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fashiontimeline-blog1 · 6 years

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Goticos

¿Qué te viene a la mente cuando piensas en un gótico? ¿Te imaginas a alguien que usa un abrigo negro, está deprimido y posiblemente violento? Desafortunadamente esta es la percepción que muchos tienen de la subcultura gótica. Esta lección le enseñará acerca de la diversidad y la rica historia de la subcultura gótica, para eliminar cualquier generalización y estereotipos erróneos.

La subcultura gótica comenzó a finales de los años 70 y principios de los 80, cuando el rock gótico inglés, un oscuro y sombrío desplazamiento del punk rock, estaba aumentando en popularidad. El rock gótico se caracteriza por sus guitarras duras y su sonido ominoso y teatral. La subcultura gótica puede definirse como amantes del rock gótico, la literatura gótica, la historia victoriana y medieval, y la cinematografía contemporánea de terror. Los miembros de esta subcultura son a menudo intelectuales aceptados y no violentos que a veces son simplemente cínicos de los males de la sociedad y tienen una fascinación por la muerte. Se enorgullecen de ser distintos de la cultura general, y su estilo oscuro de vestido representa su elección de separarse de las normas y estándares convencionales.

Historia de la subcultura gótica

La primera canción inspiradora para el movimiento gótico podría ser 'Bela Lugosi's Dead', lanzada en agosto de 1979 por la banda inglesa Bauhaus. Imagina una canción con sonidos extraños y crípticos y notas de piano siniestras; Una que sería música apropiada para una película de terror o una fiesta de Halloween.

La primera persona que dijo acuñar el término, "gótico", fue Siouxsie Sioux, cantante principal de Siouxie y los Banshees. Ella usó este término en referencia a la dirección que tomaba su banda con respecto al género de la música. Debido a la influencia que estas bandas y sus miembros principales tuvieron en el movimiento y subcultura góticos, el abuelo y la abuela del movimiento gótico son conocidos como Peter Murphy, cantante principal de la Bauhaus, y Siouxie Sioux, cantante principal de Siouxie y los Banshees .

El género del rock gótico, un offset del punk rock, ganó mucha tracción desde 1979 y hasta principios de los 80, comenzando en Inglaterra y extendiéndose a otros países. Se dijo que la palabra "gótico" o "rock gótico" se había popularizado a través de fuentes de música en inglés. Una segunda generación de bandas góticas brotó a finales de los 80 y principios de los 90, y luego una tercera a finales de los 90.

Muchos de los jóvenes que están ahora en la subcultura gótica fueron un producto de la tercera generación a finales de los 90. Durante este tiempo, Marilyn Mason estaba en su apogeo en popularidad. Aunque Manson era más en el género de heavy metal y death metal de las bandas, algunos los clasificaron como "góticos". Muchos jóvenes que adoraban a Manson se etiquetaban a sí mismos como "góticos". Muchos de los godos de primera y segunda generación miran a estos godos más jóvenes con una mirada cautelosa.

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fashiontimeline-blog1 · 6 years

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Lolitas

Historia

El término Lolita puede haberse originado en la novela Lolita de Vladmir Nabakov en 1955, aunque sus orígenes y su significado contemporáneo son muy diferentes. Donde la novela presentó a la Sociedad Occidental al niño sexualizado, la subcultura se erige como una respuesta a la rigidez y homogeneidad de las duras normas de género de la sociedad japonesa (Porzio 2012). La moda Lolita, inspirada en las muñecas victorianas históricas, comenzó en Japón y desde entonces ha ganado popularidad en Asia y en partes del mundo occidental como España, Gran Bretaña y los Estados Unidos. A partir de los años 80 y 90, “en lugar de lidiar con la difícil realidad de la rápida comercialización, la desestabilización de la sociedad, un sistema social rígido y una norma de moda cada vez más centrada en el cuerpo, un grupo selecto de jóvenes optó por encontrar consuelo en el exceso el mundo imaginario de encaje, volantes, arcos, tules y cintas ”(Younker 2011, 97).

A pesar de la imagen básica de la muñeca victoriana originada en la Europa histórica, el estilo lindo y femenino de Lolita floreció en Japón debido a que el concepto de ternura y dulzura no se ha restringido históricamente a los niños (Monden, 2008). Con el comienzo de la locura kawaii, literalmente traducida como locura linda, de la década de 1970, linda

La estética en forma de ositos de peluche, escritura a mano rizada y bienes de consumo "femeninos", como la mercancía de Hello Kitty, comenzó a ganar ímpetu dentro de la cultura popular japonesa y se elevó a la popularidad general durante la década de 1980 (Winge, 2008). Para cuando surgieron las bandas de rock Visual Kei, como Malice Mizer, en la década de 1990, nació la subcultura Lolita (Rahman, Wing-Sun, Lam y Mong-Tai 2011). El impacto que las bandas de Visual Kei tienen en sus audiencias a través de la androginia y las tendencias de moda únicas se convirtieron en el medio perfecto para la difusión de la estética Lolita más allá de Japón, a través de Asia oriental y a principios de la década de 2000 con la globalización de nuevas tecnologías en el mundo occidental (Porzio 2012).

El estilo de Lolita abarca una variedad de subgéneros como Sweet Lolita visto en Angelic Pretty, Classic Lolita visto en Victorian Maiden, Gothic Lolita visto en Moi-même-Moitié, Pirate Lolita visto en Alice and the Pirates and the lesser Conocida Grotesca Lolita vista en el Hospital Blah Blah. Al promover modales recatados y una dulce feminidad sin la pasividad tradicional atribuida a las mujeres sexualizadas, el estilo ofrece resistencia a los participantes contra las presiones culturales convencionales y la felicidad a través de un escape a la fantasía (Kang y Cassidy 2015, Monden 2008). Este rendimiento visual del yo para beneficio personal solo es posible debido a la naturaleza fluida de la estructura del yo de Lolita. Puede haber muchos seres reales e ideales que el individuo está tratando de equilibrar a través de la participación en la comunidad y la vestimenta (Rahman, Wing-Sun, Lam y Mong-Tai 2011). Quienes son, qué piensan de sí mismos, cómo desean que los demás los perciban, se unen en la búsqueda y construcción constantes de la identidad de Lolita, ya sea por compras de consumidores, proyectos de bricolaje, participación en foros o incluso por el comportamiento en público.

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Drag queens

En el siglo XXI, una drag queen no es solo un hombre que viste ropa de mujer; una drag queen es una entidad completamente separada. Cuando está tan impecablemente vestida y perfectamente pintada, la persona que está debajo de la reina desaparece casi por completo. A menudo, he escuchado a los artistas de arrastre describir a sus personajes como si fueran otra persona. Han hundido sus manos profundamente en sus propias psiques y sacaron las partes más extrañas, feroces y teatrales de ellos mismos, y luego las juntaron para formar algo nuevo. Un personaje. Un alter ego. Una super- "ella" -ro, si quieres.

En este momento, la cultura del arrastre es más grande y más popular que nunca. La Carrera de Drag de RuPaul acaba de tener su temporada más exitosa. Con su cambio de Logo a VH1, acumuló casi 1 millón de espectadores para el estreno y se mantuvo firme con más de 800,000 espectadores finales de temporada. La tercera temporada de All Stars del programa está a punto de lanzarse, lo que marca una nueva competencia entre algunas de las principales reinas de arrastre en los medios de comunicación tradicionales. E incluso fuera de Drag Race de RuPaul, las reinas han podido construir increíbles seguidores a través de las redes sociales, presentaciones en vivo, YouTube y podcasts.

Drag no siempre ha sido recibido de esta manera. De hecho, este tipo de admiración pública (a veces, limita con la adoración) de las drag queens en realidad solo ha surgido en la última década o dos. Antes de eso, el arrastre estaba sumergido profundamente en clubes subterráneos y bares de callejones. Y antes de eso, era una parte exagerada e integral de la cultura teatral. El hecho es que el arrastre ha sido parte de nuestra cultura durante siglos. Y cada era y cada nueva iteración de la forma de arte ha sido crucial para la forma y el éxito del arrastre de hoy.

¿Dónde comenzó todo? Pocos fanáticos de la forma de arte se dan cuenta de que las formas más tempranas de travestismo, simplemente el hecho de usar ropa designada como perteneciente al sexo opuesto, en realidad están arraigadas en los ritos religiosos. En su libro Drag Diaries, Jonathan David se centra en dos puntos de origen antiguos: ceremonias antiguas (nativos americanos, indígenas sudamericanos y egipcios antiguos) y teatro japonés. David escribe que "el travestismo fue ampliamente documentado entre los aztecas, los incas y los egipcios, entre otras grandes civilizaciones del pasado, y existe hoy en las ceremonias tribales de todo el mundo". Imagine los ritos religiosos de iniciación, las invocaciones de los dioses, invocando las lluvias y protegiendo a los espíritus malignos como ocasiones en las que habría que arrastrar estas culturas.

"En el teatro japonés", escribe David, "drag divide los dramas de Kabuki y Noh. Noh se deriva de Dengaku, una danza folclórica asociada con la plantación de arroz y la fertilidad, y en su mundo espiritual antiguo y cerrado, actores" femeninos "con máscaras siga las rutinas estilizadas en un patrón complejo y enrarecido de gestos simbólicos ". Kabuki, por supuesto, es una forma de teatro japonés con la que muchas más personas están familiarizadas. David señala que alcanzó popularidad en el siglo XVII, y "es más popular y menos ritualista que Noh". En el teatro Kabuki, las mujeres imitadoras son "cuidadosamente confeccionadas, hablan con falsete voces y se mueven para sugerir la esencia de la feminidad".

Otro libro que arroja bastante luz sobre lo que podríamos llamar la drag queen "sagrada" se titula Drag: Una historia de la personificación femenina en las artes escénicas. Roger Baker también hace retroceder a las antiguas civilizaciones, señalando que el arrastre "presidió la creación del drama en la antigua Grecia, donde los actores enmascarados interpretaban a Hecuba y la Clitemnestra". Mientras tanto, en Inglaterra, Baker escribe que "el drama formal provino, literalmente, de la iglesia. En un esfuerzo por ayudar a los analfabetos y, bueno, a los miembros menos inteligentes de la congregación a entender mejor la adoración en la iglesia, partes de la misa se dramatizaron de manera muy simple. formas."

Con el tiempo, estas actuaciones religiosas comenzaron a tener una vida propia. De hecho, estos conjuntos de dramas eclécticos fueron finalmente eliminados de la iglesia por completo. En lugar de interpretar las historias en salas de capillas sagradas, los gremios locales en cambio tomarían las riendas. De hecho, grupos muy específicos abordarían las narrativas más aplicables a su comercio. "Así, los viticultores realizarían el matrimonio de Cana", escribe Baker, "los Shipwrights presentarían a Noah y su Arca, mientras que los Goldsmiths podrían usar la Adoración de los Magos como una excusa adecuada para mostrar sus preciosos productos".

En cuanto al componente de travestismo de estas actuaciones sagradas, las mujeres fueron omitidas por completo del oficio. "Las mujeres no desempeñaron un papel activo en los servicios y en las oficinas de la iglesia, por lo que la actuación original fue realizada exclusivamente por hombres, niños de coro que asisten a los empleados y desempeñan papeles de mujeres cuando es necesario", señala Baker en Drag. A partir de ahí, no es difícil conectar los puntos. Las recreaciones de estas historias religiosas eventualmente se dramatizaron aún más, a veces incluyendo subtramas que no existían en el texto original. En poco tiempo, las actuaciones se hicieron más seculares hasta el comienzo de una nueva era: las obras dramáticas originales.

Cuando el teatro occidental pasó de sus raíces religiosas a algo mucho menos sagrado, las reglas que excluyen a las mujeres se mantuvieron intactas. Vale la pena señalar, aquí, que el concepto de resistencia estaba completamente separado de la homosexualidad en este momento. No fue hasta mucho más tarde que los dos se unieron inextricablemente.

Al investigar esta pieza, me acerqué a Joe E. Jeffreys, un historiador del drag que enseña estudios de teatro en NYU Tisch Drama. Jeffreys ha relatado un poco de cultura de arrastre en su propio tiempo y archiva su trabajo en cuentas personales de YouTube y Vimeo. Cuando se trata de la presencia de mujeres en el espacio teatral, Jeffreys me dijo que "era impropio o impropio que una mujer se presentara en una exhibición pública tan completa".

En Drag, Baker escribe sobre las primeras "jugadas" originales. En esta nueva iteración del teatro, las actuaciones "salieron a las calles con la improvisación de los jugadores que paseaban animando los guiones formales. A principios del siglo XVI, las compañías comenzaron a utilizar los patios de las posadas públicas como un espacio de actuación". Baker también señala los continuos esfuerzos para mantener el teatro como una actividad dirigida solo para hombres. "Encontrar a una mujer que actúa en una casa de juegos pública habría ofendido no solo por motivos religiosos, sino también como un ejemplo impactante de comportamiento inapropiado".

A medida que la performance pasaba a un mundo de espacios teatrales más tradicionales y soliloquios de Shakespeare, estos ideales continuaron siendo defendidos. Baker escribe sobre muchachos jóvenes que se unieron a compañías de compañías de teatro. "Si tuviera una cara adecuada y un cuerpo delgado, entonces sus primeras tareas serían en roles femeninos", dice. "Rara vez Shakespeare, o los otros dramaturgos de la época, presentan a más de tres mujeres en una sola obra, lo que sugiere que había pocos niños con un nivel de competencia adecuado en un momento dado. portadores de lanza, y nobles de uso múltiple ".

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Otakus

Otakus / Cultura otaku

Los otakus son una de las tribus urbanas japonesas que más fama han adquirido entre los jóvenes de todo el mundo. Estas son sus características:

· Origen: El termino Otaku proviene de Japón. En la cultura japonesa, esta palabra se refiere a las personas con demasiada obsesión por algo (una afición, un juego, un grupo de música...).

Generalmente, los otakus suelen ser fańaticos del anime, el manga, los videojuegos o la informática. La palabra "otaku" surgió en los años 80, donde en una serie de anime se refería como "otaku" a uno de los personajes.

Si extendemos la definición de otaku fuera de la cultura japonesa, podemos incluir en esta categoría también los fans de videojuegos, series y peliculas "de culto" que conocen las escenas y el argumento de memoria y se sienten plenamente identificados con los personajes y con el mundo fantástico que se muestra. Es por esto, que se podría decir que los otakus tienen ciertas características similares con los geeks.

· Presencia actual: A pesar de ser originarios de Japón, la cultura otaku se ha extendido por todo el mundo. Suelen ser jóvenes de entre los 13 y 25 años que en su viven en grandes ciudades de los paises desarrollados.

· Intereses y actividades: Sus intereses son preferentemente el anime, el manga, las series de televisión, el cine, los comics, los videojuegos y la informática. Aunque también hay otakus de otros áreas como el mundo militar, las peliculas y libros de acción, violentos o de fantasía, la música, etc.

Los otakus aficionados a todas las subculturas nombradas se hacen llamar "Fullbring Otaku".

· Forma de vestir: Durante salones y eventos de manga o videojuegos suelen disfrazarse de sus personajes favoritos, a los que se llama "Cosplayers". En la vida diaria sin embargo, no tienen ninguna peculiaridad a la hora de vestirse.

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80s

La moda de los años 80 puede ser elogiada por su creatividad. Algunos diseñadores de moda abandonaron la historia, otros tomaron prestados de ella, mientras que otros intentaron diseñar el futuro. Los diseñadores abandonaron todas las convenciones, y sus creaciones fueron interesantes, como mínimo.

Los primeros años de la década de los 80 fueron de un color un tanto tenue, donde vemos muchos marrones y morenos y naranjas. Las formas de bloques estaban en todas partes y vestirse como un jugador de tenis era lo mejor que se podía hacer.

El terciopelo estaba caliente y el terciopelo estaba aún más caliente. Tanto para hombres como para mujeres, la cintura era un poco alta.

Pero seamos sinceros, la moda de principios de los ochenta era muy similar a la de finales de los setenta. En 1983 hubo un ligero retroceso al estilo de la década de 1950, especialmente en vestidos de mujer.

A mediados de los 80, estrellas de la música pop como Cyndi Lauper estaban marcando el comienzo de un estilo completamente nuevo, uno que muchas personas asocian con la década de 1980 hasta el día de hoy.

Accesorios de colores brillantes como gafas de sol, brazaletes y pendientes de aro eran una necesidad. Cabello embotado, maquillaje fuerte y neón fueron una parte importante de este estilo. Este estilo era obviamente más popular entre la gente más joven.

Pero eso no significaba que las mujeres "normales" en la década de 1980 no pudieran divertirse. Era un momento excepcionalmente flexible cuando una mujer podía usar un pantalón de algodón estrecho ajustado con un pantalón y un suéter de cuello alto gigante un día, y pantalones de paracaídas con una pequeña camiseta con cuello en V y un cinturón de cintura alta al siguiente.

El amor de la sociedad por la marca se caracterizó por su inexplicable amor por el uso de la ropa de la marca Coca-Cola en 1987. MTV tuvo un gran impacto en la moda, ya que los adolescentes de los EE. UU. Se sintonizaron para ver videos musicales protagonizados por celebridades vestidas de forma salvaje. De repente, se hizo mucho más fácil que una moda se extendiera por todo el país más rápido que los incendios forestales.

A finales de los 80, Nike se había convertido en una de las compañías de ropa más rentables del mundo. Al igual que Coke vs. Pepsi, Reebok vs. Nike fue la batalla por el desgaste deportivo de la década. Con la ayuda de Michael Jordan, Nike ganó la guerra. En 1988, todos los niños debían tener un par de Air Jordan y una gorra de béisbol de los Chicago Bulls.

Si alguna vez escuchas a alguien hablar sobre los "suéteres Cosby", se refieren a los suéteres que eran más populares en 1989. Para entonces, la ropa de las mujeres se había vuelto mucho más holgada a medida que las mujeres reclamaban estilos que recordaban una época más conservadora.

El mejor ejemplo de finales de los 80 para los niños es Zack Morris (Mark-Paul Gosselaar) de Salvado por la campana. Una mirada a un catálogo de 1989 se siente como un vistazo al suelo del dormitorio de un adolescente problemático.

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70s

La escena de la moda de principios de la década de 1970 fue muy similar a 1969, solo que un poco más extravagante. No sería exagerado decir que se produjo una revolución de la moda en la década de 1970.

El poliéster era el material de elección y los colores brillantes estaban en todas partes. Tanto hombres como mujeres llevaban pantalones muy ajustados y zapatos de plataforma. En 1973, la mayoría de las mujeres usaban botas de corte alto y pantalones de corte bajo.

La moda de principios de los años 70 era una época divertida. Culminó algunos de los mejores elementos de los años 60 y los perfeccionó y / o exageró. Algunas de las mejores prendas producidas en la década de 1970 combinaban perfectamente los mods con los hippies.

Justo cuando parecía que los pantalones no podían estallar más (¿pantalones de campana, alguien?), La llamarada casi había desaparecido. A fines de la década de 1970, el traje de pantalón, traje de ocio y chándal era lo que la persona promedio lucía. Cada mujer tenía un suéter con cuello carenado en su armario y cada hombre tenía algunas camisas de terciopelo con cuello en v a rayas.

Túnicas, culottes y túnicas también fueron muy populares. A veces es difícil saber qué vestidos se deben usar en casa y cuáles eran para una noche en la ciudad.

Cofre del pelo, medallones, poliéster, collares de mariposa, pantalones acampanados, camisetas ceñidas, sandalias, trajes de ocio, camisas de vestir con estampados florales, patillas y, sí, cintas para la cabeza de tenis.

Hay un tema común en toda la moda en la década de 1970: los pantalones se ajustaban bien. Y es probablemente la primera década completa en la que se puede ver a las mujeres usando pantalones en todos los ámbitos de la vida.

También es difícil pasar por alto el hecho de que el color desapareció casi por completo en 1979. Los tonos de la Tierra, los grises, los blancos y los negros volvieron con toda su fuerza, ya que las personas aparentemente se habían cansado de los tonos súper brillantes de los primeros años de la década de 1970.

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60s

Mujeres

Las tendencias de la moda femenina en la década de 1960 oscilaron violentamente de un extremo a otro del espectro. Los primeros años de la década de los sesenta estuvieron marcados por vestidos de caja y modas de los cincuenta. A mediados de la década de 1960, la moda comenzó a tomar señales de Londres y reapareció la cintura. ¡Pero a finales de los sesenta tenían una mente propia!

La moda en 1962 se ve muy similar a la moda en 1959. No mucho había cambiado, pero era evidente al arrastrar las ventas que los diseñadores de moda tenían que idear algo nuevo rápidamente. Los estilos europeos dominaron, y la primera dama Jackie Kennedy dirigió la carga con sus omnipresentes vestidos limpios y sus sombreros de pastillas.

Las balas disparadas en Dallas en 1963 no solo cambiaron por completo el panorama de la política estadounidense, sino que también completaron el final de una era de la moda. Después del asesinato del presidente Kennedy, Jackie desapareció del ojo público al igual que su influencia en el mundo de la moda.

Poco después, la invasión británica con los Beatles marcó el comienzo de una nueva era de dominio británico en la moda, la música y la cultura en general. Para 1966, el aspecto de principios de los sesenta se había vuelto mucho más elegante y moderno. Las líneas eran más agudas y más ajustadas a la forma. La piel era menos popular, pero los guantes seguían siendo una necesidad. La mayor parte de este sentido de la moda fue tomado directamente de la escena mod de Londres.

Pero para cuando llegaron los finales de los sesenta, todas las apuestas estaban cerradas. Muchas veces se veía a las mujeres con la misma ropa que los hombres. Eso no quiere decir que la feminidad se tirara completamente por la ventana, pero francamente, la ropa de las mujeres se volvió más masculina mientras que la ropa de los hombres se volvió más femenina.

Los finales de los años sesenta fueron la época de los pantalones de fondo acampanado, prefigurando los mucho más obvios pantalones acampanados de los años setenta. El poliéster era un material muy común y las faldas eran cortas. Las mujeres ya no estaban avergonzadas de hacer alarde de sus cosas en público.

Aunque los colores salvajes no eran nada nuevo, a finales de la década de 1960 los patrones eran aún más brillantes. Y entonces sucedió algo loco. La cintura desapareció de nuevo. Las mujeres se paseaban en túnicas y culottes, con el viento fluyendo a través de sus vestidos cómodos, fluidos y bastante holgados.

Hombres

Los cambios en la moda masculina en la década de 1960 fueron tan drásticos para los hombres como para las mujeres. Al igual que las mujeres, los hombres llevaban básicamente lo mismo a principios de los 60 que a finales de los 50. Para 1964, sin embargo, las cosas empezaron a cambiar.

Un cambio que es bastante notable, los pantalones se hicieron mucho más ajustados. El ajuste alrededor del muslo era deportivo y no en absoluto el ajuste relajado al que los hombres estaban acostumbrados.

La capa de guisante era bastante popular para los hombres a mediados de los años 60. Bueno, básicamente, cualquier cosa que se viera directamente de Londres estaba bien para empezar a mediados de los 60. Los Beatles lideraban el camino, ya que el cabello comenzó a crecer y los pantalones se ajustaron más. Los hombres todavía llevaban botas y sombreros.

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50s

La moda en la década de 1950 variaba mucho de principio a fin. Tal vez no sea tan extrema como la moda de los años 60, 1950 vio la introducción de muchos estilos nuevos, así como muchos estilos que rindieron homenaje a la década de 1920.

La cintura fue un problema importante en la década de 1950. A algunas mujeres realmente les gusta el ajuste ceñido de los vestidos Dior, mientras que a otras les gustan los vestidos sin cintura, a menudo denominados "vestidos de saco".

Lo importante es que las personas empezaron a sentir un poco más de libertad cuando se trataba de sus elecciones de moda. Las personas ya no sentían que debían ajustarse a cierta apariencia para ciertas situaciones.

Los primeros años después de la Segunda Guerra Mundial podrían ser considerados por los historiadores de la moda como un período de transición, un período de a tientas después de las líneas en las que la moda se conformaría con un período de 8 años o de 10 años.

No se dio una respuesta final a las preguntas sobre la línea de la cintura en 1952. La frase "la línea de la cintura errante" se acuñó en las colecciones de primavera de París y la cintura continuó vagando hasta el punto de desaparecer, durante todo el año.

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40s

La moda en la década de 1940 era una buena mezcla de confort y glamour. Había atuendos específicos que estaban destinados a momentos específicos del día. Algunos de sus diseños parecen absolutamente modernos incluso para los estándares actuales.

Los hombres todavía estaban bastante vestidos. Trajes, corbatas y sombreros eran comunes en público. Las mujeres llevaban vestidos y faldas, todavía no llevaban pantalones. Otra cosa que las mujeres SIEMPRE usaban: guantes. Preferiblemente un par que combine con tu outfit. La piel era muy popular, al igual que las pieles de animales. Carteras de cocodrilo, collares de wombat, forro de piel de cordero y mangas de cuero. Ningún animal estaba fuera de los límites.

La ropa en la década de 1940 era muy brillante y colorida. Cuanto más brillante, mejor. Los zapatos de mujer solían ser una de las tres opciones populares de color: rojo, blanco o azul.

La moda en la década de 1940 era un poco más nítida, un poco más recortada y MUCHA más moderna. Y a pesar de que la industria de la moda de la década de 1940 estaba atascada por las regulaciones de la Segunda Guerra Mundial, eso no impidió que los diseñadores hicieran ropa muy glamorosa.

Ahora, no me malinterpretes, durante la Segunda Guerra Mundial no estaba tan de moda andar con un abrigo de leopardo, ya que era una chaqueta bomber A-2, pero tan pronto como terminó la guerra las cosas se volvieron más extravagantes que nunca. antes de. Los guantes eran una necesidad. En casi cualquier imagen que encuentres, las mujeres llevan guantes.

Las curvas que eran tan populares en 1945 fueron reemplazadas por una apariencia más natural en 1946. Los hombros y el pecho estaban mucho más expuestos, pero nunca de una manera extravagante.

Incluso el impermeable hizo una apariencia forrada de piel, dando a las mujeres la oportunidad de estar abrigadas en cualquier clima.

La moda masculina se volvió mucho más guerrera en la década de 1940. La ropa militar estaba en todas partes. Pero en la oficina, los trajes se hacían más elegantes, más finos y más caros.

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30s

Las mujeres llevaban vestidos y mantenían el cabello cerca de la cabeza. La piel estaba adentro y también los patrones florales. El maquillaje era elegante y las hombreras eran muy importantes hasta finales de los años treinta.

Aunque los sombreros seguían siendo populares para las mujeres, gradualmente se estaban volviendo menos populares.

Una forma de saber si algo es de los años treinta es si tiene iniciales grabadas o cosidas. Este era un servicio gratuito que ofrecían las tiendas.

1930

Con la apariencia de Clara Bow Flapper pasando a ser passe, la nueva moda es la sofisticada apariencia de Garbo. La silueta es alta y esbelta, destacando los hombros anchos, un pecho pequeño, caderas estilizadas y una cintura estándar.

Tanto el cabello como los dobladillos son más largos en 1930. Las faldas más estrechas se ensanchan suavemente debajo de la cadera y luego se detienen en la mitad de la pantorrilla.

La moda en 1930 estuvo muy influenciada por las estrellas de la pantalla de plata.

Greta Garbo popularizó el aspecto soplado por el viento, con su cabello separado, mientras que Joan Crawford abrazó las mangas hinchadas, lo que enfatizaba su delgada cintura. Jean Harlow se pavoneaba con sus atuendos de halter y vestidos de noche.

Las telas gruesas y pegajosas son enormemente populares. La ampliación gradual de los hombros conduce a hombreras de tres pulgadas; encontrado incluso en vestidos de noche.

El maquillaje enfatiza la angularidad. En 1930, casi todas las mujeres poseen un espejo de cerca para dibujar con lápiz en las cejas bien depiladas y para aplicar rímel negro y sombra de ojos. El rizador era otra necesidad de la moda.

1931

En 1931, los nuevos accesorios de moda incluyen guantes de gamuza con bolsos y zapatos a juego, una piel de zorro gris o roja (tirada sobre un hombro), bufandas batik, anillos grandes y relojes con gemas engastados.

Las mujeres aman sus sombreros. En 1931, son profundas y ajustadas con bordes grandes y pequeños, y a las mujeres les gustaba que se taparan un ojo. Las mujeres usan su cabello un poco más largo y ondean holgadamente con una parte lateral. Los zapatos de moda incluyen el estilo de seda negro con correa en el tobillo y el estilo de gamuza blanca con una T-correa.

Para los hombres, el cabello se usaba corto y natural, separado por un lado. Los hombres dejaron su pomada en el gabinete, buscando la apariencia natural de Charles Farrell o Buddy Rogers. Los caballeros mayores todavía lucían un bigote mientras cargaban su pitillera, su billetera, su anillo de sello, sus gemelos y dos pañuelos; Uno en el bolsillo y otro, para uso real, en la manga del abrigo. El hombre caluroso aparece con un traje cruzado, de color oscuro y el sombrero que cae sobre la parte superior de su cara.

1932

Con la creciente moda en sedas furtivas popularizadas a través de Hollywood, la ropa interior cambia dramáticamente en 1932. Aunque todavía está bordada y generalmente en una sola pieza, hay una notable ausencia de costuras, ya que se muestran a través de la ropa ajustada.

Las mujeres recurren a los corsés de manera impresionante y surge un nuevo interés en el "levantamiento", proporcionado por los dardos y las costuras circulares ocultas. Las sedas y cremalleras artificiales hacen que la ropa sea menos costosa, lo cual es muy importante en una sociedad estadounidense que tenía una tasa de desempleo del 24%.

El estilo del verano es un vestido de rayón a cuadros azul y blanco con un cinturón y un collar de lazo, con flores, cintas y plumas en el pelo. Los sombreros de moda van desde el pastillero, el toque, el turbante recortado y la boina vasca (llevada en el lateral como Marlene Dietrich). El vestido de noche de algodón de Chanel fue un gran éxito en 1932.

Por primera vez, las corbatas hechas de lana, no de seda, son la opción fabulosa para el elegante hombre de negocios.

1933

En 1933, la forma en V (hombros anchos a la cintura delgada con falda acampanada) puso un énfasis aún más fuerte en el corsé. Hubo un tramo de dos vías y el nuevo corsé de cuerpo entero todo en uno con sujetador Lastex y seis tirantes para sujetar las medias.

Las chaquetas de bolero y las mangas abullonadas son elegantes, al igual que los suéteres cortos ajustados. Por la noche, los escotes son altos en la parte delantera y muy bajos en la espalda. Los sombreros de ala grande refuerzan la silueta larga.

Una vez más, las mujeres siguen a Greta Garbo con el nuevo traje de noche de "hombre", mientras imitan el maquillaje de Joan Crawford: labios brillantes, sombra de ojos y pestañas artificiales, que tardan dos horas en aplicarse en un salón. El traje de satén de Chanel y los exóticos botones de Shiaparelli fueron noticia de moda. Algunas mujeres de moda incluso limpiaban su cabello con polvos fosforescentes brillantes.

1934

En 1934, el cabello es empujado hacia atrás a través de la cabeza en un ángulo agudo y los sombreros, usados en un lado de la cabeza, parecen casi discos de vinilo. Muchas mujeres rizan su cabello como Jean Harlow, usan pintalabios rojos, colorete y esmalte de uñas. La mayoría de las mujeres también escribían en las cejas. Una nueva pasión por los deportes marcó el comienzo de una nueva era de ropa deportiva más pequeña y ajustada. En la playa, las mujeres bien formadas vestían lo que se llamaban "trajes de baño de corsé" que estaban cortados y sin espalda y moldeados muy cerca del cuerpo de la mujer.

Finalmente, los diseños de alta costura se dirigían a la mujer promedio en forma de ropa lista para usar. El estilo que se vio en las revistas se estaba viendo en los barrios de clase media. La apariencia a medida, la colección de Chanel y el nuevo diseño surrealista tuvieron un gran éxito.

Chanel abrazó la "elegancia discreta" manteniendo la falda fácil y combinándola con una chaqueta de jersey. Schiaparelli persiguió el estilo "hard edge chic" y la fantasía, con estampados diseñados por Dali y Cocteau, acompañados de un botón salvaje con forma de pez, caballos o estrellas.

Los hombros acolchados eran aún más pronunciados en 1934. El "pequeño vestido negro" es el nuevo estilo de la noche, pero a algunas mujeres les encantaba expresarse con trajes largos de colores para cenar.

Combos de colores calientes en 1943 son marrón y rosa, y ciruela y turquesa. Las mujeres todavía amaban los guantes y el zorro plateado.

1935

Un look militar no tan sutil invade la moda femenina en 1935. Este look se logra con hombros cuadrados, tacones bajos, sombreros de plumas y guantes de guantelete. Incluso Shiaparelli diseñó trajes con una apariencia ordenada en sus chaquetas de baterista.

La ropa de noche era muy diferente. Las mujeres disfrutaron de un toque internacional, con vestidos de inspiración griega e india con joyas pesadas e impresionantes impresiones.

El cabello se cepilló hasta la parte superior de la cabeza en una masa de rizos y el maquillaje enfatizó la estructura ósea de manera audaz. Los tamaños de copa de sostén (A-D) se introdujeron en 1935.

El vestido de lana azul marino de dos piezas de Mainbocher con puños de encaje y cuello era un atuendo particularmente impresionante de 1935.

1936

En 1936, a las mujeres les encantaba usar un vestido a medida de lana verde oscuro o ciruela con mangas largas y ajustadas y corpiño ligeramente con blusa. El vestido se ablandó suavemente en la mitad de la pantorrilla, tiene pliegues laterales y se usa con un cinturón de cuero ancho.

Para la noche, el crepé de seda negro con una chaqueta blanca de seda era una opción de moda. Otro atuendo elegante era el satén marrón brillante y la chaqueta a juego y las mangas con adornos de plumas. La ropa formal abarcaba desde vestidos cortos en colores brillantes hasta vestidos de oro con pliegues prensados y chaquetas cortas.

Ferragamo diseñó la primera zapatilla de cuña de noche en un niño dorado y rojo satinado, pero también se usan botines de terciopelo bordado. El sujetador es "mejorado" con el aspecto alto y puntiagudo.

La bolsa cuadrada y el abrigo sin cuello de Shiaparelli estaban en la cima del mundo de la alta costura junto con la bolsa de becerro marrón de Molyneaux.

1937

En 1937, la silueta del reloj de arena, con hombros acolchados y cintura pequeña, dio paso a una forma más tubular y natural. Las longitudes de la tarde permanecieron largas y en lana, las joyas permanecieron voluminosas e inmensas. Los clips de Cartier de las cabezas de blackamoors se copian en todas partes.

Los nuevos artículos de moda incluyen un voluminoso zorro azul y un jersey de seda. Velos en los sombreros hacen una vuelta. En el maquillaje, Christian Berard presenta cyclamen rouge y las pestañas azul profundo para las rubias; y bronceado marrón y labios de granada para morenas.

El jersey blanco de Strassner con pantalones de lana blancos era un artículo popular en la moda.

Para los hombres, hubo algunos desarrollos. En la primavera y el verano, los hombres llevaban un traje cruzado con bolsillos de parche y un sombrero panama. En el otoño, llevaba un traje azul oscuro de doble botonadura con pantalones de talle alto, doble plisado y cintura alta.

También podría haber usado un traje de rayas verticales, en tonos de remolque con controles de ventanas en algodón, lana, nylon y seda.

1938

Una elegancia especial marcó la moda en 1938. El estilo popular era la silueta delgada como un lápiz con un atuendo negro, una chaqueta skunk, un pelo amontonado en la parte superior de la cabeza, un sombrero extravagante y una enorme joyería artificial.

Por la noche, la mujer de la moda llevaba vestidos moldeados ceñidos y chaquetas cortas hechas a medida con bordados.

La primavera de 1938 vio estilos románticos, como faldas completas en patrones encantadores, diminutos sombreros de marinero adornados con plumas y flores, y zuecos. También son nuevos los vestidos de noche sin tirantes más formales.

El pelo se usa en un paje con peines laterales y alfileres, se lo empuja fuera de las orejas o se lo atan en los lazos de George Washington. Los estilos de las décadas de 1890 y 1900 se reviven para el día y la noche.

El ciclamen es un color popular en 1938, pero los lápices labiales y el colorete tienen un tinte azulado.

1939

Para las mujeres, los trajes se volvieron más femeninos en 1939. Ya fueran plisados, rectos o acampanados, venían con chaquetas y blusas ajustadas. El famoso paraguas y sombrero del primer ministro británico Chamberlain se convirtió en un motivo en accesorios y estampados.

Los snoods eran bastante populares en 1939. Los estilos de cabello en general eran más de estilo eduardiano (desgastados en la parte delantera) con la parte posterior colgada en rizos. Las primeras olas permanentes aparecen en 1939.

En el verano, se observan diafragmas desnudos, sandalias deportivas planas, mocasines indios y turbantes Carmen Miranda en todas partes.

Algunos vestidos de invierno han ajustado corpiños para el nuevo corsé de Mainbocher, el cual, atado en la espalda, crea olas en toda la industria de la moda.

Desde Europa, ven las modas "negras" que incluyen trajes a medida, sombreros blancos, linternas y cajas para máscaras de gas. Pinguet vuelve a inspirar el hombro cuadrado, que se mantuvo en cierto nivel de popularidad durante casi otra década.

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fashiontimeline-blog1 · 6 years

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20s

Mucho se ha escrito sobre la moda de la década de 1920, y por una buena razón. Es fácilmente una de las épocas más influyentes, creativas y únicas en la historia de la moda moderna.

Después de la Primera Guerra Mundial, el paisaje de la moda cambió como placas tectónicas. Una vez reservado para los aristócratas y los ricos, la alta moda había dado un giro notablemente más asequible, permitiendo a los hombres y mujeres de clase media participar en la diversión. Finalmente, algunos textiles lujosos eran asequibles, lo que posibilitaba la creación de artículos de moda en el hogar. En la década de 1920 todavía era bastante común que la ropa fuera hecha a mano.

Tanto los diseñadores como las amas de casa lanzaban cautela al viento e intentaban atreverse con nuevos estilos solo para ver de qué se podían escapar. En este caso, estoy hablando de mujeres urbanas jóvenes y elegantes. Muchas mujeres que vivían en áreas rurales llevaban casi lo mismo que sus madres.

Había diferentes tipos de personas que convergían a la vez en la década de 1920 desde diferentes ámbitos de la vida. Algunos estaban desesperados por el cambio, otros no querían tener nada que ver con eso.

Lo más sorprendente que notará sobre la moda de la década de 1920 es la forma de la silueta. Es sorprendentemente recto y plano. Si bien la mayoría de las modas acentúan la figura de una forma u otra, casi parece que, a veces, cualquier forma que no sea recta era un gran no-no. Esta forma recta es un elemento muy distinto del estilo de la década de 1920.

¿Cuáles son algunos elementos básicos del vestuario de los años veinte?

Sombreros de fieltro y sombreros

Abrigos de piel

Suéteres de lana

Vestidos de seda de crepe planos

Bombas de arco

Chaquetas de deporte cortos

Trajes a medida

Sombreros Fedora & "Newsboy"

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fashiontimeline-blog1 · 6 years

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Traje de baño

1800

No fue hasta principios del siglo XIX que nadar se convirtió en una actividad de recreación. Tanto hombres y mujeres disfrutaban del agua con ropa. Usaban vestidos y por debajo pantalones largos, y sombreros para mantener su piel totalmente pálida, que en ese entonces era símbolo de estatus social.

1920

Fue a partir de esta época cuando los trajes de baño se convirtieron en un conjunto de moda, aunque seguían siendo conservadores, aunque ya quedaba al descubierto una parte de las piernas y los brazos. La mayoría de las chicas de esta época usaban trajes de baño confeccionados en lana, y muchas de ellas complementaban el outfit con medias.

1930

La liberación de la silueta femenina llegó en 1930, cuando las siluetas ajustadas y los escotes llegaron a las playas y piletas. Mateliares elásticos y satinado comenzaron a implementarse en los diseños. Las prendas de baño se volvieron mucho más cómodas y ajustadas en la zona del busto. Sin embargo, había que respetar las normas para lucir estos trajes. En diversas ocasiones, la policía era la responsable de medir el largo y evitar conflictos.

1940

La historia cuenta que Louis Réard, un ingeniero mecánico francés, se vio a cargo de la empresa de lencería de su madre en los años '40 y decidió dedicarse de lleno al diseño de indumentaria. Mientras pasaba sus vacaciones las playa de Saint Tropez, notó que las mujeres se arremangaban sus largos e incómodos trajes de baño para conseguir un mejor bronceado, lo que lo inspiró para diseñar un traje de baño que tuviera la panza expuesta. Pero tenía competencia.

1950

Por razones puramente morales, la bikini tuvo que esperar su momento de protagonismo a fines de los '50 y principios de la década del 60, cuando una de sus pioneras, Brigitte Bardot, impulsó, con sus producciones en Saint Tropez y Cannes, su multiplicación en el mundo del cine y los medios de comunicación, contribuyendo a una mayor apertura social y política en occidente. Más tarde, su papel en Y Dios creó a la mujer (1957) animó a cientos de mujeres a atreverse.

1960

Durante los 60 el bikini consigue hacerse un hueco en el armario de las mujeres.Gracias al nailon, se adapta al cuerpo curvilíneo femenino y los diseños evolucionan hasta dar con el tiro bajo.

1970

Los 70 le dieron la bienvenida a los "triangulitos" y la parte inferior también adoptó una versión mucho menor dejando más piel al descubierto, pero con corte a la cadera. Algunas teorías apuntan que la reducción del tamaño del bikini tuvo que ver con la aparición de los primeras tangas, llevados a la fama por Rudi Gernereich que diseñó una versión de la prenda en 1974 para hacer frente a la prohibición nudista de las playas de Los Angeles.

1980

En esta década hubo una explosión de la prenda. Las dos piezas de los ochenta revelaron muchísimo más el cuerpo. De ahí en más, se instaló en el guardarropa de las mujeres en todo el mundo, de todas edades, estaturas y estilos, para mostrar su figura y acentuar sus curvas.

1990

Los trajes de baño completos tuvieron un revival gracias a la serie Baywatch, de la mano de dos icónos como Pamela Anderson y Yasmine Bleeth, donde las mujeres lucirán sus espectaculares y curvilíneos cuerpos en las playas de California.

2000

En los primeros quince años del siglo XXI, la moda de las bikinis fue una combinación del estilo de los años '50, '60, '70 y '80. Si en los inicios del mostrar el ombligo se consideraba de mal gusto, el cambio de siglo lo convirtió en requisito indispensable.

2016-2018

Como todo en la moda vuelve, la pieza icónica de la serie Baywatch súper cavada y sexy- tuvo su regreso triunfal en la temporada y se instaló en el guardarropas femenino como hit del verano 2016-2017. La utilización de géneros como lycra, crochet o el neoprene, crearon una amplia variedad de diseños. Reconocidas firmas implementaron en us colecciones una línea playera.

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Mexico

TOLTECAS

Clase privilegiada: en los hombres el maxtlatl o taparrabos, el enredo, la Tilmatli,o capa cubierta de plumas, el cueitl. Una faldilla para el uso de sacerdotes y jerarcas. Así como Ichcahuipilli, armadura para los guerreros elaborada en distintos materiales, sandalias y cinturones, el Xicolli, camisa sin mangas, los Cascos y Tocados. Clase Servil: hombres usaban taparrabos sencillos y un enredo y manteniendo el torso desnudo, las mujeres usaban un huipil o blusa de tela rustica. Clase pudiente: estaría compuesta por un enredo amplio a manera de falda que cubría la parte delantera y trasera de las piernas. La misma, acompañada de Quechquemitl, prenda en forma triangular, formada por dos rectángulos de tela con una abertura, destinado a cubrir el busto de las mujeres unidas a algún poderoso de la sociedad tolteca.

OLMECAS

Es un enigma, hasta cierto punto, la indumentaria olmeca, la escasa información que se tiene sobre la vestimenta de los olmecas proviene del análisis de algunas figurillas y otras esculturas. Otros datos están construidos en base a especulaciones e hipótesis formuladas con datos climatológicos, renglones agrícolas explotados, y los estratos sociales que le conformaban. La primera característica de la vestimenta de los olmecas está relacionada con la liviandad de los tejidos utilizados. Por ser una etnia cultivadora de algodón, se presume que gran parte de la vestimenta de los olmecas se elaboraba en base a estas fibras. También caracterizan a la indumentaria olmeca y a los adornos, diseños de tipo geométrico. Características y materiales de la vestimenta de los olmecas. Los ornamentos se confeccionaban en diversos materiales: cuentas de barro, cuero, el jade y el oro, hilos de colores, siendo esta última, una particularidad en los atuendos olmecas, debido a su gusto por la coloración. Indumentaria masculina Los hombres olmecas, si pertenecían a la clase subordinada, tapaban su cuerpo con calzones de manta y al tratarse de gobernantes, jefes y miembros de la alta sociedad utilizaban un taparrabos o maxatl, donde se combinaban el algodón y el cuero en su manufactura. Completaban esta vestimenta de los olmecas para los hombres, una capa de algodón, sandalias y espinilleras de cuero y cascos o tocados, aros y brazaletes, collares, pulseras y muñequeras todos ellos decorados con piezas de oro, jade, y conchas. Indumentaria femenina El ropaje olmeca femenino en las clases bajas se limitaba a faldas de algodón, y sin nada que cubriera sus pechos. Las mujeres del alto estrato, portaban vestidos de mejor elaboración, a base de algodón y ricamente teñidos, tocados para la cabeza en variados materiales, sandalias de cuero con pedrería, aretes, pulseras y collares confeccionados ya sea en oro, jade u otras piedras preciosas.

ZAPOTECAS

Los zapotecas de ambos sexos, tenían por costumbre mantenerse con el tórax o busto de manera destapada, es decir, al descubierto. Donde sí portaban vestimentas, con claros fines de encubrir la zona genital, era de la cintura hacía abajo. Los hombres utilizaban el maxtatl o mastate, una especie de taparrabos, y las mujeres la faldilla, elaborada en una rústica tela de fibras que ellas mismas teñían. Existen opiniones encontradas con respecto al resto de los accesorios que complementan el ropaje de los zapotecas: en su mayoría dicen que vivían descalzos y sin ningún tipo de adornos.

TEOTIHUACAN

La vestimenta teotihuacana marcaba la distinción de los estratos sociales y, a la vez, los distintos rangos existentes dentro de cada una de las jerarquías. Emplearon fibras naturales extraídas del maguey y otros materiales como el algodón o el pelo de conejo, confeccionadas en rudimentarios telares. Las prendas eran teñidas con colorantes vegetales y adornadas con plumas de diversos colores para realizar faldas, vestidos, capas o túnicas que, combinadas con ornamentos como brazaletes, narigueras, orejeras, tocados, aros o collares, terminaban por señalar el prestigio social de su portador. Los hombres usaban un maxtlatl para cubrir sus genitales y una tela atada a la cintura para tapar la parte trasera, acostumbrando a ir descalzos y con el torso descubierto. En cambio. Las mujeres vestían con un huipil decorado con figuras geométricas, una falda y como calzado unas sandalias o huaraches. Los sacerdotes de la cultura teotihuacana, se caracterizaban por ataviarse con camisas o xicolli, tilmatli o capas adornadas y cueitl o fadillas, adornados con espectaculares tocados de plumas multicolores y otros accesorios decorativos.

MAYAS

La vestimenta maya de la clase obrera era sencilla y acompañada de accesorios de hueso o madera. Mientras que la nobleza usaba atuendos con bordados de piedras o plumas, acompañados de grandes cinturones, sandalias de cuero, todo tipo de orfebrería en oro o gemas y tocados con plumas. Las mujeres usaban una falda o huipil con un manto en el torso, de acuerdo a su jerarquía las faldas eran coloridas con bordados brillantes y los peinados bien elaborados, además de adornar sus cuerpos y pintarse la cara. Mientras que los hombres se vestían únicamente con un tipo de taparrabos llamado patí, el cual era decorado de acuerdo a la clase social, aunque su indumentaria mejoraba a medida que demostraban sus habilidades. Otra de las características en los hombres mayas, era que llevaban su piel pintada de negro hasta casarse. Un símbolo de belleza dentro de la cultura Maya fue la deformación craneal y el estrabismo visual, ambos generados desde la niñez.

PORFIRIATO

A finales del siglo XIX, existían en México un gran auge comercial, donde la opulencia portaba telas de seda, terciopelos, satines y encajes. Al llegar 1908, el corsé, que distinguió al Porfiriato, desaparece, ya que las féminas toman un papel más activo dentro de la sociedad involucrándose en los deportes y cambiando radicalmente su personalidad, lo que da pauta al surgimiento de ideas revolucionarias. Sin embargo, en el mundo todavía se nota la influencia francesa y el país no es la excepción, las fiestas del Centenario son un pretexto para que la elite pretenda imitar a la europea portando exuberantes vestidos, joyas y diamantes.

TRAJE DE CHARRO

La indumentaria de los charros se originó durante la Colonia, influido fundamentalmente por el traje de los aldeanos de Salamanca, en España, de quienes adoptó asimismo el nombre de "charro”, pero revitalizado con el aporte de los jinetes navarros y andaluces, que en gran número formaron parte de los conquistadores, y cuya huella principal está en el sombrero. Los sombreros utilizados que eran muy similares a los de México, tenían las alas más pequeñas, pero el semejante era espectacular. El traje de charro, dependiendo de qué hacienda proviniera, variaban en colores, formas, el material utilizado, entre otros. Los que tenían más dinero, utilizaban trajes fabricados con lana, con adornos de plata, y los más humildes utilizaban trajes de gamuza. Luego de la Revolución Mexicana, el traje fue uniformizado para todos, bajo la estética barroca.

ÉPOCA COLONIAL Y REVOLUCIONARIA

A Maximiliano se le atribuye la creación del traje que actualmente es de etiqueta charra. Con la caída del imperio (alrededor de 1890) las prendas fueron sustituidas por las que conocemos ahora dando lugar a la evolución más importante del traje de charro. La modificación más notable, fue la del sombrero de copa alta y falda corta, que sustituyó al chinaco. Hoy en día, el traje de los charros, varían de acuerdo a la ocasión, consta de una chaqueta elegante, un pantalón bastante ceñido y entallado, una camisa, botines y corbata de rebozo. Estos deberán contrastar con las grecas, y demás adornos de plata (u otro material). Las botas deben de ser delcolor de la silla de caballo, y son miel o café, a menos que se use en un funeral, que se usarán negras. La camisa utilizada debe deser blanca, o de color hueso.

ICONOS DE MODA MEXICANOS

Frida Kahlo

Pintora mexicana que ha influido en la industria de la moda.

Kahlo utilizó el vello facial para rebelarse contra la sociedad machista. Feminista y femenina al mismo tiempo. Aceptó su físico y redefinió el concepto de belleza. Utilizó las faldas indígenas para dar un mensaje, pero también para disimular sus problemas físicos. Fue una de las pioneras en su época en sustituir la bisutería pequeña por las joyas voluminosas. Defendió el estilo andrógino. Kahlo se vestía según cómo se sentía.

María Félix

Con un estilo sofisticado e irreverente fascinó a todo aquel que la conociera desde pintores hasta compositores pasando por grandes autores y diseñadores que no dudaban en hacerla su musa. De carácter fuerte, mirada intensa, con su ceja siempre levantada, pulido estilo y cintura estrecha rompió con todos los esquemas de las mujeres “tradicionalmente sumisas” en México, imponiendo una imagen de mujer fatal.

Firmas como Givenchy, Christian Dior, Saint Laurent, Roger Vivier, Chanel y Balenciaga la convirtieron en su fuente de inspiración, dedicándole a su belleza colecciones. Fue nominada como una de las mujeres mejor vestidas de su tiempo. Inclinada por las pieles y piezas de inspiración. Las joyas, una de sus piezas más memorables fue diseñada por Cartier en forma de una serpiente, confeccionada en platino y oro blanco con incrustaciones de diamantes.

DISEÑADORES MEXICANOS

RAMÓN VALDIOSERA (1918-2017)

Diseñador, pintor y cineasta, impulsó la moda del siglo XX y fue el primer mexicano en presentar un desfile de novedades en pasarelas de Nueva York, en 1949 en el prestigiado hotel Waldorf Astori.

Presentó diseños de color buganvilia aplicados en textiles tradicionales mexicanos, al preguntarle por el color tan intenso que había utilizado, él respondió que era un rosa deslumbrante e intrínseco de la cultura mexicana, un color que era encontrado en todo lugar en México y comentó “it is a Mexican Pink”. Fue desde entonces que el color rosa mexicano obtuvo su nombre y hoy es reconocido en todo el mundo como característico de nuestra nación.

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