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Muchacha dormida

Año: Alrededor de 1657

Autor: Johannes Vermeer

Ubicación: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos

Estilo: ????

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción:

El tema podría indicar la decepción en el amor: la posición de la joven detrás de la mesa, con poca luz. Esta alegoría simboliza el amor desengañado. El amor requiere sinceridad. La jarra, la copa de vino y el desorden de la habitación también sugieren el tema de la embriaguez.

Entre el amor y el sueño del alcohol, es difícil decidir: Vermeer juega principalmente con la sombra y la luz en un espacio cerrado para crear un ambiente donde toda interpretación es válida.

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M-Maybe (A Girl's Picture) 

Año: 1965

Autor: Roy Lichtenstein

Ubicación: Museum Ludwig (Colonia, Alemania)

Estilo: Pop art

Técnica: Óleo y magna de tela

Descripción:

 (Encara l'he de trobar xD)

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25 Marilyns coloreadas

Año: 1962

Autor: Andy Warhol

Ubicación: Modern Art Museum of Fort Worth, Texas, Estados Unidos

Estilo: Pop art 

Técnica: Serigrafía sobre lienzo

Descripción:

El fanatismo del artista por Marilyn Monroe lo llevó a plasmarla en diferentes cuadros. En este en particular del año 1962 la pintó 25 veces a todo color. Además, es un cuadro que plasma cultura pop y rechazo a las clásicas tendencias artísticas. Este cuadro ha convertido a Andy Warhol, en uno de los pintores más cotizados de los últimos años. 

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Picos de Europa

Año: 1870

Autor: Carlos de Haes

Ubicación: Museo del Prado (Madrid)

Estilo: Realismo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción:

Posiblemente sea éste el paisaje más famoso de Carlos de Haes que guarda el Museo del Prado. El artista busca en esta escena los aspectos grandiosos de la naturaleza, elaborando el lienzo con un realismo excepcional, jugando con la luz, los detalles de los árboles, las rocas o la hierba.

El colorido empleado es absolutamente real aunque podamos apreciar cierto poso romántico, las luces y las sombras están perfectamente conseguidas y la amplia tonalidad de verdes que utiliza resultan admirable. Sin embargo, aún no da el salto al Impresionismo, situándonos dentro del más puro Realismo en la línea de Corot. Algunos especialistas consideran a Haes como excesivamente academicista al recomponer demasiado los estudios tomados del natural.

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El carnaval del arlequín

Año: Entre 1924 y 1925

Autor: Joan Miró

Ubicación: Albright-Knox Art Gallery, Buffalo. Estados Unidos

Estilo: Surrealismo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción:

En esta obra se aprecian todo un mundo de detalles dominados por la imaginación que se extienden por toda la pintura como, un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja y, en la parte superior derecha, se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel.

Numerosos seres y objetos se yuxtaponen a la aparente desorden de una habitación con una pequeña ventana: peces, gatos, insectos, guitarra, ovillo de lana, la torre Eiffel, etc. La presencia de ciertos objetos, según explicó el propio Miró de una relación simbólica. En todo este movimiento existe un ritmo que unifica las formas y colores a todo el conjunto de la pintura.

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Un bar del Folies-Bergère 

Año: 1882

Autor:  Édouard Manet

Ubicación: Courtauld Institute of Art, Londres, Reino Unido

Estilo: Impresionismo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción:

Manet presenta a una chica (Suzon) hermosa delante de un fondo vívido y típicamente impresionista, en este caso el bar cabaret de Folies Bergère. En la obra se pueden ver reflejados en el espejo que se encuentra a las espaldas de Suzón -la camarera del local- las piernas de un trapecista, los palcos y demás detalles de sitio. La camarera parece estar hablando con un cliente, también reflejado en el mismo espejo.

Delante de Suzon se aprecia un juego de botellas flor y un bol lleno de frutas sobre un mostrador de mármol, todo presentado de manera impecable, lo cual da la idea de la destreza de Manet para el manejo del tema de las naturalezas muertas. Es importante resaltar que aunque Suzon trabajaba para la época en el Folies Bergère, la obra no se realizó ahí. Ella posó para la pintura en el taller de Manet detrás de una mesa llena de botellas y otros objetos, y el pintor los combinó con los bocetos que había realizado previamente. 

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La llave de los campos

Any: 1936

Autor: René Magritte

Ubicación: Museu Tyssen Bornemisza, Madrid

Estilo: Surrealismo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción:

A través de una ventana podemos observar un paisaje ondulado y suave. Al final de un prado amplio y levemente ascendente hay unos árboles frondosos; sobre ellos, la bóveda de un cielo débilmente azul.

Nada turbaría la serenidad de este cuadro si no diese la impresión de quebrarse ante nuestros ojos: el cristal de la ventana por la que miramos salta en mil pedazos en el momento mismo de nuestra contemplación. Se deshace en minúsculos trozos que misteriosamente permanecen fieles al cuadro delante del cual se encontraban en forma de lámina transparente. Los fragmentos caídos al suelo no son transparentes; actúan como elementos de un rompecabezas que reproduce el paisaje visto a través de la ventana. 

¿Estaba por tanto la perspectiva paisajística pintada sólo en el cristal de la ventana? ¿O no se trataba de un vidrio transparente, sino de un cuadro? Comprobamos que no existe una explicación unívoca, pues los trozos de cristal son contradictorios; el paisaje continúa intacto y es perfectamente visible tras el cristal roto. Al mismo tiempo, los trozos caídos al suelo se vuelven opacos y reflejan partes del paisaje, en tanto que los pedazos del cristal roto que continúan en el marco de la ventana siguen siendo transparentes. El artista mezcla realidad i ficción i crea un mundo inquietante.

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La noche estrellada

Año: 1889

Autor: Vincent van Gogh

Ubicación: Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York,  Estados Unidos

Estilo: postimpresionista

Técnica: óleo sobre lienzo

Descripción:

El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Hay muchos aspectos fundamentales que intrigan a las personas que miran esta imagen: 

1. El cielo nocturno: Lleno de nubes con movimiento giratorio rápido, estrellas ardiendo con su propia luminosidad, y una luna creciente que brilla. El cielo mantiene el movimiento en los ojos de la audiencia, siguiendo las curvas y creando una imagen punto a punto con las estrellas. Este movimiento capta la audiencia.

2. El pueblo: Abajo de las colinas onduladas del horizonte hay un pueblo pequeño. Hay una esencia tranquila circulando con fluidez de las estructuras. Quizás los colores oscuros y fríos, y las ventanas ardientes provoquen memorias de nuestro niñez, llenas de la curiosidad de lo que existe en la noche y en el cielo con las estrellas. El punto central del pueblo es la aguja de la iglesia reinando principalmente sobre los edificios más pequeños. La aguja proyecta un sentido de estabilidad en el pueblo, y también crea un sentido de tamaño y aislamiento.

3. El arbusto: A la izquierda de la pintura hay una estructura enorme y oscura que desarrolla un sentido más grande de tamaño y aislamiento. Las curvas de las líneas reflejan las del cielo y crean la sensación de profundidad en la pintura. Esta estructura también permite que la audiencia interprete la pintura desde su propia perspectiva. De una montaña a un arbusto frondoso, el análisis de esta formación es ancha y llena de variedad.

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Los girasoles

Autora: Ana Sánchez Marín

Estilo: Arte naíf

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción:

Pintura figurativa en la cual se utiliza el estilo naíf para representar un campo de girasoles. 

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Ciudad del amor: París

Autora: Ana Sánchez Marín

Estilo: Arte naíf

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción: 

Cuadro figurativo en el cual se utiliza el estilo naíf para representar la ciudad de París.

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Autorretrato con su esposa Isabel Brant

Año: Entre 1609-1610

Autor: Peter Paul Rubens

Ubicación: Alte Pinakothek, Múnich,  Alemania

Estilo: Barroco

Técnica: Óleo sobre lienzo sobre madera

Descripción:

La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de Rubens junto con su primera esposa. El cuadro pretende reflejar la felicidad y el bienestar de la pareja. La pareja está sentada ante un arbusto de madreselva, que simboliza el amor y la fidelidad conyugal. Las manos derechas unidas indican que ya estaban casados. Es aproximadamente el centro del cuadro y traza una diagonal con la pierna izquierda del artista y el brazo también izquierdo, que parece sostener la espada.

Rubens se deleita expresando con gran detalle las calidades de las telas, los encajes y bordados, así como los demás objetos representados, casi como si deseara demostrar su habilidad. Además, Rubens se representa a sí mismo como un caballero aristocrático con su mano izquierda sobre la empuñadura de su espada.

El cuadro presenta una luz dorada, típica del otoño, y recae principalmente en los jóvenes rostros de luos recién casados.

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Descendimiento de la cruz

Año: 1436 (aproximadamente)

Autor: Roger van der Weyden

Ubicación: Museo del Prado (Madrid) 

Estilo: Gótico

Técnica: óleo sobre tabla

Descripción:

Los personajes son diez en total: Cristo muerto, la Virgen, San Juan, las “Marías”, José de Arimatea, Nicodemo, María Magdalena, el ángel, y un hombre en un plano posterior que nos es desconocido. Parece, que tiene unos cuatro planos, y las figuras forman frecuentes escorzos que le dan esa apariencia de perspectiva.

Cristo aparece situado en el centro, formando una diagonal, y prácticamente en consonancia con el cuerpo de su madre, también ubicado en diagonal. Lleva corona de espinas y los pelos de su barba se encuentran perfectamente delineados y definidos gracias al uso de un pincel que únicamente tiene un pelo y con el que se consigue un resultado tan realista. Su anatomía está muy bien trabajada. Su brazo derecho, el cual claramente cae muerto, se encuentra en forma paralela al brazo izquierdo y desfallecido de su madre, lo que simboliza su unión madre e hijo. 

El ángel ayuda a bajar el cuerpo de Jesús subido a una escalera.

Las expresiones de los rostros emocionados y trágicos, captados con gran exactitud y realismo, forman un compendio de sentimientos dispares, con un común denominador: la tristeza.

En la parte de abajo del cuadro, hay restos óseos, que simbolizan el Calvario, y que Cristo fue crucificado en el Monte de la Calavera, según cuenta la leyenda, al igual que Adán.

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Madame X

Año: 1884

Autor: John Singer Sargent

Ubicación: Museo Metropolitano de Arte de Manhattan

Estilo: Realismo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción: 

El retrato de Madame X representa a Virginie Avegno Amélie Gautreau, reconocida como una infame en la sociedad francesa del siglo XIX por cometer adulterio. La pintura muestra a una americana expatriada quien contrajo nupcias con un banquero francés y adquirió notoriedad en la alta sociedad parisina por su belleza y rumores sobre sus infidelidades.

El cuadro muestra a la mujer enfundada en un revelador vestido de satín negro. La obra se caracteriza por el contraste entre el tono pálido de la piel de ella y el color del vestido.

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La chiquita piconera

Año: 1930

Autor: Julio Romero de Torres

Ubicación: Museo Julio Romero de Torres, Córdoba,  España

Estilo: Simbolismo

Técnica: Óleo y temple sobre lienzo

Descripción: 

La modelo del cuadro, una joven de 13 a 14 años, fue María Teresa López que también sirvió de modelo para el cuadro La Fuensanta. 

En un primer plano, el cuadro muestra a una joven sentada en una silla de madera y enea mientras remueve con una badila un brasero de picón. La joven mira directamente al espectador, con un hombro al aire y mostrando las piernas solo cubiertas por unas medias y calzando unos tacones, creando un ambiente considerado erótico en aquella época y que es muy característico de la obra de Romero de Torres.

Al fondo, a través de una puerta, puede verse un paisaje de Córdoba, algo muy típico en las obras del pintor. En el mismo puede distinguirse el Paseo de la Ribera, el Guadalquivir, el puente romano y la Torre de la Calahorra.

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Niños comiendo uvas y melón

Año: 1645-1650

Autor: Bartolomé Esteban Murillo

Ubicación: Alte Pinakothek, Múnich,  Alemania

Estilo: Barroco

Técnica: Óleo sobre lienzo

Descripción:

La pintura presenta como protagonistas a dos personajes, niños aún, que ocupan un primer plano; ambos se encuentran sentados y comiendo fruta. El de la derecha, sentado sobre una madera está situado en una posición un poco superior que su compañero, tiene la mejilla hinchada por la cantidad de melón puesto dentro de su boca, recién mordido de la tajada que sostiene en la mano izquierda, mientras con la derecha aguanta un cuchillo y el resto del melón apoyado sobre sus rodillas; tiene girada la cabeza hacia su compañero, el cual con la mano derecha en alto está comiendo uvas directamente del racimo; en la otra mano sostiene una tajada de melón. Las ropas son harapos rotos, los pies descalzos y sucios están próximos al espectador y en la parte izquierda del cuadro, se encuentra una cesta llena de uvas que forma por si sola una naturaleza muerta. Toda la escena mantiene una iluminación de claroscuro, proveniente de la parte izquierda, propia de la época barroca y de la influencia «caravagista» del autor. También la composición realizada con diagonales es típicamente barroca. El colorido empleado es en tonos ocres y verdosos, entre el blanco y el negro.

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Ábside central de Sant Climent de Taüll

Año: 1223 aproximadamente

Autor: Maestro de Taüll

Ubicación: Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona)

Estilo: Románico

Técnica: Fresco

Descripción:

Es una pintura románica perteneciente al conjunto de la decoración mural de la iglesia de San Clemente de Tahull en el Valle de Bohí, donde se encuentra la mayor concentración de arte románico de toda Europa.

La obra del ábside al servicio del tema religioso y su significado, está representada a través de medios antinaturalista y de abstracción, con rasgos simplificados y cambios hacia la modelación geométrica de las formas naturales humanas, fue también una de las características comunes del arte románico. Se trata de una Maiestas Domini o Pantocrátor.

El ábside de San Clemente de Tahull presenta un colorido amplio de tonalidades y unas líneas con color negro que configuran los contornos de las imágenes representadas con un sentido monumental, así como una composición estructurada en varios registros:

Registro superior: Representa el cielo, se encuentra el Pantocrátor.

Registro intermedio: Se ven cinco apóstoles y una última figura muy mutilada asociada a San Felipe o a la Virgen María.

Registro inferior: Representa el mundo terrenal.