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[alighieri-modigliani]

Como yo, el arte es tuyo.

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Tu mirada.

Me miraste a los ojos, penetrando,

en lo más profundo de mi alma.

El cristal azul de tus pupilas,

me mostraba, mi imagen reflejada.

Me miraste y pediste temblorosa

que un te amo, saliera de mis labios,

pero ellos ya no tienen más palabras

pues los golpes de la vida los han cerrado.

Me miraste y tu pelo se erizaba,

y una gota redonda en tu pupila

que brotó, de un corazón roto

y cayó recorriendo tu mejilla.

Me miraste y tu rostro empapado

me exigía una palabra, una respuesta,

y mentí diciéndote te amo

por ganar de tu cara una sonrisa.

- Walt Whitman.

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Soneto de la dulce queja.

Tengo miedo a perder la maravilla
de tus ojos de estatua y el acento
que me pone de noche en la mejilla
la solitaria rosa de tu aliento.

Tengo pena de ser en esta orilla 
tronco sin ramas, y lo que más siento
es no tener la flor, pulpa o arcilla,
para el gusano de mi sufrimiento.

Si tú eres el tesoro oculto mío,
si eres mi cruz y mi dolor mojado,
si soy el perro de tu señorío.

No me dejes perder lo que he ganado
y decora las aguas de tu río
con hojas de mi Otoño enajenado.

- Federico García Lorca.

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A View from Dosseringen near the Sortedam Lake Looking towards the Suburb Nørrebro outside Copenaghen, Christen Købke. 1838.

Christen Købke es uno de los artistas daneses preeminentes de la Edad de Oro, y su pintura contiene toda la belleza y armonía que la mayoría de la gente asocia con este período. Pero la realidad no siempre fue idílica, y la interpretación más reciente de la pintura es menos romántica de lo que cabría esperar.

La escena que se muestra en este punto culminante proviene del patio trasero de Christen Købke en Dosseringen en Copenhague. Muchas de sus pinturas se encuentran en esta área. En esta obra, simplemente salió de la puerta de su jardín.

Aunque tendía a trabajar dentro de su propia comunidad local, evocaba con éxito narrativas de mayor significado, como si el pequeño bote, por ejemplo, se embarcara en un gran viaje. Pero Christen Købke también establece un sentido de intimidad, invitándonos a la pintura. En este caso, lo hace pintando la vegetación de una manera muy realista.

Y luego está el agua con el color rojizo que le da a la escena una sensación de puesta de sol. Al menos, así es como se interpretó la pintura hasta hace muy poco. Sin embargo, éste no es el caso.

Resulta que la escena no se veía así inicialmente. Posteriormente se descubrió que el agua se pintó con azul de Prusia, un pigmento que puede volverse rojo con el tiempo.

Otro aspecto que recientemente ha sido objeto de un renovado escrutinio es si el pequeño bote de remos puede estar entrando en lugar de salir. La imagen se interpretó previamente como una escena de despedida, pero vista a la nueva luz del día y la forma en que los remos se colocan en el agua, la pregunta ya no es tan clara, lo que hace que la pintura sea menos romántica de lo que se suponía anteriormente.

Independientemente del color del agua y el cielo, todavía nos queda una pintura que ayuda a definir la Edad de Oro y nuestras ideas sobre el danés. Se ondea la bandera, no solo por el bien de la composición, sino también para ilustrar cómo Christen Købke estaba interesado en los asuntos nacionales y la identidad nacional.

“La imagen de Dinamarca presentada aquí todavía prospera hoy y ha contribuido a construir una perspectiva y comprensión particular de la historia danesa que probablemente podría ser sacudida un poco. Las realidades de Copenhague en esta época no se trataban de una armonía idílica y pintoresca. Estaba sucio y apestaba a mierda. No sientes eso aquí. Sería un error pensar que todo estaba mejor en ese entonces. Fue una época de graves dificultades financieras para Dinamarca, una época de quiebra estatal, gran pobreza y grandes desafíos", dice Peter Nørgaard Larsen.

Es claramente necesario adoptar un enfoque crítico para cualquier imagen que se le presente: después de todo, representan la experiencia subjetiva del artista y son solo una ventana al mundo.

“Eso es válido para todas las imágenes. Incluidos los de la televisión. Existe esta ingenua noción sobre el arte antiguo que muestra el mundo tal como era. El arte es siempre una imagen editada de la realidad. La analogía generalizada es que el arte es como mirar por la ventana. Y tal vez las cosas se veían así en un buen día".

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Harvest, Charles-François Daubigny. 1851.

I preferred paintings full of daring to the nullities welcomed into every Salon. - Daubigny

Desde 1843, atraído por la pintura al aire libre, Daubigny frecuentemente se quedaba en Barbizon. Esta luminosa pinturada -comparada con los tonos oscuros de Rousseau, Millet y Diaz, del mismo periodo- con el gran horizonte en colores completamente yuxtapuestos a la luminosidad del cielo, anuncia los trabajos al aire libre de los impresionistas.

Tuvo gran éxito en el Salon de 1852, siendo esta la primera obra reconocida del artista. Recibió halagos de los hermanos Goncourt, quienes alababan los detalles del cielo y la escena en general, la forma en que usó las pinceladas para hacer resaltar algunas zonas y contraponer otras.

Muchos críticos criticaron el impresionismo por su aparie “sketch-like”. Las dimensiones monumentales de esta obra indican que Daubigny trabajó en ella en un estudio. Como sea, se reconoce a Daubigny como uno de los primeros en tratar de caputrar la efemerídad usando tonos claros y pinceladas rápidas, convirtiéndolo en uno de los grandes maestros del paisajísmo moderno, siendo admirado por grandes artistas como Van Gogh.

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The Loing’s Canal, Alfred Sisley. 1892.

Every picture shows a spot with which the artist has fallen in love. - Alfred Sisley.

Luego de haber vivido en Seine-et-Oise desde 1817, Alfred Sisley abandonó el lugar para mudarse a Seine-et-Marne, dinde vivió hasta su muerte en 1899. Esto representó, en su trabajo y en su vida personal, un gran cambio.

Durante sus últimos años de vida, Sisley solía pintar junto al río o desde las vancas de Seine en el pueblo vecino, donde el río Loing y Seine se encontraban. Sisley dejó numerosas vistas de este canal, aproximadamente siguiendo quince kilómetros del curso del Loing.

En esta obra en particular, el artista presenta un paisaje original capturado desde un punto en específico donde podía apreciarse la curvatura del canal, además de los bancos que yacían del lado contrario al agua, a través dd una pantalla de árboles con troncos torcidos. De este modo, la pintura hace eco a las perspectivas que había usado en sus anteriores trabajos, donde de fondo se veían largos caminos desapareciendo en la distancia.

El cielo ocupa gran parte de la pintura, también. De hecho, Sisley explicó dicho detalle al crítico de arte Tavernier con las siguientes palabras: “El cielo no puede ser solo el fondo. Enfatizo esta parte del paisaje porque me gustaría hacerte entender la importancia de añadirlo al trabajo. Yo siempre empiezo pintando el cielo”.

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Small Tree in Autumn, Egon Schiele. 1911.

I must see new things and investigate them. I want to taste dark water and see crackling trees and wild winds. - Egon Schiele.

Arthur Roessler, mentor de Schiele, dio a conocer información sobre él en su libro Erinnerungen an Egon Schiele. En el capítulo “Der Hoffnungsfunke” o “The Glimmer of Hope”, mencionó que, en 1911, Schiele le pidió vender cinco pinturas en pequeñas tabletas de madera lo más rápido que le fuera posible. Roessler, entonces, le recomendó cambir el formato de estas a uno más pequeño, para que la venta fuera más sencilla. Small Tree in Late Autumn es una de estas obras.

Así como, fácil de deducir, esta pintura expone un árbol en los vientos y clima otoñales, Schiele solía reflejar estados psicológicos ayudándose con la naturaleza.

En este caso, el tronco del árbol y su rama más baja asemejan las piernas de un hombre, mientras que las ramas de la copa del árbol representan sus brazos.

Esto nos deja la imagen de una figura danzante, solotaria en la cima de la colina, bailando contra el viento, lo que la hace ver expuesta, casi indefensa, en un nuevo “baile de la muerte”.

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Suprematism, Kazimir Malévich. 1915.

The square is not a subconscious form. It is the creation of intuitive reason. The face of the new art. The square is a living, regal infant. The firs step of pure creation in art. - Kazimir Malévich.

El suprematismo de Malévich desarrollaba la idea de la supremacia de la esencia ultrapersonal del arte. Flotando en el blanco espacio del fondo, las construcciones de color que componen la pintura representan el concepto de un universo infinito que poseía el artista. No existe una parte superior, ni una inferior. El artista crea una nueva realidad, una especie de das Ding an sich (la cosa en sí), cuya existencia está confinada a los marcos del cuadro. El intento de no solo sentirse parte del universo llevó a Kazimi Malévich a emplear en su arte las experiencias de la psicología de la percepción humana.

Arte no descriptivo. Quizás conseguir representar «la nada», que viene a ser representarlo todo.

Pero… ¿cómo representar la nada?. Pues sencillamente no se puede, pero sí se puede crear arte centrado sólo en las propiedades físicas de la propia obra. De esa manera quizás el espectador podría llegar a la pura y simple sensación.

Los suprematistas simplifican, ordenan todo, reducen los colores y, así, quizás los espectadores de una obra nos olvidemos que estamos ante una representación, sino ante todo el universo reducido en un cuadrado.

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No sé mucho de arte. En realidad, todo lo que sé, o al menos en su mayoría, lo sé por ti.

Sin embargo, sé de otras cosas. El taekwondo, por ejemplo.

Me siento un poco bobo haciéndolo en base a eso, pero es importante para mí y tiene un significado profundo también, que voy a explicar más adelante.

Cada cinta, dentro del arte marcial, tiene un significado. Es bien sabido por todo el mundo, me parece, que cuando empiezas a entrenar te dan el color blanco. Fuera del mundo en el que vivimos quienes lo entrenamos, quizás no son muchas las personas que saben lo que el color significa, aunque probablemente sí hay más de una que, de pararse a pensarlo, se daría cuenta, ya que es un significado universal, creo yo.

En fin, como supongo que ya habrás adivinado, el color blanco en la cinta significa pureza. Se trata de la inocencia que posee la persona que recién se adentra en este arte. Hace un intento de comprender el micro-universo interno en el que vive para comprender el esfuerzo que tiene que aplicar en este trabajo para alcanzar sus metas.

Traté de usar colores claros para apegarme al blanco y darle un significado, aparte del que ya tiene, pero que sea nuestro.

No es la primera vez que estamos juntos, y mucho menos tiene poco desde que somos conscientes de la existencia del otro en este planeta. No obstante, y no sé si a ti te pase lo mismo, siento lo nuestro como si se tratara de una novedad. Me emociona conocer nuestro micro-universo y volverme cada vez más consciente de las asperesas que tengo que limar y lo duro que tengo que trabajar para conocerte a ti, para embonar contigo, para hacerte feliz pero no porque necesites que esté (y eso haré), sino porque quieres que sea así y yo también. Ser felices por separado, pero en conjunto, y pasarla bien en el proceso para lograrlo. Esa es mi meta.

No pude decirte nada en nuestro primer mes de relación porque se pasó volando, no me di cuenta de que el tiempo contigo transcurría más rápido y me pasó desapercibido, así que tomo este segundo mes como parte, aún, de nuestro comienzo. Felices dos meses.