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taipeishoegazer · 7 years ago

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沉浸於噪音的 Andy Bell (RIDE)

原始訪談 @

premierguitar : Ride’s Andy Bell Addicted to Noise

by Alex Maiolo February 08, 2016

翻譯： Taipei Shoegazer

在'80年後期的英國，許多人仍然對於Acid House中的電子聲響喋喋不休時，一種全新的音樂風格正在當地的大學城被孕育而出。

受到那些噪音系如 My Bloody Valentine，Dinosaur Jr.或 Spacemen 3 ，以及比較夢幻系的樂團如Cocteau Twins，帶著藝術氣息的音樂家開始探索加入更多ambient吉他紋理(textures)到搖滾中的可能性。

起源於自我解放（原文：ego-free）的龐克哲學，任何人都能組樂團，用著回歸基礎的樂器：吉他、貝斯和鼓，他們結合Drone和旋律組成全新一代的迷幻（psychedelic）音樂。他們常出現分離於舞台的存在感被指責為過度依賴腳下的踏板效果器，或者更甚之，擺架子，儘管這樣說不太公平。現在已經不存在的英國流行搖滾評論雜誌 Melody Maker[譯註：WIKI]也許也沒有察覺到根本性的轉變（paradigm shift）正在潛移默化發生，他們被賦予(譯註1)『The Scene That Celebrates Itself』(譯註2)的稱號，並且揮手致意稱他們為瞪鞋客(Shoegazers)。

很少人知道，即便是樂團本身，都沒有預測到這波創造性的浪潮會在十年後帶來什麼樣的影響。但是呢，在這些多類型的樂團中， A Place To Bury Strangers，Mogwai，Sigur Rós，Yeah Yeah Yeahs，and I Break Horses，我們都能見到Slowdive，Lush，或是Telescopes等樂團的DNA。

Andy Bell 在一開始就跟到這波浪潮， 1988年，他和幾個來自牛津的朋友決定成立 Ride。和同時代的人一樣，他們把噪音吉他加進去，但他們特有的Vocal和聲和鏗鏘12弦吉他(譯註3)讓他們不一樣。經過一連串成功的專輯之後，事情就結束了。樂團在1996年解散，Bell最後成為Oasis的貝斯手近十年。

2015年10月，是RIDE極具影響力的第一張全長作品 Nowhere 25週年。對於總是出現在「90年最佳」或是「最有影響力」的清單的 Nowhere，它被Reissue重新發行絕對是再合適不過了。 Bell也是完成這張Reissue專輯的手冊，照片或是內頁包裝的負責人。內含品還包括了一場在倫敦 Town & Country Club 1991年現場演出的DVD，那是一場之前沒有被公開過的錄像而且也是樂團最巔峰時期的演出。去年四月(2015)，宣佈重新活動的RIDE在Coachella(譯註4)演出，一直到該年底，他們有一系列世界巡迴。我們坐下來和Bell討論樂團歷史，瞪鞋場景的醞釀、他聲響表現的進程以及他最愛的噪音製造者的工具。

# 吉他是你的第一個樂器嗎？

我以前有個烏克麗麗，但一直都彈不起來。當我九歲生日時，我決定要一把吉他。後來我得到一把基本的尼龍古典吉他然後開始上吉他課。但我也不是真的有很多熱情，所以很快就覺得很無聊。然後有一次，我叔叔 Pete 給我一些和弦，然後教我一些民謠。儘管如此，我那時候還是沒有想太多。直到有一次，我在廣播中聽到 The Smiths ，那是1983年，我13歲。我非常，非常，非常（很重要所以講三次）喜歡那個樂團的聲音，所以我跑去買了人生第一張卡帶，也是我所能找到他們的一張。這就是一切的開頭，開關就這樣被打開了。我馬上開始嘗試做出 Johnny Marr 的吉他部份。

# Marr 非常不可思議

對於第一次真正要進入學習吉他的人那真的非常難。真的！我那時候就開始嘗試去理解「The Charming Man」。呃，我就用我自己的版本，跟著單音走。但這以足以讓我開始思考：我需要去學更多和弦。這一切都非常自然。我也沒有走向學習古典理論或是去讀五線譜。我到今天，有時候彈E和弦都還會彈錯。我還多上了很多課，但和之前一樣，真的很令人挫折。老師會彈一些東西，然後我再彈一次。但他說：『你彈得很對，但你做的不對，因為你沒有照譜彈，你只靠耳朵去彈。』我心想：『如果我彈的對，為什麼又說我不對呢？』當我看著五線譜，我真的閱讀困難，但我可以用耳朵輕鬆的把他們撿回來。

#你哪時候開始換成彈電吉他？

我過去都是一直邊放唱片然後用古典吉自己跟著彈。然後我父母的朋友給我一把 Hohner 電吉他。他是黑色，有三個拾音器，上面還有好幾個開關就像一把Jazzmaster。我就把它拿來沒有用音箱彈了好一陣子。然後我去了我牛津家附近的一個大拍賣會場，結果發現一個奇怪的真空管（譯註5）音箱。我猜他是自製的，現在回想起來，這可能非常危險。

#你什麼時候才得到你認為是稱得上專業的樂器？那些你看的上眼的

我彈那把送的Hohner一陣子，後來拿到一把不錯的仿335型的Satellite 吉他。我用那把做了Ride早期的東西，然後當我們被簽約時，我就買了兩把 Rickenbacker 12弦吉他：一個 330，一個 360，一把Gretsch Tennessean。全部都是一次在倫敦丹麥街買的。 Mark Gardener[ Ride 另位吉他手主唱 ] 也買了一把 Fender Jaguar 和 Rickenbacker。他買了一把比約翰藍儂小的尺寸，然後我買了比較大的，像是 George Harrison或Roger McGuinn用的。

# 是披頭四，把你帶到12弦吉他嗎對，當然是。披頭四對我影響非常大，但 Johnny Marr也是一樣。我總是喜歡 Harrison的彈奏，Marr 在某部份上也有類似之處： Half Chord，開放空弦彈法，同和弦不同把位，或是一些你不能夠確定是Lead還是節奏的聲線。有時候，他們兩個都是！而且，他們兩個的 Contry 風格 picking 都非常棒。這非常勵志，也讓我學習如何演奏。至於在木吉他部份，我非常愛 Paul Simon。我會彈他的「Scarborough Fair」和「Anji」，他們都非常難。

# 這也相當程度解釋 Ride 的旋律以及 Jangly面向噪音和侵略性是從何而來的？是從那時候我們周遭正在成型或是正在演出的樂團們。我們那時候非常喜歡 The Who 的 My Generation [Youtube]。我也愛 Rolling Stones的 Big Hits(High Tide and Green Grass)[Wiki]，裡面有「19th Nervous Breakdown」[Youtube]的那張。那首歌裡面的貝斯真的超吵而且超棒的。我也喜歡那段直直降的RIFF。我被那些歌吸引。同時，在80年後期，我們所有身邊，空氣中，彷彿那些樂團都在我們面前出現，像是 My Bloody Valentine， Spacemen 3 或是 Loop。他們有一些我們發現非常非常酷的噪音元素。音速青春(Sonic Youth) 1988年的Daydream Nation 對我們影響非常大。我們以前寫的第一首歌是輕柔的，英倫的，用了一些大調和弦就像 The Smiths 或 Felt。但當你回去聽，你可以輕易的分辨出：當時我們都在聽 Sonic Youth，因為我們當時開始使用噪音技術。事情從那時候開始變得自由形式以及藝術。「Seagull」和「Nowhere」就是這樣出現的。 My Bloody Valentine 對貝斯聲響非常大，吉他整體的夢幻感，甚至是鼓或是我們的製作過程。我們沉浸於噪音中。

#在那時候你們沒有任何可能被 Postcard Records簽下來嗎？

在我們第一次練團的時候，我們彈了 Orange Juice的「What Presence」。

（原註：Orange Juice 是英國80年代具有影響力的樂團之一，也是第一個被Postcard廠牌簽下的樂團） Mark，Steve Queralt（Ride的貝斯手）和我成為夥伴，而且後來我們在藝術學校遇到 Loz（Laurence Colbert，鼓手）。當我們在他媽媽家中練團時，我們都還不知道彼此，所以我們必須試圖了解彼此。我們還彈了Stooges的「I Wanna Be Your Dog」，New Order的New Order「Blue Monday」以及 The Smiths 的「How Soon Is Now」。

#聽起來，樂團的DNA在第一次練習之後就完全準備好了

對，但必須澄清，當我說「演那些歌」，我當然是指「嘗試演這些歌」（笑）。後來，我們試出來的曲調就變成其他種了。比方說，「How Soon is Now」演變成了我們的「Drive Blind」。

#The Stooges 似乎對那場景很重要。

Swervedriver 也提到他們。 Swervedriver 的前身是 Shake Appeal（這其實是 The Stooges的一首歌名）而且他們是牛津那時候最大的樂團。每個人都非常敬畏他們。他們真是可怕的混蛋。透過他們，我們知道更多 The Stooges而且被像是「1969」，「No Fun」所吸引。我們也學了「I Wanna Be Your Dog」因為他最簡單。

#它似乎是Punk搖滾裡面的「鋼鐵人」 #你提到的，抽象藝術也影響樂團。樂團比如 Mission of Burma 和 Gang of Four都說過一樣的事。 #怎麼說呢？

我們三人曾經就讀北牛津科技學院和班柏里(Banbury)的藝術學校。我們充滿了視覺，知覺以及解構，所以將這些理論運用到音樂上並非是一個大跳躍。在藝術學校很棒的一件事是有一份精彩的閱讀清單。 John Berger的「觀看的方式」和 Robert Hughes「新世界的震撼」展示了80年代後期最前衛的思維：什麼是藝術以及它和我們有什麼關係。我們都是...非常藝術的人，但諷刺地是，唯一沒有上過藝術學校的人是 Steve。他在一家唱片行上班，也是在我們視覺上影響最大的人。他創建了我們EP和專輯所有的圖像。他在公寓的牆壁上有一堆這些藝術照片，也可以讓我們的有人像圖片（像是 Nastassja Kinski 或 Sophia Loren）傳單放上去。藝術和性感女演員是在那之前我們的老方式。在專輯開始錄製之前，我們已經有了 Nowhere（一張海波浪的圖片）的封套。當我們去錄音時我們把那張圖片帶到錄音室。

# Jericho Tavern(音譯：傑里科酒館)似乎是牛津音樂場景的中心。你們有在那邊演出過嗎？

是啊，很多樂團都是在那邊做第一次演出（包含 Radiohead �� Supergrass）。他是一家Pub的樓上。我們只有四首歌所以我們必須用一些東西填滿一個Set，所以我們演了一首歌叫：Mind Fuck。他其實後來變成我們的歌「Drive Blind」其中比較大聲的部份，然後用慢一點的節奏。所以我們就用五分鐘做了「Chelsea Girl」，「Mind Fuck」，然後是「I Wanna Be Your Dog」然後「Chelsea Girl」...再一次（笑）。用大音量演出真的非常棒。這本身就非常鼓舞人心的。我們就想著：『就用這個吧，根據音量和噪音去做發想然後善用 P.A。』

#你覺得你和同場景的其他樂團中有親和力嗎？

我們和 Slowdive，Lush，Chapterhouse都是朋友。我也和Blur是非常好的朋友，雖然他們不被認為是「瞪鞋」。事實上，Blur的 Graham Coxon讓我對Les Paul和歪斜音符有更多興趣，這在12弦吉他上是比較困難的。在 1992的 Going Blank Again，裡面有很多用Les Paul 做的歪斜音符。真的，所有的樂團都彼此尊重，沒有一點高傲姿態（原文：macho posturing）。當你還不大的時候，競爭不是那麼多。你不過是同個地下樂團圈的所有的其中一個。我們都彼此互相知道，而且和一些早一點進入樂團圈的成為了朋友，像是 My Bloody Valentine 或 Primal Scream。

#Ride和效果器非常有關係你們很早就開始使用嗎？

我當時就用了，但都非常基本的。我有一個小Boss綜效：Delay，Chorus，Distortion和一個我忘記什麼功能了。不過，最重要的一件事是當我加了一顆哇哇(Wah)踏板時。當我有了那個，他就好像：『啊啊啊啊....歐耶』我每次都用它，用到其他人都說：『Andy...你能不能控制一點...』每一首歌都不能『哇嗚啊哇啊』我還是一直用，但現在比較多用在solo的boost上面了。我已經了解我用它的風格。我知道它的範圍在哪，哪裡是我要的Tone。有時候，我就只是把它打開，然後就放在那邊（譯註6）。

#當你進錄音室錄音的時候你是否對場地所能夠提供的聲音感到興奮，我指的就是現在你所產出的那些屬於自己的聲音美學

我們的第一張EP基本上是從Demo中拼湊出來的，真的。第二張EP則是有些想法然後進錄音室做出來的。我們做了四首歌，然後用完所有素材，所以我們為了整張專輯[Nowhere]做了大量的Jam，但我們並沒有採用因為我們決定把舊的東西丟掉。我們想要在 [Nowhere] 中從零開始。我們花了更多時間在控制室然後掌握更多我們的歌。當我們做EP時，我們和錄音工程師吵架。整件事就是一場大戰。事情有正確與錯誤的方式，但在他腦中我們就是一直在用錯誤的方法。在那時候，我們準備製作[Nowhere]，我們找到了 Marc Waterman。他曾經在EMI demoing 錄音室工作，在那裡我們準備專輯的地方，而且他年紀和我們一樣大。我們知道我們可以和他合作。不僅僅是因為他不會一直說No而且他會說：『哇，超酷的，就做這個』。 Nowhere是他的第一個突破：從錄音工程師轉為製作人。這件事是這樣的：我們把他推上火線所以他有點疲憊，所以 Alan Moulder[Smashing Pumpkins, Nine Inch Nails] 來幫我們混音。他(Alan)則後來當我們下一張專輯 [Going Blank Again.]的製作人。錄音是一個進程，我們花更多時間在錄音控制室，用一些像是 Eventide 的 Ultra-Harmonizer在吉他上，特別是Lead吉他部份。我們用Slave卡式機器，用一些逆向聲響，放慢速度再加速，編輯兩首歌再一起。在 Nowhere中，我們有很多「把錄音室當作個樂器（原文：studio as an instrument）」的概念。雖然 Nowhere比起以往的EP複雜許多，但他的核心還是一個基本的排練側錄(rehearsal cpatured)。

#在演出中重現錄音應該是一個挑戰吧

我們每首歌都有好幾個版本然後演示他們最後再把它做成專輯。但當我們現場演出時，我們回到歌曲的最初版本，就是在製作前的樣子。把現場做的完全和錄音一模一樣不是必要的。我們在錄音室做過「Seagull」[Nowhere的] 好幾個take，然後其中一個變成專輯中的版本，但在現場，它每次都會不一樣。我們唯一一次回去聽整張專輯參考時，已經是很久之後的事：我們重聚時。像是「Cool Your Boots」[收錄在Going Blank Again專輯] 歌中有一些隨機的東西，我們必須回去複習它。現在的巡演中，我們已經能夠使用比較新的技術。在過去，我們永遠聽不到我們在唱什麼或是在做什麼，只能聽到吉他和鼓的轟鳴聲。現在，有了耳內監聽，我們可以聽到所有清澈的聲音。它讓我們演的比以往都還要來的好！

#奇怪的是，在某方面來說效果器盤已經成為比較低的技術，但你們還是在用單顆效果器

對，一開始時我用 Boss DS-1 distortion，Cry Baby 娃娃和機櫃式的Roland GP-16。用它們來做所有聲音。現在我有兩個效果器盤，和一堆單顆(stompboxes)效果器沒有機櫃式的。我現在有顆逆向(backwards)吉他效果器，願望終於成真。 Eventide 的 TimeFactor 讓我可以做像是在彈奏「Seagull」前奏中的聲音，就像當初錄音錄的那樣。

#在這次巡演中，你有用你之前的任何吉他嗎？

有，兩把以前我們簽約時候買的 Rickenbacker 12弦都有。我目前都還在用那把我拿來錄「Seagull」和「Vapour Trail」[也是來自專輯Nowhere]的吉他。

#作為一個吉他手，有任何你想研究但還沒做的嗎？

我現在正在我吉他旁邊弄一個非常大的合成器 modular。紐約的 Snazzy FX 已經幫我做一些東西讓我可以接上吉他然後當作 CV 控制器。了解 module 很有趣。Make Noise的Phonogene是我的最愛之一。這好像就是為我設計的，我非常興奮。我將會用它來錄音然後釋出新的音樂。

#ANDY BELL’S GEAR

##Guitars

2—1967 Gibson Trini Lopez models with Bigsby vibratos

Rickenbacker 360/12

Rickenbacker 330/12

1967 Gibson Hummingbird

1966 Fender Jazzmaster

## Amps