некоторые сценарные и режиссерские приемы только для того, чтобы снискать респект от кинокритиков. Поэтому «Пантера» сейчас получает свою долю оверхайпа со стороны западной прессы, которая раздувает из просто хорошей и крепкой истории с отличным визуальным оформлением и необычным сеттингом главное событие в супергеройском кино за все время до третьих Мстителей и размещают Чедвика Боузмана на обложке суперавторитетного «Time». Это не совсем правильно. Получается абсолютно патовая ситуация: есть те, кто хвалит и те, кто ругает. И что первые, что вторые обвиняют друг в друга в необъективности, судя, само собой, со своей колокольни.  А правда, как всегда, находится посередине. В «Пантере» есть свои минусы, однако они нивелируются неоспоримой изобретательностью режиссера Райана Куглера и причудливостью самого персонажа. Вот только такая же ситуация была и, например, с «Человеком-муравьем», где отсутствие политической и социальной подоплеки не позволило ленте так «пошуметь», как шумит сейчас «ЧП». Но все-таки это фильм Марвел. И этим все сказано. Марвел = качество. А значит, если у вас есть время, то загляните в кинотеатр на «Чёрную Пантеру» - традиционно, кинокомикс от Кевина Файги развлечет вас по полной и жалеть о покупке билета вы уж точно не будете.

7,5/10

[kinostorm]

Три билборда и один в поле воин

“Три билборда за пределами Эббинга, Миссури” - главный претендент на Оскар

Ирландский драматург Мартин МакДонна громко заявил о себе в 2008 году с выходом криминальной драмедии «Залечь на дно в Брюгге». Однако до этого он в 2006 выстрелил короткометражкой «Шестизарядник» (да так, что победил на Оскаре), а ещё до этого - написал кучу топовых пьес, которые ставят сейчас даже в СНГшных театрах, наверняка, без ведома самого Мартина. В 2012 году из-под его пера вышел шедевр мизанабима «Семь Психопатов», а сейчас ирладндец представляет широкой публике свою новую работу с сюрреалистично длинным названием «Три бил(л)борда за границей Эббинга, Миссури». Фильм - заведомо триумфальный - безоговорочные победы на серьезных кинофестивалях в Торонто, Венеции, Сан-Себастьяне, а также заочный любимчик кинокритиков. Есть ли шансы у «Билбордов» на Оскар? Давайте разбираться.

Если в первых своих работах МакДонна разводил криминальщину и играл на поле Ричи и Тарантино, то “Три билборда” по настроению больше походят на “Серьезного человека” и “Фарго” Коэнов. Вот только если Джоэл и Итан в своих работах по-злобному хихикают над персонажами и ситуациями, в которые они их помещают, то Мартин скорее просто снисходительно улыбается, пряча за улыбкой не колкий цинизм, а сожаление и печаль. Главную роль в проецировании этого вайба играет сценарий - самая сильная составляющая всех фильмов постановщика. Так искусно обращаться со словами и предложениями кроме МакДонна сейчас в современном кинематографе, кажется, не умеет никто. Начать монолог персонажа с уличных банд и закончить порицанием педофилии в стане католической церкви - это просто феноменально. Мистер МакДонна, аплодируем стоя.

Борьба - основная тема нового фильма режиссера. Во всех своих проявлениях. Борьба одного человека против социального устоя, борьба сильной женщины против слабых мужчин, борьба за справедливость, борьба за принципы, за упорство и просто за человечность. Ирландец уверен, что пока одни сидят на теплом месте и живут в удовольствие, другие должны каждый день за что-то бороться. Иначе жизнь загрызет, пережует и выплюнет. Этим и отличается, скажем, какой-нибудь Лонг Айленд от так называемой “одноэтажной Америки”, которую постановщик разбирает на составные части и анализирует абсолютно виртуозно. У МакДонна обычное американское захолустье - осередок всего современного постмодерна, где нет ни правых, ни виноватых, у всех свои интересы и взгляды на жизнь. Вторым же главным инструментом режиссера служат актерские работы.

МакДонна тасует перед зрителем своими актерами как картами, а нам остаётся только гадать, где находится козырь. Только загвоздка в том, что все карты у ирландца козырные. Фрэнсис Макдорманд - пиковая дама Милдред Хейз. Эта мощная женщина, вооружившись банданой и тяжелыми сапогами, раздает тумаки как физические, так и вербальные всем, кто посмеет встать у нее на пути справедливости. В определенный момент кажется, что она вот-вот пустит в ход зубы и ногти и начнет натурально рвать всех вокруг. Ее персонаж - брутальное неистовое воплощение мести, на которой из-за усталости и лица уже нет, но желание кровавой расправы заставляет идти до конца. Червовый король - шериф Билл Уиллоуби в исполнении Вуди Харрельсона. Из всего этого бестиария человекозверей, он первый, кто встает на путь всепрощения и примирения. Через этого героя МакДонна доносит избитую, но важную мысль, что местью и злобой справедливости не добьешься, а только продолжишь разрушать себя изнутри. Об этом даже прямым текстом говорится в одном из диалогов ближе к концу фильма, но режиссеру удается задеть верные струнки души через героя Харрельсона. Но самую впечатляющую метаморфозу получил бубновый валет этой истории - Джейсон Диксон и сыгравший его Сэм Рокуэлл. Каким-то невообразимым и фантастическим образом этот реднек, расист и ублюдок с зачатками Эдипового комплекса со временем превращается в совершенно противоположного персонажа, который забивает на свои извращенные принципы ради праведности. Рокуэлл выдал одновременно невротичного быдло-шовиниста и одержимого правдой профессионала, чем заслужил себе не только номинацию, но и стопроцентную победу на Оскаре. Остается только тот самый трефовый туз - убийца, что лишил жизни дочь главной героини. Смогут ли персонажи найти виновного - строжайший спойлер, однако, справедливости ради, надо сказать, что его личность и мотивы совершения преступления - дело пятое, а то и двадцать пятое.

Здесь ирландец выводит концепцию постправды в абсолют, ведь ему не особо интересно кто, зачем и как. Мартину более важны ответы на вопросы «что теперь делать?» и «как с этим жить?». Истина и сухие факты для МакДонны совершенно второразрядны, он увлечён проецированием своих эмоций через плёнку на зрителя. Это ярко демонстрирует финал фильма, где, наплевав на здравый рассудок и прямые доказательства, герои следуют зову сердца и интуиции, если можно так выразиться. И абсолютно сумасбродный план персонажей, в котором все продумано на «авось», преподносится МакДонна как единственное верное решение в сложившейся ситуации. В этом заключается гениальное умение ирландского режиссёра посредством слов и реплик крутить-вертеть чувствами зрителя, как только ему вздумается, заставляя нас то смеяться, то грустить, то грустить и смеяться одновременно. Что в «Брюгге», что в «Психопатах», что в «Билбордах».

У Мартина, если кто не знал, есть старший брат Джон - тоже отличный сценарист и режиссер. И то ли по абсолютной случайности, то ли по задумке, но третьи фильмы ирландцев получаются лучшими в карьере.  Что “Голгофа”, что “Три билборда”  - это предельно узкотерриториальные, даже камерные, трагические ленты, где легкой меланхолии и человеческой душевной боли куда больше, чем юмора, а сами режиссеры рассматривают нестандартные ситуации через призму укоризненного взгляда на общество. И абсолютно отстраненно-наплевательская ментальность «Моя хата с краю - ничего не знаю», присущая не только жителям маленьких городов и поселков, как Эббинг, но и всем нам понемногу, в руках ирландского режиссера приобретает зловещий характер, от которого, после просмотра «Билбордов», буквально стынет кровь в жилах и становится страшно за все наше нынешнее общество.

9,5/10

[kinostorm]

“Смерть Сталина”: Доктор Стрэйнджлав по-советски

Или “Скандал из ничего”

Жанр политической сатиры не особо богат на представителей, потому что сам по себе сложен и заковырист - стоит всего чуть-чуть перестараться с комедийными приёмами, как появится вероятность превратить своих персонажей из высмеянных политиков в обыкновенных фриковых клоунов. Образцом и классикой этого жанра является кубриковский «Доктор Стрэйнджлав», а сейчас гремит победитель премии британского независимого кино и кинофестиваля в Турине «Смерть Сталина» режиссера Армандо Ианнуччи. Гремит, как известно, особенно в СНГ и не совсем по адекватным причинам.

Сразу стоит отметить, что в картине нет никакого оскорбления истории России, России как страны и россиян как людей. Более того, Ианнауччи относится бережно, с пониманием и глубоким пиететом - все-таки СССР, как историческое явление, было совершенно уникальным и ничего подобного и аналогичного в мировой истории больше не создавалось. Режиссёр естественно понимал, что в момент смерти Вождя и последующего политического водоворота миллионам жителей Союза было не до смеха, однако он решил использовать развлекательный жанр комедии, чтобы показать всю амбивалентность сложившейся ситуации и, как он сам высказался в одном из интервью, «посмеяться над подковерными интригами этих взрослых людей, которые внезапно ведут себя как дети».

Весь этот калейдоскоп фантасмагорических образов реальных политиков, что удивительно, хоть и преподнесен с китчевой клюквой, все же отличается тонкостью, идейностью и находчивостью  – такое сочетание мало того, что совершенно уникально, так еще и безумно въедчиво. Образы вроде карикатурные и гротескные, однако они с легкостью откладываются в памяти, а все потому, что харизма прет из всех щелей. С одной стороны – к исторической достоверности, при желании, можно придраться и разложить того же Жукова на винтики и шурупы, с другой – совершенно не хочется этого делать, ибо персонажи начинают играть совершенно новыми красками а их начинаешь буквально «поедать».  Как глазами, поглощая шикарную актерскую игру, так и мозгом, учитывая порой совершенно беспрецедентные сценарные схемы и мотивации поведения героев. Особенно отличился Стив Бушеми, который в последнее время разошелся на роли первого плана, а его Хрущева можно и нужно заносить в копилку лучших перфомансов актера за всю карьеру.

В то же время, без огрешностей не обошлось. В отличие от вышеупомянутого «Стрэйнджлава» или, например, другой отличной политической сатиры, ленты Барри Левинсона «Плутовство», здесь страдает сюжет - это совершенно не то, ради чего стоит смотреть «Смерть Сталина». Он тут присутствует, но сделан для галочки, а весь синопсис можно написать на небольшой салфетке и скромно уложить в одно предложение: политические деятели Советского Союза воюют за место секретаря партии после смерти Иосифа Виссарионовича. Поймите правильно, диалоги - блистательные, различные сценарные схемы по развитию персонажей - отличные, однако больших событий за весь фильм всего несколько. Лента Ианнуччи в первую очередь прельщает совершенно беспардонной, безумной и фарсовой иронией, превращая, по сути, экранизацию комикса в натуральную театральную постановку, где можно лицезреть канитель неожиданных перевоплощений и безумный театр политической сатиры. Но в то же самое время надо отдавать себе отчёт, что фильму не хватает размаха и комплексности событий. Хотя этот минус небольшой и относится к разряду довольно условных.

“Смерть Сталина” это не самая выдающаяся сатирическая комедия, однако это отличный иронично-клюквенный киноморс, рассказывающий о смерти советского вождя и репрессора, по-злому иронично попавший под репрессии власти якобы демократической. От того прокат картины (а точнее запрет) на территории Этой Страны воспринимается особенно больно и цинично. Ведь проиграли абсолютно все - как любители высокого фестивального кино, так и рядовой зритель. Фильм-то хороший.

8/10

[kinostorm]

Противоядие цинизму: почему “Форма воды” - лучший фильм Гильермо дель Торо

Эй, моряк, ты слишком долго плавал.

Я тебя успела позабыть.

Мне теперь морской по нраву дьявол.

Его хочу любить.

Однажды, будучи ещё ребёнком, мексиканский режиссёр Гильермо дель Торо посмотрел классику хоррор-муви «Тварь из Чёрной Лагуны», где страшное болотное чудище, бог знает для каких целей, пыталось украсть красивую девушку из исследовательской группы, которая, собственно, приехала в дремучие леса Амазонки, чтобы ту тварь и словить. Однако, неожиданно для себя, маленький Гильермо стал сопереживать не подкачанным парням-ученым с идеальными стрижками, пытающихся  спасти свою подругу, а самому чудовищу. По мнению будущего режиссёра, монстр был попросту одинок, - это и подтолкнуло его совершить похищение красотки, а, значит, любви заслуживают все, даже чудовища. Данная мысль въелась в голову дель Торо будто мозговой слизень и он решил во что бы то ни стало снять свою версию «Твари из Темной Лагуны», только в этот раз все будет по его правилам. Собственно, так и родился проект под названием «Форма Воды».

У писателя-фантаста Александра Беляева есть замечательнейший роман «Человек-амфибия», по которому в 1961 году был снят одноименный фильм. У Лавкрафта – раса Глубоководных, что когда-то давно жила в подводном городе Й’хан-тлеи, а впоследствии заполнила местечко Иннсмут. Плюс стандартные водяные, встречающиеся в легендах и сказаниях любой народности мира. Абсолютно понятно, что дель Торо вдохновлялся именно этими культурными универсалиями, но подает он их по-своему гротескно, меняя основной посыл и выводя более эмпатическую идею. Для своего Чудовища он только позаимствовал у Беляева любовную линию, у Лавкрафта – внешний вид, а у мифов про водяных – различные мелкие детали, однако стержнем персонажа становится вполне очевидный посыл к толерантности. Вот только в отличие от напускных остросоциальных драм, заполонивших Голливуд в последнее время, мексиканец не навязывает истину о терпимости по отношению ко всем и вся, а подает ее, искусно играя на эмоциях зрителя, давя то на жалость, то на умиление (как бы странно это не звучало по отношению к водному монстру), то вполне закономерно внимая здравому смыслу. И через этот вполне избитый прием режиссер учит гуманизму и уважению, а сама «Форма воды» становится таким необходимым в наше время противоядием цинизму.

Однако качественную ленту от обычной отличает не только наличие второго дна, а и всевозможные культурные отсылки и референсы. В своей картине дель Торо отдает дань почтения абсолютно всем видам искусства 60-х годов: музыке, кино, архитектуре, танцам и даже кулинарии. Порой картина выглядит как натуральный Ла-Ла Ленд, конвертируя типичный мелодраматический сюжет с нетипичными героями в самый настоящий мюзикл, где немая героиня Элайза танцует со своим другом-художником, мурлыкает понравившуюся мелодию в душе и время от времени ходит в кинотеатр, что расположен под ее квартирой, на киноклассику 60-х «Историю Руфь» и «Марди Гра». Вроде бы мелочи, но стараниями мексиканца зритель глубже погружается в атмосферу дождливого Балтимора и сильнее начинает переживать персонажам этой фантасмагории.

Кстати о них. Как и подобает дель Торо, главные герои «Формы» это самые настоящие отщепенцы и лузеры, которых общество не принимает по какой-то причине. Удивительно, но именно в этих персонажах человечности оказывается больше, чем в ком-либо и именно на их плечи взваливается ответственность спасти не только уникальное по всем параметрам создание, но и чувства влюбленных. И пускай плечи эти слабые, зато сердца у их владельцев сильные. Не внешний вид, а именно гуманность и способность прийти на помощь тому, кто в ней нуждается, по мнению дель Торо, отличает чудовище от человека. Данную мысль ��ежиссер доносил и в своих прошлых работах, однако именно здесь она обретает наиболее цельную форму и является основополагающей для понимания всей истории.

Символизм нового фильма дель Торо в несколько раз превосходит его предыдущие ленты. Так, помимо Чудовища, вобравшего в себе огромное количество черт разнообразных монстров, главная героиня Элайза является одной масштабной аллюзией на Русалочку. Она не имеет голоса, зато прекрасно ходит и даже танцует; ее влечёт вода, плюс в младенчестве ее нашли у берега реки; а также шрамы на шее явно отсылают к жабрам, хотя их происхождение так и останется загадкой. Дель Торо не просто показывает лавстори двух разных существ, а и заставляет зрителя думать и искать скрытые ответы. Ресерч в подобного рода кино - это то, за что декодеры любят фильмы мексиканца, ведь копаться в них - сплошное удовольствие.

В одном из интервью дель Торо сказал: «Понимаете, «Лабиринт Фавна» - это колыбельная, а «Форма Воды» - песня. Я порой создаю безумные симфонии». И в этом постановщика трудно упрекать. Лента получилась тонкой и изысканной, как сентиментальная и трогательная композиция. Видеть от мексиканца мелодраму поначалу дико, однако, стоит признать, что и с этим чувственным жанром мексиканец справился на ура. Режиссер утверждает, что любовь, она как вода - может принимать абсолютно любую форму. И снисходительно-презрительное выражение «Любовь зла - полюбишь и козла» в интерпретации дель Торо принимает куда более добрый, романтический и альтруистический характер.

9/10

[kinostorm]

“Oh, hi Mark!”: как “Горе-Творец” Джеймса Франко отдает дань уважения культовой “Комнате”

Абсурдно про абсурд

Всем известный парадокс «настолько плохо, что даже хорошо» всегда работает в арифметической, а то и даже геометрической прогрессии - чем хуже, тем лучше. В свою очередь человеческие вкусы совершенно не знают границ - на любую, даже самую странную и безумную вещь обязательно найдутся свои поклонники. В принципе, то же самое произошло и с культовой «Комнатой» Томми Вайсо. Фильм 2003 года был настолько плох, что находился натурально за гранью добра и зла, а в эпоху интернета слава, обрушившаяся на этот «шедевр», оказалась поистине масштабной. Поспособствовал этому небезызвестный Ностальгирующий Критик и, как говорится, «понеслась»: мемы, пародии, разбор цитат и просто слепое поклонение. Однако одно дело посмеяться, а другое - создать «памятник нерукотворный» тому, что этого, по мнению многих, заслуживает. И рассказать о жизни эксцентричного актера/режиссера/сценариста/продюсера мог только точно такой же эксцентричный актер/режиссер/сценарист/продюсер - Джеймс Франко. Итак, «Горе-творец».

Сам Томми Вайсо – настоящая загадка. Как гласят финальные титры франковской ленты, никто до сих пор не знает, откуда он родом, где достал деньги на съемки и сколько ему лет. Сам он утверждает, что приехал в Калифорнию из Нового Орлеана, хотя есть свидетельства о Польше. Он говорил, что в 2003 году ему было 34, хотя могло быть и около 50. Некоторые участники того съемочного процесса вообще были уверены, что Вайсо имел связи с мафией, а весь фильм был прикрытием для отмывания денег. Что из этого правда, а что ложь - неизвестно. Но именно этот ореол таинственности подарил «Комнате» и Вайсо статус «культовых». Расскажи Томми все о себе - и вся эта мистика тут же бы развеялась. Для Франко было важно сохранить эту загадочность и, не смотря на то, что его персонаж является ключевым в “Горе-творце”, никаких новых фактов о Томми мы не узнаем. Зато можем увидеть воочию, как он жил и вел себя - по словам самого Вайсо в интервью Джимми Киммелу, Джеймс попал в образ на 99,99%.

И это не просто лестные слова, а настоящая правда. Сцены после титров, в которых одновременно показывают оригинальные кадры и переснятые Франко, отчетливо дают понять, что при создании «Горе-творца» было вложено титаническое количество сил, а сам фильм можно по праву считать магнум опус Джеймса как актера и режиссера. Вайсо в исполнении Франко получился настолько беспрецедентным, что разница заметна совершенно минимальная. Он будто заражает всех сумасбродством, отчего сначала смотришь на него, как на пришибленного, а спустя всего пару минут не можешь оторвать глаз и внимаешь каждое слово. Игра Джеймса вышла нестандартной, гипнотической и завораживающей, и вся эта нетривиальная со всех сторон роль вполне может стать для артиста важнейшей в карьере – полученный Золотой глобус тому главное подтверждение.

Франко проносится по всем знаковым и культовым сценам «Комнаты», показывая, что же на самом деле происходило в тот момент с иной стороны камеры. И, как оказывается, страсти на съемочной площадке разгорались не меньше тех, что Вайсо показал в своем главном творении. Спойлерить - грех, но приоткрыть завесу тайны все же хочется: Томми, как оказывается, в реальной жизни был ещё более странным, чем на экране, а его выходки всегда граничили между гениальностью и безумием. И после просмотра понимаешь, что за внешностью зомби и восточноевропейским акцентом скрывался обычный ребенок в теле взрослого, который жил мечтой и делал все, чтобы ее воплотить в жизнь. Объективно говоря, у него это не получилось: «Комната» заслуженно считается одним из худших фильмов в истории кинематографа, но с другой стороны, человек поставил перед собой цель и, не имея даже толики таланта, сотворил классику абсурдизма, сам того не понимая. Мечтателям улыбаются звезды, пускай иногда криво и не всегда вовремя.

Но Томми никогда не стал бы легендой без своего лучшего друга Грега Сестеро, который, как преданный летописец, написал книгу о «подвигах» своего товарища, что собственно и легла в основу ленты Франко. И здесь Джеймс отрывается на полную, взяв себе в сайдкики своего же младшего брата Дэйва. В итоге «Горе-творец» выглядит как самый настоящий бадди-муви, в котором главные герои несутся по голливудским студиям и декорациям, дав друг другу «краба», а взаимоотношения Вайсо-Сестеро показываются настолько приторно-дружескими, что их охарактеризовать можно не иначе, как «тупой и еще тупее». Вот только менее умилительными и уморительными они от этого не становятся.

Продемонстрированный в «Горе-творце» процесс создании «Комнаты» - это тот самый случай, когда говорят «все горохом об стену»: в Вайсо не верили, отговаривали, а во время съемочного процесса и после - так и подавно смеялись. Но история Томми, показанная Франко, доказывает, что даже самую твердую стену можно и горохом пробить, если забить на законы физики, законы жизни и вообще забить на все, всех и делать по-своему. Истина вроде банальная и обласканная миллионом голливудских жвачек сотни тысяч раз, но она сама от этого хуже не становится. Так что, мечтайте и идите к своей мечте. Даже, если у вас совершенно отсутствует талант, как у великого и ужасного Томми Вайсо.

О, хай Марк!

8,5/10

[kinostorm]

“Звездные войны 8”: Последние Джедаи наносят ответный удар

Один из лучших фильмов саги за все время

Новости о создании новейшей трилогии «Звездных войн» были восприняты фанатами  в свое время с неистовым восторгом. Однако после непрекращающегося обсасывания трейлеров, информации, концептов и прочего, еще до релиза «Пробуждения силы» все это вылилось в своеобразную киноманскую преждевременную эякуляцию. И объективно неплохое кино фанаты разнесли в пух и прах, сетуя на почти что дословное копирование «Новой надежды». Но за вечными спорами в духе «изнасиловал ли Абрамс канон или нет?» люди банально не заметили той самой сказки, которой «Звездные войны» всегда и были. Эпичной, захватывающей и вдохновляющей.

В свою очередь «Последние джедаи» это, если угодно, своеобразная работа над ошибками для тех, кто остался недоволен седьмым эпизодом. Перенявший пост режиссера Райан Джонсон чуть ли не с лупой прошелся по каждой секунде хронометража предыдущей части, проанализировал ошибки своего предшественника и докрутил все то, что надо было докрутить. В итоге восьмой эпизод оказался чуть ли не лучшим во всей серии и за все время, разве что, немного уступая «Империя наносит ответный удар». Не хватало драмы? Здесь ее предостаточно. В «Пробуждении силы» были слабые космические битвы? Здесь их полно и выполнены они просто великолепно. Ждали развития персонажей? Они вас удивят.

Герои «Последних джедаев» - основная движущая сюжет сила. Рей начинает свое обучение у Люка и демонстрирует зрителю, что способна на великие вещи, а внешнее обаяние Дэйзи Ридли идет ее персонажу только на пользу – на эту девчушку со световым мечем просто любо-дорого и приятно смотреть. Финн доказывает, что обладает смекалкой, смелостью и преданностью. Возвращение Люка Скайуокера получилось по-настоящему эпичным и крутым, а Марк Хэмилл все такой же badass, что безумно приятно осознавать. Но самым значительным метаморфозам подвергся главный объект насмешек и критики предыдущей серии – Кайло Рен. Персонаж Адама Драйвера будто радиоактивный изотоп – он настолько нестабилен, что до конца не понимаешь, то ли он когда-нибудь успокоится, то ли в конечном итоге взорвется и худо будет абсолютно всем. Постоянные метания Рена и его бэкграунд добавляют ему второе дно, и следить за трансформацией личности злодея становится куда интереснее, чем за любым из всех положительных героев. Персонаж Драйвера олицетворяет всю центральную идею, заложенную в данный эпизод: впервые за всю историю «Звездных войн» закрадываются сомнения в том, что весь тамошний мир делится на абсолютно светлое и черное. Рен доказывает обратное: в мире далекой-далекой галактики есть и много оттенков серого, а место во вселенной зависит сугубо от выбора. Если раньше вас раздражало, что он такой истерик и неудачник, то в этот раз Кайло становится по-настоящему глубоким и интересным героем.

И именно он является причиной главного твиста восьмого эпизода. Такой сюжетный поворот сам по себе не особо впечатляющий, но, учитывая коммерческую подоплеку и беспрекословное следование выверенной маркетинговой формуле Диснея, кажется, что Джонсон совершил подвиг. Ему хватило смелости сделать так, что в девятом эпизоде расстановка сил кардинально изменится. Как с этим будет справляться Абрамс – одному богу известно.

«Последние джедаи» - настоящий топовый киноаттракцион, который можно посмотреть и запастись впечатлениями на несколько недель вперед. Режиссер Райан Джонсон сотворил, кажется, невозможное, и обошел львиную долю всех остальных фильмов саги по части режиссуры, постановки и креатива. «Звездные войны» возвращаются. Возвращается и праздник, который приносят с собой фильмы этой саги. И если вы еще не успели составить свой топ-10 лучших фильмов 2017 года, то забронируйте место для «Последних джедаев». Не прогадаете.

9/10

[kinostorm]

Топ-5 сериалов 2017

Пятерка лучших тв-шоу уходящего года

5). Нарко (3 сезон)

Лишившись главного козыря в лице Пабло Эскобара, сериал «Нарко» рисковал либо провалиться в пучине производственного ада, либо превратиться в антологию и рассказать другую историю про наркокартели с другими персонажами. Но создатели тв-шоу поступили куда более смело: они решили продолжать сюжет и доказали зрителю, что даже после смерти самого известного в мире наркобарона происходило еще очень много интересных событий. Да, без блистательного Вагнера Моуры сериал потерял изрядную долю шарма, но именно поэтому шоураннеры наделили новый сезон еще более насыщенным повествованием и экшеном. Здесь всевозможных событий на единицу хронометража раза в три больше, чем в предыдущих сезонах и именно это заставляет приковать свой взгляд к экрану до самого конца. «Нарко» снова доказал, что является для Netflix флагманом, и пока сервис будет дальше вкладываться в подобные проекты, им можно простить скучнейшие шоу по типу «Железного кулака» или «13 причин почему».

4). Охотник за разумом

Если вы большой любитель картин Дэвида Финчера, то пропускать «Охотник за разумом» будет сравни преступлению. А если вы буквально помешаны на маньяках, убийцах и девиантной психологии, то и вовсе – самоубийство. «Майндхантер» это отличный, крепкий, неглупый детектив-триллер, в котором много размышлений, много диалогов, много рутины и мало, собственно, кровавых убийств. На словах звучит скучно, зато именно такой подход позволяет мозги зрителя работать, а не эмоционально отвлекаться на жестокость. Именно это качественно выделяет сериал среди своих аналогов, а фирменная финчеровская эстетика придает данному тв-шоу по-киношному качественную картинку, цветокоррекцию и сценарий. Такого вовлечения в сам процесс расследования зритель еще никогда не получал со времен эталонного первого сезона «Настоящего детектива». А это многого стоит.

3). Легион

«Легион» - наверно самое недооцененное тв-шоу в этом году, виной чему послужил его ранний релиз. Выйдя в начале февраля и закончившись в середине марта, сериал успел подзабыться массовому зрителю к концу года. Зря. Шоураннер Ной Хоули (создатель всеми любимого «Фарго», третий сезон которого вышел тоже вполне крепким) не только отлично прописал совершенно незнакомую для себя вселенную, но и представил ряд действительно интересных постановочных решений. В итоге обычная комиксовая история про мутанта из Людей Х превращается в эдакий супергеройский аналог нолановского «Начала», где главные герои путешествуют не в какие-то другие страны или локации, а прямиком в глубины подсознания одного из них. А что там творится – просто не описать словами. «Легион» это лучший старт из всех тв-шоу, выходивших в этом году в плане продуманности сценария и постановки. И даже если вы воротите нос от Марвел, Людей Х, мутантов и всей остальной супергероики, все же дайте шанс «Легиону». Вполне вероятно, что вы не только не разочаруетесь, а останетесь в восторге.

2). Мистер Робот (3 сезон)

За последние 3 года «Мистер Робот» прошел путь от идейного наследника «Бойцовского клуба» и «Декстера» до совершенно уникального проекта, аналогов которому не существует в данный момент на тв. В триквеле сценарий, кажется, достиг новой вершины, а с точки зрения повествования и всевозможных режиссерских фишек каждая последующая серия отличается от всех предыдущих. Шоураннер Сэм Эсмейл помещает своих персонажей во все более безумные ситуации и с научной дотошностью исследует их поведение. Сюжет мало того, что имеет интригующую концовку, так еще и по ходу сезона успевает несколько раз развернуться на 180 градусов, одаривая зрителя неожиданными поворотами. Что у Эсмейла творится в голове – только ему и известно, однако кажется, что постановщик отчетливо представляет, как закончить свое детище, несмотря на обилие всевозможных твистов. Как скоро финал шоу случится – пока что неизвестно. Зато можно вдоволь насладиться потрясающим третьим сезоном хакерского триллера  прямо сейчас.

1). Твин Пикс

«Возвращение легенды», «Спустя 25 лет», «Мы снова в Твин Пиксе» - гласили громкие заголовки киномедиа при выходе третьего сезона все��ародно любимого тв-шоу. Вот только дело в том, что новый «Твин Пикс» не про туманный городок, не про его жителей и даже не про убийства. Это безумный гениально-шизофренический 19-часовый фильм a.k.a. портал прямиком в мозг Дэвида Линча, если угодно. «Твин Пикс» можно разбирать на киноцитаты и аллюзии буквально покадрово, но большую часть времени зритель будет совершенно не понимать происходящего на экране. Триквел рушит все привычные каноны сюжетостроения, сценария, режиссуры и постановки, собственно, поэтому он так трудно и воспринимается. Однако будьте уверены, Линч своим сериалом снова создал абсолютно уникальные тренды, которые впоследствии будут цитироваться многими именитыми режиссерами. Мэтр не возродил в нас чувство ностальгии, не дал ответы на все интересующие вопросы и не рассказал новых историй из жизни маленького городка, зато он где-то заставил нас смеяться, где-то с интересом следить за отменным детективом, а где-то – застыть от сильного испуга. Линч на протяжении 19 часов с надменной ухмылкой виртуозно играет на наших с вами чувствах и эмоциях, а мы, собственно, ничего с этим и не можем поделать. Разве что прильнуть к экрану, погрузиться в безумный психоделический транс и только по окончанию хронометража вернуться в реальный мир. Сериалов, сродни третьему сезону «Твин Пикса» никогда не было и больше никогда не будет. Поэтому нам представляется уникальный шанс словить важнейший в тв момент.

[kinostorm]

Топ-10 фильмов 2017 года

Десятка лучших фильмов этого года

10). Оно

По мнению многих, хорроры в последнее время свернули совершенно в другую сторону: вместо саспенса киноделы наполняют свою ленты огромным количеством скримеров и бу-эффектами. Однако 2017 вышел действительно плодовитым на фильмы ужасов и если идущие ниже по списку «мама!» и «Прочь» являются жанровыми экспериментами, то «Оно» Андреса Мускетти – это, считайте, возвращение к истокам. Картина получилась невероятно приятной глазу в первую очередь потому, что она развлекает. Будто комната ужасов в лунапарке, где вас везут по коридору с нелепыми чучелами: немножко страшно, немножко весело и бесконечно интересно. Мускетти выдерживает практически идеальный баланс между саспенсом и сюжетным умиротворением, напрягая и расслабляя зрителя и искусно чувствуя психологию момента. Помимо этого, здешние актерские работы выше всяких похвал: дети играют суперкачественно, но гвоздем программы здесь является Билл Скарсгард, Пеннивайз которого вышел одновременно леденящим кровь и гипнотизирующим. От этого размалеванного крипового клоуна практически невозможно отвести глаз. Собственно, как и от самого фильма, буквально проглатывая каждую сцену с огромным кинематографическим голодом.

9). Стражи Галактики. Часть 2

В этом году Марвелы представили 3 замечательнейших фильма: «Стражи Галактики. Часть 2», «Человек-паук: Возвращение домой» и «Тор: Рагнарек». И абсолютно каждый из них заслуживает места в топе лучших фильмов года, однако с небольшим отрывом «Стражи» все-таки обогнали своих конкурентов. Лента про космических искателей приключений оказалась более цельной, чем сольник Паучка и более тонкой, чем «Рагнарек». Калейдоскоп всевозможных миров, отличные спецэффекты, юмор на грани фола (от, неожиданно, Дракса), развитие старых персонажей, появление новых и безграничная любовь к культуре 80-х, сочащаяся буквально из каждой сцены – достоинства «Стражей» можно перечислять десятками. Блокбастеры редко когда наделены вторым дном, но запредельно высокое качество развлекательного кино позволяют им встать на один уровень с лучшими из лучших. А «Стражи Галактики. Часть 2» - определенно лучший блокбастер в этом году.

8). Окча

Второй корейско-американский проект режиссера Пон Джун-хо «Окча» является, по сути, типичной диснеевской историей с примесью азиатской экстравагантности. История рассказывает о взаимоотношениях простой фермерской девочки и огромной свиньи, вокруг которых кружат то злобные и бесчувственные корпорации, то совершенно поехавшие  защитники природы, то еще невесть кто. Все это выливается не то в фарс, не то в поучительную истину, не то в злобную сатиру на современные тренды о защите братьев наших меньших. В принципе, Пон Джун-хо выводит довольно банальную мысль о том, что мы отвечаем за животных и ни в коем случае не должны вредить им, но в то же время постановщик проводит зрителя через самое настоящее экранное безумие, где спасти здоровенную хрюшку героям будет не легче, чем сохранить собственный рассудок. В итоге картина получилась немного инфантильной, немного наивной, но с правильным посылом и корейским нестандартным подходом к режиссуре, что может заинтересовать как детей, так и взрослых.

7). мама!

Один из самых спорных фильмов 2017, который все же заслуживает быть в топе. Это предельно злое, жестокое и неуютное кино, которое не собирается даже цацкаться со зрителем, а с остервенением швыряет его сознание о жанровые рамки. Вроде хоррор, но скорее отталкивает, чем пугает; вроде драма, но слишком много страданий; вроде мистика, но ответа в конце вы так и не получите. Хотя этого и не надо – Аранофски является таким же любителем библейских отсылок, как и Зак Снайдер, но в этот раз постановщик решил сделать всю свою ленту одно сплошной отсылкой. Естественно, это может многим не прийтись по вкусу, однако данный симбиоз совершенно уникален и второго такого проекта, как «мама!» вы вряд ли найдете. И именно благодаря ему, Аранофски еще раз подтвердил, что узкожанровое авторское кино ему удается куда лучше, чем, так называемые, умные блокбастеры.

6). С любовью, Винсент

Картине «С любовью, Винсент» трудно дать с самого начала какое-то привычное определение: вроде не совсем мультфильм, но и полноценным фильмом назвать его нельзя. Это, скорее, натуральные ожившие полотна, которые сменяют друг друга практически незаметно, имеют хронометраж и даже вразумительный сюжет. Каждый кадр был полностью нарисован масляными красками и только это уже вызывает абсолютное восхищение трудом создателей. Картина рассказывает о великом художнике в детективном ключе в его же манере и технике и, сдается, это наилучший способ отдать честь нидерландскому гению, который только можно представить. Собственно, про «С любовью, Винсент» трудно что-то рассказывать, а хочется произнести простую и банальную фразу: это надо видеть. Потому что, не смотря на огромное количество всевозможных прилагательных в русском языке, передавать словами всю красоту здешнего видеоряда будет попросту кощунственно.  

5). Т2: Треинспоттинг (На Игле 2)

Экранизация романа «Порно» Ирвина Уэлша «Т2: Треинспоттинг» - уникальный фильм по двум причинам. Во-первых, наши локализаторы наконец-то не стали изобретать велосипед с названием и просто перенесли его с оригинала транслитерацией. Во-вторых, фильм про наркоманов, подлецов, маргиналов и попросту мразей получился удивительно трогательным. Создается такое впечатление, будто через много-много лет встретил своих старых знакомых, а оказалось, что один из них кинул кого-то на бабки, другой сторчался, а третий вовсе отсидел. Дэнни Бойл насыщает свой фильм сумасшедшей эмпатией, от чего сопереживать начинаешь совершенно всем персонажам, не смотря на то, что все они далеко не ангелы. Это фильм об утерянных возможностях и о попытке эти возможности снова найти. Вот только до самой последней минуты, главные герои так и не поймут, что их поезд давным-давно ушел и им остается только провожать его взглядом, пока тот уносится вдаль. Грустно, но правдиво и жизненно.

4). Прочь

Сатирический хоррор – звучит само по себе необычно. Особенно, если это касается проблематики расизма. Но режиссерский дебют комика Джордана Пила, по сути, таковым и является. «Прочь» был обласкан мировыми критиками с ног до головы: из 292 рецензий только 2 отрицательных. Откуда такая аномалия? Просто дело в том, что до Пила вопрос толерантности никто так и под таким углом не рассматривал. Постановщик заставляет нас бояться не монстров, не демонов и не приведений, а таких же людей, как и мы. Вот только Пил считает, что хуже расистов, которые принижают права чернокожих, могут быть только белые, которые черных безумно обожают. Комик уверен, что эти люди сродни фанатикам, которые разжигают огонь на другом конце факела. Поэтому феномен картины «Прочь» заключается в том, что, казалось бы, совершенно разные тематики здесь уживаются в одном «флаконе» совершенно органично. Место в топе: за новаторство.

3). Малыш на драйве

Мы все привыкли, что музыка в кино служит лишь сопровождением и только мюзиклам кое-как удалось совместить эти два вида искусства. А что такое «Малыш на драйве»? Правильно, это все тот же самый мюзикл, в котором музыки столько же, сколько и диалогов, экшн-сцен и персонажей. То, как режиссер Эдгар Райт накладывает каждую композицию на повествование, как в этом участвует монтаж и как каждый трек взаимодействует с придуманным создателями миром, вызывает неконтролируемый эстетический экстаз. «Малыш на драйве» это, если угодно, «Драйв» от мира «Ла-Ла Ленда», а криминальные боевики еще ни разу не скрещивались с мюзиклами, да к тому же так креативно, уместно и необычно. Однако, увы, не смотря на популярный жанр, это кино не для массового зрителя. По достоинству «Малыша» оценят в первую очередь те, кто поедает каждый кадр глазами и ушами, и для кого важнее мелкие детали и тонкие режиссерские фишки, чем сюжет. В свою очередь и Райту важнее не рассказать закрученную криминальную историю, это все отводится им на второй план, а скорее доказать, что нет безвыходных ситуаций. Нужно просто найти подходящий трек.

2). Логан

Для многих именно «Логан» стал лучшим кинокомиксом в этом году. Стильный, жестокий, с отличными актерскими работами и неплохим сценарием фильм о постаревшем мутанте, знакомом с детства, привлек внимание многих. Но почему-то не смотря на комиксовое происхождение, называть его «кинокомиксом» язык не поворачивается. «Логан» это в первую очередь драма. Драма об ушедшей молодости, о рефлексии по былым славным денькам и о деяниях, которые в свое время совершил или не совершил. Картина является настоящим бенефисом Джеймса Мэнголда как режиссера и Хью Джекмана, как актера, представляя тандем двух действительно вовлеченных в историю профессионалов. Это грустное, тонкое и почти интимное прощание с любимым когтистым героем, которого мы вряд ли еще увидим на экранах. И от осознания этой мысли на душе становится как-то непреодолимо грустно.

1). Бегущий по лезвию 2049

Мощный, монументальный, отчужденно-холодный «Бегущий по лезвию 2049» это не киберпанк-блокбастер, а многомиллионый артхаус, у которого очень высокий порог вхождения. К такому повороту были готовы не все, однако фанаты оригинальной ленты Ридли Скотта по достоинству оценили картину Дени Вильнева. «2049» идеально проводит вселенную «Бегущего по лезвию» через отрезок в 35 лет, но не пытается никому угодить: Вильневу важнее рассказать новую историю и поделиться своим видением вселенной, чем развлечь. Такой дерзкий и отчасти эгоистичный подход вызвал стойкое отторжение у целой прослойки зрителей. Однако за обвинениями в гигантском хронометраже и вялом повествовании противники фильма не заметили огромного количества отсылок (Набоков, «Остров Сокровищ» и даже «Процесс» Кафки»), важные проблематики о правах человека (и человекоподобных созданий), а также бесконечно красивую картинку, созданную трудом великого оператора Роджера Дикенса, который впервые за 13 номинаций все же может получить заветную оскаровскую статуэтку. «Бегущий по лезвию 2049» это фильм-испытание, который доступен не всем, но который абсолютно каждый должен пройти для лучшего понимания киноискусства.

[kinostorm]

Несправедливость. Почему “Лига Справедливости” - очередной провал DC

Лучше, чем БпС, но все еще плохо

Отличительной чертой издательств DC и Marvel является то, что первые, в отличие от вторых, старались не воровать героев, сюжеты и стилистику у своих прямых конкурентов, а шли своим путем – за это, собственно, и любимы фанатами. Иронично, но при появлении киновселенных ситуация кардинальным образом поменялась – теперь Марвелы поставляют самый изобретательный, веселый и развлекательный супергеройский кинопродукт, а Warner Bros и DC – неумело подражают им.

Причина, скорее всего, в студийных боссах, которые хотят все и сразу, но не совсем понимают, как это сделать. Они гонят в шею сценаристов, следят за каждым шагом режиссеров и пресекают на корню любые творческие эксперименты. Как итог – серый «Человек из стали», структурно разваливающийся «Бэтмен против Супермена» и бесконечно провальный «Отряд самоубийц». Аномальная адекватность «Чудо-женщины» обязана не простому сюжету (где накосячить надо было еще постараться), а всеобщему хайпу, который подняли западные кинокритики и вознесли, по сути, проходной блокбастер на волне феминизма до чуть ли не главного супергеройского фильма года. И раз уж сольник про Диану Принс так всем понравился, ситуацию надо было срочно укреплять, а дополнительным спасательным кругом должна была стать «Лига справедливости». Но  все опять пошло не по плану.

«Лига» или «Мстители от DC» - это очень неровное, шероховатое и грубое кино, которое скачет от сурового мрачняка со слоу-мо до развлекательных шутеек в марвеловском стиле. Сказалось привлечение сразу двух режиссеров (Снайдер, как известно, покинул проект из-за смерти дочери, поэтому Ворнеры пригласили Уидона), один из которых дальше гнул линию строгого пафосного киноэпика, а другой – развлекательного и веселого кинокомикса. Проблема в том, что куски разных постановщиков заметны невооруженным глазом и поэтому фильм воспринимается как монстр Франкенштейна: что-то взято от Зака, что-то от Джосса, что-то пропихнули навязчивые продюсеры. Попытка облегчить  снайдеровское повествование и разбавить его непринужденным стилем Уидона абсолютно проваливается – досъемки и пересъемки сразу означают приговор.

Помимо рваной режиссуры и монтажа, в ленте серьезные проблемы с хронометражем. Попытка DC угнаться за Марвел настолько абсурдна, что это даже уже не веселит, а попросту бесит. На знакомство зрителя со всеми героями «Лига» убивает целый час повествования и за это время, будьте уверены, вы не раз покоситесь на часы, а то и вовсе уснете. И если самые стойкие все-таки разберутся кто такой Аквамен или Флэш, то Киборг, например, останется загадкой. Этот персонаж настолько сер и невыразителен, что выглядит он попросту чуждо и лишне. Аналогично безликим вышел и злодей Степпенвульф, который злой только потому, что злой. Гениальная мотивация.  

Черт его знает, как так получилось, но с другой стороны «Лига» обладает какой-то своеобразной харизмой. Во время просмотра в кинозале даже лупа не нужна – ляпы картины сами лезут в глаза, но настроение при окончании сеанса веселое и приподнятое, будто посмотрел крепкое, неплохое марвеловское кино. А все потому, что блокбастер в нужных местах работает как надо: там, где задумывалось весело – будет весело, где мощно и захватывающе – будет мощно и захватывающе. Это наводит на мысли о том, что с большой долей вероятности «Лига» могла бы получиться действительно отличным кинокомиксом и лучшим фильмом DC, который бы реанимировал всю киновселенную, если бы ее снимал один режиссер, а не два. Увы.

У DC не получилось сделать свой аналог «Мстителей», потому что студия ведома желанием в первую очередь заработать денег. В Marvel давно просекли, что если не давать творческой свободы режиссерам, то вселенная может быстро загнуться, а вот до студийных боссов Warner Bros эта истина походу так и не дошла. Осознавать то, что студия, по сути, топит безумно перспективную вселенную и режиссерские таланты из-за собственной меркантильности попросту больно. И не смотря на некоторые положительные аспекты, кино получилось слишком рассыпчатым и слишком неровным. Дружеский совет – «Лигу справедливости» смотреть только на свой страх и риск, но лучше сходите второй раз на «Тора» - «Рагнарек» скоро соберет миллиард, что само по себе уже показательно.

5/10

[kinostorm]

“Тор: Рагнарек”: Божественная комедия

Безумный триквел приключений Сына Одина

Давайте говорить начистоту: из всех Мстителей Тор был вторым самым скучным персонажем после Капитана Америки. Он не обладал харизмой Железного Человека, джекиллохайдовским бэкграундом Халка, смекалкой Соколиного Глаза или внешним обаянием Черной Вдовы. Не спасали ситуацию и сольники: первый фильм был скучным и серым, второй - каким-то нелепо пафосным и претенциозным. Но в Marvel сидят не дураки, а Кевин Файги, который быстро смекнул, что с третьим по значимости Мстителем нужно что-то делать. И отдал бразды управления новозеландцу Тайке Вайтити. А тот все взял, и перевернул с ног на голову. Забегая наперед: получилось ярко. Во всех смыслах.

Помните, летом 2015 на YouTube появился сумасшедший короткометражный экшен “Kung Fury”? Так вот, “Тор: Рагнарек” - его духовный наследник. Те же самые скандинавские боги, те же самые бластеры и лазеры, та же визуальная кислотность, тот же ретро нью-вейв в качестве саундтрека. Не хватает разве что стреляющих из глаз технорапторов, фильтров а-ля “90-е” и кунг-фу приемов от самого Тора. Но, сдается, что если бы Вайтити получил полную власть над проектом, то и им бы он нашел место. Режиссура новозеландца действительно вдохнула жизнь в историю о Боге Молнии и подарила ему какую-никакую харизму. И пускай у Тора это получилось намного позже, чем у Зануды Мстителей №1 Капитана Америки (вспоминаем неплохие “Зимний солдат” и “Противостояние”), зато в разы ярче, веселее и креативней. Картинка - сочная, экшен - драйвовый, приключения - захватывающие.

Да. главный твист тут заключается в том, что главгады разрушили молот Тора. Да, это было проспойлерено миллион раз в трейлерах. И удивленный зритель может спросить “Ну какой Тор без своего молота?!”. Еще какой. Парадоксально, но именно в “Рагнареке”  герой Криса Хемсворта становится по-настоящему badass, при этом лишившись своего главного оружия и по совместительству отличительной черты. Однако потеряв молот, Тор приобрел друга. Халк здесь - не просто сайдкик, а полноценный главный герой, который не просто “заскочил на огонек”, а развился в характере. Теперь увалень умеет кое-как членораздельно говорить и формулировать свои мысли. И, казалось бы, это просто очередная фича для проявления комедийного эффекта, однако именно с помощью нее характер Халка получает глубину. Удивительно то, как Вайтити смог реанимировать и зеленого гиганта, потому что весь “Рагнарек” это не сольник Тора, а скорее настоящий бадди-муви, в котором супергерои-напарники спасают вселенную с шутками, прибаутками и просто улыбками на лицах.

Кстати, многие сетуют как раз на это. “Тор: Рагнарек” действительно переполнен гэгами, от обилия которых под конец уже устает улыбаться челюсть. Однако, если вы высидели “Стражей галактики” с глуповатым выражением лица и не умерли, то бояться нечего. От шуток “Тора” устаешь и это факт, однако стоит признать, что чувство юмора у Вайтити (собственно, как и у Ганна) превосходное: он смешивает и разговорные гэги, и ситуационные, и разрывы шаблона, и абсурдные шутки, и даже несколько на грани фола. Всего понемногу, но разнообразие впечатляет.

Вполне возможно, что смена вектора сольников о Торе на более комедийный и развлекательный в перспективе негативно скажется на развитии киновселенной, особенно в преддверии “Войны Бесконечности”. Возможно, создателям следовало дальше гнуть линию технофэнтези и искать уникальность истории о Сыне Одина именно там. Возможно, стоило вовсе остановиться на втором фильме. Но скучная аналитика и рассуждения в стиле “если бы, да кабы…” очень слабо вяжутся с последними фильмами Marvel. С яркими, веселыми, впечатляющими фильмами. Так что получилось, как получилось. И поэтому прямо сейчас не стыдно сказать: “Рагнарек” - лучшее, что случалось с Тором.

8/10

[kinostorm]

Уже не Очень Странные Дела

Второй сезон нашумевшего тв-шоу

Первый сезон «Очень странных дел» оказался настоящим открытием для большого количества сериаломанов. Не сказать, что братья Дафферы изобрели какую-то гениальную формулу, но им удалось собрать воедино множество разных идей и умело объединить их, подав под собственным соусом. Что-то было подсмотрено у Кинга, что-то – у хорроров 80-х, что-то – у Твин Пикса. Сериал пленил сердца двумя характерными особенностями: разнообразием смешиваемых жанров  и любовью создателей к тому, что они делают. И это подкупало. Подкупало настолько, что все шероховатости и неровности (как сценарные, так и режиссерские) были практически незаметны. В одночасье, «Очень странные дела» стали культовыми и Дафферы поняли, что могут не просто продолжить историю, а и создать целую вселенную.

В кинематографе есть одно золотое правило: хочешь снять успешный сиквел – возьми все самое лучшее из первой части и умножь это на два. Существуют, конечно, и исключения, но для развлекательного кино это чуть ли не аксиома. Братья Дафферы это понимали, поэтому пошли по пути максимального расширения: появились новые персонажи, развились характеры старых, монстры стали страшнее и злее, события насыщеннее, а детектив загадочнее. Но, что важнее, зародилась какая-никакая вселенная. Второй сезон преподносит зрителю ряд сценарных решений, из которых можно сделать с дюжину спин-оффов, было бы только желание. «ОЧС 2» проглатываешь залпом, а в конце просишь добавки – настолько все было здорово и вкусно.

Однако стоит только начать глубоко анализировать  сиквел после просмотра, как вся пелена из восторга спадает. За многочисленными восхищенными воспоминаниями «Вот это было круто! И вот то! А вон то вообще отпад!» появляется стойкая уверенность, что сезон мог бы получиться лучше. За двумя зайцами не угонишься и, выбрав стратегию развития «Дел» вширь, Дафферы банально не успели проработать глубину сериала – мешает ограниченная продолжительность. Современное тв задает рамки для своих шоу и выдать сезон с овер десятью сериями будет сравни самоубийству – такое, во-первых, разрешено только фигурам вроде Линча, а во-вторых, зритель банально может устать и дропнуть просмотр на середине. «Очень странные дела 2» жертвуют глубину в угоду хронометражу, ведь нужно умудриться все впихнуть в 9 часов. Сериалы – это, конечно, не американские горки, но и от непрекращающегося потока из событий и экшена может закружить голову и стошнить.

Когда-то Линч в своем «Твин Пиксе» умело ввел сантабарбаровщину и, кажущееся на первый взгляд очередное «мыло», в итоге умело раскрывало персонажей. В «ОЧС 2» есть нечто подобное, у каждого героя в сезоне будет свой маленький бенефис, но продолжается он недолго – поплакали, поговорили по душам, рассказали о своих переживаниях и снова в бой – спасать мир от злобных монстров и правительственных служб. Сперва кажется, что этого достаточно, глупо требовать какой-то запредельной драматургии от развлекательного шоу, но для сериала, который явно метит на звание «лучшего в году» - преступно мало. Особенно, учитывая запросы глубокого зрителя.

Но все равно «Очень странные дела 2» для многих людей - это целое событие. Это праздник. Это умный развлекательный аттракцион, который только увеличит свою армию фанатов. Выпуск сезона в аккурат Хэллоуина, который уже празднуют практически во всем мире – хитрый маркетинговый ход, что позволит массовому зрителю биться в экстазе, а Netflix  лопатами загребать деньги и всеобщее обожание. Мода на гик-культуру даже не собирается утихать и братья Дафферы эксплуатируют ее по полной программе. Однако короновать второй сезон и называть его «лучшим в году сериалом», как это сейчас делают паразиты хайпового мнения, будет попросту преступно. Посмотрели, повеселились, успокоились и пошли дальше по своим делам. До встречи в следующем году.

8/10

[kinostorm]

Гильермо дель Торо: мрачный сказочник современного кинематографа

В детстве мы все любили сказки. Почему? Потому что это увлекательные законченные истории, которые трогали душу не только причудливым фантастическим сюжетом, но и моралью. Сюжет развивал фантазию – главный аспект в развитии любого ребенка, мораль учила жизни. Вот только мало кто знает - те сказки, что мы слышали от наших родителей, были безумно далеки от реальности.

В оригинале они довольно жестокие и мрачные. Педагогически правильного воспитания ребенка тогда и в помине не существовало, поэтому в основе было запугивание. Чем сильнее запугаешь ребенка – тем покорнее он будет слушаться, тем ниже будет его мотивация исследовать окружающий мир. Поэтому в ход шло все, что только можно: ужасные подробности, садистская жестокость, животный страх и так далее. Сказки являлись чистой, концентрированной выжимкой зла и были по сути натуральными хоррорами в словесной форме. Судите сами. Принц, взбиравшийся по косам Рапунцель, сорвался, упал и выколол себе глаза острыми ветками кустарника, что рос у подножия башни. Пускай он потом все равно обрел счастье с волосистой красоткой, братья Гримм не на шутку разыгрались, когда описывали детали такого жуткого ранения. Белоснежку не выходили гномы, они ее держали в заточении и поочередно насиловали. Румпельштильцхен не просто отбирал детей у их матерей, а съедал их живьем, чавкая кусочками мяса, чтобы роженицы могли слышать ужасные звуки. Одна из сестер Ашенпуттель из «Золушки», чтобы влезть в хрустальную туфельку, отрезала себе мизинец, но это ей все равно не помогло. Список можно продолжать бесконечно, но возникает резонный вопрос: почему сказки дошли до нас в настолько «облегченном» виде? Все дело в развитии психологии как науки в ХХ веке. Тогда ученые и педагоги поняли, что столь жестокие рассказы могут травмировать несформировавшуюся психику ребенка, и поэтому сказки было решено упразднить. Но остались люди, которые относятся с глубочайшим пиететом к старому фольклору, пытаясь донести ту мрачную атмосферу до человека нынешнего дня. Один из таких людей – мексиканский режиссер Гильермо дель Торо.

Чтобы понять режиссерский стиль мексиканца, нужно проанализировать то, откуда он черпает свое вдохновение. Во-первых, это мистика. Дель Торо обожает все потустороннее и метафизическое, особенно прозу Лавкрафта и готическую стилистику. Эти два культурных пласта настолько любимы режиссером, что будут встречаться практически в каждом его фильме, даже в кинокомиксах вроде “Хэллбоя” и “Тихоокеанского рубежа”. Во-вторых, это в некоторых местах мощный пацифистский посыл. Нацизм и фашизм - больная тема для Гильермо и они строго порицаются постановщиком, а война так и вовсе преподносится как натуральный ад. В-третьих, самое важное, это любовь к сказкам. Режиссер создает свои фильмы по типу тех самых мрачных и страшных сказок, о которых шла речь выше по тексту. Вот только фильмы дель Торо местами по-настоящему пугают, заставляют сердце уйти в пятки, а волосы встать дыбом - ровно, как и те самые старые сказания, задачей которых было напугать ребенка. Однако в перспективе задачи у постановщика совершенно иные.

Хоррор - новая сказка

Дело Торо использует приемы хоррора не для того, чтобы напугать и, как следствие, оттолкнуть морально. Постановщик идет на такой шаг, чтобы преподнесенная мораль лучше усвоилась. Страх - лучший мотиватор, но дель Торо куда важнее рассказать историю, а не попортить нам всем нервы. Сюжет может быть и не особо сложным в структурном плане, зато этой простотой мексиканец добивается максимального вовлечения от зрителя. Все гениальное - просто.

Самое главное в сказке - это атмосфера. Гильермо из кожи вон лезет, чтобы создать ее: он изобретает фантастические миры, населяет их фэнтезийными персонажами, насыщает невероятными образами и нередко подводит к морали. Некоторые углы постановщик сглаживает, а некоторые наоборот выпячивает. Мексиканцы знают толк в остроте - как в блюдах, так и в историях. И дель Торо, под стать своей национальности, внедряет в свою, так сказать, фейри-тейл элементы хоррора. Миры, не смотря на всю свою фантастичность, зачастую невероятно опасны, а существа являют собой страшных монстров. Неизменной остается только мораль. Такой подход на словах чем-то напоминает режиссерский почерк Тима Бертона, однако у дель Торо есть несколько особенностей, которые отличают его от американца.  Это, как было сказано выше, любовь к готике и произведениям Лавкрафта.

Первый аспект проявляется в архитектуре декораций, второй - в дизайне многих монстров. И в определенный момент режиссер снимает фильмы, которые полностью основаны на них. Готика прямо-таки расцветает у него в “Багровом пике”, а своеобразная ктулховщина монстров берется за основу при создании “Тихоокеанского рубежа”. И где-то посреди этой феерической визуальной и атмосферной вакханалии затерялись обычные люди.

Так уж повелось, что люди у дель Торо оказываются не в доброй, а в злой сказке. Но почему он так поступает? Мизантропия. Режиссер явно недолюбливает нас, но не настолько сильно, чтобы ненавидеть все человечество. Люди для мексиканца - существа, которые не всегда замечают то, что происходит вокруг. Поначалу постановщик поносил род человеческий на чем свет стоит: “Хронос” и “Мутанты” явно выглядят осуждением наших желаний найти бессмертие и подчинить себе законы природы соответственно. Заигрывание человека с вечным, сакральным и метафизическим, по мнению дель Торо, до добра не доведет. В своих поздних работах люди у него зачастую являются ксенофобами, которые мало того, что не хотят видеть ничего дальше своего носа, так еще и отвергают все отличное, как во внешности, так и в взглядах на жизнь. Поэтому главные герои режиссера - это всегда персонажи непонятые, непринятые, отвергнутые всем обществом, не только из-за внешности рогатого демона или человека-амфибии, а и из-за взглядов на жизнь. Так что не заслужили мы пока доброй сказки, наш удел - вариться в этом злобном котле до тех пор, пока не поумнеем.

Война как проявление чудовищной натуры человека

С другой стороны дель Торо нередко затрагивает тему войны. А конкретнее - нацизма и фашизма. Краеугольной для режиссера является диктатура Франко, которая принесла много боли и страдания не только самой Испании, но и всему испаноговорящему населению. Он освещает эту проблематику в двух своих лентах - “Хребет Дьявола” и “Лабиринт Фавна”, где показывает, что какой бы жестокой и мрачной не было сказка, все равно наш человеческий мир будет еще более жестоким и мрачным. Геноцид и военные преступления сильно порицаются постановщиком вплоть до того, что на фоне испанских военных тиранов даже самый страшный и жуткий монстр будет смотреться не так ужасно. А все потому, что психология монстров проста - они, может быть и исчадия ада, но вот только ни один монстр никогда не убьет своего сородича, в отличие от человека. Безумную и безжалостную способность людей убивать своих собратьев просто за идею, режиссер решительно не может принять, поэтому он, как Карлос и Офелия, скорее сбежит в своеобразное Зазеркалье и будет жить среди чудовищ, лишь бы не видеть бездумных преступлений человека против другого человека.

Однако тираны-садисты у дель Торо не только люди и встречаются не только в его испанских фильмах. Режиссер исследовал нацизм как идеологию и в других своих лентах. Так, Карл Рупрехт Кронен и принц Нуада из дилогии “Хэллбой” являются  воплощениями двух самых деструктивных аспектов нацизма: бездумной жестокости и извращенной идеологии соответственно. Первый настолько был одержим ницшеанской философией о создании сверхчеловека, что посвятил всю свою жизнь модификациям собственного тела. Хоть эти изменения и требовали сумасшедшего самобичевания и извращения над собой. В этом персонаже дель Торо показывает, что жестокость, как проявление деструктивной эмоции, разрушительно действует не только на объекта, но и на субъекта. 

В свою очередь принц Нуада не является злодеем как таковым. Это скорее антигерой, который ведом благими намерениями, но использует жестокие и садистские методы для их достижения. Однако вместо направленного отвращения к персонажу, режиссер его скорее жалеет. Дель Торо наделяет Нуаду не только идеологией ура-патриотизма от мира эльфов, но и честью, достоинством, целеустремленностью и стойкостью - черты вполне себе положительного героя. Через принца режиссер доносит до зрителя мысль о том, что реализовать любую идею можно двумя способами: конструктивным и деструктивным. И то, что Нуада пошел именно по второму пути, сильно печалит дель Торо.

Натуралистичность визуализации

Какая сказка без волшебных созданий? А чтобы зритель поверил в фантастических существ, их нужно сделать максимально реалистично. Дель Торо уже приобрел звание мастера визуализации и работы над внешним видом персонажей по той причине, что режиссер использует компьютерную графику крайне редко. Более того, в начале своего творческого пути Гильермо яростно отвергал любое цифровое вмешательство во внешний вид своих героев, а заставлял целую команду гримеров работать вручную. Собственно, дель Торо сам на заре своей кинокарьеры работал гримером для фильмов ужасов, отсюда и такая педантичность. Рон Перлман для воплощения образа Хэллбоя каждый день высиживал несколько часов перед съемками, Люк Госс - аналогично для ролей Джареда Номака и принца Нуады. Но рекордсменом по количеству невероятных перевоплощений у мексиканца является Даг Джонс. Актер сыграл и лавкрафтовских Эйба Сапиена и Амфибию из будущей “Формы воды”, и монстра-таракана, и двух ужасных призраков в “Багровом Пике” . Но своего апогея Джонс достиг в шедевральной картине “Лабиринт Фавна”, где сыграл одновременно ужасного монстра Бледного Человека и, собственного, самого Фавна, обитателя зачарованного лабиринта. Более того, так как фильм был испанским, Джонсу пришлось заучивать реплики своих партнеров, чтобы знать, когда произносить и свои. Такая отдача вкупе с ежедневным наведением марафета по несколько часов, заслуживает как минимум уважения.

Однако даже такой радикальный консерватор как дель Торо в определенный момент сдался. Режиссер признал, что использование компьютерной графики сильно облегчает кинопроизводство и работу над продакшеном персонажей. Поначалу она боязно и аккуратно вводил цифровую обработку в свои фильмы, все еще делая упо�� на использование грима. Но в конце концов с головой окунулся в компьютерную визуализацию. Его “Тихоокеанский Рубеж” с первого взгляда меньше всего походит на типичное творение режиссера: хоть это и тот же самый мономиф, сказкой “Рубеж” можно назвать разве что с натяжкой. Фильм на 40% состоит из нарисованного на компьютере, отсутствует любимая режиссером готичность, а от Лавкрафта позаимствован только внешний вид чудовищ. Но в то же самое время для режиссера “Рубеж” является невероятно личной картиной. Именно здесь он реализовал свои две потребности - бесконечную любовь к японским кайдзю-фильмам и творческую инфантильность. Он мог сделать третью часть “Хэллбоя”, придумать новую готическую историю, но вместо этого постановщик снял блокбастер, где стометровые роботы дубасят стометровых монстров. Дель Торо с детским задором сталкивает между собой двух гигантов и как ребенок радуется, когда огромный трансформер дает по морде очередному местному Ктулху.

Однако, взглянув глубже, “Тихоокеанский рубеж” на самом деле является куда более дельторовским фильмом, чем могло показаться изначально. Помимо страстной любви к фантастическим монстрам и чудовищам, режиссер по-настоящему одержим механизмами. Разного рода устройства появляются во многих его фильмах и рассматриваются как своеобразные символизмы. Так, Хронос из одноименной ленты, воплощает в себе бессмертие и власть над ходом времени, Золотая армия из второй части “Хэллбоя” - несокрушимость и вечность. Но именно в “Тихоокеанском Рубеже” увлеченность режиссера механизмами занимает центральное место. Все роботы Егери детализированы с сумасшедшей дотошностью, визуализирован каждый винтик, каждый поршень, каждая царапина на корпусе машины. Но в то же самое время дель Торо не забывает и о физических декорациях. Например, кабина управления робота была сконструирована в реальности и достигала высоты 5 метров.  В “Тихоокеанском рубеже” постановщик добивается почти что идеальной пропорции между компьютерной графикой и настоящими спецэффектами, окончательно преклоняясь перед возможностями цифровой обработки. Но в сердце мексиканца навсегда останутся реальные спецэффекты - трудоемкий гримм и построенные вручную декорации.

Несбывшиеся проекты

Больнее всего становится от осознания того, что дель Торо мог бы снять куда больше фильмов, чем мы имеем сейчас. Мексиканец - настоящий трудоголик и может хоть каждый год выдавать мощные картины, однако на деле имеем 1 фильм в 2 года. ��жидание нового дельторовского кино можно скрасить его продюсерскими проектами, однако это все равно будет “не то”. Причина? Как всегда и у всех: деньги. Гильермо будет снимать, но только на своих условиях, а большинство студийных боссов условия сами мастаки ставить. С одной стороны такая упертость нам только в радость: режиссер делает такое кино, какое хочет. С другой - из-за твердой позиции постановщика мы не увидели (и вряд ли вообще увидим) ряд совершенно потрясающих лент. Но обо всем по порядку.

Дель Торо до безумия любит историю о Хэллбое - ради рогатого демона, он в свое время отказался от постановки третьей части “Блэйда”. Студийные боссы очень жаждали видеть мексиканца у руля триквела о чернокожем истребителе вампиров, но Гильермо отверг предложение в пользу картины “Хэллбой: Герой из Пекла”. Как итог: третья часть марвеловского кинокомикса с Уэсли Снайпсом провалилась, а вот история о рогатом Демоне Ада в исполнении Рона Перлмана выстрелила. Кассовые сборы были хорошими, хотя и не настолько, чтобы впечатлить продюсеров.

Одно время ходили слухи о том, что дель Торо рассматривался как главный претендент на режиссерское кресло “Гарри Поттера и Узника Азкабана”. И каким бы огромным не был соблазн увидеть визуальную лавкрафто-готическую стилистику режиссера в сеттинге “Гарри Поттера”, этому не суждено было случиться. Дель Торо опять “продинамил” очередной триквел ради своей истории - многострадального “Хэллбоя 2: Золотая армия”. Почему многострадального? Потому что боссы не хотели давать деньги режиссеру на сиквел с Роном Перлманом после неуверенных сборов первой части (масштаб по задумке был больше, соответственно и бюджет бы увеличился), однако Гильермо, что говорится, “дожал”. Место постановщика “Гарри Поттера 3” могло бы озолотить дель Торо и в одночасье принести ему мировую славу, однако он выбрал свой путь. В конце концов “Узника Азкабана” снял другой мексиканец - Альфонсо Куарон. Вышло неплохо, но, чует сердце, у дель Торо было бы феноменально. А “Хэллбой 2” показал опять недостаточно хорошие кассовые сборы, что поставило крест на триквеле.

Цифра 3 является для режиссера почему-то несчастливой. “Блэйд 3”, “Гарри Поттер 3”, “Хэллбой 3” - все эти триквелы были так или иначе связаны с постановщиком, но мы их не увидели. Однако, есть еще одна третья часть, работу над которой ему пришлось забросить в долгий ящик. Картина “3993” должна была завершить так называемую “испанскую трилогию”, состоящую на тот момент из фильмов “Хребет дьявола” и “Лабиринт Фавна”. Все, что известно о ней на данный момент - это опять мистическая история, развивающаяся во времена франковской тирании в Испании. Наверняка, в “3993” снова присутствовала бы тематика ребенка-проводника между совершенно разными мирами (как Карлос и Офелия) и вполне возможно, что дель Торо снял бы еще более мощную картину, чем “Лабиринт Фавна”, но проект не нашел финансирования. Увы.

Сердце любого киномана обливается кровью, когда речь заходит об экранизации повести Лавкрафта “Хребты безумия”. Дель Торо является безумным фанатом великого писателя и всегда мечтал снять что-то по нему. Но не судьба. Довольствоваться лавкрафтовской стилистикой мексиканец мог только выборочно, вставляя отсылки и референсы в своих картинах, однако когда речь зашла о полномасштабной экранизации, постановщик не задумываясь выбрал свою самую любимую историю - “Хребты безумия”. Работа одно время шла действительно полным ходом: Гильермо написал сценарий, утвердил его, были готовы раскадровки абсолютно всех сцен, съемочная группа нашла натуру для съемок, Том Круз выражал большую заинтересованность в проекте и предлагал свои актерские услуги совершенно бесплатно. Казалось, в этот раз режиссеру повезет, но студия не выделила 200 млн на фильм с рейтингом R. И все рухнуло. Для дель Торо это был очень большой удар и он погрузился в  глубокую депрессию на долгих 5 лет. Время от времени он из нее выбирался, продюсировал разные проекты, писал сценарий для “Хоббита”, но за режиссуру браться откровенно не хотел. Вернул “к жизни” режиссера, как ни странно, именно “Тихоокеанский рубеж”.

Каждая новость о новом “замороженном” проекте дель Торо сразу настораживает: есть вероятность, что эту картину мы так и не увидим. Сейчас внимание фанатов творчества режиссера приковано к невероятно интересному проекту, который так может и не увидеть свет - “Пиноккио”. По задумке режиссера, это должен быть мрачный кукольный мультик, в котором все действие будет происходить в Италии времен правления Муссолини, а сам Пиноккио должен быть не добрым деревянным мальчиком (как это было в мультике Диснея и книге Толстого “Приключения Буратино”), а злобным и язвительным персонажем, которым и являлся в оригинале. Этот проект важен потому, что он определенно совмещал бы в себе любимые паттерны режиссера: сказочное повествование и порицание войны. К тому же он задумывался как кукольный мультик, а учитывая педантичность режиссера в гриме, декорациях и реалистичных спецэффектах, посмотреть на такой эксперимент было бы как минимум интересно. Однозначного ответа дель Торо по поводу судьбы “Пиноккио” пока нет, так что будем надеяться, что долгий ящик со сценариями не пополнится экранизацией сказки Карло Коллоди.

Дель Торо совмещает в себе маленького ребенка, который хочет исследовать этот мир, и взрослого, который уже успел обжечься. Именно поэтому его “сказки” настолько мрачны, настолько жестоки, настолько злобны. Миры, которые создает постановщик, зачастую совершенно фантастичны и безумно необычны, но в то же самое время очень недоброжелательны. Гильермо в этом плане не щадит никого: ни здоровенного увальня-демона, столкнувшегося с миром эльфов, ни маленькую девочку, оказавшуюся в зачарованном лабиринте. Однако они завораживают и в созданные мексиканцем миры хочется верить. Да, сказки Гильермо навевают в первую очередь страх, но режиссер обладает потрясающим умением рассказывать истории. И несмотря на то, что на экране порой творится причудливая и пугающе-фриковатая фантастика, следить за ней невероятно интересно. Так что самого дель Торо стоит уважать за педантичность, умение стоять на своем и невероятный визионерский талант, который подарил нам немало прекрасных сказок и, будем надеяться, подарит в будущем еще.

[kinostorm]

“Охотник за разумом”: как Дэвид Финчер исследует темные уголки извращенной психики

Новый шедевр маэстро

Одна из величайших загадок современности – чем сейчас занимается Дэвид Финчер. После оглушительного успеха байопика «Социальная сеть» и неоднозначного римейка «Девушка с татуировкой дракона» мэтр немного отошел от дел киношных. Были разговоры про картину «Несс» с Мэттом Дэймоном в главной роли, но дальше каких-то слухов дело не пошло. Оказывается, мистер Финчер с головой ушел в сериалостроение. И пока его детище, политическая драма «Карточный домик» гремит пятым сезоном, из-под крыла режиссера выходит новый проект – драматический психологический триллер «Охотник за разумом».

Чтобы понять, что собой представляет новый сериал от Netflix, обратите своё внимание на фильм Дэвида «Зодиак» 2007 года - наверно самую недооценённую картину в фильмографии режиссера. Это тянущийся, затягивающий и завораживающий детектив, в котором больше разговоров и логических размышлений, чем, собственно, невероятных сюжетных поворотов или кровавых убийств. Как и «Зодиак», «Охотник за разумом» заставляет зрителя думать, хотя мог бы развлекать. Хорошо это или плохо? Это однозначно хорошо и даже отлично. Ведь признайтесь, вы же скучали по умным детективным сюжетам?

Как и заведено у Финчера - дьявол кроется в деталях. Это не просто типичный непреметный  детективчик а-ля CSI, это самое настоящее путешествие на дно человеческой души в духе эталонного первого сезона «Настоящего детектива». Причём на дно чёрной и злой души, заметьте, у маньяков другой не бывает. Собственно, как и у Финчера в его фильмах. А главные герои напоминают исследователей, которые вот-вот перешагнут порог ада, но сами этого пока не понимают.

И если Финчер отправляет зрителя в круиз по душевной преисподне, то главных героев - прямиком в подсознание к самым опасным маньякам. И следить за тем, как фбровцы пытаются разобраться в девиантной психологии и самим не тронуться умом потрясающе интересно. Главных героев даже начинаешь жалеть  - им иногда приходится такое увидеть, что волосы становятся дыбом. Не из-за кровавости, из-за реалистичности – сериал основан на реальных событиях и по ходу сюжета придется не раз ужаснуться, на что способна извращенная человеческая психика. Каждую серию проглатываешь с неистовым синефильным голодом, не замечая за собой, что еще чуть-чуть, и у самого крыша поедет - вот вам и фирменное глубокое погружение в атмосферу безумия от Дэвида Финчера.

Но, как и все первые блины, и этот обладает комками. Проблема в том, что Финчер не ставил абсолютно все эпизоды. Его продолжателям, конечно, удалось зацепиться за стиль постановщика, но местами филигранная финчеровская эстетика пропадает, и сериал начинает провисать. Однако ненадолго, не беспокойтесь. Буквально через пару минут «Охотник за разумом» снова огреет вас по голове изысканной режиссурой, постановкой кадра, цветокоррекцией и прочими киновкусностями.

«Охотник за разумом» - это не просто новый отличный детективный сериал (коим он на 100% является), это ещё и полноценная экранизация событий, при которых на свет появилась криминальная психология - наука, что лежит в основе каждого расследования современного преступления. И если вы невесть как соскучились по мрачным детективам, Дэвиду Финчеру и мрачным детективам от Дэвида Финчера - то «Охотник за разумом» определенно лучший выбор на эту осень.

Один из  лучших сериалов года.

9/10

[kinostorm]

Короткометражки Нила Бломкампа: как вернуться в строй, не выпадая из него?

Нил Бломкамп – это человек, на которого в свое время было модно делать ставку: казалось, что этот южноафриканский режиссер может задать новую веху в развитии научной фантастики благодаря нестандартному подходу к футуристической тематике и визуальному стилю. Причиной      этому послужил колоссальный успех фильма «Район №9», который множество критиков и обычных зрителей окрестили «шедевром», а сам Нил получил совершенно безумный кредит доверия, потом его растерял, хотя, по факту, и не переставал падать в качестве.

Для начала стоит обрисовать стилистику бломкампского кино – это, так называемый, визуальный джанк-реализм и нестандартный подход к выбранной тематике. В чем заключается особенность первого? Джанк-реализм это намеренное изображение чего-то эстетически неряшливым, грубым и порой даже отталкивающим. Если это инопланетяне, то у Бломкампа это не гумноидоподобные существа с гладкой кожей и сильно развитым интеллектом, это насекомообразные твари с кучей усиков, лапок и острыми жвалами, которыми роются в какой-то помойке. Если роботы – то это, опять-таки, не гладкие отполированные сверхразумные машины, это недоделанные прототипы, у которых изо всех щелей торчат шарниры, гидравлические трубки, болты, гайки и т.д. Это понятно. В сценарном плане Бломкамп придерживается подхода, который вводит инопланетян/роботов в мир человека, но делает их жертвами, а нас, людей, - монстрами. Этот прием не нов, но именно южноафриканец смог наиболее полно разобраться в человеческой природе и через банальные научно-фантастические основы исследовать ксенофобию людей. Учитывая то, что постановщик родом из страны, где долгое время проводился и поддерживался апартеид, становится понятно, на что проецируются мысли режиссера, когда он говорит об инопланетянах или роботах.

Эти два характерных режиссерских решения так приглянулись и полюбились публике, что чрезмерно завысили ожидания. Почему? Потому что выглядело реалистично. В злых пришельцев, которые прилетают на нашу планету и начинают рушить Нью-Йорк, дабы поработить все человечество, уже никто не верит. А вот в глуповатых и моллюскообразных инопланетян, которые зависли над Йоханнесбургом, потому что у них сломался корабль – да. Бломкамп имеет в виду, что люди не такие уж и белые и пушистые существа, которых отличает от животных тяга к абсолютной свободе. Нет. По мнению режиссера, мы – это разумные, но все же тщедушные создания, которые не приемлют ничего нового, превращают свою планету в огромную свалку и вообще ведут себя уж слишком надменно и самоуверенно.

Но в определенный момент случился кризис. По мнению зрителей, Бломкамп растратил весь выданный кредит доверия и, что называется, «скатился». Дабы опровергнуть это совершенно глупое и бестолковое утверждение, надо бегло просмотреть всю имеющуюся фильмографию южноафриканца.

Бломкамп – это тот режиссер, который сначала любит «прощупывать почву» в выбранной тематике, прежде чем снимать фильм. В данном случае это – съемки короткометражек, мастером которых Нил является в абсолютной степени. Первой серьезной работой для него стал короткий метр «Выжить в Йобурге», где в псевдодокументальной стилистике рассказывалось о том, как люди в Йоханнесбурге уживаются вместе с инопланетянами. Картина настолько понравилась инвесторам, что постановщик получил необходимые деньги и возможности. Эти ресурсы, помноженные на потрясающий потенциал, вылились в уже культовый «Район №9». Все, что наболело у Нила, было высказано именно в этом фильме. Тематика ксенофо��ии людей и нетерпимости к тем, кто хоть как-то отличается от нас, здесь была рассмотрена со всех возможных сторон, а в конце режиссер делал неутешительный вывод: люди мерзкие существа, которые не исправятся никогда. Поэтому совершенно понятно, почему потом на нас будут то и дело нападать захватчики из открытого космоса – и поделом нам. Помимо этого, Бломкамп подарил миру совершенно потрясающего актера Шарлто Копли, который воплотил в ленте роль Викуса ван де Мерве – обычного трусливого и тщеславного офисного клерка, который из-за определенных событий стал меняться, как ментально, так, спойлер, и физически. Постановщик поместил обычного человека в необычную ситуацию и с ученой вовлеченностью в процесс решил посмотреть, что из этого выйдет. Глубокий подтекст, огромное количество всевозможных культурных и кинематографических отсылок, отличный визуал и спецэффекты безумно пришлись по вкусу массовому зрителю, от чего порог ожиданий взлетел до небес.

А потом, как говорил Черчилль, по мнению многих наступило «начало конца». Следующий фильм режиссера носил название «Элизиум» с совершенно бестолковой приставкой в русском дубляже «Рай не на Земле». Это единственный фильм в фильмографии южноафриканца, который он снял не по своей короткометражке. В принципе все основные особенности почерка режиссера присутствовали, поднималась тематика человеческой свободы и неправомерного разделения классов, но не цепляло. А вот зрителям кино пришлось по душе – отличные визуальные эффекты и фирменный экшн режиссера принесли «Элизиуму» неплохую кассу. Впрочем, это был чисто коммерческий фильм Нила, который он снял с подачек студийных боссов. Но «Рай не на Земле» принес ему еще денег, с которыми можно было творить дальше.

В третий раз Бломкамп понял, что продюсеры от него не отвяжутся, а значит нужно искать компромисс – снимать максимально попсовое и коммерческое кино, но в то же время высказаться на любимую тему. Так, вернувшись к своей излюбленной стратегии, из короткометражки «Тетравааль» родился проект «Робот по имени Чаппи». Уступка оказалась идеальной: на главные роли были приглашены ребята из Die Antwoord (известная по всему миру группа и земляки Нила), визуальный стиль сочетал в себе тот самый джанк-стайл с пестрыми цветами в определенных местах, а тематика опять касалась ксенофобии, но рассматривалась более мягко и утонченно. К сожалению, люди не поняли тонких намеков режиссера и вместо того, чтобы задумываться о поставленной во главе угла проблеме, начали дотошно искать в сценарии фильма белые пятна. Как итог – находили и ругали «Чаппи» как только могли. Обидно, ведь те же самые сценарные проблемы присутствовали и в «Районе №9», но они не так бросались в глаза, ведь «Район» был свежаком, а вот на человеко- и собакоподобного робота Чаппи спускали всех критических псов. Боссы, которым Нил пытался угодить и остаться верным себе, потеряли доверие к южноафриканцу, ровно как и зрители, которые упрекали Бломкампа в потере изначальных ориентиров. Так режиссер оказался между двух огней, которые, к слову, разжег далеко не он. А тонкий и трогательный «Робот по имени Чаппи» оказался яблоком раздора, хотя таковым на деле и не являлся.

Как говорил классик: «Ваши ожидания – ваши проблемы». Но отрицать факт того, что талант Нила начал чахнуть под гнетом общественного мнения и студийных боссов (которые видели в нем эдакого нового Майкла Бэя, но никак не творца, которому есть, что сказать), нельзя. Далее – руина. Бломкамп отменил свой новый, на тот момент еще безымянный проект, так как не нашел финансирования. Выборочно сжалились над южноафриканцем боссы, которые видели Нила в кресле режиссера нового «Чужого». Но, как всем известно, пришел Ридли Скотт и отнял руль в свои руки. Так на свет появились «Прометей» и «Завет» - мягко говоря, довольно неоднозначные картины. Бломкамп оказался никому не нужен, но горевать не стал, а решил взять эдакий творческий отпуск и наснимать все, что хотел наснимать.

Нил вернулся к своему излюбленному жанру – к короткометражкам, к тому, с чего начинал изначально. Он основал Oats Studio, в которую пригласил работать своих людей и выкатил ряд совершенно потрясающих коротких картин, которые безумно полюбились пользователям сети.

Первым по списку идет «Rakka», выпущенный на YouTube и Steam 14 июня 2017 года. Ролик получился насыщенным на события и персонажей, не смотря на хронометраж всего в 25 минут. Сюжет фильма как бы олицетворяет собой все то, что накопилось у постановщика за последнее время. Инопланетяне больше не бестолковые тараканоподобные моллюски, которые уминают кошачий корм прямо в банках. Теперь это злобные рептилоиды, что прилетели на нашу планету и устроили геноцид людей с гипнотизированием, терраформированием и удалением мозгов. Бломкамп, кажется, развлекается, но делает это со злобной ухмылкой на лице – время жалеть людей прошло. Да, злобные пришельцы, которые прилетели поработить нашу планету это избитое клише, которое режиссер всегда старался избегать, но судя по настроению фильма видно, как он разозлился на весь Голливуд, ��ак его достали студийный боссы и недокритики в сети. Поэтому он выдает бескомпромиссную и очень жестокую картинку, которая даже не пытается щадить зрителя, а от некоторых сюжетных и визуальных подробностей становится буквально жутко.

Второй работой в этом цикле является фильм «Firebase», вышедший 28 июня. Это ода Бломкампа всему кино о вьетнамской войне, где он внедряет в привычный милитаристический подход мистическое и метафизическое. Пораженный контузией сержант американской армии, который обладает стальными мускулами, квадратной челюстью и глубоким взглядом, одержим поиском и убийством так называемого «Речного бога», - существа, которое с особой жестокостью и фантазией расправляется с американскими солдатами: то превратит их в зомби-тараканов, то отправит в параллельную реальность, где у русских есть самолеты-трансформеры, то просто разорвет отряд с помощью телекинеза. Собственно, основная интрига строится на том, что это за тварь такая, почему она владеет способностями, выходящими за рамки человеческого понимания, и как этот монстр вообще появился на свет. Стоит сказать, что объяснение всему Бломкамп находит вполне находчивое и нетривиальное, в некоторых местах не лишенное wtf-эффекта, но уж точно свежее и впечатляющее. «Firebase» пришелся по вкусу не только ценителям вьетнамской тематики, но и тем, кто просто любит находить в хоррорах и сай-фай-фильмах что-то новое.

Третья короткометражка «God: Serengeti», вышедшая 6 июля, является самой необычной во всем цикле. Здесь Бог, в исполнении старого приятеля режиссера Шарлто Копли, сидит в просторном кабинете и за игорным столом решает судьбу племени доисторических людей: то грозу на них нашлет, то дождь, то еще что-то. При этом, почесывая свою бороду, Бог отпускает бородатые шуточки (уж простите за тавтологию и каламбур), болтает со своим лакеем и просто веселится. Здесь просматривается сатира Бломкампа на религиозные устои и то, из чего они изначально возникли – поклонению богам нашими пращурами дабы получить дождь для урожая или добыть огонь, чтобы согреться. Постановщик считает, что если Бог и есть, то своей властью он просто развлекается над людьми. Выкидывая игральные кости, Демиург решает, наслать на нас благословение или проклятие. Времена изменились, мы теперь живем в мегаполисах, а не пещерах и добываем биткоины, а не огонь, но суть божественной игры осталась неизменной. Нил на время забывает о инопланетянах, роботах и монстрах, и демонстрирует свою способность рассуждать о теологии, применяя юмор и свой фирменный нестандартный подход к вопросу.

Уже 12 июля на свет вышла «Zygote» - это четвертая картина и одна большая дань уважению сурвайвал-хоррорам, с оглядкой на шедевр Джона Карпентера «Нечто». За опять-таки двадцатиминутный хронометраж, Бломкамп умудряется логично и гармонично разместить все важные составляющие для этого поджанра: главную героиню-девушку, исследовательский центр, что расположен где-то в Антарктике, огромного бесформенного монстра, который ассимилирует все виды живых существ, и, что самое важное, саспенс и ощущение тотальной безысходности, которые берут зрителя за грудки и выжимают весь возможный адреналин. Когда по темным коридорам за хрупкой девушкой несется огромное нечто, состоящее из человеческих тел и издающее кошмарный рев, невольно закрадывается мысль, что умереть в таком выдуманном мире можно от чего угодно – если не от жестокой твари, то точно от запредельно низкой температуры. И это создает эффект присутствия не хуже, чем самые совершенные очки виртуальной реальности – в такое начинаешь не просто верить, а буквально ощущаешь себя невольным участником всех этих кошмарных событий.

Последним на данный момент является короткий метр «ADAM: The Mirror», который вышел 3 октября. Здесь южноафриканец возвращается к своей излюбленной теме – роботам и опять рассматривает тематику искусственного интеллекта, который пытается найти свое место в существующем вокруг мире. Здесь же группа андроидов идет по постапокалиптической пустыне в поисках убежища и, когда настигают его, выясняют страшную правду о своем происхождении. Стоит отметить, что это своеобразное возращение Бломкампа к истокам, а значит – демонстрация готовности снимать что-то крупное и масштабно��. Однозначного ответа по вопросам ИИ не существует, но режиссер продолжает неустанно искать и, верится, что когда-нибудь найдет.

Помимо основных короткометражек, Бломкампом и Oats Studios были сняты короткий цикл черной комедии «Cooking with Bill» про негативное влияние высоких технологий на жизнь людей, а также «Kapture: Fluke» - пародию на Разрушителей Мифов и ТопГир.

Нил Бломкамп доказал, что является мастером короткого метра и что подобный формат ему удается на славу. Настоящее достоинство его короткометражек в том, что они являются по сути коротенькими фичуретками, позволяющие зрителю оценить режиссерский стиль, но в любой момент, могут послужить отличным бэкграундом для полнометражного фильма – будь то вторжение инопланетян, вьетнамский аналог «Хищника» или своеобразный ремейк «Нечто».

Благодаря своим короткометражным экспериментам, Нил Бломкамп вернулся в строй топовых режиссеров-фантастов и, наверняка, вскоре получит предложение о большом фильме – отзывы в сети просто запредельно положительные. Вот только выпадал ли он из этого самого строя? Или его туда совершенно незаслуженно поместили недовольные зрители, претенциозные критики и студийные боссы? Впрочем, теперь уже неважно. Нил снова с нами, Нил снова будет творить Большое Кино.

[kinostorm]

Мыслю, значит существую: как “Бегущий по лезвию 2049” возвращает на экраны киберпанк

Визуальное великолепие и глубина повествования

«Бегущий по лезвию» 1982 года – проект со сложной судьбой: он прошел путь от коммерческого провала до лучшего научно-фантастического фильма всех времен и народов. Дени Вильнев, в свою очередь, - один из самых талантливых режиссеров современности, который умеет делать интеллектуальное кино с глубоким подтекстом. Постановщик взялся за продолжение культового сай-фая и стоит признать: не ударил лицом в грязь.

«Бегущий по лезвию 2049» это очень тягучее, депрессивное, но в то же время потрясающе красивое и философски глубокое кино. Вильнев не только логично продолжил сюжет оригинала, при этом завернув его в совершенно неожиданную сторону, но и внедрил огромное количество подтекстов в кажущееся на первый взгляд пустое кино. Из самых очевидных – Набоков и «Остров сокровищ», из менее – переплетение сюжета с «Процессом» Кафки. Главный герой К, словно его частичный тезка Йозеф К., изначально не особо обеспокоен тем, что происходит вокруг него, но потом становится одержим ситуацией, в которой пытается кое-как разобраться. Йозефу, если помните, это не удалось, но с офицером К получилось немного иначе.

Все это – аллюзия на человека без имени, а значит, без прав. И поиск своего предназначения будет определяющим в его жизни. Здесь вклинивается уже классическ��я проблематика «Каково место искусственного человека» и «Могут ли искусственные люди обладать настоящими чувствами?». Собственно, канадский режиссер, ровно как и Ридли Скотт, не дает однозначного ответа на этот вопрос, предоставляя зрителю возможность поразмыслить самому.

Несмотря на всю холодность и отчужденность показанного на экране мира, Вильнев преподносит сюжетные эмоциональные моменты будто удары ножа – остро, глубоко и неожиданно резко. А на фоне вязкой меланхолической атмосферы они срабатывают максимально эффектно.

Как и оригинал, «2049» демонстрирует самое настоящее визуальное великолепие, где уживаются невыносимо холодные и запредельно теплые тона. Кажется, будто это тонкий намек: в этом мире тяжко живется не только репликантам, а и вообще всем. Здешнюю красоту кадров просто не передать словами - это надо видеть. Удалось вообще все: от неонового мрачного Лос-Анджелеса до почти что постапокалиптического Лас-Вегаса. В этот раз Роджер Дикинс просто обязан брать оскар за лучшую операторскую работу.

«Бегущий по лезвию 2049» многим может прийтись не по вкусу, потому что это не фантастический боевик, а философская инсталляция и артхаус стоимостью 150 млн. долларов. Это фильм-испытание, который нужно прожить, пережить и пропустить через себя – неважно понравится он или нет, зато вам откроется новая ступень понимания киноискусства. Даже, если вы андроид и вам давно уже не снились электроовцы.

Один из лучших фильмов года.

9,5/10

[kinostorm]

Kingsman: Золотое Кольцо

Джентльмена и Ковбоя рисуют манеры 

Мэтью Вон – британский режиссер и давний верный соратник Гая Ричи, в данный момент снимает наверно лучшие кинокомиксы вне киновселенной Марвел. Однако почерк постановщика слишком своеобразен и поэтому его преемникам, которые брались экранизировать сиквелы, приходилось нелегко: второй «Пипец» состоял почти на 100% из бездумной, глупой жестокости, а Брайан Сингер увел «Людей Х» после «Первого Класса» в совершенно иную степь. Были опасения и насчет хита 2015 года «Kingsman: Секретная Служба» - уж больно он полюбился зрителю. 

Однако все страхи были напрасны, ибо Вон вернулся в режиссерское кресло и снял первый в своей карьере сиквел. Спойлер: справился он с этим отлично. 

Первый фильм изначально казался хорошо сбитым шпионским боевиком и только под конец вываливал ушат безумия. Но в отличие от оригинала, «Золотое кольцо» сразу показывает свое несерьезное отношение к делу. С самых первых минут все происходящее на экране – сущий фарс и фантасмагория, имеющие больше общего с комиксами, чем со спай-муви. И это развлекает по полной программе. «Больше, захватывающе, веселее», - вот девиз сиквела, которому он с маниакальной дотошностью следует от первой минуты до последней. Все, что было хорошо в первой части, во второй доведено до абсолюта.

 Здесь наблюдается совершенно безумная какофония анахронизмов, отсылая нас то к 50-м, то к 80-м, то к нулевым – культурные пласты стали заметно разнообразнее. Из сладкого: камера все так же изящно вальсирует в боевых сценах, выжимая адреналин из зрителя на полную катушку. Хотели вторую сцену в церкви? Здесь подобных четыре. 

Жаль только то, что все положительные моменты «Золотого кольца» воспринимаются слабее по причине того, что они, по сути, вторичны, но, тем не менее, выполнены идеально точно и по-поп-корновому грандиозно. 

Вторая часть «Kingsman» такая же веселая, такая же безумная, такая же беспрецедентная в определенных моментах. И вся это натуральная дуристика оставляет после себя самый настоящий калейдоскоп всевозможных впечатлений, заставляя после сеанса выбежать со словами «О, вот это было круто! И вот то! А вот то вообще жесть!». Что ж, мистер Вон, ждем от вас триквел. 8/10