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¡Bienvenidxs al blog de nuestro colectivo de Artistas Visuales! Somos un grupo de profesionales con formación académica avanzada en diversas disciplinas de las Artes Visuales. Nos hemos unido con un propósito claro y emocionante: acercar las Artes Visuales a la gente. Creemos fuertemente que el arte debe ser comprensible y disfrutable para todxs, sin importar su nivel de conocimiento o experiencia previa. Aquí, el arte no es solo para expertos; es para todxs aquellos que sientan curiosidad y quieran aprender un poco más sobre este infinito universo.

En este espacio van a encontrar información básica sobre las técnicas tradicionales de las Artes Visuales, vamos a repasar algunos conceptos básicos, compartir trabajos y entrevistas, veremos un poco de historia e intercambiaremos información de interés.

Somos pintoras, escultoras, grabadoras y teóricas del arte que compartimos una visión común: hacer del arte una experiencia inclusiva y enriquecedora. Cada una de nosotras aporta una perspectiva única, fruto de años de estudio y práctica en el mundo del arte. Este blog es una extensión de nuestra sala de trabajo, una ventana a nuestras discusiones, descubrimientos y reflexiones sobre el vasto universo del arte. Queremos que sientan que están en el estudio con nosotras, explorando y aprendiendo juntas.

Mira nuestros otros blogs de arte:

Grabado

Pintura

Escultura

Dibujo

Creación Colectiva (Galería)

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Punto, Línea, Plano, Figuras Geométricas, Forma y Punto de Fuga

Presentación de Perspectiva Colectiva:

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Luz y Sombra

La luz es fundamental en las artes visuales, ya que define la forma, el volumen y la textura de los objetos. Los artistas utilizan la luz para crear contrastes, resaltar detalles y establecer atmósferas. La sombra, por otro lado, complementa la luz y ayuda a dar profundidad y realismo a las imágenes.

Luz: La luz define las formas y contornos de los objetos, las cuales permiten crear la ilusión de volumen y profundidad en superficies bidimensionales. Esta le permite al artista resaltar ciertos elementos en una composición, de esta manera colocando una luz intensa se puede lograr un punto focal en específico, dejando que el resto de la obra se perciba de forma sutil.

Sombra: La sombra se provoca por la ausencia de luz en ciertos sectores, creando profundidad, contraste, volumen y logrando una ilusión de tridimensionalidad.

Caravaggio:

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Julio Ojeda

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Cuerpo y figura humana

El cuerpo humano y el cuerpo inanimado ( como la famosa “naturaleza muerta") es una de las formas más comunes de representación en las artes visuales. Los artistas exploran la anatomía humana y la naturaleza muerta para crear figuras realistas o estilizadas, expresando emociones, movimientos y narrativas a través de la pose y la composición. 

La representación de la figura humana ha sido, a lo largo de la historia del arte, uno de los mayores desafíos y una de las representaciones que mayores controversias ha traído.

La figura humana ha sido un tema central en las artes visuales, simbolizando tanto la anatomía como los valores culturales. Desde las antiguas pinturas rupestres hasta el Renacimiento, artistas como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel buscaron capturar la perfección y las emociones humanas con precisión científica, enfrentando desafíos técnicos complejos.

Con el tiempo, la representación de la figura humana se transformó. En el Barroco, se destacó el dramatismo y el movimiento, mientras que en el Impresionismo y el Expresionismo, la figura se distorsionó para expresar percepciones y emociones internas. Estos estilos presentan un nuevo desafío: transmitir la subjetividad y la emoción más allá de la fidelidad anatómica.

En el arte contemporáneo, representar la figura humana es un desafío conceptual y crítico. Artistas como Cindy Sherman y Jenny Saville usan la figura para explorar y cuestionar temas de identidad, género y poder. Así, la figura humana no solo refleja la forma física, sino que también sirve como una herramienta para la crítica social y la exploración personal.  Al respecto Argentina tiene una rica historia en cuanto a la representación de la figura humana en las artes visuales, teniendo a grandes referentes como Antonio Berni, Xul Solar y Lola Mora, de quienes podrás saber en el post sobre entrevistas. 

Si te interesa saber más sobre este tema, te recomendamos que indagues sobre algunas palabras clave: Anatomía, proporción, narrativa, simbolismo, movimiento y pose.

Xul Solar:

Antonio Berni:

Lola Mora:

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Espacio y Perspectiva

El manejo del espacio es esencial para crear la sensación de profundidad y tridimensionalidad en una obra de arte. Los artistas utilizan técnicas de perspectiva, como la línea del horizonte, el punto de fuga y la escala relativa, para representar el espacio y situar los objetos dentro de un contexto espacial coherente.

Espacio: El espacio representa las dimensiones en una superficie bidimensional, los artistas utilizan la perspectiva y el sombreado para crear la ilusión de profundidad y tridimensionalidad. Así mismo juegan con los espacios negativos (el entorno que rodea los objetos en una obra) y los espacios positivos (el lugar donde están los objetos), el ambiente y el contexto.

Perspectiva: La perspectiva es una técnica que los artistas utilizan para crear la ilusión de profundidad en una superficie plana. Esto se logra representando cómo los objetos parecen disminuir de tamaño a medida que se alejan del espectador, es decir los objetos más cercanos al espectador se ven más grandes y detallados, y los objetos más alejados se ven más chicos y menos definidos, además de utilizar el punto de fuga.

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Marta Minujín

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Color

El color es un elemento poderoso en las artes visuales, con la capacidad de evocar emociones, establecer atmósferas y crear composiciones visualmente impactantes. Los artistas exploran la teoría del color para mezclar tonos, contrastes y armonías cromáticas. 

Cualquier persona es capaz, desde muy pequeña, de elegir su color preferido, pero… ¿sabemos qué es el color?

Color: El color es el aspecto de las cosas que es causado por diferentes cualidades de la luz mientras es reflejada o emitida por ellas. Para observar el color, debe de haber luz. Cuando la luz brilla o se refleja en un objeto, algunos colores rebotan del objeto y otros son absorbidos por el mismo. Nuestros ojos sólo ven los colores que rebotan o son reflejados.

Valor: El valor es la oscuridad o claridad de un color. En el dibujo, el valor se utiliza para crear contraste, profundidad y una sensación de volumen. Diferentes valores pueden representar la luz y la sombra, dando realismo a las formas.

Armonía y contraste: Los artistas combinan y contrastan colores para crear efectos visuales interesantes. La armonía cromática se refiere a la combinación de colores que son visualmente agradables, mientras que el contraste se logra al colocar colores opuestos o muy diferentes uno al lado del otro. Por ejemplo, los colores complementarios (Rojo -  Verde / Azul - Naranja / Violeta- Amarillo) o colores que generan tensión (Rojo - Azul / Verde - Naranja).

Emoción y significado: El color es una poderosa herramienta para evocar emociones y transmitir significado en una obra de arte. Cada color tiene asociaciones emocionales y simbólicas únicas. Por ejemplo, el rojo puede representar pasión o peligro, mientras que el azul puede evocar calma o tristeza.

Narrativa visual: El uso del color puede ayudar a contar una historia o establecer un ambiente en una obra de arte. Por ejemplo, los cambios en la paleta de colores pueden indicar una transición de día a noche o transmitir una sensación de alegría o tristeza. El caso más conocido, por así decirlo, que ejemplifica muy bien este punto sería el periodo azul de Picasso.

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Colores y sus significados más comunes

Rojo: Puede representar pasión, amor o peligro. En muchas culturas, también se asocia con la energía y la fuerza.

“Fenómeno de ingravidez” - Remedios Varo

Azul: A menudo evoca calma, tranquilidad o tristeza. También puede sugerir infinitud, como el cielo o el mar.

"La Habitación Azul" - Picasso

Amarillo: Se asocia con la felicidad, la energía y la luz, pero también puede representar precaución o advertencia.

"Los girasoles" - Vincent van Gogh

Verde: Frecuentemente simboliza la naturaleza, la vida y la renovación. Puede evocar sensaciones de tranquilidad y crecimiento, pero también puede asociarse con la envidia.

"Verde - el color de la esperanza" - Doris Duschelbauer

Naranja: Combina la energía del rojo y la felicidad del amarillo. Representa entusiasmo, creatividad y éxito.

"Un ramo de naranjas" Rafael Romero Barros 

Violeta: Asociado con la realeza, la nobleza y la espiritualidad. Puede evocar misterio, lujo y sabiduría.

"El jardín del artista en Giverny" - Claude Monet

Negro: Representa el misterio, la elegancia y el poder, pero también puede simbolizar el duelo y la muerte.

 "Odalisca en grisalla" - Ingres

Blanco: Simboliza la pureza, la paz y la inocencia. En algunas culturas, también está asociado con la muerte y el luto.

"BLANCO SOBRE BLANCO" -MALÉVICH

Rosa: A menudo se asocia con el amor, la gentileza y la feminidad. Puede evocar sentimientos de calidez y ternura.

"El alma de la rosa" - John William Waterhouse

Marrón: Evoca la tierra, la estabilidad y la simplicidad. Suele asociarse con lo rústico y lo natural.

"La gran noche" - Picrato 

Gris: Representa la neutralidad y el equilibrio, pero también puede evocar tristeza y monotonía.

"Botellas y cuchillo" - Juan Gris

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Lola Mora

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Textura

La textura es una cualidad de las superficies que se genera cuando uno o varios elementos se repiten, hasta cubrir una cierto espacio, haciendo que lo veamos como un todo integrado, donde todos esos elementos repetidos son parte de una unidad, dejando de percibirlos como muchos particulares.

De acuerdo a como se la percibe podemos diferenciar 3 tipos de textura: VISUAL (se percibe a través de la vista), TÁCTIL (la percibimos a través del tacto), y HÁPTICA (que implica tanto el tacto como la vista, en un recorrido que incorpora el factor tiempo, pues nos detenemos a sentirla y experimentarla; para que esta percepción exista debemos estar en presencia del objeto percibido).

Podemos utilizar diversos elementos para generar texturas, desde aquellos que tienen un vínculo directo con las artes plásticas, como lápices, lapiceras, óleos, acrílicos, papeles, pegamentos, etc. O incluso incorporar elementos que nada tienen que ver con la producción de imágenes, y utilizarlos como elementos texturales, negando o acentuando su significancia dada por su origen o uso cotidiano; podríamos usar fideos, desechos, elementos en desuso, arena, plásticos, etc

Interés visual: La textura agrega interés visual y profundidad a una obra de arte. Puede hacer que una superficie plana se vea tridimensional o añadir detalles realistas a objetos y paisajes.Expresión artística: Al manipular la textura, los artistas pueden expresar su estilo personal y crear obras únicas. Algunos artistas prefieren superficies suaves y uniformes, mientras que otros pueden optar por una aplicación más gestual o texturizada de la pintura. La rama artística que mejor da cuenta de esto es la escultura. Las texturas comunican por lo que pretenden ser o simular, y por aquello que son en realidad.

TÁCTIL

VISUAL

HÁPTICA

TEXTURAS:

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Tiempo y movimiento

Aunque las Artes Visuales están principalmente asociadas a imágenes estáticas, algunos artistas exploran el tiempo y el movimiento a través de medios como el videoarte, la animación y las instalaciones interactivas. Estas formas de arte permiten a los espectadores experimentar cambios temporales y narrativas en movimiento. 

En el arte visual, el tiempo puede ser sugerido a través de una secuencia de imágenes o eventos dentro de una obra, como sucede con las historietas, o bien se puede representar un momento en concreto, que parece quedar congelado para la eternidad. 

 Algunas obras de arte visual representan el movimiento de objetos, personas o animales. Los artistas pueden utilizar técnicas como el borramiento, la repetición de formas o líneas cinéticas para sugerir movimiento en una imagen estática.  Pero también, el movimiento en el arte visual puede crear una experiencia interactiva para el espectador, invitándolo a participar activamente en la obra. Por ejemplo, algunas instalaciones de arte incluyen elementos móviles que responden al movimiento del espectador o al entorno circundante, como lo es la instalación artística llamada “Medusa” 

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Nicolás Menza

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Composición

La composición se refiere a la disposición y organización de los elementos dentro de una obra de arte. Esto incluye cómo se distribuyen los objetos, las formas, las líneas y los colores en el espacio visual. Hay varias reglas y principios de composición que los artistas utilizan como guías para crear obras equilibradas y armoniosas. Algunos ejemplos incluyen la regla de los tercios, la simetría, el equilibrio y la jerarquía visual, conceptos que invitamos a investigar a quienes tengan curiosidad al respecto.La composición también se refiere a cómo se guía la mirada del espectador a través de la obra. Los artistas pueden usar líneas, formas y contrastes para dirigir la atención hacia ciertos puntos focales o crear un recorrido visual específico.

La regla de los 3 tercios:

Simetría:

Equilibrio:

Jerarquía Visual:

El resto de los ejemplos se explican es otras publicaciones.

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RAQUEL FORNER

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Imagen

Las imágenes en el arte visual son mucho más que simples representaciones visuales. Son medios de comunicación, exploraciones de la percepción humana, manifestaciones de la creatividad y herramientas para la interacción y la reflexión. Las imágenes tienen el poder de inspirar, emocionar y transformar, y son una parte integral de la experiencia humana del mundo visual y estético.

Representación visual: En su sentido más básico, una imagen en el arte visual es una representación visual de algo. Puede ser una representación realista de objetos, personas, paisajes o escenas, o puede ser abstracta, sugerente o simbólica. Las imágenes pueden transmitir una amplia gama de significados y emociones, y pueden ser interpretadas de diferentes maneras por diferentes espectadores.

Medio de comunicación: Las imágenes en el arte visual son medios de comunicación poderosos. Pueden transmitir ideas, emociones, narrativas e incluso ideologías sin necesidad de palabras. Las imágenes pueden comunicar de manera efectiva a través de su composición, color, forma, textura y simbolismo, creando conexiones emocionales e intelectuales con el espectador.

Exploración de la percepción: Las imágenes también pueden ser herramientas para explorar la percepción humana y la experiencia sensorial. Los artistas pueden jugar con la ilusión óptica, la perspectiva y la profundidad para desafiar las expectativas del espectador y crear nuevas formas de ver el mundo que nos rodea.

Manifestación de la creatividad: Los artistas utilizan una variedad de medios y técnicas para dar forma a sus ideas y visiones, creando obras que son únicas en su expresión y estilo. Las imágenes en el arte visual pueden ser innovadoras, provocativas, emotivas o simplemente hermosas, reflejando la diversidad y la riqueza del pensamiento humano.

Interacción con el espectador: Las imágenes invitan al espectador a participar activamente en la experiencia estética. A través de la contemplación y la reflexión, los espectadores pueden interactuar con las imágenes, interpretarlas y encontrar significado en ellas. Las imágenes pueden inspirar, desafiar, conmover o perturbar al espectador, generando una variedad de respuestas emocionales y cognitivas.

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Técnica

Cuando hablamos de arte, casi nunca falta la mención a la técnica utilizada por el/la artista. Pero ¿a qué nos referimos? La técnica es el método o proceso utilizado por un artista para crear una obra de arte, que puede incluir medios específicos como pintura al óleo, acuarela, escultura, grabado, etc. Cada medio artístico tiene sus propias técnicas distintivas, y los artistas pueden experimentar y desarrollar su propio estilo a través de la práctica y la exploración de diferentes técnicas.

Medios artísticos: Cada medio artístico tiene sus propias técnicas específicas. Por ejemplo, en la pintura al óleo, las técnicas pueden incluir la mezcla de colores en la paleta, la aplicación de capas de pintura con pinceles o espátulas, y la manipulación de la textura con diferentes tipos de medios o aditivos. En la escultura, las técnicas pueden implicar la talla, el modelado, la fundición o la construcción de materiales tridimensionales como arcilla, madera, metal o piedra.

Herramientas y materiales: Los artistas utilizan una variedad de herramientas y materiales para aplicar sus técnicas. Estos pueden incluir pinceles, espátulas, cinceles, lápices, carboncillos, óleos, acuarelas, acrílicos, arcilla, mármol, entre otros. Cada herramienta y material ofrece posibilidades únicas para la expresión artística y puede influir en el resultado final de la obra.

Estudio y práctica: Dominar una técnica requiere tiempo, dedicación y práctica. Los artistas suelen pasar años perfeccionando sus habilidades y experimentando con diferentes enfoques para encontrar lo que funciona mejor para ellos. Esto puede implicar estudiar con maestros, tomar clases de arte, practicar en el estudio y aprender de la observación y el análisis de otras obras de arte.

Innovación y experimentación: Aunque muchas técnicas artísticas tienen una larga historia y tradición, los artistas también tienen la libertad de experimentar e innovar. Al explorar nuevas formas de trabajar con materiales y medios, los artistas pueden desarrollar enfoques originales y únicos que les permiten expresar su visión creativa de maneras innovadoras.