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Ludwig II of Bavaria's fascination with art and literature.

It was a central aspect of his life and reign, largely reflected in his cultural initiatives and his famous castle-building projects.

Ludwig II was an ardent admirer of the operas of Richard Wagner, whose music and librettos were deeply rooted in Germanic myths and medieval literature.

Wagner's operas such as "Lohengrin", "Tannhäuser" and "Parsifal" inspired Ludwig II to incorporate romantic and mythical themes into his architectural designs. Many rooms and decorative elements of Ludwig's castles, especially Neuschwanstein, were designed to reflect scenes from Wagner's operas.

These buildings were designed not just as residences, but as fantasy stages where Ludwig could engage with his artistic ideals.

Neuschwanstein, for example, is often described as a "fairytale castle" due to its architecture inspired by medieval legends and its rich internal decorations that evoke literary and musical worlds.

He was inspired by medieval literature, Norse sagas and Germanic tales, which extolled values ​​such as honor, bravery and mysticism.

This literary interest was reflected in the decorative themes of their castles, where scenes from legends and mythologies were portrayed in frescoes, tapestries and sculptures.

Ludwig II's legacy is evident in the enduring popularity of the castles he built, which are considered masterpieces of Romantic architecture. These castles not only attract tourists from all over the world, but also serve as inspiration for various cultural works, including films and modern literature.

His dedication to art and literature also inspired a broader appreciation of German culture and history, influencing the way Germanic romanticism and mysticism are perceived globally.

collaboration: Sonia Salviato Mariotti

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https://museu2009.blogspot.com/.../06/ludwig-ii-of-bavarias-

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Technologies for museums and cultural institutions can transform the way we experience and interact with art.

Irina Karagyaur and her projects.

Start of her work in a consultancy for real estate tokenization. Her work began with the Erlang software, (Erlang data, which is aggregated and anonymous), as a promising tool for microscale analysis of the urban fabric.

New blockchain technology tools and various blockchain ecosystems and the Polkadot blockchain, co-founded by Dr. Gavin Wood, Web3, are part of this space. It’s huge potential for the arts and culture sectors.

Art and creativity require equitable and transparent systems. Our entire survival as a species depends on our ability to express ourselves. In line with Descartes' “I think, therefore I am”, we confirm our existence through our creations, and this guarantees our continuity.

ideas about what opportunities exist for museums with the new Web3 tools? How can museums leverage these tools to improve visitor experiences and engagement?

Museums came to life thanks to innovation and technology. Examples: Museum of Art and Photography (MAP) in Bengaluru, M+ in Hong Kong, the Museum of the Future in Dubai and Bombas Gens, the digital arts center in Valencia.

These museums offer immersive digital experiences that blur the boundaries of our physical and digital spaces. For example, in Valencia we can now experience Dalí in the metaverse and interact with the latest VR and AR experiences.

Web 3.0's impact on the art world has been profound, validated by Beeple's digital collage "Everydays: The First 5000 Days," which sold for $69.3 million at a Christie's auction in March 2021. Major institutions such as The British Museum and Moco Museum in Amsterdam have also embraced NFTs, offering digital collectibles and exhibitions that attract new audiences. Museums like the Museum of Crypto Art (MOCA) and the Louvre are exploring blockchain technology to increase transparency and engagement in the art world.

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Tecnologias para museus e instituições culturais pode transformar a forma como experimentamos e interagimos com a arte.

Irina Karagyaur e seus projetos.

Incio de seus trabalhos em uma consultoria para tokenização de imóveis. O início de seus trabalhos foram com o softwre Erlang, (os dados de Erlang, que são agregados e anónimos), como uma ferramenta promissora para análise em microescala do tecido urbano. 

As novas ferramentas de tecnologia blockchain e aos vários ecossistemas blockchain e  o blockchain Polkadot, cofundado pelo Dr. Gavin Wood, a Web3,   fazem parte deste espaço. É um potencial enorme para os setores de artes e cultura.

A arte e a criatividade requerem sistemas equitativos e transparentes. Toda a nossa sobrevivência como espécie depende da nossa capacidade de nos expressarmos. Em linha com o “Penso, logo existo” de Descartes, confirmamos a nossa existência através das nossas criações, e isso garante a nossa continuidade.

ideias sobre quais oportunidades existem para os museus com as novas ferramentas Web3? Como podem os museus aproveitar estas ferramentas para melhorar as experiências e o envolvimento dos visitantes?

Os museus ganharam vida graças à inovação e à tecnologia. Exemplos: Museu de Arte e Fotografia (MAP) de Bengaluru, o M+ em Hong Kong, o Museu do Futuro em Dubai e o Bombas Gens, o centro de artes digitais em Valência. 

Estes museus oferece experiências digitais imersivas que misturam os limites dos nossos espaços físicos e digitais. Por exemplo, em Valência, podemos agora experimentar Dalí no metaverso e interagir com as mais recentes experiências de VR e AR.

O impacto da Web 3.0 no mundo da arte foi profundo, validado pela colagem digital de Beeple "Everydays: The First 5000 Days", que foi vendida por US$ 69,3 milhões em um leilão da Christie's em março de 2021. Grandes instituições como o Museu Britânico e o Museu Moco em Amsterdã também adotou os NFTs, oferecendo itens colecionáveis digitais e exposições que atraem novos públicos. Museus como o Museum of Crypto Art (MOCA) e o Louvre estão explorando a tecnologia blockchain para aumentar a transparência e o envolvimento no mundo da arte.

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Bruce Jones, Executive Director of Columbia River Maritime Museum (Astoria, Oregon, USA)

Columbia River Maritime Museum – CRMM – founded in 1962 then moved into the current building in 1982, focuses on connecting visitors to the maritime world that surrounds us. Even though it affects so many aspects of our lives, not everyone is familiar with their rich maritime heritage that comes with the water. We are much more than a boat museum; we tell human interest stories of the sailors, builders, lifesavers, craftspeople, innovators and explorers, fishermen and women; they and their work have so much to teach us.  

Inspiring a love for learning at all ages and abilities is very important to us. Over the past couple years the education department has expanded to accommodate the high demand in programming. Just over a quarter of our museum crew are in the education department with each person focusing on a different section of age, ability, or facilitation location. Both on and off the museum campus the education crew instruct on a variety of maritime related topics using artifacts not currently on display, hands on teaching objects, games, activities and crafts, and more. From 4 to 104 our crew adapts and accommodates all learners. In the first four months of 2024 the crew has directly interacted with over 10,000 people. This is up from the 8,600 interactions during the same time frame in 2023. Some favorite program series: the Senior Enrichment Program that visits nine senior living facilities across three counties, Museum in the Schools that teaches Kindergarten through fifth graders in their formal classroom, and the Miniboat program that takes one classroom of students a semester to build, decorate, and launch an uncrewed vessel that they then track as they learn about the Pacific Ocean.

We have two collections storage warehouses full of important stories that aren’t being told, because we lack the space to tell them. Phase One is remodeling 11,000 square feet of existing galleries, adding both new and updated exhibits. Most important are two new galleries devoted to the maritime culture of coastal Indigenous people. One of these is a collaboration with the Chinook Indian Nation to share various aspects of Chinook maritime traditions and culture as lived today.

Phase Two is Mariners Hall, a new, 24,671 square foot exhibition space with interactive exhibits centered around two dozen boats of varying types and sizes, and hundreds of other artifacts, including a Coast Guard rescue helicopter, and a beautiful first order Fresnel lens, built in Paris in 1876. We’ll add to our educational impact with a purpose-built classroom, and a dedicated space for interactive STEAM (Science, Technology, Engineering, Arts and Math) exhibits.

Our architect and general contractor are addressing sustainability through a wide range of design and construction choices: using mass timber and low embodied carbon concrete flooring to reduce carbon footprint; macroclimate design analysis to inform window and roof overhang placement; and high efficiency windows, lighting, insulation and mechanicals to reduce energy consumption.

We are bringing people as close to the boats and other artifacts as possible. Unlike in our legacy building, our guests will be able to come aboard three different vessels: the historic, 52-foot U.S. Coast Guard motor lifeboat Triumph; the “log bronc” which was used to corral logs on the river and herd them to the sawmill; and Duke, a salmon tender built here in Astoria, Oregon in 1902, and operated on the Columbia River for a century. The other larger boats will all be presented in a dynamic environment, as though underway, with sculpted figures operating them. Currently the legacy building only has eight of the 83 vessels in our collection on display. Mariners Hall will allow three times the currently displayed number to be put on display, including our 60-foot, 8-person George Pocock racing shell.

By providing our educators for the first time with a purpose-built classroom, they will be able to deliver the programs our visiting schools have come to love more effectively and efficiently, saving them time to focus on education rather than logistics and cleanup.

We are very fortunate to have a Trustee - a retired construction company President - who volunteered to serve as project manager. John McGowan’s deep experience has ensured a holistic approach to the project’s ongoing planning and design. John brought together the architects, general contractor, subcontractors, exhibit designers and museum staff early on with a team building workshop. He has ensured that each of these four groups remains in continuous contact to catch and correct potential problems early on, and to share ideas for improvement. As a result of this continuous teamwork, and his keen understanding of construction management, we are confident we will get the best possible value and product.  

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Bruce Jones, Diretor Executivo do Museu Marítimo do Rio Columbia (Astoria, Oregon, EUA)

O Museu Marítimo do Rio Columbia – CRMM – fundado em 1962 e transferido para o edifício atual em 1982, tem como objetivo conectar os visitantes ao mundo marítimo que nos rodeia. Embora afecte tantos aspectos das nossas vidas, nem todos estão familiarizados com o rico património marítimo que vem com a água. Somos muito mais que um barco-museu; contamos histórias de interesse humano de marinheiros, construtores, salva-vidas, artesãos, inovadores e exploradores, pescadores e mulheres; eles e seu trabalho têm muito a nos ensinar.

Inspirar o amor pela aprendizagem em todas as idades e habilidades é muito importante para nós. Nos últimos dois anos, o departamento de educação se expandiu para acomodar a alta demanda em programação. Pouco mais de um quarto da equipe do museu está no departamento de educação, com cada pessoa concentrando-se em uma faixa etária, habilidade ou local de facilitação diferente. Dentro e fora do campus do museu, a equipe educacional instrui sobre uma variedade de tópicos relacionados ao mar, usando artefatos que não estão atualmente em exibição, objetos práticos de ensino, jogos, atividades e artesanato e muito mais. Do 4 ao 104 nossa equipe se adapta e acomoda todos os alunos. Nos primeiros quatro meses de 2024, a tripulação interagiu diretamente com mais de 10 mil pessoas. Isso é um aumento em relação às 8.600 interações durante o mesmo período em 2023. Algumas séries de programas favoritas: o Programa de Enriquecimento para Idosos, que visita nove instalações para idosos em três condados, o Museu nas Escolas, que ensina do jardim de infância até a quinta série em sua sala de aula formal, e o programa Miniboat que leva uma sala de aula de alunos por semestre para construir, decorar e lançar um navio sem tripulação que eles rastreiam enquanto aprendem sobre o Oceano Pacífico.

Temos dois depósitos de acervo cheios de histórias importantes que não estão sendo contadas porque não temos espaço para contá-las. A Fase Um está remodelando 11.000 pés quadrados de galerias existentes, adicionando exposições novas e atualizadas. Mais importantes são duas novas galerias dedicadas à cultura marítima dos povos indígenas costeiros. Uma delas é uma colaboração com a Nação Indiana Chinook para compartilhar vários aspectos das tradições marítimas e da cultura Chinook vividas hoje.

A Fase Dois é o Mariners Hall, um novo espaço de exposição de 24.671 pés quadrados com exposições interativas centradas em duas dúzias de barcos de vários tipos e tamanhos, e centenas de outros artefatos, incluindo um helicóptero de resgate da Guarda Costeira e uma bela lente Fresnel de primeira ordem, construída em Paris em 1876. Aumentaremos nosso impacto educacional com uma sala de aula especialmente construída e um espaço dedicado para exposições interativas STEAM (Ciência, Tecnologia, Engenharia, Artes e Matemática).

Nosso arquiteto e empreiteiro geral estão abordando a sustentabilidade por meio de uma ampla gama de opções de projeto e construção: uso de madeira maciça e piso de concreto com baixo teor de carbono para reduzir a pegada de carbono; análise de projeto macroclimático para informar a colocação de janelas e saliências de telhado; e janelas, iluminação, isolamento e mecânica de alta eficiência para reduzir o consumo de energia.

Estamos trazendo as pessoas o mais próximo possível dos barcos e outros artefatos. Ao contrário do nosso edifício legado, nossos hóspedes poderão embarcar em três embarcações diferentes: o histórico barco salva-vidas a motor da Guarda Costeira dos EUA, Triumph, de 52 pés; o “log bronc” que servia para encurralar toras no rio e conduzi-las até a serraria; e Duke, um concurso de salmão construído aqui em Astoria, Oregon, em 1902, e operado no rio Columbia por um século. Os demais barcos de maior porte serão todos apresentados em um ambiente dinâmico, como se estivessem em movimento, com figuras esculpidas os operando. Atualmente, o edifício legado exibe apenas oito das 83 embarcações de nosso acervo. O Mariners Hall permitirá que três vezes o número exibido atualmente seja exibido, incluindo nosso casco de corrida George Pocock de 60 pés e 8 pessoas.

Ao fornecer aos nossos educadores, pela primeira vez, uma sala de aula especialmente construída, eles serão capazes de ministrar os programas que as nossas escolas visitantes passaram a adorar de forma mais eficaz e eficiente, poupando-lhes tempo para se concentrarem na educação em vez de na logística e na limpeza.

Temos muita sorte de ter um administrador – um presidente aposentado de uma empresa de construção – que se voluntariou para atuar como gerente de projeto. A profunda experiência de John McGowan garantiu uma abordagem holística ao planejamento e design contínuos do projeto. John reuniu arquitetos, empreiteiros gerais, subcontratados, designers de exposições e funcionários do museu desde o início em um workshop de formação de equipe. Ele garantiu que cada um desses quatro grupos permanecesse em contato contínuo para detectar e corrigir problemas potenciais desde o início e para compartilhar ideias para melhorias. Como resultado deste trabalho contínuo em equipe e de seu profundo conhecimento de gerenciamento de construção, estamos confiantes de que obteremos o melhor valor e produto possível.

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Ipiranga Museum brings a new look at the history of Brazil to 1 million visitors.

Director Rosaria Ono assesses public participation as the museum reaches the milestone of 1 million visitors since its reopening in 2022

source: https://encurtador.com.br/dDirr

In conversation with Jornal da USP, director Rosaria Ono evaluates integration with the public by carefully participating in the program of exhibitions, workshops and lectures. “The milestone of 1 million visitors certainly has a very special meaning, as it reflects the good reception to the reopening of the museum after nine years of closure. The daily average number of visitors recorded by ticket issuance during this period was approximately 2 thousand people. So, first of all, I would like to thank our visiting public for allowing us to reach this milestone so quickly.”

Rosaria, also a professor at the Faculty of Architecture and Urbanism (FAU) at USP, highlights that before the closure, annual visitation was around 300 thousand people, a number that doubled in 2023, reaching the mark of more than 650 thousand visitors to the year. “In addition to finding the historic building fully restored, visitors now have access to a reception area, which we call the welcome area, where they find the ticket office, toilets, luggage storage, an auditorium, two classrooms and two rooms for educational activities, among other support areas, offering greater comfort to visitors".

To Understand the Museum is one of the long-term exhibitions that presents the history of the institution since the construction of the monument building and the transformations of the collection throughout its history. The explanation is on the website https://museudoipiranga.org.br: “When it was created, the museum had varied collections of botany, zoology, ethnology, mineralogy. Over the years, these collections were transferred to other institutions. Part of the art collection was also donated to the Pinacoteca do Estado de São Paulo. The objective of these transformations was to make Ipiranga a museum specializing in history”.

It is important to highlight that all 11 exhibitions are presented on the museum's website with an educational and didactic guide that can be downloaded by everyone from this link, especially as teaching material for teachers, providing an immersive experience. “There were several challenges in carrying out and completing the work in time for the reopening of the museum with 11 exhibitions in 49 restored rooms, in celebration of the Bicentenary of Independence, in September 2022”, explains director Rosaria Ono. “The work would not have been completed if it were not for the efforts of all parties involved, whether within the scope of the University of São Paulo — Rectory, SEF and Museu Paulista — in partnership with FUSP (Foundation to Support the University of São Paulo) and the federal, state and municipal governments, whether within the scope of sponsors, supporters and collaborators of the Novo Museu do Ipiranga project. It is important to remember that more than half of the expansion and restoration works took place during the period of the Covid 19 pandemic.”

The professor highlights that the preparation of the exhibitions was an event in itself, with a great effort from the curatorial team made up of five teachers/curators from the Museu Paulista, coordinated by professor Vânia Carneiro de Carvalho, together with the team of educators and museography at the institution. “These teams established, together, the guidelines for the exhibitions, assembled within the lines of research defined in the 1990s and finally reflected, in their entirety, in the new exhibitions. Social inclusion, from the perspective of not only the accessibility of people with disabilities, but also the voices of previously excluded or subjugated populations, is reflected in the exhibitions.”

When visiting the exhibition spaces, visitors will notice details of the building built between 1885 and 1890, designed to be a monument commemorating the Proclamation of Independence in 1822. And they will see how the oldest public museum in São Paulo came to be.

The challenges facing Museu Paulista are renewed every day. They go beyond 1 million stories. “After opening, the museum began to face another challenge, which is to continue dealing with historical issues from various points of view and bringing news to the public periodically. The current goals are actions aimed at increasing visitation to the museum and creating a regular audience that returns several times a year.

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Museu do Ipiranga leva novo olhar sobre a história do Brasil para 1 milhão de visitantes.

A diretora Rosaria Ono avalia a participação do público no momento em que o museu atinge a marca de 1 milhão de visitantes desde a reinauguração em 2022

fonte: https://encurtador.com.br/dDirr

Em conversa com o Jornal da USP, a diretora Rosaria Ono avalia a integração com o público participando atentamente da programação de exposições, oficinas e palestras. “Com certeza a marca de 1 milhão de visitantes tem um significado muito especial, pois reflete a boa recepção à reabertura do museu após nove anos fechado. A média diária de visitantes contabilizada pela emissão de ingressos nesse período foi de aproximadamente 2 mil pessoas. Assim, antes de mais nada, agradeço ao nosso público visitante que nos permitiu atingir essa marca tão rapidamente.”

Rosaria, também professora da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (FAU) da USP, ressalta que antes do fechamento a visitação anual era de cerca de 300 mil pessoas, número que dobrou no ano de 2023, atingindo a marca de mais de 650 mil visitantes ao ano. “Além de encontrar o edifício histórico totalmente restaurado, os visitantes agora dispõem de uma área de recepção, que chamamos de área de acolhimento, onde eles encontram a bilheteria, os sanitários, o guarda-volumes, um auditório, duas salas de aula e duas salas para atividades educativas, dentre outras áreas de apoio, oferecendo maior conforto aos visitantes".

Para Entender o Museu é uma das exposições de longa duração que traz a história da instituição desde a construção do edifício-monumento e as transformações do acervo no decorrer de sua história. No site https://museudoipiranga.org.br está a explicação: “Quando foi criado, o museu tinha coleções variadas de botânica, zoologia, etnologia, mineralogia. Ao longo dos anos, esses acervos foram sendo transferidos para outras instituições. Parte da coleção de arte também foi cedida para a Pinacoteca do Estado de São Paulo. O objetivo dessas transformações era fazer do Ipiranga um museu especializado em história”.

Importante destacar que todas as 11 exposições são apresentadas no site do museu com um guia educativo e didático que pode ser baixado por todos neste link, especialmente como material didático para professores, propiciando uma experiência imersiva. “Foram vários os desafios para a realização e conclusão da obra a tempo da reabertura do museu com 11 exposições em 49 salas restauradas, nas comemorações do Bicentenário da Independência, em setembro de 2022”, explica a diretora Rosaria Ono. “A obra não teria sido concluída, não fossem os esforços de todas as partes envolvidas, seja no âmbito da Universidade de São Paulo — Reitoria, SEF e Museu Paulista — em parceria com a FUSP (Fundação de Apoio à Universidade de São Paulo) e os governos federal, estadual e municipal, seja no âmbito dos patrocinadores, apoiadores e colaboradores do projeto Novo Museu do Ipiranga. É importante lembrar que mais da metade das obras de ampliação e restauro aconteceram durante o período da pandemia da covid 19.”

A professora destaca que a preparação das exposições foi um evento à parte, com um grande esforço da equipe de curadoria composta de cinco docentes/curadores do Museu Paulista, coordenados pela professora Vânia Carneiro de Carvalho, junto com a equipe de educadores e de museografia da instituição. “Estas equipes estabeleceram, juntas, as diretrizes para as exposições, montadas dentro das linhas de pesquisa definidas na década de 1990 e refletidas, finalmente, em sua plenitude, nas novas exposições. A inclusão social, na perspectiva não só da acessibilidade das pessoas com deficiência, mas também das vozes das populações antes excluídas ou subjugadas, se reflete nas exposições.”

Ao percorrer os espaços das exposições, o visitante vai percebendo detalhes do edifício construído entre 1885 e 1890, projetado para ser um monumento em comemoração à Proclamação da Independência em 1822. E vai acompanhar como surgiu o museu público mais antigo de São Paulo.

Os desafios do Museu Paulista se renovam a cada dia. Vão além de 1 milhão de histórias. “Após a abertura, o museu passou a encarar um outro desafio, que é o de continuar tratando as questões históricas sob vários pontos de vista e trazer novidades ao público de forma periódica. As metas atuais se configuram em ações visando a ampliar a visitação ao museu e a criação de um público frequentador, que volte várias vezes no ano. @edisonblog

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Oral history - Brazilian indigenous mythology.

The main ones are curupira; that of the iara; that of the pink button; cassava; that of boitatá; that of the pirarucu; that of guarana; the caipora; that of the water lily; that of saci-pererê; that of Matinta Perera; and that of uirapuru.

Example: The pink dolphin is a legend of Brazilian folklore, being very influential in the northern region of the country. It talks about a button that transforms into a beautiful and seductive man. In human form, the boto seduces women to impregnate them. These women are abandoned by the being, who returns to the river in his animal form.

It is incredibly rich and diverse, reflecting the vast cultural diversity of the indigenous tribes that inhabited and still inhabit Brazilian territory. It is made up of a wide range of myths, legends, rituals and beliefs that have been passed down orally over generations.

It is deeply connected to nature and natural elements, reflecting the strong spiritual relationship that indigenous cultures maintain with the environment. Animals, plants, rivers, and mountains often play significant roles in stories and are considered sacred entities.

Furthermore, deities and supernatural entities in indigenous mythology often personify forces of nature, such as the sun, moon, thunder, and the spirits of ancestors. These entities are often revered and invoked in religious rituals and shamanic ceremonies.

Each indigenous ethnic group has its own distinctive mythology, transmitted through oral traditions and ritual practices. This diversity reflects not only Brazil's geographic and environmental differences, but also the diverse historical and cultural experiences of indigenous tribes over time.

Brazilian indigenous mythology is a cultural and spiritual treasure that offers valuable insights into the worldview and values of indigenous communities, as well as the complexity and beauty of the relationship between human beings and nature. It is important to recognize, respect and preserve this rich cultural heritage as an integral part of Brazilian identity. #edisonmariotti @edisonblog

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Historia oral - A mitologia indígena brasileira.

As principais são a do curupira; a da iara; a do boto-cor-de-rosa; a da mandioca; a do boitatá; a do pirarucu; a do guaraná; a da caipora; a da vitória-régia; a do saci-pererê; a da Matinta Perera; e a do uirapuru.

Exemplo: O boto-cor-de-rosa é uma lenda do folclore brasileiro, sendo muito influente na região Norte do país. Fala de um boto que se transforma em um homem belo e sedutor. Na forma humana, o boto seduz mulheres para engravidá-las. Essas mulheres são abandonadas pelo ser, que retorna para o rio em sua forma animal.

É incrivelmente rica e diversa, refletindo a vasta diversidade cultural das tribos indígenas que habitaram e ainda habitam o território brasileiro. Ela é composta por uma ampla gama de mitos, lendas, rituais e crenças que foram transmitidos oralmente ao longo de gerações.

Está profundamente conectada à natureza e aos elementos naturais, refletindo a forte relação espiritual que as culturas indígenas mantêm com o meio ambiente. Os animais, plantas, rios e montanhas frequentemente desempenham papéis significativos nas histórias e são considerados entidades sagradas.

Além disso, as divindades e entidades sobrenaturais na mitologia indígena frequentemente personificam forças da natureza, como o sol, a lua, o trovão e os espíritos dos antepassados. Essas entidades muitas vezes são reverenciadas e invocadas em rituais religiosos e cerimônias xamânicas.

Cada grupo étnico indígena possui sua própria mitologia distintiva, transmitida através de tradições orais e práticas rituais. Essa diversidade reflete não apenas as diferenças geográficas e ambientais do Brasil, mas também as diversas experiências históricas e culturais das tribos indígenas ao longo do tempo.

A mitologia indígena brasileira é um tesouro cultural e espiritual que oferece insights valiosos sobre a visão de mundo e os valores das comunidades indígenas, bem como sobre a complexidade e a beleza da relação entre seres humanos e natureza. É importante reconhecer, respeitar e preservar essa rica herança cultural como parte integrante da identidade brasileira.

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Abílio Manuel Guerra Junqueiro: The Poet of Social Conscience and Portuguese Patriotism (1850-1923).

His literary work left an indelible mark on literature and culture. Known both for his satirical streak and his deep patriotism, he was a central figure in the transition between Romanticism and Realism in Portugal.

Guerra Junqueiro was born in Freixo de Espada à Cinta, a small village in the north of Portugal. He studied theology and law at the University of Coimbra, where he began to stand out as a poet. After graduation, he served in various public roles, including diplomatic and political positions.

He used poetry as a tool of denunciation and reform, addressing topics such as social injustice, political corruption and religious hypocrisy. His language is direct and vigorous, full of irony and sarcasm, but also capable of expressing great sensitivity and love for the country.

"The Death of D. João" (1874)

This poem is a scathing satire that deconstructs the myth of D. João (Don Juan), representing him as a symbol of moral and social decadence.

"The Simple" (1892)

The work is a celebration of nature and humility, reflecting a lyrical and nostalgic tone.

"Homeland" (1915)

The poem is a fervent defense of the national spirit and a call for the moral and social regeneration of the country.

His writings continue to be studied and admired for their historical and literary relevance.

He was one of the first to use poetry as a means of social and political intervention, something that inspired many later writers and intellectuals.

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Abílio Manuel Guerra Junqueiro: O Poeta da Consciência Social e do Patriotismo Português (1850-1923).

Sua obra literária deixou uma marca indelével na literatura e na cultura. Conhecido tanto por sua veia satírica quanto pelo profundo patriotismo, foi uma figura central na transição entre o Romantismo e o Realismo em Portugal.

Guerra Junqueiro nasceu em Freixo de Espada à Cinta, uma pequena vila no norte de Portugal. Estudou teologia e direito na Universidade de Coimbra, onde começou a se destacar como poeta. Após a formatura, exerceu várias funções públicas, incluindo cargos diplomáticos e políticos.

Ele utilizava a poesia como uma ferramenta de denúncia e reforma, abordando temas como a injustiça social, a corrupção política e a hipocrisia religiosa. Sua linguagem é direta e vigorosa, repleta de ironia e sarcasmo, mas também capaz de expressar grande sensibilidade e amor pela pátria.

"A Morte de D. João" (1874)

Este poema é uma sátira mordaz que desconstrói o mito de D. João (Don Juan), representando-o como um símbolo da decadência moral e social.

"Os Simples" (1892)

A obra é uma celebração da natureza e da humildade, refletindo um tom lírico e nostálgico.

"Pátria" (1915)

O poema é uma defesa fervorosa do espírito nacional e um apelo à regeneração moral e social do país.

Seus escritos continuam a ser estudados e admirados por sua relevância histórica e literária.

Ele foi um dos primeiros a usar a poesia como um meio de intervenção social e política, algo que inspirou muitos escritores e intelectuais posteriores.

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The artistic brilliance of the Chola dynasty artisans for their extraordinary contributions to the arts and culture.

He reigned in southern India between the IX and thirteenth centuries, is revered not only for his political and military power, but also for his ability to create bronze sculptures, which are considered some of the greatest achievements of Indian art.

They were masters in the use of the lost wax technique to create bronze statues, a practice that requires a high level of precision and skill. This technique involves creating a detailed wax model, which is then covered with clay to form a mold. The wax is melted and replaced by cast metal, resulting in a meticulously detailed sculpture.

Often they portray Hindu deities, such as Shiva Nataraja, the form of the god Shiva dancing. These works are not only not only for their technical accuracy, but also for their expressiveness and aesthetic beauty. The figures are characterized by elegant proportions, dynamic postures and a sense of movement that conveys a vibrant spirituality.

From intricate ornaments and jewelry to serene and realistic facial expressions, each aspect of sculptures reflects a meticulous dedication to perfection. The robes flow realistically, and hand gestures, known as muudras, are accurately carved, giving a sense of life and movement to the statues.

The artistic legacy of the artisans Chola lasts to this day, with its works exhibited in museums and private collections around the world. They are celebrated by their ability to capture the spiritual and cultural essence of their time, turning gross metal into masterpieces that continue to inspire and fascinate contemporary spectators.

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O Brilhantismo Artístico dos Artesãos da Dinastia Chola por suas contribuições extraordinárias às artes e à cultura.

Reinou no sul da Índia entre os séculos IX e XIII, é reverenciada não apenas por seu poder político e militar mas, também pela sua habilidade em criar esculturas em bronze, que são consideradas algumas das maiores realizações da arte indiana.

Eram mestres no uso da técnica de cera perdida para criar estátuas de bronze, uma prática que requer um alto nível de precisão e habilidade. Esta técnica envolve a criação de um modelo detalhado em cera, que é então coberto com argila para formar um molde. A cera é derretida e substituída por metal fundido, resultando em uma escultura meticulosamente detalhada.

Frequentemente retratam divindades hindus, como Shiva Nataraja, a forma do deus Shiva dançando. Essas obras são notáveis não apenas por sua precisão técnica, mas também pela sua expressividade e beleza estética. As figuras são caracterizadas por proporções elegantes, posturas dinâmicas e um senso de movimento que transmite uma espiritualidade vibrante.

Desde os intrincados ornamentos e joias até as expressões faciais serenas e realistas, cada aspecto das esculturas reflete uma dedicação meticulosa à perfeição. As vestes fluem de maneira realista, e os gestos das mãos, conhecidos como mudras, são esculpidos com precisão, conferindo um senso de vida e movimento às estátuas.

O legado artístico dos artesãos Chola perdura até hoje, com suas obras exibidas em museus e coleções particulares ao redor do mundo. Eles são celebrados por sua capacidade de capturar a essência espiritual e cultural de seu tempo, transformando metal bruto em obras-primas que continuam a inspirar e fascinar espectadores contemporâneos.

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May 18th. Celebrating International Museum Day: Guardians of History and Beacons of the Future

Museums around the world play a vital role in preserving cultural heritage, educating communities and promoting diversity and inclusion.

They preserve artifacts, works of art and documents that chronicle the evolution of humanity. By conserving objects ranging from ancient fossils to contemporary works of art, museums allow us to understand and appreciate the historical journey that has brought us to the present.

We can admire Leonardo da Vinci's paintings, understand the lives of the Egyptian pharaohs, explore the culture of the indigenous people of the Amazon or learn about the technological innovations that transformed the world. Each exhibition offers us a window into the past, allowing us to reflect on our cultural origins and evolutions.

They offer educational programs for all ages, from activities for children to specialized courses for academics. School visits to museums encourage curiosity and learning, awakening in children a love of knowledge and discovery.

Museums are also vital research centers. Conservators, historians and scientists work tirelessly to study and preserve collections, discovering new information that expands our understanding of the world.

They offer a space where different cultures and histories can be explored and celebrated. Exhibitions that highlight the art and history of marginalized communities help promote understanding and mutual respect.

Many museums are striving to be more inclusive and accessible, offering exhibitions and programs adapted for people with disabilities, as well as providing information in multiple languages. They are becoming spaces where all voices can be heard and celebrated, contributing to a more just and equitable society.

In the digital age, museums are embracing technology to make their collections more accessible to global audiences. Virtual tours, online exhibitions and interactive apps allow people from anywhere in the world to explore the wonders that museums have to offer. These innovations not only expand the reach of museums, but also provide new ways of engagement and learning.

When we visit a museum, whether physically or virtually, we participate in a legacy of discovery and preservation that is essential to the growth of humanity. May we continue to support and value museums, recognizing their irreplaceable role in our society.

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18 de maio. Celebrando o Dia Internacional dos Museus: Guardiões da História e Faróis do Futuro

Os museus, espalhados pelo mundo, desempenham um papel vital na preservação da herança cultural, na educação das comunidades e na promoção da diversidade e da inclusão.

Eles preservam artefatos, obras de arte e documentos que narram a evolução da humanidade. Ao conservar objetos que vão desde fósseis antigos até obras de arte contemporâneas, os museus nos permitem compreender e apreciar o percurso histórico que nos trouxe até o presente.

Podemos admirar as pinturas de Leonardo da Vinci, entender a vida dos faraós egípcios, explorar a cultura dos indígenas da Amazônia ou conhecer as inovações tecnológicas que transformaram o mundo. Cada exposição nos oferece uma janela para o passado, permitindo que reflitamos sobre nossas origens e evoluções culturais.

Eles oferecem programas educativos para todas as idades, desde atividades para crianças até cursos especializados para acadêmicos. As visitas escolares aos museus incentivam a curiosidade e a aprendizagem, despertando nas crianças um amor pelo conhecimento e pela descoberta.

Os museus também são centros de pesquisa vital. Conservadores, historiadores e cientistas trabalham incessantemente para estudar e preservar as coleções, descobrindo novas informações que ampliam nosso entendimento sobre o mundo.

Eles oferecem um espaço onde diferentes culturas e histórias podem ser exploradas e celebradas. Exposições que destacam a arte e a história de comunidades marginalizadas ajudam a promover a compreensão e o respeito mútuo.

Muitos museus estão se esforçando para ser mais inclusivos e acessíveis, oferecendo exposições e programas adaptados para pessoas com deficiência, além de proporcionar informações em várias línguas. Eles estão se transformando em espaços onde todas as vozes podem ser ouvidas e celebradas, contribuindo para uma sociedade mais justa e equitativa.

Na era digital, os museus estão abraçando a tecnologia para tornar suas coleções mais acessíveis ao público global. Visitas virtuais, exposições online e aplicativos interativos permitem que pessoas de qualquer lugar do mundo explorem as maravilhas que os museus têm a oferecer. Essas inovações não apenas ampliam o alcance dos museus, mas também proporcionam novas formas de engajamento e aprendizagem.

Ao visitar um museu, seja fisicamente ou virtualmente, participamos de um legado de descoberta e preservação que é essencial para o crescimento da humanidade. Que continuemos a apoiar e valorizar os museus, reconhecendo seu papel insubstituível em nossa sociedade.

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The Sacrifice of Princess Polyxena.

The image, The Sacrifice of Princess Polyxena is a depiction of the tragic event in Greek mythology where the Trojan princess Polyxena is sacrificed to appease the ghost of the Greek hero Achilles. 

The story is rooted in the Trojan War, where Polyxena, the daughter of King Priam and Queen Hecuba, is captured by the Greeks and promised to Achilles as a bride. 

However, this is a ruse, as Achilles is killed by the Trojans, and Polyxena is ultimately sacrificed at his tomb.

There are several artistic depictions of this event, including paintings by Giovanni Francesco Romanelli, Charles Le Brun, and Giovanni Battista Pittoni. 

These works of art show Polyxena being led to the tomb of Achilles, where she is about to be sacrificed. 

The paintings often feature Achilles’ son, Neoptolemus, leading the sacrifice, and Polyxena maintaining her dignity and courage in the face of death.

The Sacrifice of Polyxena is a powerful symbol of the devastating consequences of war and the tragic fate of those caught in its midst. 

It serves as a reminder of the human cost of conflict and the devastating impact it has on individuals and families. 

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Three notable painters who captured this story in their works are Giovanni Francesco Romanelli, Charles Le Brun and Giovanni Battista Pittoni. Each of them brought a unique perspective and distinct style to their portrayal of Polyxena's sacrifice.

Giovanni Francesco Romanelli:

Romanelli, an Italian Baroque painter, is known for his ability to create dramatic and emotional compositions. In his representation of Polyxena's sacrifice, Romanelli highlights the moment of intense tragedy and suffering. The use of rich colors and contrasts of light and shadow emphasizes the emotional tension and cruelty of the scene. Polyxena's expression and the figures around her are meticulously detailed, conveying a deep sense of pathos and despair.

Charles Le Brun:

Charles Le Brun, one of the most influential French painters of the 17th century, brought a sense of grandeur and theatricality to his depiction of Polyxena. Known for his classical, dynamic style, Le Brun captured the dramatic tension of sacrifice with a carefully balanced composition. His figures are powerfully expressive, and the scene is imbued with a feeling of inevitability and tragedy. Le Brun's approach emphasizes Polyxena's nobility and courage in the face of death, highlighting her dignity and heroism.

Giovanni Battista Pittoni:

Pittoni, an Italian rococo painter, brought a different sensitivity to his portrayal of Polyxena. His work is characterized by a gentle elegance and a vibrant use of color. In his interpretation of sacrifice, Pittoni combines dramatic elements with an almost ethereal beauty, creating a scene that is both moving and aesthetically pleasing. Pittoni's composition often highlights Polyxena's purity and innocence, contrasting her with the brutality of the act that is about to occur.

These artists, although stylistically distinct, captured the tragic essence of Polyxena's story through their paintings. Each work offers a window into the tragedy, exploring themes of sacrifice, honor and the devastating impact of war. Through her artistic lens, Políxena's story continues to resonate, evoking emotions and reflections on the human condition.

A prominent example is the tragedy "The Trojan Women" by Euripides, a Greek playwright, which addresses the tragic fate of Trojan women after the fall of Troy. Although "The Trojan Women" does not focus exclusively on Polyxena's sacrifice, she appears in the play as one of the central figures, representing the suffering and brutality that accompanies war.

Euripides' play, as a whole, is a powerful commentary on the horrors of war and the cruel fate of those caught in its midst.

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O Sacrifício da Princesa Polyxena.

A imagem, O Sacrifício da Princesa Polixena, é uma representação do trágico acontecimento da mitologia grega, onde a princesa troiana Polixena é sacrificada para apaziguar o fantasma do herói grego Aquiles.

A história tem suas raízes na Guerra de Tróia, onde Polixena, filha do rei Príamo e da rainha Hécuba, é capturada pelos gregos e prometida a Aquiles como noiva.

No entanto, este é um estratagema, pois Aquiles é morto pelos troianos e Políxena é finalmente sacrificada em seu túmulo.

Existem várias representações artísticas deste evento, incluindo pinturas de Giovanni Francesco Romanelli, Charles Le Brun e Giovanni Battista Pittoni.

Essas obras de arte mostram Polixena sendo conduzida ao túmulo de Aquiles, onde será sacrificada.

As pinturas frequentemente apresentam o filho de Aquiles, Neoptólemo, liderando o sacrifício, e Polixena mantendo sua dignidade e coragem diante da morte.

O Sacrifício de Polixena é um símbolo poderoso das consequências devastadoras da guerra e do trágico destino daqueles que são apanhados no seu meio.

Serve como um lembrete do custo humano do conflito e do impacto devastador que tem sobre os indivíduos e as famílias.

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Três pintores notáveis que capturaram esta história em suas obras são Giovanni Francesco Romanelli, Charles Le Brun e Giovanni Battista Pittoni. Cada um deles trouxe uma perspectiva única e um estilo distinto ao retratar o sacrifício de Políxena.

Giovanni Francesco Romanelli:

Romanelli, um pintor barroco italiano, é conhecido por sua capacidade de criar composições dramáticas e emocionais. Na representação do sacrifício de Polixena, Romanelli destaca o momento de intensa tragédia e sofrimento. O uso de cores ricas e contrastes de luz e sombra enfatizam a tensão emocional e a crueldade da cena. A expressão de Políxena e as figuras ao seu redor são meticulosamente detalhadas, transmitindo uma profunda sensação de emoção e desespero.

Charles Le Brun:

Charles Le Brun, um dos pintores franceses mais influentes do século XVII, trouxe um sentido de grandeza e teatralidade à sua representação de Políxena. Conhecido pelo seu estilo clássico e dinâmico, Le Brun capturou a tensão dramática do sacrifício com uma composição cuidadosamente equilibrada. Suas figuras são poderosamente expressivas e a cena está imbuída de um sentimento de inevitabilidade e tragédia. A abordagem de Le Brun enfatiza a nobreza e a coragem de Polixena diante da morte, destacando sua dignidade e heroísmo.

Giovanni Battista Pittoni:

Pittoni, um pintor rococó italiano, trouxe uma sensibilidade diferente ao seu retrato de Políxena. Seu trabalho é caracterizado por uma elegância suave e um uso vibrante de cores. Em sua interpretação do sacrifício, Pittoni combina elementos dramáticos com uma beleza quase etérea, criando uma cena comovente e esteticamente agradável. A composição de Pittoni muitas vezes destaca a pureza e a inocência de Polixena, contrastando-a com a brutalidade do ato que está prestes a ocorrer.

Estes artistas, embora estilisticamente distintos, capturaram a essência trágica da história de Políxena através das suas pinturas. Cada obra oferece uma janela para a tragédia, explorando temas de sacrifício, honra e o impacto devastador da guerra. Através das suas lentes artísticas, a história de Políxena continua a ressoar, evocando emoções e reflexões sobre a condição humana.

Literatura

Um exemplo proeminente é a tragédia "As Mulheres Troianas", de Eurípides, um dramaturgo grego, que aborda o destino trágico das mulheres troianas após a queda de Tróia. Embora “As Troianas” não se concentre exclusivamente no sacrifício de Políxena, ela aparece na peça como uma das figuras centrais, representando o sofrimento e a brutalidade que acompanha a guerra.

A peça de Eurípides, como um todo, é um comentário poderoso sobre os horrores da guerra e o destino cruel daqueles que são apanhados no seu meio.

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The "Epic of Gilgamesh" is a masterpiece of world literature that transcends time and continues to fascinate readers to this day.

In the Epic of Gilgamesh, a notable passage is when Gilgamesh and Enkidu, his companion, face the terrible celestial bull sent by the gods to punish the king's arrogance.

In this passage, we witness the courage and determination of the two heroes, who join forces to face this divine threat.

The confrontation is described with vivid intensity, as Gilgamesh and Enkidu demonstrate their valor and skill in an epic battle.

This passage not only highlights Gilgamesh's heroic deeds, but also reveals his humanity as he faces supernatural challenges, highlighting his complexity as a character and his position as one of the most iconic heroes in world literature.

Written more than 4,000 years ago, this epic poem transports us to an ancient world, full of myths, adventures and reflections on the human condition.

Through the journeys of the hero Gilgamesh, we are led to explore universal themes such as friendship, mortality, the search for the meaning of life and the relationship between the divine and the human.

Its gripping narrative and captivating characters capture the reader's imagination, while its timeless messages resonate across centuries, demonstrating the enduring power of great literature to connect cultures and generations.

image:

Possible representation of Gilgamesh as Master of Animals, holding a lion in his left arm and a snake in his right hand, in a relief from an Assyrian palace (713-706 BC), by Dur-Sharrukin, now kept in the Louvre

#edisonmariotti  @edisonblog .br

O "Épico de Gilgamesh" é uma obra-prima da literatura mundial que transcende o tempo e continua a fascinar os leitores até hoje.

Na Epopéia de Gilgamesh, uma passagem notável é quando Gilgamesh e Enkidu, seu companheiro, enfrentam o terrível touro celestial enviado pelos deuses para punir a arrogância do rei.

Nessa passagem, testemunhamos a coragem e a determinação dos dois heróis, que unem suas forças para enfrentar essa ameaça divina.

O confronto é descrito com uma intensidade vívida, enquanto Gilgamesh e Enkidu demonstram sua valentia e habilidade em uma batalha épica.

Essa passagem não apenas destaca os feitos heróicos de Gilgamesh, mas também revela sua humanidade ao enfrentar desafios sobrenaturais, ressaltando sua complexidade como personagem e sua posição como um dos mais emblemáticos heróis da literatura mundial.

Escrito há mais de 4.000 anos, este poema épico nos transporta para um mundo antigo, repleto de mitos, aventuras e reflexões sobre a condição humana.

Através das jornadas do herói Gilgamesh, somos levados a explorar temas universais como amizade, mortalidade, busca pelo significado da vida e a relação entre o divino e o humano.

Sua narrativa envolvente e seus personagens cativantes capturam a imaginação do leitor, enquanto suas mensagens atemporais ressoam ao longo dos séculos, demonstrando o poder duradouro da grande literatura em conectar culturas e gerações.

image:

Possível representação de Gilgamesh como Mestre dos Animais, segurando um leão no braço esquerdo e uma cobra na mão direita, em relevo de um palácio assírio (713-706 aC), de Dur-Sharrukin, agora mantido no Louvre

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DIA das MÃES - 12 de maio de 2024.

Que a comemoração do Dia das Mães seja um reflexo do amor infinito que você nos oferece todos os dias. Suas mãos gentis moldaram não apenas nossas vidas, mas também nossos corações, e por isso somos eternamente gratos. Que este dia seja repleto de amor, felicidade e reconhecimento, pois você é verdadeiramente a personificação da bondade e da generosidade. Que possamos aproveitar cada momento juntos, celebrando o presente precioso que é ter você como nossa mãe, nossa inspiração e nosso porto seguro. Te amamos além das palavras, hoje e sempre.

Beijos com carinho para todas as mães.

#edisonmariotti @edisonblog

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MOTHER'S DAY - May 12, 2024.

May the celebration of Mother's Day be a reflection of the infinite love you offer us every day. Your gentle hands have shaped not only our lives but also our hearts, and for that we are eternally grateful. May this day be filled with love, happiness and recognition as you are truly the embodiment of kindness and generosity. May we enjoy every moment together, celebrating the precious gift of having you as our mother, our inspiration and our safe haven. We love you beyond words, today and always.

Kisses with affection to all mothers.

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The Sulaymaniyah Museum displays a variety of cuneiform artifacts, offering a fascinating insight into the distant past and the evolution of writing and civilization in Mesopotamia.

Cuneiform writing is one of the oldest known forms of writing, developed in Mesopotamia during the 3rd millennium BC. It was recorded on clay tablets, which served as supports for inscriptions on different topics, such as accounting records, laws, mythology, poetry and communication. administrative.

Cuneiform finds represent a wealth of historical, cultural and linguistic knowledge, providing insights into the ancient civilizations of Mesopotamia such as the Sumerians, Akkadians and Babylonians. They contain some of the oldest records of human history, preserving myths, historical accounts and legal documents.

The phrases and proverbs from the story of Sumer reflect the complexity of human experiences in this ancient Mesopotamian civilization. Sumer was the scene of several fights and wars, and these events profoundly shaped the mentality and culture of the Sumerian people.

Sumerian proverbs often reflect everyday concerns, life's challenges, and wisdom accumulated over generations. They can address topics such as the importance of cooperation, the inevitability of change, and the dangers of arrogance and greed.

The struggles and wars mentioned in the history of Sumer certainly left a mark on the oral traditions and written records of the time. Proverbs may have been used to convey lessons about the volatile nature of war, the need for courage and strategy, as well as the human and social costs of these conflicts.

Thus, by exploring the proverbs and phrases from the history of Sumer, we can gain a fascinating insight into the concerns, values, and philosophies of these ancient people, as well as the practical and sometimes brutal realities of life in a society marked by constant fighting and war.

edisonmariotti @edisonblog

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link:

https://museu2009.blogspot.com/2024/05/the-sulaymaniyah-museum-displays.html

Here are some examples of Sumerian proverbs:

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Clay tablet written in cuneiform, highlighting the mathematical and intellectual sophistication of the ancient civilizations of the Middle East.

The document explicitly describes the use of this famous geometric theorem, (the Pythagorean Theorem) which relates the lengths of the sides of a right triangle, in an educational or practical context.

This discovery challenges the previously accepted idea that the Pythagorean Theorem was exclusively known to the ancient Greeks. Furthermore, it reinforces the importance of mathematical knowledge in different historical and cultural contexts, demonstrating its lasting relevance over the centuries.

The discovery of the IM 67118 tablet in Iraq is fascinating as it provides us with a window into the distant past, revealing ancient educational practices. Dating back to 1770 BC, this tablet was probably a valuable instrument in the teaching process at that time. It is impressive to think how, even millennia ago, humanity recognized the importance of education and developed methods to transmit knowledge.

This discovery reinforces the idea that the search for learning is inherent to human nature, transcending cultures and historical eras.

Although there is no direct confirmation that the Pythagorean Theorem is present in tablet IM 67118, it is interesting to speculate about how mathematical concepts may have been approached in ancient teaching methods.

The Pythagorean Theorem, which relates the lengths of the sides of a right-angled triangle, was known long before Pythagoras, but he popularized it.

#edisonmariotti @edisonblog

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Tabuleta de argila escrita em cuneiforme, destacando a sofisticação matemática e intelectual das civilizações antigas do Oriente Médio

O documento descreve explicitamente o uso desse famoso teorema geométrico, (o Teorema de Pitágoras )que relaciona os comprimentos dos lados de um triângulo retângulo, em um contexto educacional ou prático. 

Esta descoberta desafia a ideia anteriormente aceita de que o Teorema de Pitágoras era exclusivamente conhecido pelos antigos gregos. Além disso, reforça a importância do conhecimento matemático em contextos históricos e culturais diversos, demonstrando sua relevância duradoura ao longo dos séculos. 

A descoberta da tabuleta IM 67118 no Iraque é fascinante, pois nos proporciona uma janela para o passado distante, revelando práticas educacionais antigas. Datada de 1770 a.C., essa tabuleta provavelmente foi um instrumento valioso no processo de ensino naquela época. É impressionante pensar como, mesmo há milênios atrás, a humanidade reconhecia a importância da educação e desenvolvia métodos para transmitir conhecimento. 

Esta descoberta reforça a ideia de que a busca pelo aprendizado é inerente à natureza humana, transcendendo culturas e eras históricas.

Embora não exista confirmação direta de que o Teorema de Pitágoras esteja presente na tabuleta IM 67118, é interessante especular sobre como conceitos matemáticos podem ter sido abordados em métodos de ensino antigos. 

O Teorema de Pitágoras, que relaciona os comprimentos dos lados de um triângulo retângulo, foi conhecido muito antes de Pitágoras, mas ele o popularizou.

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Persepolis, located in the historical region of Persia, in the territory of present-day Iran, was a symbol of power, wealth and sophistication.

The city was a political, religious and cultural center, with magnificent palaces, temples and ceremonial structures.

Persepolis, founded by Darius I around 518 BC, was the glorious capital of the Achaemenid Empire, one of the greatest empires of antiquity.

Its grand architecture and refined art reflected the vast cultural diversity of the empire, with influences from conquered peoples and cultural exchange.

Persepolis witnessed many important historical events, including royal celebrations, religious rituals, and diplomatic meetings. However, in 330 BC, the city was sacked and burned by Alexander the Great during his campaign to conquer the Achaemenid Empire.

Despite the destruction, Persepolis remains an iconic landmark of antiquity, and its ruins are recognized as a UNESCO World Heritage Site.

It continues to inspire awe and fascination, not only for its architectural grandeur, but also for its historical importance as a witness to the splendor and complexity of the Achaemenid Empire.

#edisonmriotti @edisonblog

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Persépolis, localizada na região histórica da Pérsia, no território do atual Irã, era um símbolo de poder, riqueza e sofisticação.

A cidade era um centro político, religioso e cultural, com magníficos palácios, templos e estruturas cerimoniais. 

Persépolis, fundada por Dario I por volta de 518 a.C., foi a gloriosa capital do Império Aquemênida, um dos maiores impérios da antiguidade. 

Sua arquitetura grandiosa e sua arte refinada refletiam a vasta diversidade cultural do império, com influências de povos conquistados e intercâmbio cultural.

Persépolis testemunhou muitos eventos históricos importantes, incluindo celebrações reais, rituais religiosos e encontros diplomáticos. No entanto, em 330 a.C., a cidade foi saqueada e incendiada por Alexandre, o Grande, durante sua campanha de conquista do Império Aquemênida.

Apesar da destruição, Persépolis continua a ser um marco icônico da antiguidade, e suas ruínas são reconhecidas como Patrimônio Mundial da UNESCO. 

Ela continua a inspirar admiração e fascínio, não apenas por sua grandeza arquitetônica, mas também por sua importância histórica como testemunha do esplendor e da complexidade do Império Aquemênida.

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Gilgamesh is the semi-mythical king of Uruk in Mesopotamia best known from the Epic of Gilgamesh (written c. 2150 - 1400 BC)

The great Sumerian/Babylonian poetic work that predates the writing of Homer by 1500 years and therefore stands as the oldest work of epic world literature.

It narrates the adventures of King Gilgamesh of Uruk, a semi-mythical character who seeks immortality and wisdom.

The epic is composed of twelve clay tablets that were discovered in several excavations in the region of ancient Mesopotamia. It addresses a variety of universal themes, such as the search for the meaning of life, mortality, friendship, and the power of the gods. Gilgamesh's journey includes encounters with deities, battles with monsters, and a tireless quest for immortality.

In addition to its historical and literary importance, the "Epic of Gilgamesh" also provides valuable insights into the culture, religion, and worldview of the ancient Mesopotamians. Its influence can be seen in many other ancient and modern literary works, making it a cornerstone of the world's literary tradition.

Through the adventures of Gilgamesh, we explore universal themes of the quest for immortality, friendship, power, and the inevitability of mortality, connecting deeply with the ancient roots of epic storytelling.

#edisonmariottiEdison MariottiEdison MariottiEdison Mariotti

https://museu2009.blogspot.com/.../gilgamesh-is-semi...

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Gilgamesh é o rei semi-mítico de Uruk na Mesopotâmia mais conhecido pela Epopeia de Gilgamesh (escrita c. 2150 - 1400 a.C.)

A grande obra poética suméria/babilônica que antecede a escrita de Homer por 1500 anos e, portanto, se destaca como a obra mais antiga da literatura mundial épica.

Ela narra as aventuras do rei Gilgamesh de Uruk, um personagem semi-mítico que busca imortalidade e sabedoria.

A epopeia é composta por doze tábuas de argila que foram descobertas em várias escavações na região da antiga Mesopotâmia. Ela aborda uma variedade de temas universais, como a busca pelo significado da vida, a mortalidade, a amizade e o poder dos deuses. A jornada de Gilgamesh inclui encontros com divindades, batalhas com monstros e uma busca incansável pela imortalidade.

Além de sua importância histórica e literária, a "Epopeia de Gilgamesh" também fornece insights valiosos sobre a cultura, religião e visão de mundo dos antigos mesopotâmicos. Sua influência pode ser vista em muitas outras obras literárias antigas e modernas, tornando-a uma pedra angular da tradição literária mundial.

Através das aventuras de Gilgamesh, exploramos temas universais de busca por imortalidade, amizade, poder e a inevitabilidade da mortalidade, conectando-nos de maneira profunda com as raízes ancestrais da narrativa épica.

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The "Winged Sphinx" is a remarkable archaeological piece that dates back to the 9th and 8th centuries BC and belongs to the Phoenician civilization.

Phoenician art lacks unique characteristics that might distinguish it from its contemporaries.

This artifact, found at Fort Shalmaneser in Nimrud (ancient Kalhu) in northern Iraq, is a stunning testament to the richness and artistic sophistication of this ancient culture.

Sphinxes, mythological creatures with the body of a lion and the head of a human (or other animal), were common in the art and mythology of several ancient cultures, including the Phoenician. However, this winged Phoenician sphinx is particularly notable for its unique combination of cultural and artistic elements.

This is due to its being highly influenced by foreign artistic cultures: primarily Egypt, Greece and Assyria.

The presence of wings on this Phoenician sphinx can be interpreted in several ways, often associated with the idea of divinity, power or protection. The technical skill required to create such an intricate and durable piece is testament to the mastery of the Phoenician artisans of the time.

In addition to its aesthetic and historical importance, this sculpture offers valuable insights into the beliefs, values, and iconography of the ancient Phoenician civilization. Its discovery at Fort Shalmaneser highlights the region's importance in the cultural and commercial interconnection of the Near East during antiquity, and its preservation serves as a tangible reminder of the rich cultural legacy of these ancient civilizations.

Phoenicians who were taught on the banks of the Nile and the Euphrates gained a wide artistic experience and finally came to create their own art, which was an amalgam of foreign models and perspectives.

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A “Esfinge Alada” é uma notável peça arqueológica que remonta aos séculos IX e VIII a.C. e pertence à civilização fenícia.

A arte fenícia carece de características únicas que a possam distinguir dos seus contemporâneos.

Este artefato, encontrado no Forte Shalmaneser em Nimrud (antiga Kalhu), no norte do Iraque, é um testemunho impressionante da riqueza e sofisticação artística desta cultura antiga.

Esfinges, criaturas mitológicas com corpo de leão e cabeça de humano (ou outro animal), eram comuns na arte e na mitologia de várias culturas antigas, incluindo a fenícia. No entanto, esta esfinge fenícia alada é particularmente notável pela sua combinação única de elementos culturais e artísticos.

Isto se deve ao fato de ser altamente influenciado por culturas artísticas estrangeiras: principalmente Egito, Grécia e Assíria.

A presença de asas nesta esfinge fenícia pode ser interpretada de diversas maneiras, muitas vezes associadas à ideia de divindade, poder ou proteção. A habilidade técnica necessária para criar uma peça tão complexa e durável é uma prova da mestria dos artesãos fenícios da época.

Além de sua importância estética e histórica, esta escultura oferece informações valiosas sobre as crenças, valores e iconografia da antiga civilização fenícia. A sua descoberta em Fort Shalmaneser destaca a importância da região na interligação cultural e comercial do Próximo Oriente durante a antiguidade, e a sua preservação serve como uma lembrança tangível do rico legado cultural destas civilizações antigas.

Os fenícios que foram ensinados nas margens do Nilo e do Eufrates adquiriram uma ampla experiência artística e finalmente criaram a sua própria arte, que era um amálgama de modelos e perspectivas estrangeiras.

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Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, was a French poet, novelist, filmmaker, designer, playwright, actor, and theater director.

Cocteau began writing at the age of ten and at sixteen he published his first poems, a year after leaving the family home. Despite distinguishing himself in virtually every literary and artistic field, Cocteau insisted that he was fundamentally a poet and that all of his work was poetry.

In 1908, at the age of nineteen, he published his first book of poetry, La lampe d'Aladin. His second book, Le prince frivole ("The frivolous prince"), published the following year, would give rise to the nickname he had in Bohemian circles and in the artistic circles that he began to frequent and in which he quickly became known.

Around this time he met the writers Marcel Proust, André Gide, and Maurice Barrès. Edith Wharton described him as a man "to whom every great verse was a sunrise, every sunset the foundation for the Celestial City..."

During the First World War, Cocteau served with the Red Cross as an ambulance driver. During this period he met the poet Guillaume Apollinaire, the painters Pablo Picasso and Amedeo Modigliani and numerous other writers and artists with whom he would later collaborate.

Russian ballet impresario Sergei Diaghilev challenged Cocteau to write a scenario for a new ballet - "It surprises me", Diaghilev was quoted as saying. The result was Parade, which would be produced by Diaghilev in 1917, with scenography by Picasso and music by Erik Satie. (Maisons-Lafitte, July 5, 1889 — Milly-la-Forêt, October 11, 1963)

Together with other Surrealists of his generation (Jean Anouilh and René Char, for example), Cocteau managed to masterfully combine the new and old verbal codes, staging language and technologies of modernism to create a paradox: a classic avant-garde. His circle of associates, friends and lovers included Jean Marais, Henri Bernstein, Édith Piaf and Raymond Radiguet.

His plays were taken to the stages of the Grand Theatres, on the Boulevards of the Parisian era in which he lived and which he helped define and create. His versatile, unconventional approach and enormous productivity brought him international fame.

He was elected member of the French Academy in 1955.

Cocteau made seven films and collaborated as a screenwriter and narrator in a few more. All rich in symbolism and surreal images. He is considered one of the most important filmmakers of all time.

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Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, foi um poeta, romancista, cineasta, designer, dramaturgo, ator, e encenador de teatro francês. 

Cocteau começou a escrever aos dez anos e aos dezasseis já publicava suas primeiras poesias, um ano depois de abandonar a casa familiar. Apesar de se distinguir em virtualmente todos os campos literários e artísticos, Cocteau insistia que era fundamentalmente um poeta e que toda a sua obra era poesia. 

Em 1908, com dezanove anos, publicou o seu primeiro livro de poesia, La lampe d'Aladin. O seu segundo livro, Le prince frivole ("O princípe frívolo")), editado no ano seguinte, daria origem à alcunha que tinha nos meios Boémios e nos círculos artísticos que começou a frequentar e em que rapidamente ficou conhecido. 

Por esta altura conheceu os escritores Marcel Proust, André Gide, e Maurice Barrès. Edith Wharton descreveu-o como um homem "para quem todos os grandes versos eram um nascer-do-sol, todos os por-do-sol a fundação para a Cidade Celestial…"

Durante a Primeira Guerra Mundial, Cocteau prestou serviço na Cruz Vermelha como condutor de ambulâncias. Neste período conheceu o poeta Guillaume Apollinaire, os pintores Pablo Picasso e Amedeo Modigliani e numerosos outros escritores e artistas com quem mais tarde viria a colaborar. 

O empresário russo de ballet, Sergei Diaghilev, desafiou Cocteau a escrever um cenário para um novo bailado - "Surpreende-me", teria dito Diaghilev. O resultado foi Parade, que seria produzido por Diaghilev em 1917, com cenografia de Picasso e música de Erik Satie. (Maisons-Lafitte, 5 de julho de 1889 — Milly-la-Forêt, 11 de outubro de 1963) 

Em conjunto com outros Surrealistas da sua geração (Jean Anouilh e René Char, por exemplo), Cocteau conseguiu conjugar com mestria os novos e velhos códigos verbais, linguagem de encenação e tecnologias do modernismo para criar um paradoxo: um avant-garde clássico. O seu círculo de associados, amigos e amantes incluiu Jean Marais, Henri Bernstein, Édith Piaf e Raymond Radiguet.

As suas peças foram levadas aos palcos dos Grandes Teatros, nos Boulevards da época parisiense em que ele viveu e que ajudou a definir e criar. A sua abordagem versátil e nada convencional e a sua enorme produtividade trouxeram-lhe fama internacional.

Foi eleito membro da Academia Francesa em 1955.

Cocteau realizou sete filmes e colaborou enquanto argumentista, narrador em mais alguns. Todos ricos em simbolismos e imagens surreais. É considerado um dos mais importantes cineastas de todos os tempos.