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一切表相的，都只是瞬逝

一切表相的，都只是瞬逝。

看似平靜的大海，翻湧吞食也僅一瞬。

治癒系浪漫韓劇《歡迎來到三達里》 女主角是成功時裝尚人像攝影師，在首爾鬥奮十五年，準備辦一檔《我與我的人（十五年）攝影展》 卻….碰上人生最大的風波。

第一集：龍之淚 　描述這位一心想離開小溪成為龍的女子心路歷程

幽默的風格，屖利的對話，申惠善再次讓我感受到她的魅力 她的眼淚總是好真實，明知道是演戲，卻牽動我的神經跟著想哭

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讀-為什麼世界不存在

世界它究竟是什麼？

這一切意味著什麼？

人的生命、人的歷史以及人的認識究竟是否有意義？

如果我們想弄明白這一切，那就必須首先忘記一切我們確信自己已然知曉的事，並從頭開始。

人一生至少要有一次將自己確信之事納入懷疑之中。

什麼是事實？是事實關係！包含虛構

重要不在各種解讀的不同；真相是真實的事實存在（事情本身的顯現是什麼？！）

Δ 我們意識中的許多思維都是"半成品"！語境的

世界WELT是一個 包含了一切域的總域，即一個包含了一切對象域的對象域。

當我們認識到關於某個對象的某些東西時，我們所認識到的，是該對象的某些屬性。

我們在不同的意義場中有不同的方式被理解被認識到。

可以說社會本身就是個意義場，對不同人有不同的意義場，而我們的存在就是在意義場中顯現。

文明/社會化是各種意義場

新的實在論，人會在不同情境裡顯現，前台的表演與後台。

現象場會影響一個人，在不同的場合會有不同的的行為、不同特質的改變。

特殊域 ----形成行為---- 形成顯現的方式

如果人是社會建構的結果，還有能動性嗎？能拒絕嗎？答案是肯定的

讀波娃第二性，女性是建構出來的；在社會之中，無法離開社會，我該成為什麼樣的存在？我可以拒絕。

如同性別認同無法科學化，但你可以決定如何顯現你自己。

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存在＝出現在世界之中

存在＝顯現在一個意義場中

Δ說虛假的東西顯現《因此也便存在著》並不意味著說它是真的，而是"可能為真"的真命題。

顯現/存在並不等同於真

認真對待『存』，但要檢視『域』的位置

對感知場的理解，決定存在。

Δ 意義也就是事物顯現的方式

對沙特而言，存在先於本質（人性並非生而為善或惡）

作者認為，感知場先於存在。

為什麼世界不存在？

當世界不存在，一切就存在。

一切不存在的東西也都存在著，不過這些東西並不都存在於同一個域中。

問題的根本不在於某物是否存在，而是某物存在於何處。

不只一個世界！

永遠記得，當獨角獸存在，世界就不存在。

否認獨角獸的存在，表示此人心中有個自我的世界觀。

要留意的是：是是而非的話-它不在任何意義象限或有效的意義場裡。在此情境"可能為真"。

除了世界，一切都存在。

如果抵達絕對的世界觀，會產生猶太人屠殺因為種族不純淨的認定。

/

儘管哲學家聲稱自己一無所知，人們還是能從他們身上學到不少東西。

"永遠不要忘記事物可能與其向我們所顯現的樣子完全不同！"---哲學家從未停止將一切納入懷疑之中。

如果不能抵達一個答案as抵達真實的方法不存在，才能有另一種理解的可能

我們要穿越各種意義場，"虛擬的可能"

理解世界是什麼，也就了解實存/存在是什麼。

對作者來說，人不存在、世界還是存在。

世界不存在，只存在無限多的意義場，它們中的一部份相互重疊，一部份永不產生任何關聯。

"一切最終發生在虛無之中"，並不意味著什麼都沒發生，恰好相反～是指：

無限多的事情同時發生著。

（只是我們傾向於無視這一點，因為我們無法同時關注無限多的東西）

存在總是包含著一份位置信息。

世界是包含一切意義場的意義場，是所有其它意義場在其中顯現的意義場。

世界就像我們的視野，我們無法洞見視野本身。

無所不包的東西無法顯現在自身中；䇳們無法觸及無所不包的東西。��以無所不包的東西並不存在。（意指：無法抵達"絕對認識"，解釋事情完整的不可能）

若從圖4來看碎形延伸：

如果你相信有終點才會抵達終點，而事實上沒有終點。

對整體的概觀是不可能的，因為整體從未存在。

1.世界不存在

2.最終的意義不存在

3.最大集合的不可能（世界）

4.所有意義場的集合＝世界，不存在

我們存在於一個一個"無限個的....意義場"

重要的不是去找到一個純粹的意義，而是我們要如何面對意義

故，在純粹的意義面前，我們只會迷失方向。

終極的意義不存在，所有的意義都存在。

取消終極的意義的存在，因為有如此多的許多的不同意義存在。

如果從外部（別的現象場）尋求意義，那不屬於你的，是失效的！

那不是真正你需要的答案，最慘的是追尋終極的意義。

我們要問的是：

我的現象場和意義場在哪？如何建立意義，建立自己的價值？

如果能夠健康的取消終極的意義的存在，比方不走學歷系統走出自己的學習。

走向、創造對你來說有價值的意義場。

人的存在在社會中，是關於你的身份是什麼；成功人士會反饋社會。

做為人是什麼？

從人類學角度，意味著交互的理解認識，打開特殊的對稱去理解主體。是一種可以共享，"互為主體"的人類學。

物會互相照顧，如同

圖8＝共同的意義場

我們一起站在黑色世界裡，互為主體性（共構），共同的/非私人的/不要只是傾斜的  

閱讀是互為主體性，找出視角的差異，理解一個"意義場"，至少是兩人形成的意義場。

詮譯是語言形��，新的對事物的理解的"開始"

解讀藝術品，不應該用理解它的公式：理解不同的解讀是理解的方式。

藝術的精神是特殊的理解，會有新理解出現。

只有一種詮釋會錯過自我理解的可能性

當理解變化的可能，即理解存在的可能！

作者認為現在世界存在的系統觀是失效的，

超越主體經驗，如何理解事物的存在，怎樣是有效的？

只有場跟域是存在，世界不存在。

我們並非借助可以普遍化的方法來理解自己的同伴（其它人），

我們對同伴的理解方式，能反映出我們的人格！

我們的人格絕非飲食、睡眠、感情、習慣的總和。

世界不存在此一洞見，令我們得以再次接近現實並認識到我們是人。

人在精神中活動，若人們忽視精神而只關注宇宙，一切人之意義便自然會消失。

2023.07.07 ExLAB Reading group

圖為YAFan自製

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2021.07.30. 

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梅洛—龐蒂（M. Merleau-Ponty）感知現象學  | Introduction-1|

不看事物是什麼，而是看它如何變化，去看那個真正的可能在哪裡？---YTC 

 如果音樂有顏色？ 

 如果味道有形狀？ 

 什麼是感覺？我感覺到紅.藍.冷.熱，然而我們發現＂感覺＂的定義是含糊不明的。 

研究現象學，Ponty第一個要破除的偏見現象，就是感覺。 

你如何定義感覺： 

感覺是一種印象嗎？感覺作為性質？感覺作為刺激的直接結果？ 

 更進一步問道：你會不會把感覺 Sensing /Sensation和感知Percption，混為一談？ 

 為了承認感覺的概念，傳統分析搞亂「知覺現象Phenomenon of perception」。 

 i.Sensation as impression 

我們試圖客觀的去感覺顏色，去聽振動的聲音，然而在感知與被感知物之間，我們經驗錯誤。 

比方，看到一塊白布在背景之中，與其它____之間的關係，是互為主體性。試問我們如何能夠只看到白布，而忽視背景？ 

去感知某物，總是在其它物體中間，它始終是場field的一部份。 

一個絕對均勻的平面不能提供任何可感知的東西，不能呈現任何感覺。 

不存在純粹的印象，也感覺不到；假若有純粹的印象，是因為人們只考慮被感知物而忽略知覺體驗。 

視覺場不是由局部視覺構成的，然而被看到的物體是由材料的片段構成，空間的各個點是相互於外在的。 

當我們談感知，永遠要把感知物放在背景之中。 

  ii.Sensation as quality 

當我們去看會獲取顏色或光線，去聽是為了獲取聲音；此時談的感知to sense，僅是獲取性質。 

紅或綠不是感覺sensations，而是感性事物sensibles，性質僅是物體的一種屬性。 

只有當顏色展現在某種表面上時，顏色才能被確定，過於狹小的表面是無法定性的。 

顏色是共構關係，一種獨特情境。 

假若��看到有一個紅點在地毯上，這個紅色不能等同於地毯的顏色。只有考慮貫穿紅點的陰影部份才是紅色，其性質與光線作用的關係中顯現為一種空間形狀的成分。 

 被感知物本身只有通過知覺才能被理解。 

我們置身於世界，我們不能離開世界，以便進入世界的意識。在意識之前，知覺已經在作用了，而且在我們產生意義之前。 

 性質在環境裡，性質所包含的意義是一種模綾兩可的意義。 

對性質的誤解，其一是把性質作意識的一個成分，其二是認為這種感知和物體在性質方面是完全的確定的。二者皆來自對世界的偏見！我們不可能根據世界來了解什麼是視覺場；描述圍繞視覺場的區域是有困難的，但是可以肯定這個區域既不是黑也不是灰，在那裡，有一種未確定的視覺，一種說不清的視覺。就像在Muller-Lyer illusion，兩條直線既相等，又不相等。 

視覺場是矛盾概念交織在一起的特殊環境---即使它們是一模一樣的長度，每一條線都有各自的背景，不是用來比較，而是它們不屬於同一個世界。 

 我們應該把未確定的東西，當作一種肯定的現象。 

 iii.Sensation as the immediate consequence of a stimulation 

印象與性質兩種關於感覺的定義，都是在被感知物體的基礎上，與常識相同，而常識也是根據它所依賴的客觀條件來確定感性事物。 

可見事物Visible是人們用眼睛把握的東西，感性事物Sensible是人們通過感官把握的東西。 

  人們假定這個世界把需要登記、轉譯的信息傳給感官，以便在我們身上再現原來的東西。由此產生”刺激”和基本知覺之間原則上對應和”恆定連結”。但是，這種”恆定連結”的假設，與意識的材料發生衝突。比方，在某些條件下，聲音的強度使高音喪失。 

  『現象與刺激不一致』 

以 Muller-Lyer illusion 來說，輔助線的添加使客觀上相等的兩條線變得不相等。又比如當紅色與綠色一起呈現時，混合結果是灰色。 

“刺激”在中樞神經系統的組合，能產生有別於客觀刺激所要求的感覺。 

當一個物體視覺大小隨著它的視距離變化時，感覺過程並非不受中樞神經系統所影響。在這種情況下，”感性事物Sensible不能被定義為外部刺激的直接結果”。 

  在到達感受性基本程度時，人們隱約看到局部刺激間和感覺系統與運動系統的一種合作，這種合作能在變化的生理格局中保持感覺的恆定，因而不能把神經過程定義為一定信息的單純傳遞。 

  如果我們重返現象，那麼現象就會向我們顯示性質的感知，就像與一個知覺背景相聯繫的一種大小的感知，刺激不再向我們提供我們試圖確定直接印象層的間接手段；但是當我們尋找感覺的客觀定義時，躲起來的不僅僅是物理刺激。 

  事實本身建議，放棄作為信息傳導器的身體概念：感性事物是我們用感官把握的東西，而這個”用(With)”不僅僅是工具，感覺器官不是一種傳導體。 

    iv.What is sensing? 

經典的感覺概念不是反射概念，而是轉向客體的思維後來的產物。 

Gestalt therory格式塔理論(完形心理學)：感覺場的外部條件並非一部份一部份地決定感覺場，而僅通過使原有結構成為可能起作用。 

  在 Muller-Lyer illusion ，其中的一條線不再與另一條線相等，但並不是不相等：它成了另一條線！ 

單一客觀的一條線和處在圖形中的同一條線對知覺來說不再是同一條線。就像我能熟悉一張臉，而無需感知其眼睛的顏色。 

組成確定的性質的所有知識的感覺理論，為我們構造了純粹的、絕對的、排除一切模綾兩可的物體，這樣的物體與其說是認識的實際主題，還不如說是認識的理想事物，它僅適合於後來的意識上層結構。只有在那裡＂感覺的概念才能近似地實現。＂ 

  知覺與局部刺激聯繫的程度，在人的後期比在人的早期更緊密，成人的知覺比兒童的更符合感覺的理論。 

  知覺如同一張變得愈來愈清晰的網。只有在原始人那裡，被感知物像是黏貼在背景的；只有在原始人面前呈現"實際未確定物"，"不能"使空間的、時間的和數學的整體，以可操作的、清楚的、和可辨認的方式，"連結"在一起。 

  現象學是一種運動，一種方法 ，一種全新面對世界的態度！ 

去擁抱世界的存在。  

We must recognize the indeterminate as a positive phenomenon. 

研究現象學，去瓦解你對世界的自然態度，凡事並非理所當然。  

回到事物之中，回到現象之中。  

是一種存在。  

永遠在狀態之中，不是穩定的，是曖味不明的。  

永遠在情境之中，人與空間環境的交構。                                          July.16 LYL

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LOOK at他人即地獄(Being)

以攝影為終生職業，是個什麼樣的狀態？

還會對拍照這件事保有熱情？還會有個人創作的慾望？

把熱愛的事當作職業，往往會抹殺一個人的熱情。

職業攝影師，還能有心想要創作，我覺得很棒！

尤其是一個已經拍照三十年的攝影者。

他說自己憑什麼做為前輩被尊敬，可能也只是因為年紀而已！

當我第一次看到小藍大哥ＰＯ出他的攝影專題

「肖像計劃」攝影師互拍

https://www.facebook.com/media/set?vanity=samstudioTaipei&set=a.10224887711249789

我看到的是：

在看與被看之間......

做為影像研究者，我也好奇，在這些攝影師眼中會看見什麼樣的小藍。

所以舉手報名，我想要第100個被拍～

一方面是這個作品，必然要拍超過一百個人才能顯現一個質量；另一方面，我覺得自己沒有準備好。

誰知報名��，某天就接到電話，來拍照吧！

電話上我（汗流浹背），我還沒想好要拍出什麼樣的小藍大哥～～～原先想說可以先聊聊要怎麼呈現．．．哥說：他都是直接就來的～啊好突然。我膽小又害羞（這是真的！）

我說：那可以，聊聊看若覺得感覺不錯，有ＦＵ就拍。

怎麼好像聯誼會？（笑死）

-

當天，一進入攝影棚播放著很慵懶的法國香頌，完全是我的菜。

小藍大哥親手煮了義式咖啡，喝著聊天配起司蛋糕；大概是因為這樣很放鬆，我幾乎覺得自己快睡著了～

哥說：那要拍照嗎今天？

我說好啊。

誰知我的狀態，完全的ㄍㄧㄣ在那裡（！）

我說：唉呀，意識到鏡頭，誰會"不在意醜"？好吧，我真的有困難。

所以想要喝些酒，藍大哥卻阻止我，我怕妳太嗨放太開。

？

我酒量很好好嘛！！！雖然只能三瓶葡萄酒，喝威士忌幾杯就不行；不然也可以大聲說：我酒品很好！！！

不被允許喝酒的我，理智太過清醒，感覺到攝影師的努力和捕捉。

但是愈是感受到，我愈沒辦法放鬆。

啊啊啊.........我好討厭這個我自己！

後來喝酒聊天的過程，小藍哥又繼續偷拍，我總有不好的預感！醜照不遠了～～～

....

緊張期待又怕受傷害

等待開獎的結果-----

....

（我拍小藍老師的心情等照片出來再來談）

昨天小藍哥問我都拍什麼，我說：覺得什麼主題都沒有別人拍的好，可能只有街拍還能有點吸引我。

小藍的回答，當場啪一聲我像是被甩了巴掌（驚）

＂別人拍怎樣關妳屁事！！！妳就拍妳的就好。＂

（愕）這麼多年，我的拍攝慾望，隨著對影像的認識，對自己無知的理解，漸漸地被消滅。

就像去攝影棚的路上，我自顧自的回想，為什麼開始拍照？

第一次對按快門有衝動的時候？

第一次看Annie Leibovitz肖像照被感動的時候？

第一次在敦南誠品看著川內倫子攝影集流淚的時候？

第一次拿著相機按下快門會微笑的時候？

我懷念起，

那個只是愛拿著相機的女生，那個—我。

謝謝有人這麼直接跟我說！

我懂，不論好或不好，都是我。

對這個我不怎麼滿意的我自己，如果我還有拍攝的熱情：

我想拍的是這個世界，是存有。 （Being）

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::創作紀念日::物體系作品no.1

當初看到這本漫畫，為這個故事感動！

《無知者：漫畫家與釀酒師為彼此啟蒙的故事》 兩個不同領域創作者，因為不同所以無知，因為無知所以更自由，相處一年期間互相折磨對方從中學習。

看完的時候，正是我打算要開始創作的時候... 當時的心情是：如果一個創作就像一座葡萄園，原來我的土壤雖然肥沃，卻許久未曾耕種（！）快變荒土一片了...

所以我左思右想，如何用我的方式創作？ 做什麼才是我會做的作品？

終於，#我的葡萄園長出小苗了！（歡呼聲）

沉寂六年，再次崛起萌芽... 會陸續與熟識的攝影朋友約見面，看作品。 有興趣提早看作品的朋友，也歡迎主動跟我約時間～ 註：看作品的過程，會錄影記錄

身為一個無知者，我比任何人都努力求知！ http://www.biosmonthly.com/columnist_topic/8973

書中提及：「書和酒有個共通點：透過討論與分享，味道會變得更清晰、更細膩。」《無知者》醇厚的韻味，便來自於一位漫畫家與釀酒師相互啟蒙的故事。而走入羅浮宮、卻著眼於最不受人重視之物的達文多，也在此揭露漫畫和紅酒兩大產業內含的各種微小、迷人，也最讓人感受到藝術光芒之處。

在創作的時候，我們想控制的很多，卻給作品的自由很少： 好喜歡這段對話~~~

「我們費盡心血，只為了完全掌控自己做出的成品，而且希望能掌控得越久越好。」

達文多補充：「不過，我們也想留一點空間給『巧合』，給『出乎意料』，給⋯⋯」「⋯⋯『自然』吧。」樂華總結，然後兩人都笑了。

創作的喜悅，必來自辛苦的耕耘

感謝陪伴我創作的Shu，還有我頭頂上的SuperEgo...YT(QQ一點都不親切!) 以及感謝一起討論攝影思考的研究員們~

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《戀人絮語》愛的旁白

羅蘭巴特的文字一直是讓我著迷的。尤其在這本戀人絮語，他的文字像是風吹過臉頰，一種描述帶著尾韻。

讀過許多巴特文本，大家決定挑戰這本戀人絮語。這不是一本容易討論的書。

Ｙ說：這本書不是讓人想談情說愛，它是用來破壞愛情幻想的。

是的，它拆解愛，讓你心頭一驚發覺自己的傻氣，或天真浪漫。

然而，字裡行間的巴特，用第一人稱的心情，讓讀者非常容易進入故事中。

如果你很理性很旁觀者的角度去看，可能會覺得他不停在呢喃…就像一部電影裡的旁白！可是愛情中的我們，不也是這樣不斷在心中添加旁白，幻想著故事…？我們看到文本中的愛情，像是寫好的劇本，主角等著心愛的人來演出對手戲。你所嚮往的愛的形態，是什麼樣子？你想演的是什麼樣的故事？ 

在文中提及嫉妒，我們變得像是演　[推理偵探劇]，不停地追問懷疑對方的心意與去處。明明應該是愛情故事啊？怎麼會換了劇本？

提及：我為對方感到痛苦你知道嗎？愛人無法有同理心原來我們想要成為愛人眼中心中最重要的一人，不能夠看著他痛苦又為他擔憂，因為此刻愛人心裡裝滿的是與我無關的一切。多麼令人悲傷！

我們以為我們愛上了誰，其實有可能是在別人的＂點醒＂之下，我們才意識到自己的愛。—告訴我去愛誰讀—消息靈通人士時，你有沒有遇過，當我們自己沉醉在愛的想像時，有某些人將秘密告訴你：對方的狀況或與誰的曖味，讓你不得不退縮，為了不傷自尊，你只能把愛收回。

是呀。愛是這樣千形百變，無法抓緊它。說變就變…讓人害怕去相信？

也許你可以看看獻辭這章節：＂語言的插曲；它伴隨著任何一件戀人的禮物，現實的或計畫中的；推而廣之，它伴隨著任何一個姿勢、或實實在在、��隱而不露。＂

它使我想起一部電影：＜新娘不是我＞1997年， 片中Cameron Diaz為了心愛的人想聽她唱歌，明知道自己不擅長唱歌，肯定會被所有人笑，可是她為了愛不顧顏面豁出去，來個"五音不全"卡拉OK演唱！  

＜新娘不是我＞劇情： 茱莉安（茱莉亞蘿勃茲飾）與麥克（狄摩穆羅巴飾）在九年前曾是一對戀人，後來愛情由濃轉淡，由情侶變朋友，兩人約定若28歲前尚未有理想對象，那兩人就結婚！這天麥克打電話來說他要結婚了，對象是一位優柔依賴的富家千金（Cameron Diaz飾）並邀請茱莉安當��娘，茱莉安頓時發覺自己錯過了好男人，當下決定要搶回新郎…  同時會想起禮物這本書。在遠古時期，獻出禮物的同時，你也獻出你的靈魂。愛，難道不就像是把心獻給對方？

閱讀戀人絮語，我們藉由巴特對各種愛的狀態情緒心情去描寫，就像是拆解人心一樣。 而真正陷入愛裡的人，卻往往無法自我意識到，亦無法從中逃脫。 

巴特這段話說的適切： ＂夜。任何一種狀態，只要它在戀人身上引發（諸如情感的、智慧的以及存在的等等）有關黑暗的隱喻，那就是我們這裡所說的夜；戀人正是在那樣的黑暗中掙扎或平靜下來。 ＂

即使在黑暗之中，如同在汪洋中飄流的幽舟，無所靠岸。 我們需要看見一個存在，讓我們向他前行。 就像夜裡的螢火蟲，閃爍著自己的燈火，為了吸引愛侶的前來；為了得到愛，不惜用盡最後的力量去閃閃發亮。  

以這段話來總結我在戀人絮語中的體悟： ＂第二種夜包住了第一種夜，黑暗照亮的昏暗：「夜是黑暗的，但它照亮了夜。」 我並不想用決心、支配、分手、奉獻等—簡言之，用動作—來擺脫戀愛的困境。 我只不過用一種夜晚去替代另一種夜晚。 「讓這黑暗更黑，那就是通向一切神奇境界的大門。」＂ 願你能去看在你眼裡閃閃發亮的人，去追尋能照亮你的那個他。

延伸閱讀文本: 1. 《會飲篇 》柏拉圖 2. 《愛情十三問》 薄伽丘 3. 《禮物》 

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移動中的《空間物種》

認識培瑞克是個意外，在博客來書單出現，覺得好奇便問問好友Ｙ，他說是很值得讀的一本著作。

第一次看文章，覺得培瑞克文字書寫非常跳躍，像看一場馬戲團高空彈跳，沒有限制在紙上、在文句間舞動，表演著。

新奇感十足，感性的喜歡他文字的淘氣，欣賞他用字在表演像一場遊戲，卻不知道讀一半的我，究竟要從何討論起…

幸運的，參加譯者許綺玲教授談培瑞克的兩場活動，透過她對培瑞克的理解，讓人很難不愛培瑞克。（細節不在此描述）

她從培瑞克文本中，認為培瑞克提出四大探問：自傳性、說故事、文字實驗與遊戲、社會學關懷。從中理解培瑞克原來是這樣思考，即使是自傳書寫，他的自傳性質是從自身記憶到大眾共同記憶，在虛實之間建構的文字世界，非一般自溺型作者。

 對培瑞克的初步認識，也因此而有了創作的新想法。十分感激這些相遇…

若沒買書的朋友，不妨看看這篇許綺玲寫的導讀： https://www.thenewslens.com/article/114017

從空間物種中，我們可以看到培瑞克藉由最小單位談到整個世界，每一次的展開，都以不同文字形式進行，同時共同點是培瑞克會將這個場域描述，用盡一切可能性，直到再也說不出話來。這個描寫的手法，豈不讓人聯想起卡爾維諾：攝影師的冒險?（摘自：困難的愛https://www.books.com.tw/products/0010686917）

攝影師的冒險：一個攝影師需要透過各種可能性各種手段，瘋狂到時時刻刻的拍，只能這樣用盡一切可能，直到再也沒有新的可能，那樣一來，拍照的本質/攝影師的存在意義，也許就能被顯露出來。

 你，會用多少方法拍照呢？你有試著去理解攝影究竟是怎麼一回事？

 空間物種，是一場空間移動的冒險！

 在不斷地移動之下，我突然明白，空間不是那些在彼方的場所；空間是時間形成的，是人所在之處。 

＂我在哪裡，空間就在哪裡。＂ 

一如培瑞克文中所說的：『何處是家，何處不是家。』 

 註: 卡爾維諾與培瑞克皆是「Oulipo」成員。

「Oulipo」文學團體「烏力波潛能文學工坊」是1960年代的法國文學運動。

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攝影的精神

關於攝影的精神

你想從一場講座/活動裡得到什麼?

今天參加讀冊辦的色彩學講座,講者陳偉民(香港資深攝影工作者)

很不可思議的講座全程沒有提色彩學的技巧,.

我猜許多參與的民眾心裡都有著與預期不一樣的感受.

講者說因為攝影裡顏色沒有標準值,所以色彩學知識可以知道卻不一定是必要的. 除非你是用於商業攝影.(認同! 每種色調都是一種表現)

我是佩服他的! (用了二小時告訴大家什麼是攝影的精神)

身為一位講者,除了提供技巧知識/讓對方學會怎麼拍,

最重要的是思想的傳達!!!

用自己思維去探討攝影這件事,其實是冒險的。因為害怕聽眾接受度不高….

所以我是蠻欣賞這位攝影師,直言不諱。不怕不被喜歡…不為服務聽眾而改變自己的姿態。

對他來說透過這樣的機會讓更多人知道他的理念,是很寶貴的.

我不確定聽眾們都懂得欣賞他這一局下得好（Good job!）,

但辜且讓我回饋一下我聽到的與些許感想…

 首先他從大自然來談起,而攝影卻是屬於非自然的!

相機是機械選擇,過程非自然狀態,加上後製與濾鏡,使得顏色變得不那麼自然。

而大自然也不讓你拍到的顏色有標準(光影響了顏色的呈現:還包含污染,氣候,風,水氣,空中雜質.不通透)

 ⊙顏色是選擇

再者,攝影有選擇的侷限…調整從來沒有離開過攝影

於是色彩之於他,是一種攝影人的表現(認同)

你的選擇即你的作品,也會造成影響

包含你如何表現你自己,和別人如何看待你.

 ⊙攝影最重要的是人:存在的狀態

各色入各心入各眼

在這個沒有標準值的年代,理應盡興拍照,去表達我的現在狀態

讓其他人懂得你想說的話.攝影的影像書寫,讓不擅言語的人可以透過影像去表達自己的想法.

 ⊙攝影行為與每個人都有���

而在現今人人手上一機的時代(相機手機)

他認為是攝影最容易入門的時代,他也提到對某些人來說痛恨這種”易產多產爛產的年代”,但是他卻樂見其成…如果每個人都能用攝影來發聲,又有什麼不可以呢???(認同!我認為攝影是一種書寫方式,我之前在Sony開過一門攝影課:[用照片為妳寫詩].也是這個概念)

 從這裡開始,我想談談現場討論的幾個面向:

1.     攝影.擬像

現在社交網路平台盛行,每個人都在拍.這個拍出來的影像成了人的反射,即自我的投射(布希亞稱之為擬像)

推薦閱讀:擬仿物與擬像 /布希亞; 物體系/布希亞

反思: 在這個年代我們試圖用外在影像來顯現自己滿足(看起來很快樂/看起來生活很豐盛),其實更重要的是,當你不在社群裡不在資訊交流中的時刻. 你有沒有真正能面對面好好說話的對象？面對面好好的討論關於你腦裡和分享心裡的一切.別忘了虛擬世界裡的人離現實還是有距離的。

 2. 影像的看與被看

現在網美照如此多,每個人都在同一個地點拍照,看到很膩.

你說攝影可以表現個人,難道不是反而扁平化了?

Chan:其實雖然每個人都在同一個背景按一張照片,但是人在其中的姿態不同,難道不是一種個人表現?看一百張照片一定會有差異(普遍性還是有差異)

推薦閱讀: 觀看的方式/約翰柏格

 3. 攝影複製性的問題

其實攝影的複製性並非現在才有,即使在早期大師拍的人文關懷式作品,很多攝影人也會跟隨拍攝手法.難道不是一種複製?

推薦閱讀: 機械複製年代的藝術作品/班雅明

 4. 沒有一個新聞可以超越生命

紀實攝影一直以來令人垢病的一點:剝削。

Chan:我在拍攝時試著不去掮情,賣弄情傷,不在最有情緒的畫面按快門.反而以抽離的角度拍攝.(認同! 攝影人最終是要對人對萬物的尊重)

推薦閱讀: 旁觀他人的痛苦/蘇珊宋塔

 最後，講者陳偉明說：現今的攝影，就是不要想太多！ (認同!想起我的攝影初衷:攝影就是快樂!也是我取名為FanFun緣由have fun) 

但是,我必須提出我的想法,就是每個人在不同時期攝影表現會有不同的需求。當你從一般快樂地拍照,轉向想要拍作品集,或者是想要透過攝影創作,想要往藝術靠近…那麼,你就會有不同層次的需求.與課題要面對。

我非常開心今晚能夠聽到這場講座,讓我想起最初自己為何攝影的心情! 同時也更加地肯定,我在教學上的方向,當學員有其需要時,我可以提供不同面向的選擇： 你想要輕鬆的,很好,我們一起快樂拍照；若是你想要攝影的哲學思考,那也很好,我們一起來燒腦.(哲思的部份,真要感謝YT這些年一起苦讀…)

今天的探討也讓我想起.上次與郭政彰老師講座後聊到,其實攝影在藝術與大眾之間,很難取得平衡.我始終在兩方的世界掙扎.好像可以再為另一方多想一下…試著去理解這個攝影者為何必須用這樣的方式表現影像!!!

我從來不認為,一個人是可以偉大祟高,但是厚度與深度是可以從他的言行與思考中看見,願向更多智者學習. 共勉之!

 註：提供的書單僅為我個人閱讀推薦，非官方講者提供。

#攝影教學

#愛相機女生 https://www.facebook.com/iCameraGirl/

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Mustafa Dedeoğlu

「在我開始攝影的最初幾年，我為伊斯坦堡做了一些實驗性、改造的攝影作品。在我把它們散布到網路上之前，我有把我的作品給家人和親近的朋友看（雖然我有點猶豫），收到他們非常驚訝可也非常正面的回應我覺得很好玩，這也鼓勵我在隔年開始分享自己的作品給土耳其攝影師會上的網站，我開始受到關注。

後來，我開始分享我的作品到國外的論壇甚至國際上，我想這應該是我人生的轉捩點，因為當時我也發現一個很重要的事情，攝影最重要的成分並不是來自於技巧，而是它所包含的東西──故事本身，在接觸了更多國外的攝影師之後，我的眼界也變得更寬廣。」

Mustafa Dedeoğlu生於1978年2月22日。大學念工業工程，十年前才開始接觸攝影 https://www.thenewslens.com/article/3051

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Sony α同樂會-攝影美學對談

該從何說起呢, 攝影之路,從09年起即將滿十年。 記得當初在10年拍攝輕鬆玩樂團的攝影展,當時我聽到樂團一路走來十年的堅持以及魏導的堅持,我總想著,十年啊...也太久了,我想都不敢想。這一天竟然悄悄來臨.... 2013年的攝影展,算是我對過去自己的一個道別。階段性的不同想法,拍攝的心境不同...偶後,我始終埋首啃食艱澀的文本,只為了突破那舒適圈。

今年Sony a同樂會,這次能與政彰老師同台攝影對談,是我的幸運! 本次對談的部份:主要在談什麼是攝影，攝影美學又是什麼。

郭政彰老師說: 行動力是對自己的尊重。

政彰老師的作品,在某個程度上,有著影響力,帶給我重新點燃熱情的力量。雖然他笑著說,攝影是非常主觀的,你根本不必要理會別人怎麼說! 嗯,能說這話要有十足的實力和自信的呢。 攝影的鏡與窗,我再次尋找,那片屬於我應該行動的景色。

談風格的時候,政彰老師用穿衣服來比喻,每個人的選擇不同! 啊...我有點懂了,外在的符號同時也是攝影的符號。政彰老師也用煎魚來比喻每個人的學習之道,如果一開始煎不好吃,多試幾次找對方法,總會煎出一尾好魚。(用吃的來談,好有感~)

回家前小聊一下: 老師談到過度使用手機的現代問題:一天兩小時,你拿來滑手機的時間,一年下來你可以省下多少時間?(碰~~~又一拳) 一期一會,這場活動對談的非常愉悅!能這樣自在的真誠地談攝影觀,相信那些字句都會打動聽者的心。

對於政彰老師的影像,我的看法是: 綠島創作: 青宇的 26歲 https://www.chengchangimage.com/blank-4 雖然談的是女性的故事,拍攝的是女體。野百合的故事,不只是關於女人的自我犠牲與愛,其實也關乎男人的私心與權力。 對於固有的傳統或僵化的制度不滿,試著透過影像去衝撞現實。同時能夠在影像中讓被攝者得以抒發個人的經歷,是一組很有意義的作品。 政彰老師20年來拍了許多影像(多到根本無法一下子就看完)，而在其中我最喜歡的影像,是西藏那一雙透亮的眼睛。政彰老師說喜歡黑白影像是因為它純粹,我看到的是一個攝影者的純粹,雖然影像截取的當下主觀不可避免,但是政彰老師儘可能的在畫面中不過度表現,是忠實觀者與記錄者。我想這也是我在閱讀政彰老師影像時最欣賞之處：人物肖像神情與姿態,光線的運用,都是相當成熟的技藝。(會讓我想起我初接觸攝影時,很喜歡的劇照攝影師:Annie Leibovitz)雖然兩人的外在作品風格差異很大,可是內在的部份我卻覺得很相像。如果要我用文字形容政彰老師的風格,我想是"暴力美學":那種對外在事物的批判和真性情直言不諱的率直,透過影像在告訴你:我覺得我這樣很好! 同時像是一匹孤傲的狼,攝取獵物時獨自前往,直接地shot....這匹狼卻也想念著人的味道,於是在孤軍奮戰之後,回到人群中窩著暖暖的,這樣生活。狼不是不想與人共處,只是要找到理念相同的人。 短短的幾小時相談很開心,他的人如同影像,是這樣值得閱讀。:)

Sony與我的攝影美學-α同樂會

主題：帶著相機去旅行 未完待續 講師：劇照攝影師 郭政彰老師 X療癒系攝影師 范雅婷(范范) 時間：2019/3/16(六) 18:00~20:30

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Mediodía (Midday)-David Hornillos

Madrid’s Atocha station was formerly known as Mediodía (Midday), as it was the city’s Southbound railway hub. This is the location where David Hornillos worked between 2011 and 2014, during the central hours of the day.

Mediodía presents an enveloping world of orange brick bathed in a vibrant light that irresistibly draws in and traps all living beings like a dragnet. With the colour orange in a leading role, David’s work faces the viewer against this brick wall, drawing him into the atmosphere of a stifling and hypnotic mental state. Photobook Award Kassel 2014 Best Book of the Year. https://fotobookfestival.org/portfolio-item/kassel-photobook-award-2014/

dalpine.com/en/book/mediodia

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Physichromie  by Carlos Cruz-Diez

Paris, France, 2006

Carlos Cruz-Diez (Caracas, 1923) has lived and worked in Paris since 1960. He is one of the great figures of kinetic-optic art. He is a contemporary theorist of color whose artistic proposal is based on four chromatic conditions: subtractive, additive, inductive and reflected color. His research has brought art into a new way of understanding the phenomenon of colour, greatly expanding its perceptual universe.

Since 2005, the Cruz-Diez Art Foundation employs all his energy and efforts in promoting different educational activities concerning the thoughts and works of Cruz-Diez.

http://www.cruz-diez.com/work/physichromie/

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BOOK《埃里克·索斯：乒乓对谈》

书名:埃里克·索斯：乒乓对谈

原书名: Ping Pong Conversations: Alec Soth with Francesco Zanot

作者:［意］弗朗西斯·扎诺特　著　

［美］埃里克·索斯　摄  

杨卓君　译

一场艺术与创作的对话

   《埃里克·索斯：乒乓对谈》是意大利摄影评论家兼策展人弗朗西斯·扎诺特与美国著名摄影师埃里克·索斯之间一次持续较长时间的、深入的对话。作为玛格南图片社成员之一的埃里克·索斯，不仅延续了玛格南图片社的品质经典，更成功打造了自己的标志性风格。

诗意的风景？苍白的肖像？忧郁症？8*10？边缘人？......这些构成了我们对埃里克·索斯作品的直观印象，但都不足以描述这位传奇摄影师非凡的才华。埃里克·索斯凭借其犀利的视角和敏锐的洞察力，挖掘出了摄影表现的多种可能性。在本次对谈中，我们得以了解摄影师本人对作品的评价及其创作起源、拍摄过程。

本书共节选了埃里克·索斯的78幅作品，其中大部分来自摄影师的经典系列：《密西西比河畔的睡梦》《尼亚加拉》《W的最后时日》《破碎手册》......也有部分单独的作品，甚至有此前从未面世的、甚至尚未命名的作品收录其中。在重新编排的作品里，我们看到了全新的叙事——由一次谈话开启的作品故事。弗朗西斯·扎诺特与埃里克·索斯就每一幅作品开展讨论，这些讨论是否可以解答索斯迷们心中的疑问呢？且听索斯畅谈作品中那些带有讽刺意义的现实的反差，那些褪掉了“一切形式的表演”的真实......

内容简介：

美国籍摄影师埃里克·索斯与意大利策展人弗朗西斯·扎诺特开始了一次长时间的、友好性的交谈。通过客观分析自己所拍摄的知名作品，尚未公布的，甚至���无人所知的其他作品，索斯深入地回顾了自己的摄影职业生涯。

埃里克·索斯拍摄了大量的边缘人，但这些人并不是埃里克·索斯有意拍摄的，他们构成路上所见的一部分。他用镜头捕捉着这些人常人的一面，走进他们的生活，甚至进入他们的房子，于是，房子和房子内部的细节都袒露在摄影师的镜头中。

在本书中，针对每张照片而展开的对话都被独立成一部分。索斯的这些作品在书中都被完全打乱，并按照以下两个方面重新排列开来：追溯记忆的开端、探讨相关的文化问题。之所以采用这样的排列顺序，作者只是希望能够建立起一种从未预见到的、不可预见到的内在联系。

作者简介：

弗朗西斯·扎诺特，摄影评论家、策展人，曾与诸多全球顶级摄影师共同策划展览、出版书籍。他在意大利及海外的各大培训机构都开办过关于摄影史和摄影理论的课程及讲座，其中包括纽约哥伦比亚大学、罗马美国学院及米兰语言传播大学。他现任由米兰Forma摄影基金会和米兰新美术学院共同创办的摄影和视觉设计硕士项目的主任。在担任“对立”（Contrasto）摄影展览活动顾问的同时，他也是摄影季刊Fantom-Photographic Quarterly系列杂志的副主编。

埃里克·索斯，摄影师，1969年出生并居住于美国明尼苏达州明尼阿波利斯。他的作品曾在多个个展和群展中展出，包括2004年惠特尼双年展和巴西圣保罗双年展。2008年，在法国巴黎网球场艺术馆和瑞士温特图尔摄影博物馆举办了一次埃里克·索斯的大型展览。2010年，沃克艺术为埃里克·索斯策划了一场名为“自此至彼”的大型展览。同年，米兰三年展举办了一场名为“密西西比，尼亚加拉”的埃里克·索斯作品展。2011年，罗马国际摄影节将“罗马任务”这一常设艺术项目委托于他，这也就是后来的《无情的妖女》。

埃里克·索斯：摄影的循环利用

埃里克·索斯（Alec Soth）是一位投身于摄影项目的摄影师。尽管他的每一幅照片各具价值，甚至毋庸置疑地被认为是一幅幅独立的单幅照片，但只有在原本的图片系列中，它们才会完整地体现照片的本意，如此才能有助于叙事的发展，而这一点则常常塑造了照片本身。

上述陈述或许令读者对本书略有歧义。这至少有两方面的原因：首先，本书中选用的埃里克·索斯的照片都脱离了原有的语境而混杂在一起；其次，它们或许被看作是足够独立的照片以至于每幅照片即使全然独立于前后的照片而仍可撑起每一章节的核心，但依据本书作者的意图，图片之所以以现在的方式而非埃里克·索斯作品原本的结构呈现，不仅仅是因为本书从头至尾也是根据时间线索记录埃里克·索斯事业发展各个阶段的里程碑，同时还有一个原因，那就是从不同系列中摘选出的图片中有许多根源上的和不可预见的联系混沌其中。

多年之前，吉多·吉迪（Guido Guidi）告诉我，他认为一组优秀的用于出版的照片系列应当是随机从任意一处开始看都是值得推敲和考验的，即便是通过非线性的方式。这是因为当下很多读者看书的习惯都是在章节之间自由跳跃，反复阅读，这也是埃里克·索斯的系列会遇到的事。而多亏了他照片本

身自有的特性才使得它经受住了考验，这一系列的照片恰如其分地体现了雅克·德里达（Jacques Derrida）用来形容自己的术语——传播。实际上，将这些照片和其他照片并置时，这种使用隐喻来传达照片含义的方法便会奏效。 “万物燎原，始于星星之火。” 一位法国哲学家如此评价此迹象产生和消逝同时发生的过程。在埃里克·索斯的照片中，由于关注点太多，照片本身更容易因为其罕见的不安定感而被认为是自成一派，虽然实际上他并没有过度使用这些元素，反而是轻而易举地将镜头外的元素与之很好地结合。

本书中所列的图像通过一些零散的对话被再次拼接起来。我们不仅能够从埃里克·索斯在20世纪90年代早期开始的摄影实践一直到他近期作品中的流变去体会他的诗意、美学及摄影风格，还能通览一系列他所强调的基于理论、程序及文脉上的重大议题。通常来讲，对于这些最重要的话题，他通常保持着一个相对开放的立场，能很好地包容不同的规则。然而，他所起到的作用不仅仅是调解斡旋或是促进融合，而且是将摄影看作在一个独立且复杂的系统下一系列思索的结果，并且超越了任何题材、应用、功能及技术的区别。换句话来讲，为了符合他当时的道德行为准则，他在摄影中也不抛弃任何东西，他把各个元素收集起来，回收利用。从他的所作所为我们可以发现在摄影世界中他为自己所选择或者未选择的角色，因此，他是一位与国际画廊、博物馆合作的艺术家，同时是一家享有声望的新闻摄影机构的成员，更是一位特别成功的博主及独立出版人。

不同类型的作品也因此得以融合，也就是说，他的作品不仅仅局限于一个单独主题的背景，而且与之前的列表一样，它传播的渠道广布在展览空间、报纸、网络和书籍等媒体中。与此同时，他也要处理介于抓拍和摆拍间的对立与分歧，并且有效地利用这两种手段。他意识到每一幅照片都包含着对事实的改变。每当他认为抓拍或摆拍有必要的时候，他都会毫不犹豫地直接介入被拍摄对象，然而他从不掩饰每次按下快门后捕捉到的精准瞬间的偶然因素。

他和历史的关系也是这样的。他不隐藏对任何古往今来的摄影师的喜爱之情，不吝于在作品中向他们致敬。这么多年来，他并没有建立自己独一无二的可辨识的标准，而是尽力隐藏本我，反而越来越难以辨认，就像他最近系列作品里的那个大胡子主角，没有人可以当即判断他的身份。总的来说，他的作品通过各种不同的形式在种类繁多的摄影实践中不断探索发现。与此同时，这本旁征博引的对话录也最终为我们勾勒出了他不断自省的心路历程。

而从内容上来看，埃里克·索斯的作品经常是基于一种二分法的顺序来衔接的。如果我们仔细思考一下他的3个主要系列：《密西西比河畔的睡梦》（Sleeping by the Mississippi）（2004）是梦与真实的���比与结合；《尼亚加拉》（Niagara）（2006）是爱与死；《破碎手册》（Broken Manual）（2010）是隔离与社群。在这里，埃里克·索斯行进于欢愉和绝望、开放与封锁、娱乐与荒谬间的钢索上，而其结果便是持续的不稳定性。比如，明白任何事物在任何时间都会让人产生疑惑。毕竟，在本书的标题的拟声词中已经存在了一个二分法，它不仅象征着2012年6月我们这次谈话的问答往来，同时更像是指出了我们在他明尼阿波利斯的工作室是如何打发时间的——交换关于乒乓球拍的照片、书和录音。

                                                   —— 弗朗西斯·扎诺特

查尔斯，明尼苏达州瓦萨城，2002

密苏里州（Ste.Genevieve），2004

瀑布26（Falls，26），2005

两条毛巾，2004

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Laddie John Dill《載光體》

  我們看John Dill的作品，有現代的科技材料，也有來自大地的素材，兩種截然不同的質地，營造一種純淨夢幻的氣息。而神奇的是，這兩種截然不同的材質，原先金屬給人的冷冽、混凝土與沙子給人感受上的粗曠，卻散發著一種獨特的纖細氣質。平面作品《光陷-百合》、《光陷-紅》我們可以看到金屬表面細緻的打磨與接合，這種金屬是製造飛機所用的鋁合金，吸光不反射的特性，散發著迷人的質感。再看到裝置作品《沙與光》藝術家透過光的反射和吸收與周遭產生反應，這些光暈重新賦予了空間的氛圍。運用氧化鐵、混凝土製作的作品《斷魂威尼斯》吸取同名歌劇場景作為靈感，質樸的素材呈現大地荒漠，飄流的感覺。透過三個系列的作品，過渡到不同的空間氛圍，John Dill如是回應 :「當觀者從作品的這一頭移動到另一頭，當中存在的微妙變化，要使觀者與作品之間的關係昇華到某種抽象層次。觀者、光與作品本身，是這次展覽的三大主角。」或許我們可以說，這次展覽作品呈現的「金屬」、「螢光」、「石面」 的三種性格，大地、物質、科技，各自都要回到最初的本性與空間產生關係，不論是來自精神性的、還是大地性的，一種純粹狀態，透過物質魅力與藝術手藝，《載光體》由光凝聚細微的粒子，在感知的光譜中，一一透析迷人的感知空間。 白石畫廊 身為 1970 年代崛起於美國加州「光與空間運動」（Light and Space Movement）藝 術家之一，迪爾的作品探索光、空間與身體感知之間的關係。此次展覽將呈現藝術家甫被紐約現代藝術博物 館（Museum of Modern Art）所收藏的〈光的平原，1969〉雕塑，以及運用工業媒材，並獲得古根海姆獎 學金（John Simon Guggenheim Fellowship）殊榮之〈魂斷威尼斯〉等精彩作品，切合白石畫廊自然建築的 概念，提供「土地」與「光」各自獨立，又能彼此對話的場域。 迪爾 1943 年於加州長灘出生，爾後隨家人搬至當時仍然純樸的馬里布，受其自然環境以及繼父為鏡頭設計 師的影響，迪爾從小即培養對自然景觀與光學科技的迷戀。1968 年在喬納德藝術學院（現加州藝術學院） 取得了美術學士學位後，迪爾進入雙子星版畫室（Gemini G.E.L.）工作，開始與著名藝術家密切合作，包括 羅伯特‧勞森伯格（Robert Rauschenberg）、克拉斯‧歐登伯格（Claes Oldenburg）、羅伊‧利希滕斯坦 （Roy Lichtenstein）和賈斯培‧瓊斯（Jasper Johns）。迪爾將光與自然材料、空間結合所做的各種試驗， 獲得勞森伯格的賞識，並將其引薦給他在紐約的經紀人─伊利安娜·索納本（Illeanna Sonnabend），促成迪 爾在紐約的第一場個展，亦是第一位在紐約舉辦展覽的「光與空間運動」藝術家。 《載光體：台北》將以「光」介入空間、視覺，以及語言等多項感官層面。〈光的平原，1969〉利用光線穿 越玻璃並折射在鄰近的透明玻璃片上，建構出實體框架以外的虛幻空間。〈沙與光〉運用布幕染色的概念， 將平面繪畫的構圖，延伸到立體雕塑。〈光之語〉將霓虹燈管一節一節的顏色比喻為組成句子的單字，賦予 「光」能被組合、閱讀的可能性。〈光阱〉與〈魂斷威尼斯〉則以工業、航太原料，還原光與大自然的特 性。 迪爾的創作善於維持住媒材的本質，以非刻意的方式呈現某種景觀。

1970年於美國加州崛起的「光與空間運動」藝術家們致力於探索光、空間與身體感受之間的關係，影響了當代藝術的發展。 《紐約時報》藝評家Ken Johnson談論約翰·萊迪·迪爾的〈光之語〉： 「1960年代末，美國西岸『光與空間運動』藝術家之一約翰·萊迪·迪爾開始運用豐富並如寶石般色彩明亮之玻璃製作燈管…有些較長，有些較短，有些則只包含少數顏色。它們像發光的玻璃珠串一樣閃耀。迪爾稱此作品為〈光之語〉，將一節一節的顏色比喻為組成句子的單字，暗喻著「光」能超越文字而被閱讀的可能性。然而，當這系列作品被同時呈現，其視覺效果卻並非如敘事體冗長，而更像迷幻的室內音樂輕輕演奏著。」

Laddie John Dill的手工霓虹燈管裡，透過色彩的詮釋，可以展現某個雨季從清晨到夜晚的氣溫變化，也像一段寫在空間裡的文字，仰賴他的節奏感體會光線的韻律。

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伊丹豪

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Rimini Protokoll（Kaegi / Karrenbauer）, Germany