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Intro

Nel 1937, la Walt Disney Productions fece uscire Biancaneve e i sette nani (il primo lungometraggio d'animazione tradizionale) che fu subito un grandissimo successo, nonostante gli iniziali dubbi dell’industria cinematografica. Da allora i film d’animazione sono diventati uno dei fondamenti non solo dell’intrattenimento per bambini, ma anche della loro educazione: rappresentano, infatti, una finestra sul mondo reale, attraverso la quale i più piccoli cominciano ad approcciarsi a tematiche umane e sociali. Basti, per esempio, pensare a Porco Rosso (1992) che, dietro ai colorati idrovolanti e ai buffi personaggi che abitano il Mediterraneo di Miyazaki, si nasconde una profonda riflessione sulla morte, sulle conseguenze della guerra e soprattutto sulla libertà. Quindi, nonostante nell’immaginario collettivo i film d’animazione siano spesso collegati e collegabili all’infanzia, essi possono anche essere visti con uno sguardo più critico e “adulto”.

Vi sono poi quei film che, nonostante siano d’animazione, non sono rivolti ad un pubblico di bambini, in quanto affrontano tematiche emotivamente impegnative in un modo difficilmente accessibile per i più piccoli. Tra questi, ricordiamo titoli come Una tomba per le lucciole (1988), Anomalisa (2015), Sotto il burqa (2017) o L’isola dei cani (2018).

Va poi posto l’accento sull’aspetto artistico dell’animazione in senso stretto: infatti, va tenuto a mente che in un solo termine vengono racchiuse tutta una serie di tecniche differenti e in continua evoluzione. Non c’è allora da sorprendersi se le sequenze oniriche di Paprika (2006) non abbiano nulla a che vedere con lo stop-motion di The Nightmare before Christmas (1993) o con l’animazione in 3D di Toy Story - Il mondo dei giocattoli (1995). 

Parlare di animazione non significa quindi parlare di un sottogenere della cinematografia legato esclusivamente all’intrattenimento dei bambini, ma piuttosto di una tecnica artistica che permette di esprimere tutta la gamma di esperienze ed emozioni umane.

Scritto da Gatto

In 1937, Walt Disney Productions released Snow White and the Seven Dwarves (the first cel animated feature film), which was a great success despite the cinematography industry’s initial doubts. From this moment forward, animated movies became one of the foundations of both children’s entertainment and their education: they represent, in fact, a glimpse into the real world, through which the little ones can start to approach human and social themes. Let us think, for example, of Porco Rosso (1992) that, behind the colourful seaplanes and the amusing characters who inhabit Miyazaki’s Mediterranean Sea, hides a profound reflection on death, on the consequences of war and especially on freedom. Therefore, although in our collective image, animated movies are often connected and connectible to childhood, they can also be seen through a more critical and “adult” point of view. 

Even though they’re animated, there are also those movies whose target audience is not children, since they tackle emotionally taxing topics in a way that’s not really accessible for the little ones. Among these, we remember titles such as Grave of the Fireflies (1988), Anomalisa (2015), The Breadwinner (2017) and Isle of Dogs (2018).

We also have to highlight animation's artistic aspect per se: in fact, we have to keep in mind that just one word includes a series of different techniques which are in constant evolution. It’s no wonder then if Paprika (2006)’s dreamlike sequences are nothing like The Nightmare before Christmas (1993)’s stop-motion or like Toy Story (1995)’s 3D animation.

To talk about animation is then not the same as to talk about a subgenre of cinematography that can only be tied with children’s entertainment, but it is rather an artistic technique which allows to express the entire range of human experiences and emotions.

Translated by Raccoon

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Red / Turning Red

Le donne e le loro esperienze, per quanto sia un colpo al cuore dirlo, raramente sono state il centro dell'attenzione del mondo cinematografico, o almeno non in modo adeguato, senza affondare in stereotipi ormai triti e ritriti. Negli ultimi anni, però, sembra che la via d'uscita sia finalmente visibile, e il genere femminile si stia pian piano prendendo il suo posto e la sua dignità. 

Turning Red (2022), distribuito in Italia semplicemente come Red, è un esempio di questo successo; film firmato Disney Pixar, è stato il primo della casa di animazione diretto esclusivamente da una donna, Domee Shi. 

La trama e il personaggio della protagonista (Meilin Li) si basano sull’esperienza della regista come immigrata cinese nella città canadese di Toronto, dove è ambientato anche il film; nonostante ciò, gli animatori hanno preso ispirazione specialmente dal paesaggio californiano, adattando design e animazione allo stile anime giapponese. (Furbi, questi animatori. Sanno benissimo come attirare la Gen Z.) L’influenza di tale stile si nota specialmente negli effetti 2D disegnati a mano aggiunti alle scene animate, che danno alla produzione un’aria un po’ più giocosa, perfettamente in linea con la personalità esuberante della protagonista. 

Lo sviluppo dell’intero lungometraggio è durato solamente 4 anni, il tempo più corto in assoluto per una produzione Pixar, con un budget di approssimativamente 175 milioni di dollari. La colonna sonora invece è stata composta da Ludwig Göransson, compositore e musicista svedese, in aggiunta a canzoni originali scritte dalla cantautrice americana Billie Eilish e il fratello maggiore Finneas O’Connell, che ha anche dato voce a uno dei personaggi del film.

Il tema principale del film è sicuramente l’adolescenza, il momento più confusionario della nostra vita, costellato di cambiamenti e aspettative, sia in senso positivo che negativo. Turning Red segue la stessa linea dei precedenti successi Disney Pixar Coco (2017) ed Encanto (2021), mettendo a confronto diverse generazioni di una famiglia e la loro visione opposta del mondo, dimostrando che uscire dalle righe e sperimentare spesso è quello che porta alla felicità. Infatti, non si può negare che la catarsi del cambiamento per Meilin, la protagonista, siano le manie di perfezionismo della madre, iperprotettiva ed estremamente severa. Portata allo sfinimento (comprensibilmente, direi!), Meilin si ritrova inaspettatamente a trasformarsi in un panda rosso, protettore spirituale della famiglia. La ragazza viene quindi a sapere che la sua famiglia ha un segreto ancestrale: nel momento in cui una donna della sua famiglia raggiunge l’età dello sviluppo, ella sblocca la capacità di diventare un panda rosso ogni volta che prova un’intensa emozione. Che confusione, eh? Meilin ci esce un po’ matta la prima volta che succede.

Possiamo biasimarla? Non vi fermereste anche voi giusto due secondi a impazzire? A chiedervi perché siate magicamente entrati nella Metamorfosi di Kafka versione panda rosso? Eh, direi.

Meilin cerca in tutti i modi di nasconderlo da sua madre, correndo a rifugiarsi nella doccia, coperta dalla tenda. “Sono un mostro rosso!” esclama. Questa frase ambigua serve ad introdurre un tema poco toccato dai film diretti a un pubblico giovane: il ciclo mestruale. La madre di Meilin, infatti, subito pensa a quello, partendo in quarta a spiegare alla figlia come gestire questa situazione di disagio che ogni donna è costretta a vivere. Questa scena ha ottenuto un grande feedback negativo, ma anche positivo: c'è un disperato bisogno di educazione su temi del genere oggigiorno, per quanto considerati "tabù". 

Mentre le donne più vecchie della famiglia trattano questa abilità come un segreto di cui vergognarsi, Meilin scopre poco a poco quanto possa essere liberatorio esprimersi senza limitazioni: il panda rosso è parte di lei, e non lo vuole nascondere. Specialmente dopo che trova un modo per guadagnarci su giusto un po’ di soldi. Oops, spoiler! 

Tra ossessioni adolescenziali, prime cotte, boybands dalla fama mondiale (fidatevi, i 4★TOWN rimarranno sempre nel vostro cuore) e aggeggi elettronici Y2K stile Tamagotchi, Turning Red vi farà fare un tuffo in una versione variopinta della Toronto del 2003, facendovi riflettere sull’importanza della famiglia, degli amici, e di trovare la propria identità in un mondo che ci vuole tutti uguali. E anche sui modi più creativi di mandare a quel paese chi limita la vostra libertà. Tipo i vostri parenti.

Scritto da Gatto

As much as it feels like heartbreak to say, women and their experiences have rarely been the centre of the film world’s attention, or at least not in an adequate way, without falling into stereotypes that, by now, have been rehashed over and over again. However, over the past few years it seems that the way out is finally visible, and that the female gender is slowly taking its place and dignity.

Turning Red (2022), distributed in Italy simply as Red, is an example of this success. This Disney Pixar film was the first from the animation house directed exclusively by a woman, Domee Shi. 

The plot and the character of the protagonist (Meilin Li) are based on the director’s experience as a Chinese immigrant in the Canadian city of Toronto, where the film is also set; despite this, the animators took inspiration especially from the Californian landscape, adapting design and animation to the Japanese anime style. (Clever, these animators. They know very well how to appeal to Gen-Z) The influence of such style is especially noticeable in the hand-drawn 2D effects added to the animatic scenes, which give the production a somewhat more playful feel, perfectly in line with the exuberant personality of the protagonist. 

The development of the entire feature film took only four years, the shortest time ever for a Pixar production, with a budget of approximately $175 million. The soundtrack, on the other hand, was composed by Ludwig Göransson, a Swedish composer and musician, in addition to original songs written by American singer-songwriter Billie Eilish and her older brother Finneas O’Connell, who also voiced one of the characters in the film.

The main theme of the movie is definitely adolescence, the most confusing time of our lives, studded with changes and expectations, both in a positive and negative sense. Turning Red follows the same line as Disney Pixar’s previous hits Coco (2017) and Encanto (2021), comparing different generations of a family and their opposing worldviews, showing that thinking outside the box and experimenting is often what leads to happiness. In fact, there is no denying that the catharsis of change for Meilin, the protagonist, is her overprotective and extremely strict mother’s obsessive perfectionism. Brought to exhaustion (understandably, I’d say!) Meilin unexpectedly finds herself turning into a red panda, the family’s spiritual protector. The girl then learns that her family has an ancestral secret: the moment a woman in her family reaches developmental age, she unlocks the ability to become a red panda whenever she experiences an intense emotion. How confusing, eh? Meilin goes a little crazy with it the first time it happens. 

Can we blame her? Wouldn’t you also stop just two seconds to freak out? To wonder why you magically entered Kafka’s Metamorphosis as a red panda? Yeah, that’s what I thought.

Meilin tries in every way to hide it from her mother, running for refuge in the shower, covered by the curtain. “I am a red monster!” she exclaims. This ambiguous sentence serves to introduce a theme little touched upon by movies directed at a younger audience: the menstrual cycle. Meilin’s mother, in fact, immediately thinks of that, hitting the ground running  to explain to her daughter how to handle this uncomfortable situation every woman is forced to experience. This scene got a lot of negative feedback, but also positive: there is a desperate need for education on such topics nowadays, no matter how “taboo” they are considered. 

While the older women in her family treat this skill as a secret to be ashamed of, Meilin discovers little by little how liberating it can be to express herself without limitations: the red panda is a part of her, and she doesn’t want to hide it. Especially after she finds a way to earn just a little money. Oops, spoiler!

Amidst teenage obsessions, first crushes, world-famous boybands (trust us, 4★TOWN will always remain in your heart) and Tamagotchi-style Y2K electronic devices, Turning Red will plunge you into a colorful version of 2003 Toronto, making you reflect on the importance of family, of friends and finding your own identity in a world that wants us all to be the same. And also about the most creative way to tell off those who limit your freedom. Like your relatives.  

Translated by Dog

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Pinocchio di Guillermo del Toro / Guillermo del Toro's Pinocchio

Cambiare la trama o altri aspetti di un’opera quando si lavora ad un adattamento non è cosa semplice e non sempre riesce, ma nel caso di Pinocchio di Guillermo del Toro, il film è riuscito a raccontare qualcosa di nuovo pur partendo da un libro già arrivato più volte sullo schermo. In lavoro dal 2008 e dopo numerosi ritardi a causa dell’enorme budget dovuto alla scelta della tecnica di animazione, questo adattamento esce nel 2022 su Netflix col titolo inglese Guillermo del Toro’s Pinocchio, diretto in co-regia da Mark Gustafson e il già citato Guillermo del Toro, che ha anche partecipato alla scrittura e alla produzione. È un prodotto in stop-motion ottenuto in tecnica passo uno, ovvero un metodo per la realizzazione di animazioni per cui ogni fotogramma è diverso dal precedente. 

L’unicità di questa versione del celebre racconto di Carlo Collodi non sta soltanto nel tipo di animazione, ma anche nel character design, come quello della fata turchina, che qui sembra più un angelo biblicamente accurato (chiamato “Spirito del Bosco”) che una fata dai capelli biondi come nella sua versione più conosciuta della Disney. Sono anche stati aggiunti nuovi personaggi, come quello di Morte, che ha il compito di bilanciare la sorella, lo Spirito del Bosco, e mantenere l’ordine, facendo rispettare le regole della vita e della morte. 

Guillermo del Toro sceglie di portare alcune modifiche alla storia originale, e di ambientare le vicende del burattino di legno nell’Italia fascista, nonostante questa sia un’epoca non vissuta dall’autore del romanzo, che infatti visse tra il 1826 e il 1890 e combatté da patriota nelle Guerre d’Indipendenza. L’aggiunta del tema del fascismo rende alcuni momenti della vita di Pinocchio più fatali, come l’episodio del paese dei balocchi. Nell’originale, Pinocchio viene convinto dall’amico Lucignolo a seguirlo nel paese dei balocchi, dove non esistono scuole e dove si può fare quello che si vuole, senza dover studiare. Passano lì tanto tempo a divertirsi, finché non si accorgono che si stanno trasformando in asini. Questo episodio si concentra sull’importanza dell’educazione, senza la quale i bambini rischiano di diventare “somari”. Nella versione del 2022 invece, i due vengono portati ad un campo di addestramento per giovani fascisti e allenati dal podestà del paese ad affrontare la guerra. Quando i due bambini, capitani di squadre opposte, trasformano la guerra in un gioco in cui tutti alla fine sono vincitori, il padre di Lucignolo, il podestà, ordina al figlio di sparare a Pinocchio, perché nella guerra vera e propria non ci può non essere uno sconfitto. In questo caso, al regista non interessa parlare della scolarizzazione, ma evidentemente l’obiettivo era quello di soffermarsi su una questione ben più rilevante al giorno d’oggi, ovvero la guerra, e di quanto rovini la vita di chiunque, anche i più piccoli ed innocenti. Questa volontà si può notare anche nella sequenza iniziale, non presente nell’originale, dove Geppetto, falegname e futuro padre di Pinocchio, perde il suo primo figlio, Carlo, in seguito ad un bombardamento austro-ungarico negli anni della prima guerra mondiale. 

La presenza del fascismo è permeante durante tutta la durata del cartone animato. Si può notare in piccoli dettagli, come la facciata di un edificio che recita “credere, obbedire, combattere”, uno dei più celebri slogan fascisti, il frequente uso del saluto fascista, ma anche banalmente nella presenza di Mussolini stesso, che partecipa ad uno degli spettacoli organizzati da Volpe, ignaro del fatto che Pinocchio lo sta per prendere in giro davanti a tutti. Il padre di Lucignolo, che di lavoro fa il podestà (carica che durante l’epoca fascista ha sostituito quella del sindaco), cerca per tutto il film di far diventare Pinocchio un soldato, essendo lui un burattino e quindi immortale. Secondo il podestà, Pinocchio può essere una sorta di super soldato, in grado di aiutare l’Italia fascista in guerra. Tuttavia, non è l’unico che vuole sfruttare Pinocchio. Il Conte Volpe, infatti, proprietario di un circo e grande fan di Mussolini, vuole approfittarsi di Pinocchio per fare colpo sul duce. Cosa che riesce a fare finché non arrivano a Catania e Pinocchio scopre di essere stato ingannato. In quel momento, invece del solito spettacolo propagandistico a favore della guerra, il burattino comincia ad inveire contro il dittatore, dicendogli in sostanza che è una cacca.

L’intento di Guillermo del Toro è quello di prendere in giro Mussolini, senza però rendere il cartone animato troppo noioso o pesante per i bambini, che difficilmente hanno idea di che cosa sia il fascismo. Nonostante i temi forti (la guerra, la morte e il lutto), il film mantiene comunque per tutta la sua durata un tono allegro, bambinesco, dato sia dal carattere di Pinocchio, che dalle canzoni, che rendono il cartone adatto per introdurre certi temi ai più piccoli. 

Scritto da Cane

Changing the plot or other aspects of a story when working on an adaptation is not a simple thing and it doesn't always work out, but in Guillermo del Toro's Pinocchio, the film has succeeded in telling something new even when starting from a book that's already appeared countless times on the big screen. In the works since 2008 and after various delays due to the huge budget caused by the animation technique choice, this adaptation comes out in 2022 on Netflix with the English title Guillermo del Toro's Pinocchio, co-directed by Mark Gustafson and the aforementioned Guillermo del Toro, who also participated in writing and production. It's a stop-motion product obtained in technique one step, that is, a method of realization of animations that requires the difference between every single photogram.

The uniqueness of this version of the renowned story by Carlo Collodi doesn't only stands in the animation style, but also in the character design, like we see in the Fairy with Turquoise Hair, that looks more like a biblically accurate angel (named "Forest Spirit") than a fairy with blonde hair like in the more known Disney version. New characters have also been added, like Death, who has the task to balance her sister, the Forest Spirit, and maintain order, making sure that everyone follows death and life's rules.

Guillermo del Toro chooses to make some adjustments to the original story, and sets the wooden puppet's vicissitudes in the fascist-led Italy, despite it not being a period lived by the story's author, who in fact lived between 1826 and 1890 and fought as a patriot in the Independence Wars. The addition of the theme of fascism makes some moments in Pinocchio's life more fatal, like the episode set in Toyland. In the original story, Pinocchio is persuaded by his friend Candlewick to follow the latter to Toyland, where there's no schools and one can do whatever they want, without having to study. They spend a lot of time having fun there, until they realize they're slowly turning into donkeys. This episode focuses on the importance of education, without which children risk becoming "donkeys". In the 2022 version instead, the two get taken to a addestration camp for young fascists and they get trained by the village's podestà to fight in the war. When the two kids, captains of opposing teams, transform war into a game which everyone's a winner of, Candlewick’s father, the podestà, orders his son to shoot Pinocchio, because in the real war there can’t not be a loser. In this case, the director doesn’t care about schooling, but the aim was clearly to focus on a much more important question nowadays, namely the war, and on how much it ruins everyone’s lives, even the youngest and most innocent. This will is also noticeable in the opening sequence, absent in the original work, where Geppetto, carpenter and future father of Pinocchio, loses his first child, Carlo, following an austro-hungarian bombing in the years of World War I.

The presence of fascism is permanent throughout the whole animated film. It’s noticeable in little details, like the facade of a building reciting “believe, obey, fight”, one of the most known fascist slogans, the frequent use of the fascist salute, but also trivially in the presence of Mussolini himself, who takes part in a show organized by the Fox, ignoring the fact that Pinocchio is going to mock him in front of everyone. Candlewick’s father, who works as a podestà (which substitutes the figure of the mayor during the fascist period), tries everything to make Pinocchio become a soldier, being a puppet and thus immortal. According to the podestà, Pinocchio could be some sort of a super soldier, able to help fascist Italy in the war. Nevertheless, he’s not the only one wanting to exploit Pinocchio. Count Fox, in fact, owner of a circus and a big Mussolini fan, wants to take advantage of Pinocchio to impress the Duce. Fox succeeds, until they reach Catania and Pinocchio finds out he’s being deceived. In that moment, instead of the usual propagandistic show in favor of the war, the puppet starts to rail against the dictator, basically telling him he’s a turd.

Guillermo del Toro’s intention is to mock Mussolini, however without making it too boring or heavy for children, who hardly have an idea of what fascism is. Despite the difficult themes (war, death and grief), the film maintains either way a joyous undertone, child-like, given by both Pinocchio’s character and the songs, that make the cartoon suitable for introducing certain themes to the youngest.

Translated by Cat

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La Gabbianella e il Gatto / Lucky and Zorba

La Gabbianella e il Gatto è un film del 1998 diretto da Enzo D’Alò, tratto dal romanzo Storia di una gabbianella e del gatto che le insegnò a volare di Luis Sepúlveda. Di produzione italiana, questo cartone animato offre a Sepúlveda la possibilità di partecipare al doppiaggio nella lingua originale, l’italiano appunto, nel ruolo del Poeta, uno dei personaggi del racconto. La colonna sonora è di David Rhodes e la canzone principale, So volare, è stata scritta ed interpretata in italiano da Ivana Spagna. Questa pellicola è una tra quelle italiane più di successo internazionale, arrivando in molti Paesi europei come Regno Unito, Germania, Spagna e Francia, ed incassando all’epoca oltre 12 miliardi di lire. 

Questo racconto, nonostante il finale un po’ dolce-amaro, ha sempre avuto un modo molto delicato di raccontare una storia non semplice e non delle più felici, e l’adattamento cinematografico segue le orme dell’originale, pur portando qualche piccolo cambiamento per rendere la storia più digeribile ai più piccoli. Uno di questi è l’aggiunta della figlia del Poeta, Nina, colei che alla fine conduce il gruppo di gatti al campanile, dove Fortunata imparerà a volare (nell’originale è il Poeta a fargli da guida). La scena del sogno dove Zorba chiede il suo aiuto (i gatti non possono far sapere agli uomini che parlano la loro lingua, quindi Zorba inganna la piccola facendole credere che stia accadendo tutto nella sua mente) viene rappresentata animando ogni fotogramma come se fosse un disegno fatto a matita da un bambino, stile che si adatta perfettamente alla mente della piccola Nina. 

Il finale rimane tutt’oggi una grande lezione di vita. Pur separandosi, la piccola gabbianella rimarrà sempre legata a quel gatto che nonostante tutto le ha insegnato non solo a volare, ma anche semplicemente a vivere. È un finale che dà speranza, perché quell’addio alla fine era solo un “ci vediamo presto”. E i bambini hanno bisogno di speranza, soprattutto quando affrontano una perdita ed hanno bisogno di essere rassicurati. 

Il rapporto tra il gatto Zorba e le due gabbiane, prima Kengah e poi la piccola Fortunata, è sicuramente la parte più affascinante ed emozionante sia del libro che della pellicola animata. Zorba, essendo un gatto, non dovrebbe interessarsi di un gabbiano morente, né tantomeno giurare di mantenere tre promesse irrealistiche per lui – non mangiare l’uovo, prendersi cura del piccolo una volta che sarà nato ed insegnargli a volare – ma è questo il bello: vedere Zorba che si affeziona alla piccola Fortunata (chiamata così perché è stata fortunata ad essere stata allevata dai gatti, essendo lei orfana) e vederlo poi triste mentre osserva la gabbianella ormai cresciuta volare via, ma comunque saperlo orgoglioso e soddisfatto di essere riuscito a rispettare la volontà di Kengah. Il cartone riesce bene in questa scena, anche grazie alla voce di Ivana Spagna che canta la canzone di Fortunata. La storia della gabbianella, che cresciuta gatto si sente tale anche lei, è un ottimo modo per parlare di quanto fuori posto si sentano a volte i bambini ed insegnare loro con termini e metafore semplici che non c’è niente di male nel sentirsi diversi dagli altri e che anche se si sentono come se ci sia qualcosa che non va in loro, non bisogna abbattersi, ma trovare un modo per esprimere sé stessi al massimo e, in un certo senso, imparare a volare. Perché alla fine l’importante è rispettare la propria natura e sentirsi liberi di spiegare le proprie ali. Come disse Zorba alla piccola Fifì sul campanile della chiesa di San Michele prima di vederla volare via: “Fallo per noi gatti. Non abbiamo mai volato. Sii tu il primo gatto volante”

Scritto da Cane

Lucky and Zorba is a 1998 movie directed by Enzo D’Alò, based on the novel The Story of a Seagull and the Cat Who Taught Her to Fly by Luis Sepúlveda. An Italian production, this cartoon offers Sepúlveda the chance to take part in the dubbing in the original language, Italian, as the Poet, one of the characters of the story. The soundtrack is by David Rhodes and the main song, “So volare”, was written and interpreted in italian by Ivana Spagna. This movie is one of the most successful internationally amongst the italian ones, reaching many european countries such as the United Kingdom, Germany, Spain and France, and cashing in over 12 billion lire at the time. 

This tale, despite the kind of bittersweet ending, has always had a very delicate way of telling a not-so-easy and not-so-happy story, and the cinematographic adaptation follows the track of the original, though bringing some small changes to make the story easier to digest for the little ones. One of those changes is the addition of Nina, the Poet’s daughter, who, at the end, leads the group of cats to the bell tower, where Lucky will learn how to fly (in the original it was the Poet who guided them). The scene of the dream where Zorba asks for her help (the cats can’t let humans know that they speak their language, so Zorba tricks the little girl by making her believe that it’s all happening in her head) is represented by animating every frame as if it were a child’s pencil drawing, a style that adapts perfectly to the mind of little Nina.

The ending is still to this day a big life lesson. Despite parting ways, the little seagull will always have a deep connection with that cat who, despite everything, has taught her not only how to fly, but also simply how to live. It is an ending that gives hope, since that last goodbye was merely a “see you soon”. And the children do need hope, especially when they go through a loss and need to be reassured.

The relationship between the cat Zorba and the two seagulls, first Kengah and then little Lucky, is undoubtedly the most fascinating and exciting part of both the book and the animated movie. Zorba, being a cat, shouldn’t take interest into a dying seagull, far less swear vowing to keep three promises which are unrealistic for him - to not eat the egg, to take care of the little one as soon as he will be born and teaching him how to fly - but that’s the good part: seeing Zorba growing fond of little Lucky (who was named that way since, being an orphan, she was lucky to have been raised by the cats) and then seeing him sad as he watches the now grown seagull fly away, but still knowing him to be proud and satisfied of having been able to respect Kengah’s will. 

The cartoon succeeds well in this scene, also thanks to Ivana Spagna’s voice that sings Lucky’s song. The story of the seagull, who having been raised as a cat feels like one, is a good way of speaking about how out of place children sometimes feel and teaching them with simple terms and metaphors that there’s nothing wrong in feeling different from others, and that, even if they feel as if something is wrong with them, they shouldn’t feel discouraged, but should rather find a way to express themselves to the fullest and, in a sense, learn how to fly. Because, at the end of the day, the important thing is to respect our own nature and feel free to spread our own wings. Like Zorba said to little Fifì on the bell tower of Saint Michael’s church before seeing her fly away: “Do it for us cats. We’ve never flown. Be the first flying cat”.

Translated by Rabbit

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Il Piccolo Principe / The Little Prince

Il Piccolo Principe (2015) è un film d’animazione diretto da Mark Osborne tratto dall’omonimo romanzo di Antoine de Saint-Exupéry (Le Petit Prince). La pellicola si presenta come una sorta di estensione del libro: difatti, la storia della protagonista viene sviluppata parallelamente a quella del Piccolo Principe, che viene raccontata dal personaggio del pilota del biplano. Oltre che a questa interessante scelta, un’altra particolarità sta nel fatto che le vicende vengono animate con due stili diversi, i quali distinguono anche i salti temporali: la storia della bambina è sviluppata in CGI, mentre quella del Piccolo Principe in stop motion. 

Il personaggio principale di questo film è una ragazzina alla quale vengono imposti dei limiti rigidissimi dalla sua famiglia. Ciò le impediscono, pur essendo così piccola e curiosa, di vivere con lo stesso spirito di meraviglia che, invece, caratterizza il personaggio del quale l’aviatore riporta la singolare storia. Andando contro le sue responsabilità, lei inizia a dedicare sempre più tempo alla creatività e all’evoluzione della nuova amicizia instaurata con il pilota. Lasciandosi quindi trasportare dalla curiosità, parte alla ricerca del Piccolo Principe, il quale, nel frattempo, è diventato il “Signor Principe” – uno dei “grandi” che lui stesso tanto non capiva da bambino. Grazie alla ragazza, il signor Principe riacquisisce la memoria del suo vissuto e dei suoi valori e fa ritorno sul suo pianeta (l’asteroide B-162), ritornando il bambino del quale aveva perso il ricordo. 

Il film presenta una miriade di tematiche che sono fondamentali e perennemente valide, a prescindere dall’età. Tra le più significative sia per i grandi che per i più piccini troviamo l’importanza della memoria come fattore che tiene vivo lo spirito del “sognatore”, ma anche la vita stessa della persona, impedendo di venire intrappolati nella bolla di monotonia, infelicità e superficialità che caratterizza i personaggi “adulti” nella visione del protagonista del libro. L’importanza di continuare a sognare viene sottolineata soprattutto attraverso la terrificante mancanza di questa possibilità, la quale viene presentata attraverso il pianeta nel quale la bimba trova il Signor Principe – un posto in cui l’efficienza regna sovrana, talmente buio e privo di emozioni che è riuscito a cancellare persino lo spirito infantile del Piccolo Principe. Un altro fattore portante della storia consiste nello sviluppo dell’amicizia, il quale si può chiaramente vedere nell’evoluzione dei rapporti come quello della ragazza e dell’aviatore e di quest’ultimo con il Piccolo Principe. L’esempio emblematico di questo valore risiede nel personaggio della volpe, la quale lascia cadere le sue mura in modo da aprirsi alla possibilità di essere addomesticata dal bambino, pur essendo consapevole dei rischi che si corrono quando due persone diventano fondamentali l’una per l’altra. 

Allo stesso modo, la dimensione dell’amore viene trattata in modo piuttosto vario, mostrandone le diverse sfaccettature, come l’importanza di accettare l’altro, ma anche l’importanza di rendersi conto dell’ambivalenza del perdere qualcuno. L’esempio più chiaro è visibile nell’amore che il Piccolo Principe prova per la sua Rosa, che lui protegge, nutre ed ama costantemente. Egli crede che sia unica nel suo genere e, anche nel momento in cui scopre che non è così, che esistono altre milioni di rose identiche a lei, la accetta comunque, perché il suo essere importante sta nel fatto che lei è speciale per lui, non per qualche criterio oggettivo. Dall’altra parte, l’allontanamento dalla sua Rosa permette al Piccolo Principe di esplorare nuovi pianeti e nuove connessioni. 

Un ulteriore aspetto interessante sta nella scelta di rappresentare una società regnata dall’uomo di affari, portatore di uno dei tanti “tipi” di ossessione (per i soldi, per il potere, per il riconoscimento e per l’ordine) che sono alla base della società odierna, i cui valori vengono criticati in quanto finiscono per escludere figure come il sognatore e l’artista, inglobate dal Piccolo Principe. Oltre che a questo, la scelta di far andare il Piccolo Principe incontro allo stesso processo di crescita che lo fa diventare uno degli adulti “a cui bisognava spiegare tutto”, uno di coloro che nei suoi disegni non avrebbe visto niente più di un cappello o una scatola, è particolarmente notevole, soprattutto perché, alla fine, riesce comunque ad aggiungere un tono di speranza dato che rende possibile ritrovare se stessi, la propria individualità ed immaginazione anche in un mondo talmente superficiale. 

Scritto da Coniglio

The Little Prince (2015) is an animated movie directed by Mark Osborne based on Antoine de Saint-Exupéry’s novel (Le Petit Prince) from which the movie takes its name. The film is presented as some sort of extension of the book: in fact, the story of the protagonist unfolds in parallel with the Little Prince’s one, which is told by the character of the biplane’s pilot. Beside this intriguing choice, another singularity lies in the fact that the story is animated in two different styles, which also distinguish the time-skips: the story of the little girl is developed in CGI, while the Little Prince’s one is animated in stop-motion.

The main character of this movie is a little girl whose family imposes very strict limits upon. This prevents her, despite her young age and her curiosity, from living with the same sense of wonder which is instead the foundation of the character whose singular story is told by the aviator. Going against her duties, she starts to dedicate more and more time to creativity and to the development of her new friendship with the pilot. Getting carried away by curiosity, she then goes to look for the Little Prince, who, in the meantime, has become “Mr. Prince” – one of those “grown-ups” he didn’t understand as a child. Thanks to the little girl, Mr. Prince gets his memories and his values back and goes back to his planet (the asteroid B-162), turning back into the child whose memory he had lost.

The movie presents a lot of themes that are fundamental and always true, regardless of age. Among the most significant ones for both adults and children is the importance of memory as something that keeps alive the spirit of the “dreamer”, but also life itself, by preventing them from remaining stuck in a bubble of monotony, unhappiness and superficiality like the “adult” characters did according to the protagonist of the book. The importance of keep dreaming is highlighted by the horrific absence of this possibility, which is presented by the planet where the little girl finds Mr. Prince – a place where efficiency reigns above everything, so dark and devoid of any emotion that it was able to erase even the Little Prince’s child-like spirit. Another fundamental element of the story is the development of the friendship that can be clearly seen in the evolution of relationships like the one between the girl and the aviator, or like the one between the latter and the Little Prince. An emblematic example of this value can be seen in the character of the fox, who lets his walls fall in order to let the child domesticate him despite knowing the risks that two people can encounter when they become important to each other.

Likewise, the dimension of love is dealt with in various ways, in order to show its different aspects, like the importance of accepting one another, but also the significance of realising the ambivalence of losing someone. A clear example can be seen in the love that the Little Prince feels for his Rose, that he protects, feeds and loves constantly. He believes that she’s one of a kind and, even when he discovers that this is not the case and that there are millions of roses which are just like her, he still accepts her because her being important lies in the fact that she’s special for him, not for some objective reason. On the other hand, the separation from his Rose allows the Little Prince to explore new planets and new relationships.

One more interesting aspect is the choice of representing a society reigned by the business man, who represents one of the many “types” of obsessions (for money, power, recognition and order) which are the bases of modern society, whose values are criticised since they end up excluding figures like the dreamer and the artist, represented by the Little Prince. Other than this, the choice of making the Little Prince go through the process of growth that turns him into one of those adults “who always needed explanation” – one of those people who in his drawings would have seen nothing but a hat or a box – is particularly important especially because at the end there’s still hope since the movie also shows that it is possible to rediscover oneself, one’s own individuality and imagination even in such a superficial world.

Translated by Raccoon

[animationchronicles]

Loving Vincent

L’animazione è sì un’arte a sé, ma cosa succede quando l’arte stessa viene inserita nell’animazione? Questa originale idea è stata trasposta nel film britannico-polacco Loving Vincent – diretto da Dorota Kobiela e Hugh Welchman – il quale, dopo nove lunghi anni di lavoro, è stato rilasciato nel 2017, e ha da subito riscontrato un grandissimo successo proprio per via della sua unicità. Difatti, la sua importanza sta nel fatto che sia il primo film ad essere stato realizzato interamente su tela, tramite la tecnica del rotoscopio (ovvero il fatto di ricalcare le scene a partire da una pellicola filmata in precedenza) sugli oltre 65.000 fotogrammi che lo compongono. 

La storia consiste in una digressione sugli ultimi anni della carriera e vita del famoso artista Vincent Van Gogh, la quale parte nel 1891 ad Arles nel momento in cui Armand Roulin, il figlio del postino, viene incaricato dal padre di recapitare una lettera dell’artista (deceduto l’anno prima) al fratello Theo. Armand, seppur con riluttanza, parte per il suo viaggio, il quale cambia direzione quando viene a scoprire che anche il destinatario non c’è più. Nell’incontrare le persone che avevano conosciuto Vincent in vita e nell’ascoltare le loro testimonianze su di lui, l’uomo inizia a cambiare idea su questa figura così enigmatica ed afflitta a cui si inizia ad interessare sempre di più. Il suo iniziale incarico che consisteva nello spedire una semplice lettera si trasforma dunque in una vera e propria indagine, anche perché, proprio come il padre, Armand inizia pian piano a maturare dei dubbi sul fatto che Van Gogh si fosse effettivamente suicidato – ci sono, difatti, diversi dettagli che suggeriscono altrimenti, tra cui: il fatto che, nonostante i suoi costanti sbalzi, l’artista stesse bene qualche settimana prima del presunto suicidio, o la posizione ambigua della ferita inflittagli, come anche il suo continuo stato di alienazione e la sua condizione di emarginato nelle quali era stato intrappolato dalla società. 

La realizzazione probabilmente più agghiacciante che sovviene al termine del film è il costante circolo di incomprensione che avvolge Van Gogh – sebbene quest’ultimo sia al centro delle vicende e per quanto rappresenti il punto focale di tutta la storia, di fatto, ha pochissima voce nei fatti; pur essendo l’intento di Armand quello di comprenderlo, l’unica cosa che può fare è formulare delle ipotesi le quali si basano unicamente sulla percezione che gli altri hanno di lui, la quale non può chiaramente essere presa come verità assoluta e che non fa altro che infittire il senso di estraniazione anche dopo la sua morte. Questo concetto viene riassunto brillantemente da una frase detta dal postino verso la fine: “c’è il cielo lassù, qualcosa che possiamo vedere ma non possiamo comprendere - mi ricorda Vincent". Questa sensazione è ulteriormente aggravata dal fatto che l’unica persona con cui Vincent si fosse mai realmente confidato, ovvero Theo, non è in grado di partecipare al ricalco della vita del fratello, quindi la possibilità di conoscerlo più a fondo viene praticamente annullata. L’unica cosa che ci permette di avvicinarci all’anima dell’artista sono i suoi dipinti, i quali Van Gogh stesso in una delle sue lettere definisce come gli unici mezzi per poter, in qualche modo, affermare la sua persona nella società – “Cosa sono io, agli occhi della gran parte della gente? Una nullità, un uomo mediocre, un individuo sgradevole, qualcuno che non ha e che non potrà mai avere una posizione sociale. In breve – l’ultimo degli ultimi. Ebbene, anche se tutto questo fosse vero, vorrei che un giorno le mie opere rivelassero ciò che questo uomo mediocre, questa nullità, ha nel cuore.” Una scelta interessante che viene fatta nel film è proprio quella di fare dei collegamenti con la sua produzione artistica facendo dei riferimenti ai suoi dipinti, che diventano delle scene con una loro vita propria, che ci raccontano una storia nascosta la quale si rivela prova della sensibilità di Vincent nei confronti del mondo che aveva intorno.

Scritto da Coniglio

Animation is an art in itself, but what happens when art itself is inserted into animation? This original idea was transposed into the British-Polish film Loving Vincent – directed by Dorota Kobiela and Hugh Welchman – which, after nine long years of work, was released in 2017, and was proven successful from the very beginning exactly because of its uniqueness. In fact, its importance stands in the fact that it’s the first film to be realized entirely on canvas, via rotoscope technique (that is, retracing scenes starting from a pellicule precedently filmed) on the over 65.000 photograms it’s formed of.

The story consists of a digression about the last years of the career and life of famous painter Vincent Van Gogh, which starts in 1891 in Arles when Armand Roulin, the postman’s son, is instructed by his father to deliver a letter by the painter (deceased a year prior) to his brother Theo. Armand, though reluctantly, leaves on his journey, which changes its direction when he finds out the recipient, too, isn’t of this world anymore.

In meeting the people that had known Vincent when he was living and in listening to their testimonies about him, the man begins to change his mind about this enigmatic and afflicted figure in which he starts to get interested more and more. His initial assignment that consisted in sending a simple letter thus turns into and actual, proper investigation, also because, exactly like his father, Armand begins little by little to mature doubts about whether Van Gogh had, in fact, committed suicide – there are, in fact, various details that suggest otherwise, among which: the fact that, despite his constant moodswings, the artist was just fine a couple weeks before the presumed suicide, or the ambiguous position of the wound inflicted, or again the constant state of alienation and his condition of emargination in which he had been trapped by society. Perhaps the most chilling realization that subsumes at the end of the film is the constant circle of incomprehension that coils Van Gogh – even though the latter is at the center of the vicissitudes and for how much he represents the focus point of the entire story, factly, he has little to no voice at all during the events; despite it being Armand’s intention to comprehend him, the only thing he can do is to form some hypothesis based exclusively on others’ perception of him, which can’t clearly be taken as the absolute truth and does nothing but thicken the feeling of estrangement even after his death. This concept is summarized brilliantly in a sentence said by the postman towards the end of the story: “there’s the sky up there, something we can see but can’t comprehend - it reminds me of Vincent”. This feeling is further aggravated by the fact that the only person with whom Vincent had ever confided in, namely Theo, isn’t able to take part in the tracing of his brother’s life, so the possibility of knowing him better gets practically canceled. The only thing that allows us to get closer to the artist’s soul are his paintings, which Van Gogh himself in one of his letters defines the only means to, in some way, affirm his person in society – “What am I, to the majority’s eyes? A nullity, a mediocre man, an unlikable individual, someone that has not and will neve be able to have a social position. In short – the last of the last. Well, even if all of this was true, I would like that one day my works revealed what this mediocre man, this nullity, has in his heart.”. An interesting choice made in the film is exactly the one to create connections with his artistic production referencing his paintings, that become scenes with their own life, telling a hidden story that reveals itself as proof of Vincent’s sensitivity towards the world surrounding him.

Translated by Cat

[animationchronicles]

Il cibo della Ghibli / Ghibli's food

Il cibo che appare nei film dello Studio Ghibli può non essere nulla di particolarmente pregiato o elaborato, tuttavia assume sempre un significato emblematico. Tanto è vero che il 27 maggio 2017, lo Studio Ghibli, conscio del ruolo che il cibo ricopre nelle sue pellicole, ha inaugurato Delicious! Animating Memorable Meals: una mostra temporanea che esplorava l’arte di disegnare e animare il cibo.

Tra i vari piatti che possiamo trovare nei lungometraggi – per esempio ne La città incantata (2001, Hayao Miyazaki) – dello studio giapponese, c’è l’onigiri: la celebre palla di riso pressato, ormai è diventata una vera e propria icona della cultura culinaria (e non solo) del Paese del Sol Levante. La storia di questo alimento comincia durante il periodo Heinan (794-1185), quando i tonjiki cominciano a mutare in omusubi e onigiri. Se i primi erano a forma di triangolo per rappresentare gli dèi della montagna e venivano mangiati dai nobili, gli onigiri potevano assumere diverse forme e venivano consumati principalmente dal popolo. Allora, il fatto che Chihiro (la protagonista) mangi proprio degli onigiri ci rimanda alla sua condizione di lavoratrice, ma non solo: 御握り (palla di riso), infatti, si pronuncia allo stesso modo di 鬼斬り, ossia “uccisore di demoni”. Quindi il fatto che Haku consegni a Chihiro degli onigiri può essere visto come una sorta di benedizione, considerando che la storia si svolge in un mondo abitato da spiriti.

Un’altro esempio è quello dei noodles in scatola presenti in Ponyo sulla scogliera (2008, Hayao Miyazaki). Ė il 1958 quando Momofuku Andō inventa i noodles in scatola, che in un’inchiesta del 2000, vennero votati dai giapponesi come la miglior invenzione del XX secolo. Questo chiaramente dimostra la loro importanza all’interno della cultura nipponica  perché, in primo luogo, sono un prodotto economico, ma anche perché, nonostante il loro prezzo, sono ancora collegati a un’idea di forza e sostentamento – sono, infatti, nati in un periodo in cui la gente aveva un gran bisogno di energie dato che doveva di fatto ricostruire la società dopo che questa era stata distrutta dalla Seconda Guerra Mondiale (basti pensare che nello stesso periodo, in Italia gli alimenti venivano sponsorizzati in base alla quantità di calorie che possedevano). Nella pellicola, attraverso i noodles si crea un’unione domestica e familiare, ma viene anche avanzata un’idea di uguaglianza: il cibo diventa rappresentazione dei bisogni che tutti noi, in quanto esseri umani, abbiamo a prescindere dalla classe sociale.

Un’altro piatto che può essere interessante analizzare è il manzo alla Stroganoff: un piatto di origine russa che, nel lungometraggio I miei vicini Yamada (1999, Isao Takahata), diventa una metafora del rapporto complicato che il Giappone ha con sé stesso e con l’Occidente. Il punto di partenza è una fascinazione per l’estero: la nonna quindi si offre di preparare questo piatto. Tuttavia sorgono a questo punto due problemi: non è in grado di pronunciare correttamente il nome del piatto e, inoltre, non ha idea di come vada preparato. Viene dunque rappresentato, in modo comico e buffo, l’incapacità di una persona di collegarsi ad un’altra cultura – tanto che alla fine dice alla sua famiglia di ordinare il sushi.

Ma ancora, in Pom Poko (1994, Isao Takahata), l’hamburger realizzato da mani invisibili assume una connotazione negativa: diventa uno dei tanti modi che il film ha per criticare una società fortemente capitalista, causa della distruzione del mondo naturale e della morte di chi questo mondo lo abita.

L’ultimo cibo di cui parlerò è forse quello che più esemplifica il profondo rapporto tra il cibo e le storie “ghibliane”: le Sakuma Drops del film Una tomba per le lucciole (1988, Isao Takahata), ossia delle caramelle dure aromatizzate alla frutta prodotte in Giappone dal 1908 al 2023. Nel contesto della pellicola (la seconda guerra mondiale), queste caramelle possono quasi stonare, possono essere viste come un eccesso non necessario, di cui però i due bambini hanno bisogno per dare un po’ di gioia e colore alle loro vite –  tanto che, quando finiscono, i due bambini riempiono la confezione di acqua che poi bevono come se fosse un succo. Le Sakuma Drops rappresentano allora l’ultimo barlume di speranza di due bambini in un contesto di fame e morte.

In conclusione, non è difficile immaginare come il prodotto culinario possa diventare una delle chiavi di lettura delle produzioni cinematografiche della casa giapponese. Dall’okayu della Principessa Mononoke (1997, Hayao Miyazaki), allo stufato di funghi e fagiano de La storia della Principessa Splendente (2013, Isao Takahata), alla Stargazy Pie di Kiki - Consegne a domicilio (1989, Hayao Miyazaki). In altre parole, il cibo passa dall’essere semplice sostentamento a rappresentare le varie sfaccettature dell’esperienza umana. 

Scritto da Procione

The food that appears in Studio Ghibli films may not be anything particularly fine or elaborate, yet it always takes on an emblematic significance. So much so that on May 27, 2017, Studio Ghibli, aware of the role that food plays in its movies, opened Delicious! Animating Memorable Meals: a temporary exhibition that explored the art of drawing and animating food. 

Among the various dishes that we can find in feature films – for example in Spirited away (2001, Hayao Miyazaki) – by the Japanese studio, there’s onigiri: the famous pressed rice ball, which by now has become a true icon of the culinary culture (and not only) of the Land of the Rising Sun. The history of this food begins during the Heinan period (794-1185), when tonjiki began to mutate into omusubi and onigiri. If the former were triangle-shaped to represent the mountain gods and were eaten by the nobles, onigiri could take different shapes and were eaten mainly by the people. So, the fact that Chihiro (the protagonist) eats onigiri specifically tells us of her status as a worker, but not only that: 御握り(rice ball), in fact, is pronounced the same way as 鬼斬, i.e. “demon slayer”. So the fact that Haku hands Chihiro some onigiri can be seen as a kind of blessing, considering that the story takes place in a world inhabited by spirits.

Another example is that of the canned noodles featured in Ponyo on the Cliff by the Sea (2008, Hayao Miyazaki). It’s 1958 when Momofuku Andō invented canned noodles, which in a 2000 survey, were voted by the Japanese as the best invention of the 20th century. This clearly shows their importance within Japanese culture because, first of all, they are an economical product, but also because, despite their price, they are still connected to an idea of strength and sustenance – they are, in fact, born at a time when people were in great need of energy since they actually had to rebuild society after it had been destroyed by World War II (suffice it to say that at the same time, in Italy, foods were sponsored based on the amount of calories they possessed). In the film, a domestic and familiar union is created through noodles, but an idea of equality is also advanced: food becomes a representation of the needs that all of us, as human beings, have regardless of social class. 

Another dish that may be interesting to analyse is Stroganoff beef: a dish of Russian origin that, in the feature film My neighbours the Yamadas (1999, Isao Takahata), becomes a metaphor for Japan’s complicated relationship with itself and with the West. The starting point is a fascination with foreign cultures: the grandmother then offers to prepare this dish. However, two problems arise at this point: she is unable to pronounce the name of the dish correctly and, moreover, she has no idea how it should be prepared. A person’s inability to connect with another culture is thus portrayed in a comical and funny way – so much so that she eventually tells her family to order sushi.

But again, in Pom Poko (1994, Isao Takahata), the hamburger made by invisible hands takes on a negative connotation: it becomes one of the film’s many ways of criticizing a highly capitalistic society, the cause of the destruction of the natural world and the death of those who inhabit this world. 

The last food I will discuss is perhaps the one that most exemplifies the profound relationship between food and “Ghiblian” stories: the Sakuma Drops from the film Grave of the Fireflies (1988, Isao Takahata), which are fruit-flavored hard candies produced in Japan from 1908 to 2023. In the context of the movie (World War II), these candies can almost clash, they can be seen as an unnecessary excess, which, however, the two children need to bring some joy and color to their lives – so much so that when they run out, the two children fill the package with water, which they then drink as if it were juice. The Sakuma Drops represent the last glimmer of hope of two children in a context of hunger and death. 

In conclusion, it is not hard to imagine how the culinary product could become one of the keys to the Japanese company’s film productions. From the okayu of Princess Mononoke (1997, Hayao Miyazaki), to the mushroom and pheasant stew of The Tale of the Princess Kaguya (2013, Isao Takahata), to the Stargazy Pie of Kiki’s Delivery Service (1989, Hayao Miyazaki). In other words, food goes from being mere sustenance to representing the various facets of the human experience. 

Translated by Dog

[animationchronicles]

Akira

Akira è un film d’animazione giapponese del 1988 tuttora considerato il capolavoro assoluto di Katsuhiro Ōtomo, direttore e sceneggiatore della pellicola, ma anche autore del manga da cui la storia è tratta (pur avendo un diverso sviluppo e un finale differente). La pellicola venne prodotta dall’Akira Committee, composto da alcune delle maggiori compagnie di produzione cinematografica giapponese – ciò fu reso necessario per riuscire ad accumulare l'enorme spesa necessaria per produrre il film, all’epoca inarrivabile per una singola casa di produzione.

La storia segue le vicende di Tetsuo e Kaneda, due amici dal rapporto conflittuale che si trovano a dover sopravvivere in una città distopica e marcia fino al midollo. Fondamentale è l’elemento fantascientifico, dato dai poteri soprannaturali frutto di esperimenti scientifici che si risvegliano in Tetsuo dopo un particolare incontro.

A livello tecnico, il film è realizzato attraverso l’animazione tradizionale che permette a dei disegni statici di prendere vita. Inoltre, grazie al notevole budget, molte delle animazioni sono in 1s. Ciò significa che un secondo di animazione è formato da 24 disegni (o frame) differenti così che le animazioni risultano incredibilmente fluide. A essere stupefacenti sono anche i fondali straordinariamente dettagliati e il modo in cui vengono utilizzate le luci (che nell’animazione, specialmente quella tradizionale, è sempre qualcosa di molto complesso). Grazie a questi due elementi Neo-Tokyo diventa una delle protagoniste del film. Infine, va data importanza anche all’impiego del lip-sync: il fatto che i movimenti labiali dei personaggi fossero coordinati con quelli dei doppiatori era qualcosa che in Giappone non si era praticamente mai visto.

Giunti a questo punto possiamo cominciare a parlare del comparto narrativo. Akira è un’opera fantascientifica che va inserita nel nel filone cyberpunk (termine coniato da Bruce Bethke nel 1983). L’ambientazione del film, infatti, è la Neo-Tokyo del 2019: una città costruita sulle ceneri della vecchia Tokyo che nel 1988 era stata rasa al suolo da un’esplosione durante la terza guerra mondiale. Se dall’esterno la città appare come uno splendente miracolo tecnologico, uno sguardo più attento rivela la sua vera natura: un cancro che lentamente ingloba e uccide tutto quello con cui entra in contatto. Si tratta, infatti, di una città dilaniata da violente manifestazioni contro un governo corrotto, da sette e santoni che si alimentano a partire dalla disperazione dilagante, e da continui scontri tra bōsōzoku – termine traducibile in “tribù della velocità sfrenata” e che indicava i mototeppisti attivi, in particolare, negli anni ‘80 (periodo in cui comincia la serializzazione di Akira). Proprio a quest’ultima categoria appartengono i due protagonisti dell’opera: questo è importante in quanto fin da subito è presentata l’idea che i due ragazzi non sono degli eroi, ma dei delinquenti che nascondono le proprie debolezze dietro alla violenza.

All’interno del lungometraggio la distruzione della città diventa una tematica che permea tutta la narrazione fin dal suo principio. Diventa, infatti, una sorta di catarsi purificatrice: soltanto distruggendo ciò che è marcio si può cominciare a ricostruire qualcosa di buono. Al contempo però, c’è la consapevolezza di quanta morte e devastazione un’esplosione di tale portata porterà e, infatti, ci sono coloro che cercheranno di impedire la catastrofe. Tuttavia, perdura nel corso del film l’idea che una nuova esplosione sia inevitabile. In questo senso Akira diventa una storia che metaforicamente parla della bomba atomica e che al contempo si pone, in un certo senso, come profezia. 

Un’altro importante tema del film è la forte presa di posizione di Ōtomo in merito a come delle istituzioni corrotte e avare non possono che creare dei giovani senza valori o aspirazioni. Tetsuo, allora, non è altro che il prodotto di un ambiente malato e violento che si interessa di lui solo nel momento in cui diventa utile come cavia da laboratorio. Ma la critica di Ōtomo si spinge oltre: nonostante le scuole siano fatiscenti e le strade trabocchino di giovani allo sbando, è l’esercito quello che riceve i fondi – cosa che costituisce le basi per il colpo di stato del Colonnello Shikishima. Vi è dunque un’importante critica nei confronti del militarismo capillare, così come nei riguardi di una classe dirigente accecata dal guadagno personale.

Per concludere, si può dire che questo lungometraggio rappresenti una pietra miliare per l’esportazione del prodotto d’intrattenimento giapponese all’estero. Tanto è vero che, almeno inizialmente, il vero successo di Akira non va da ricercarsi nella sua patria, ma proprio nel resto del mondo che con il tempo lo ha reso un vero e proprio cult. Infine, l’importanza di questo film sta anche nel fatto che con la sua cruda critica sociale, con le sue sequenze di una violenza grottesca e con il suo pessimismo di fondo, si pone agli antipodi della colorata favola disneyana, dimostrando che l’animazione non è un prodotto targettizzato solo ai bambini.

Scritto da Procione

Akira is an 1988 animated movie which is still considered the absolute masterpiece by Katsuhiro Ōtomo, the movie’s director and screenwriter but also the author of the manga from which the story is adapted (although it has a different development and ending). The movie was produced by the Akira Committee, which was composed of several of the greatest Japanese cinematographic production companies – this was necessary in order to collect the great amount of money needed to produce the film, which was unreachable for a single studio at that time. 

The story follows Tetsuo and Kaneda, two friends with a conflicting relationship who  have to survive in a dystopian city rotten to the core. Fundamental is the science-fiction element, given by the supernatural powers that awaken in Tetsuo after a singular encounter and that are the product of scientific experiments.

On a technical level, the movie is made through traditional animation which allows static drawings to come to life. Moreover, thanks to the remarkable budget, many of the animations are in 1s. This means that one second of animation is made of 24 different drawings (or frames) which allows the animations to be incredibly fluid. The extraordinarily detailed background images and the use of light (which, in animation - especially the traditional one - is always quite complex) are also astonishing. Thanks to these two elements Neo-Tokyo becomes one of the main characters of the movie. Lastly,  it’s important to highlight the use of lip-sync: the fact that the labial movements of the characters were coordinated to those of the voice actors was something that had basically never been seen before in Japan. 

Having reached this point we can start talking about the narration. Akira is a science-fiction work which is to be inserted into the cyberpunk genre (a term coined by Bruce Bethke in 1983)  As a matter of fact, the movie’s setting is 2019’s Neo-Tokyo: a city built on the ashes of the old Tokyo that had been wiped out in 1988 by an explosion during the Third World War. Despite the fact that the city looks like a bright, technological miracle from the outside, a more attentive gaze reveals its true nature: a cancer that slowly engulfs and kills everything it comes into contact with. It is actually a city torn to shreds by violent rallies against a corrupt government, by cults and their leaders that foment from widespread despair, and from continuous clashes amongst bōsōzoku – a term which is translatable into “tribes of unbridled speed” and that indicated the motorcycle thugs, particularly active during the 80’s (period of time in which the serialisation of Akira begins). The two protagonists of the movie belong precisely to this last category: this is important since, from the very beginning, there is the idea that the two boys are not heroes, but criminals that hide their weaknesses beneath violence. 

Inside of the movie the destruction of the city becomes a theme that dominates the entire narration since its very beginning. In fact, it becomes a sort of purifying catharsis: it is only by destroying what is rotten that it is possible to start rebuilding something good. Though, at the same time, there is the awareness of the amount of death and devastation that such an explosion will bring, and so  there are those who will try to prevent the catastrophe. Nonetheless, throughout the movie the idea that a new explosion is inevitable persists. In this regard Akira becomes a story that metaphorically talks about the atomic bomb and that, at the same time, behaves as some sort of prophecy. 

Another important theme of the film is the strong stance of Ōtomo regarding how corrupt and greedy institutions can only create  youngsters without values or ambitions. Tetsuo is then nothing more than the product of a sick and violent environment that only takes interest in him in the moment in which he becomes useful as a lab rat. But Ōtomo’s criticism goes further: despite the fact that schools are crumbling and the streets are full of young people in disarray, it’s the army that receives the funds – which is what constitutes the basis for colonel Shikishima’s coup. There is, thus, an important critique towards widespread militarism, and also towards a ruling class blinded by personal gain.  

In conclusion, we can say that this movie represents a milestone for the export of Japanese entertainment products abroad. So much so that, at least in the beginning, the true success of Akira is not to be found in its home country, but precisely in the rest of the world that, in time, has turned it into a real cult. Lastly, the importance of this movie also lies in the fact that with its raw social criticism, with its sequences of grotesque violence and with its underlying pessimism it stands at the opposite ends of the colourful Disney fable, showing that animation is not a product solely targeted towards children. 

Translated by Rabbit