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¨Territorio¨

No es una simple extensión geográfica con límites definidos, es mucho más, una construcción social, cultural y política que surge a partir de procesos históricos, experiencias vividas, relaciones de poder y una total relación con la etnografía. No existe de manera natural, sino que se conforma mediante interacciones humanas, narrativas, delimitaciones simbólicas y físicas, además de disputas por su control. 

Desde una perspectiva histórica, los territorios nacionales, como el de Perú, han sido configurados a lo largo del tiempo mediante procesos políticos y sociales. "el territorio no es algo natural, sino que se ha construido a través de la historia y ha ido cambiando con el tiempo" (2:15). Este carácter dinámico del territorio implica que su significado y delimitación pueden modificarse según las narrativas y los intereses en juego, todo se mueve a través de lo mercantil también. 

Más allá de los límites formales, el territorio también se conforma a partir de las experiencias individuales y colectivas de quienes lo habitan como se menciona en el texto de territorio y cultura de ¨Justo Pastor Mellado¨ basado en ¨Manlio Brusatín¨ en una de las historias cuenta sobre un lugareño le muestra las líneas que marcan el lugar donde estaba su casa, sugiriendo que la memoria de su hogar aún persiste. Este encuentro destaca la importancia del regreso para recordar y reconocer el lugar como parte de su historia. La memoria juega un papel clave en este proceso. "los recuerdos, como los de un barrio donde crecimos, construyen nuestra idea de territorio, incluso si nunca hemos recorrido todo el país" (4:30). Esta visión se conecta con la idea de que el territorio no solo es un espacio físico, sino un espacio social construido. 

En este sentido, el territorio también puede ser reinterpretado a través de la memoria y el arte. cómo las ruinas y paisajes modificados por la historia pueden convertirse en testimonios de experiencias colectivas. La historia del viajero que regresa a un lugar destruido por una catástrofe, como el maremoto de Toltén en 1960, muestra que el territorio no es solo materialidad, sino también recuerdo y significación cultural.  "la memoria de estos lugares se convierte en un paisaje a través de un proceso de lectura" (¨Justo Pastor Mellado¨)  

En el ámbito urbano, adentrándome en espacios públicos y habitantes, a través del espacio público, el cual no solo estructura la ciudad, sino que también es esencial para la convivencia democrática. "el espacio público es la ciudad y la ciudad es el espacio público. Es a la vez condición y expresión de la ciudadanía, de los derechos ciudadanos" (Borja & Muxí, 2003,). Sin embargo, este espacio está en tensión constante debido a fenómenos como la privatización y la desigualdad. 

 La mercantilización del territorio es un fenómeno que transforma espacios vitales en meros productos de consumo. En lugar de ser lugares de convivencia y cultura, los territorios se convierten en mercancías que se compran y venden, priorizando el lucro sobre el bienestar comunitario. Esta tendencia no solo despoja a las comunidades de su identidad y patrimonio, sino que también exacerba las desigualdades sociales. Es un recordatorio de que, en nuestra búsqueda de progreso y desarrollo, a menudo olvidamos que el verdadero valor de un lugar radica en sus historias, su gente y su conexión con el entorno y para que mencionar los espacios publicos,"la crisis del espacio público se manifiesta en su ausencia o abandono, en su degradación, en su privatización o en su tendencia a la homogeneización" (Borja & Muxí, 2003).  Por lo tanto, la lucha por el territorio en el contexto urbano no solo es una cuestión de planificación, sino también de equidad y acceso a derechos. La recuperación del espacio público y la defensa de los territorios locales se convierten en estrategias de resistencia frente a la globalización y la mercantilización de los espacios. 

El territorio no es neutral, sino un espacio de disputa en el que distintos actores buscan ejercer control sobre sus significados y recursos. "los proyectos territoriales pueden ser hegemónicos, si son ampliamente aceptados, o contrahegemónicos, si buscan reconocimiento" (8:10). Un ejemplo de esto es la reivindicación de los territorios indígenas, donde las comunidades utilizan narrativas territoriales basadas en la memoria y la historia para fundamentar sus demandas. Desde la perspectiva de la antropología, el territorio está en disputa e implica adaptaciones constantes en los territorios locales frente a las presiones globales. los territorios ponen en juego diferentes esquemas adaptativos frente a la internacionalización del capital y la presión sobre sus recursos naturales (antropología del territorio). Este fenómeno se ve reflejado en la explotación de territorios ricos en biodiversidad, donde la negociación de significados y patrimonios se convierte en un eje central del conflicto territorial. 

A modo de conclusión el territorio es una construcción compleja y dinámica que integra dimensiones espaciales, sociales, políticas y simbólicas. No es solo un área geográfica delimitada, sino un espacio en constante negociación, donde las experiencias, los recuerdos y las relaciones de poder determinan su significado y función. Tanto en el ámbito urbano como en los territorios rurales o indígenas, su configuración depende de las interacciones entre las personas y las estructuras de poder que lo gobiernan. En definitiva, el territorio es un espacio vivido, representado y disputado, cuya comprensión requiere una mirada interdisciplinaria que abarque la memoria, la identidad, la política, la economía y el sentir. 

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El artista como etnógrafo y la imagen como herramienta de investigación  

El arte y la etnografía han tenido una relación simbiótica que se ha fortalecido en las últimas décadas. La idea del artista como etnógrafo, propuesta por Hal Foster en su ensayo ¨El artista como etnógrafo¨ (1995), sugiere que muchos artistas contemporáneos han adoptado metodologías etnográficas para investigar y representar realidades socioculturales. 

 En este contexto, el trabajo de Mónica Eliana García Gil destaca el uso de la imagen como una herramienta clave de investigación, que no solo documenta, sino que también interpreta y resignifica el mundo a través de una mirada artística. Ver al artista como etnógrafo implica una práctica que va más allá de la simple observación, no es solo ver o identificar patrones visuales; el artista se convierte en un participante activo dentro de la comunidad que estudia, utilizando estrategias propias de la antropología para entender las dinámicas sociales y culturales.  

 Foster critica que, en ocasiones, esta adopción de métodos etnográficos por parte de los artistas puede llevar a una representación superficial o distorsionada de las realidades estudiadas. Sin embargo, cuando se lleva a cabo con rigor metodológico y sensibilidad crítica, esta práctica puede generar nuevas formas de conocimiento y experiencias estéticas que desafían las narrativas dominantes y personalmente siento que revoluciona el concepto de solo estudiar y analizar.  

En este marco como contraparte el solo lenguaje visual también es según Mónica García subraya la imagen como un recurso de investigación que va más allá de su función documental. Para ella, la fotografía, el video y otras formas visuales no solo registran la realidad, sino que también la interpretan y la construyen activamente. Desde esta perspectiva, la imagen se convierte en un lenguaje que permite explorar subjetividades, memorias colectivas y dinámicas socioculturales. En su trabajo, Mónica García muestra cómo el uso de la imagen facilita una aproximación sensible y crítica a los fenómenos sociales, promoviendo un diálogo entre el espectador y la realidad representada. 

Acercándome al final de esta retrospección me pregunte ¿Y si ambientáramos al artista como etnógrafo en pleno 2025? Yo creo que, en un mundo interconectado y digitalizado, el artista etnógrafo no solo documenta culturas, sino que las interpreta y transforma mediante el arte, teniendo acceso a ellas a través de imágenes proyectadas desde una pantalla. las obras pictóricas se basarían en la exploración de identidades híbridas, tradiciones en evolución y la relación entre memoria y territorio. Así, los trabajos no solo registran prácticas culturales, sino que genera nuevas narrativas visuales que desafían la percepción de lo que es la autenticidad y la representación cultural en la era global.  

Me parece que esta perspectiva es especialmente relevante en el mundo contemporáneo, donde las identidades están en constante cambio y los límites entre culturas se difuminan. El arte permite visibilizar voces marginadas, cuestionar estructuras de poder y proponer nuevas maneras de entender lo colectivo. Sin embargo, también me plantea ciertos cuestionamientos: ¿quién tiene derecho a representar una cultura? ¿Cuándo el arte inspirado en prácticas culturales se convierte en apropiación? Estas preguntas hacen que el papel del artista como etnógrafo no solo sea fascinante, sino también profundamente complejo, juzgable y necesario. 

En conclusión, la propuesta del artista como etnógrafo y el uso de la imagen como herramienta de investigación convergen en la exploración de nuevas metodologías para comprender y representar la sociedad. La obra de Mónica Eliana García Gil evidencia cómo la imagen no solo capta la realidad, sino que también la cuestiona y la transforma, ofreciendo una perspectiva que complementa y amplía las aproximaciones tradicionales del conocimiento antropológico y social. Así, el arte y la etnografía, lejos de ser disciplinas separadas, se potencian mutuamente en la construcción de narrativas críticas y reflexivas sobre el mundo contemporáneo, por ejemplo, podemos hablar de las obras de la artista mexicana Mariana Castillo Deball, quien utiliza metodologías etnográficas para explorar la relación entre historia, arqueología y arte. En su trabajo, combina documentos de archivo, artefactos y relatos indígenas para crear instalaciones que cuestionen las formas tradicionales de narrar la historia. Ella a través de sus obras puede repensar la representación del conocimiento histórico desde una perspectiva artística y etnográfica. 

El artista como etnógrafo es una figura clave en la intersección entre arte, cultura y sociedad. Su papel no es solo el de un observador que documenta prácticas culturales y luego las pinta o esculpe, sino el de un intérprete que transforma la experiencia humana en expresión visual, sonora o performática. A diferencia del etnógrafo tradicional, que busca describir con objetividad, el artista tiene la libertad de abordar lo subjetivo, lo simbólico y lo emocional, permitiendo nuevas formas de representación que desafían las narrativas dominantes y conservadoras. 

Para mí el artista como etnógrafo es el poder de mostrar visual y cognitivamente la realidad desde todos los puntos de vista. 

Eypreldt Toledo 

Pintura V 

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parte III

¨Catarsis¨

El cuadro aborda temas de carácter autorreflexivo que se anclan en la fotografía y en las experiencias vividas. Adoptando una perspectiva elevada, revela una imagen que presenta mis piernas desnudas apoyadas sobre el cemento, una superficie poco atractiva, caracterizada por su decadencia. Un recordatorio de los muchos desafíos de la vida. No obstante, de entre esa dureza, la nueva vida se despliega de una grieta, desafiando la frialdad que lo rodea.

Este contraste entre la fragilidad de la flor y la dureza del cemento remite a la teoría del trauma, que explora cómo las experiencias de nuestra infancia moldean nuestra personalidad y predisponen tanto nuestra somatización de emociones, formas de percibirnos, como sentimos y como nos desenvolvemos en la adultez. Las grietas en el suelo evocan las marcas invisibles que el trauma deja en nuestras vidas, hacen referencia a las cicatrices, podemos verlas, no nos duelen, pero recordamos como nos dolió, así como a la importancia de la capacidad que un ser humano posee para renovarlas a través del cambio.

En este caso, la obra va más allá de la simple narración de sufrimiento, al destacar la importancia del restablecimiento y la resistencia. La flor, al brotar incluso en las grietas, representa la energía que sobrevive en medio de la lucha. Esta imagen contrasta con mis pies descalzos, que aunque son un signo de desprotección, una declaración de vulnerabilidad, pero también de conexión directa con la tierra, es concordante a una desnudez que se manifiesta en un fresco contacto hacia el presente y a la existencia misma de empuje que da la certeza de avanzar.

Un recordatorio de que, aunque las heridas de la vida nos marquen, siempre podemos enraizarnos en nuestra capacidad de renacer.

nombre: ¨Catarsis¨ autorretrato con perspectiva Dimensiones: 120x90cm Soporte: bastidor de tela Técnica: oleo

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parte II

¨ABRIGO SILENCIOSO¨

En esta pintura, me represento a mí misma en una posición de vulnerabilidad y refugio, como una forma de escapar momentáneamente de la realidad. Es una foto obviamente semi-montada, pero real. Iba saliendo de la ducha de mi casa y al mirar mi reflejo en el espejo me comenzó a dar una crisis de ansiedad o talvez solo de angustia y pena, fui rápidamente a buscar mi caja de medicamentos los cuales quedaron esparcidos en el piso y ahí fue cuando comprendí que si capto ese momento de vulnerabilidad con una fotografía podría representar en el segundo cuadro de mi proyecto de pintura mi propia realidad. Siempre estoy con el miedo de exponerme, no acudo a otras personas para conversar lo que me sucede, lo llevo muy adentro, pero quizás sirva como mensaje para personas que también se sienten así o también para mi propio beneficio, fue difícil pintarme así, un reto, pero el proceso de este mismo cuadro me ayudo a entenderme un poco mas. La posición fetal simboliza mi necesidad de protección cubriendo mis órganos internos, siempre adopto esa posición. Estas pequeñas cajas, son mi medicación para las crisis de ansiedad, representan no solo el alivio efímero, sino también la dependencia de un sistema de salud mental que en este país es insuficiente y muchas veces ignorado. Vivimos en una sociedad que no da el apoyo necesario para quienes luchamos con la ansiedad y otros problemas de salud mental. Los recursos son escasos y el estigma sigue siendo profundo, lo que nos deja a muchos atrapados en un ciclo de soledad y falta de ayuda profesional adecuada. Enfrentar mis miedos y mi dolor se convierte en una batalla personal en la que el único refugio parece ser un remedio temporal, una forma de adormecer aquello que la sociedad no quiere, no sabe cómo escuchar y dificulta pedir ayuda. Esta pintura es mi abrigo silencioso, una invitación a mirar de cerca una realidad que compartimos muchos, pero que no todos pueden o quieren ver. Aquí, entre las sombras de mi propia vulnerabilidad, afuera de mi propio baño, habita una crítica a un sistema que necesita cambiar, y la esperanza de que algún día podamos encontrar refugio en algo más que la farmacología y el aislamiento social.

nombre: ¨abrigo silencioso¨ autorretrato Dimensiones: 70x90cm Soporte: bastidor de tela Técnica: oleo

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parte I ¨Memoria en dos latidos¨

En esta obra, analizo la interrelación entre las experiencias de la infancia y las posibles repercusiones en la adultez, analizando este vínculo a través de la teoría del trauma. En la pintura, me represento a mí misma a la edad de 8 años, una escena desbordante de alegría y exquisita facilidad aunque debajo de un vidrio quebrado donde quiero representar que la mayor parte de mis recuerdos de infancia están bloqueados, solo recuerdo las cosas que me rompieron por dentro. Además de esta imagen, incluyo mi retrato a los 25 años durante un chequeo físico cardíaco con un monitor Holter, un examen que debo realizar anualmente por palpitaciones cardiacas, percusor de un trastorno de ansiedad generalizada, lo cual me invalida cada vez que asisto a urgencias en el sistema de salud publico, ya que el registro al ingresar a urgencias refleja mi historial medico psiquiátrico, que aunque sea de hace muchos años soy discriminada no tomando en cuenta mi sintomatología real justificando con un ¨usted tiene registro de trastorno de ansiedad¨ Este cuadro representa un claro indicador de fragilidad física y emocional durante la adultez. La teoría del trauma postula que todas nuestras experiencias infantiles, ya sean buenas o malas, tienen un efecto duradero en nuestro carácter y bienestar en el futuro. Los recuerdos felices de la infancia, por ejemplo, el que se representa aquí, son importantes y necesarios, pero suelen ser grandes piezas que acompañan a piezas aún más grandes que son más bien heridas, la mayoría de las veces sin cicatrices visibles. Estas heridas, que son el resultado de incidentes traumáticos o desolación emocional, no solo afectan el bienestar mental personal, sino que también pueden tener representaciones físicas que conducen a enfermedades cardíacas o trastornos crónicos físicos. La diferencia que existe entre el antes y el ahora se convierte en un pretexto para pensar en la carga que tanto el cuerpo como la mente tienen en relación con el tiempo vivido. Se nos dice que la niñez, aunque pudiera ser un tiempo de inocencia y esperanza, también es el terreno donde se siembran las raíces de nuestras luchas internas y físicas. Al integrar la imagen de un examen médico en el retrato adulto, la pintura resalta cómo el cuerpo no olvida: aquello que no se procesa emocionalmente puede traducirse en síntomas físicos. La obra no solo dialoga con mi experiencia personal, sino que invita al espectador a reflexionar sobre su propia historia, reconociendo cómo los ecos de la infancia resuenan en el presente.

nombre: ¨memoria en dos latidos¨ autorretratos Dimensiones: 180x120cm Soporte: bastidor de tela Técnica: oleo

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¨Raíces del percibir, la huella de la infancia¨

Un enfoque a la teoría del trauma y la psicología del desarrollo La infancia se puede considerar un período crítico en el desarrollo emocional y psicológico de una persona. Las experiencias que vivimos en nuestra niñez como el abuso, la negligencia o pérdida pueden tener un impacto duradero en la salud mental, el percibir y el manejo de las emociones. Busco explorar la conexión entre nuestras experiencias emocionales infantiles y cómo estas moldean nuestra manera de sentir en la adultez. ¿ Como resuelvo llevar la idea al plano? a través de 3 pinturas tipo tríptico basado en fotografías de mi propia infancia y actualidad. ¿Por qué fotografías? bueno, porque es una herramienta que me permitió capturar momentos específicos, accedo a una literalidad visual directa de mi misma, con las cuales a través de la pintura puedo darles un todo mas surrealista mas adelante explico el porque este proyecto esta basado en mis propias fotografías. En primer cuadro da un enfoque a un recuerdo feliz de mi infancia y una foto actual, el segundo es una fotografía tomada en plena crisis de pánico y como la afronto dando una sutil critica social a la carencia de programas de salud mental en este país, pero no por hablar de una infancia con carencias todo debe ser dolor, el tercer cuadro el cual sigue en proceso de desarrollo es una fotografía con mis pies en tierra, muchas cosas se pueden superar en base a amor y entendimiento y es herrado pensar que porque no me quiero a mi misma no merezco recibir amor y comprensión, pero la idea sigue en desarrollo debido a que estoy tomando la construcción de estas obras en base a como las voy resolviendo. Basado en un fundamento científico las heridas emocionales no resueltas en esta etapa (la niñez) pueden manifestarse en la edad adulta como trastornos de ansiedad, depresión, trastornos alimenticios, auto-exigencia o dificultades en las relaciones interpersonales o de autopercepción. ¨Cómo estás heridas emocionales se internalizan en el cuerpo y la mente influenciando la percepción de uno mismo y el mundo -Bessel Van der Kolk ¨ Se puede crear una ruptura en el sentido de seguridad y pertenencia. La reinterpretación de este tríptico puede servir como un medio para acceder y procesar recuerdos, sentimientos traumáticos o no traumáticos que son difíciles de articular verbalmente. La pintura de estas imágenes en mi cerebro puede actuar como un espacio seguro (o inseguro) donde las experiencias dolorosas pueden ser exploradas y externalizadas. Al plasmar visualmente estas fotografías no solo documento el dolor, no quiero basarme en un típico discurso en donde plasmo mi sentir basado en una vida carente de respeto o amor, sino que facilito el proceso de catarsis y espero entender, perdonar-me y conseguir consuelo. A modo de justificación para este proyecto el arte permite una conexión profunda con el ¨yo¨ interno, puede ser una forma de reconstruir la narrativa personal, puedo dar un nuevo significado a las experiencias recordando y plasmando estas imágenes. Aunque egoístamente me base en el concepto del ¨¿como siento y percibo?¨´ un experimento personal, aproveche el momento y la oportunidad para exponerme tal como soy e intentar aceptar y entenderme ya que es un tema que trato de evitar. Como representación visual literal o no, las heridas de niñez son una metáfora potente en el arte contemporáneo para explorar temas de vulnerabilidad, pérdida de la inocencia y búsqueda de la propia identidad, al crear imágenes que encapsulan estas heridas la pintura puede evocar una respuesta empática en el espectador o conmigo misma conectando con la experiencia compartida de dolor o de resiliencia.

Acá esta mi investigación, bocetos y referentes bibliograficos

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John Berger ¨modos de ver¨

John Berger parte el libro diferenciando entre "ver" y "saber", explica cómo la invención de la cámara cambió nuestra forma de entender el arte ya que podemos reproducir imágenes y, al mismo tiempo, separarlas de su contexto. Objetivo: Berger plantea que las imágenes no solo representan la realidad, sino que también son herramientas ideológicas que reflejan y mantienen estructuras de poder. El texto no solo busca que entendamos el arte en sí, sino que veamos cómo influye en nuestra comprensión de la sociedad y de nosotros mismos. como se llevó a cabo: después de leer el texto, vi los videos donde John Berger explica cada uno de sus capítulos para entender mejor de su propio dialecto lo que intentaba explicar, luego busque ejemplos claros para explicar las ideas principales y las adjunte en el texto Con la reproducción en serie, las imágenes pierden, como decía el filósofo Walter Benjamín, su "aura" o su singularidad. Un buen ejemplo de ello es una pintura de la Virgen María de Leonardo da Vinci. En un museo podemos aprehenderla como un objeto de devoción espiritual, empero, al verla en una postal, una gran parte de ella desaparece.

También se ocupa de la representación de la mujer en el arte occidental. Berger señala la diferencia entre "estar desnuda" y "ser representada desnuda". Durante la historia del arte las mujeres han sido vistas desde el punto de vista de la mirada del hombre. Berger menciona, por poner un ejemplo, "La Venus del espejo de Velázquez", donde la mujer no sólo es vista sino que parece ser consciente de que es vista. Este tipo de producción es una representación del modo en que el desnudo se encuentra supeditado a los deseos de los varones y al placer visual.

El consumismo de la tercera parte vuelve a destacar la relación existente entre arte y publicidad en la modernidad. El arte tiende a ser un proceso para tener experiencias profundas o espirituales, por la otra parte, la publicidad reproduce imágenes para generar deseos, sobre todo, el deseo de consumo. Berger tiene en cuenta cómo en el arte tradicional las pinturas sobre la riqueza o la honra, como puede ser el caso de los retratos de los miembros de la clase dominante del Renacimiento, parecen tener una ambición similar, que se puede encontrar en las imágenes publicitarias de hoy en día, donde los objetos presentan un estatus. Un ejemplo de una pintura que reflexiona sobre el poder y cuya narratividad incluye toda una descripción de la riqueza son las pinturas de "El embajador" de Hans Holbein.

Hoy en día podemos ver una suerte de narratividad como la de la publicidad, donde el objeto es presentado como símbolo del éxito. Berger también examina el arte como una forma de obtener poder y estatus. Las élites no han coleccionado arte solo por su valor estético, sino más bien por su valor de ostentación, ya que las élites lo han coleccionado como una forma de mostrar la riqueza de una persona. Menciona a los mecenas del Renacimiento que eran los Médicis, quienes encargaban en sus coleccionistas los retratos para fortificar su poder político y social, es decir, hacer que el arte coleccionado no fuera solo una muestra de gusto por el arte, sino una forma concreta de ostentación. En sus últimos capítulos, explora el arte a partir de los diferentes planos de la relación entre el arte, la política y la ideología. Berger nos dice que muchas obras del arte europeo fueron producidas para las clases dominantes por pura necesidad de representar sus propias ideologías siempre vigentes. Los artistas como Rubens o Tiziano, etc. establecían esas jerarquías de clase al elaborar obras donde se representaba la riqueza y el poder, pero también establecen una relación específica entre sus propios intereses, la clase dominante y las obras realizadas para tal efecto. Esto también sirve al propio poder para mantener sus creencias mayoritarias, es decir, el modo de fe de la religión; sin embargo, también reconoce como contraste la obra de otros artistas modernos como Magritte o Picasso, quienes pondrían en cuestión cualquier tipo de estructura de poder y cualquier tipo de representación del mundo que se pueda establecer en las obras de arte. A modo de conclusión personal, John Berger nos invita a reflexionar sobre cómo la manera en que percibimos el arte está profundamente influenciada por el contexto cultural y social. Nos invita a ver más allá de lo superficial y a comprender el arte como un medio para explorar y criticar nuestra realidad.

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La pintura de Manet, Michael Foucault

El análisis que hace Foucault en La pintura de Manet es significativo porque utiliza su marco teórico de las estructuras de poder y conocimiento al campo de la pintura.

objetivo: es analizar cómo el artista francés Édouard Manet rompió con las convenciones pictóricas de su tiempo y abrió el camino hacia la modernidad en el arte. Foucault explora cómo Manet cuestiona y transforma los códigos tradicionales de representación, específicamente en lo que respecta a la perspectiva, la luz y la relación entre el espectador y la obra. Manet no solo revolucionó el arte desde un punto de vista técnico y estético, sino que también se opuso a las estructuras sociales y culturales de su tiempo, uno de los enfoques interesantes es como incorpora la realidad fuera del cuadro, el cuadro es solo tela, el juega con la perspectiva, la luz y el espacio dando la sensación de continuidad fuera de la pintura misma, nos invita a participar de una forma activa fuera de la escena, por ejemplo en uno de sus cuadros ¨Un bar aux Folies Bergère¨ como espectador no podemos estar seguros de cual es nuestro lugar en la escena, aparte del reflejo pintado en el cuadro y la perspectiva hay detalles dentro de la obra que nos dan la idea de imaginar ¿Qué hay en el sobrante del cuadro que no esta pintado?

En la historia de la pintura del siglo XIX Manet es reconocido como el artista que modificó las técnicas y los modos de representación pictórica a tal punto que hizo posible el impresionismo. Manet fue, en efecto, quien por primera vez en el arte occidental, al menos desde el Quattrocento, se permitió de cierta manera jugar dentro de sus mismos cuadros, las propiedades materiales del espacio sobre el cual pintaba. Foucault demuestra cómo su obra constituye la transformación de la mirada y el papel del arte en la sociedad moderna, examina cómo rompe con el canon de la visión, lo que crea un espacio representativo que destaca la estructura del lienzo. Al mismo tiempo, se señala cómo Manet se ha alejado de la pintura académica no solo en términos de técnica o composición, las pinturas de Manet a menudo generaron escándalo en su propio tiempo debido a sus temas que a menudo parecían vulgares o inapropiados. Enfatiza la confrontación entre el arte moderno, las normas sociales y artísticas de la época. Como opinión personal Este texto nos da una perspectiva única sobre cómo el arte puede ser entendido como un campo en el que se desafían y negocian las relaciones de entendimiento del espectador, pero también nos da a conocer como Manet no solo fue el precursor de dicho movimiento, sino que posibilitó toda la pintura del siglo XX, para darnos una visión distinta en temas de representación e ilusión.

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Estela Ocampo

¨ver y pintar, el problema de la representación¨

En este texto Ocampo aborda una reflexión crítica sobre la naturaleza de la representación en la pintura, cuestionando las convenciones y explorando las posibilidades expresivas del medio artístico. 

objetivo: profundizar en la relación entre el acto de ver y el acto de pintar, explorando cómo la percepción influye en la creación artística. se analiza la pintura desde una perspectiva filosófica, invitando a los artistas y a los espectadores a cuestionar lo que significa realmente "ver" y cómo este proceso afecta la interpretación de una obra. el texto parte explicando y citando las complejidades de la percepción visual e interpretativos, parte dando ejemplos de cómo diferenciar entre arte y realidad. 

como los artistas no solo representan lo que ven, no solo hay una mimesis, sino como a través del propio contexto, experiencias y emociones, la subjetividad de la percepción, hay una forma única de ver de cada uno, según sus ¨esquemas mentales¨ esto lo propone citando a distintos filósofos en el área de la problemática de la interpretación artística, la importancia del papel del artista, de cómo este va más allá de copiar la realidad.  Hay una relación de dialogo mental entre el artista y el espectador, que implica una reflexión sobre lo que se interpreta en la obra y lo que interpreta el espectador que percibe esa interpretación, así se puede cuestionar la realidad.  Se mencionan también como los factores culturales, históricos y personales influyen en la forma de ver y pintar añadiendo complejidad a la representación. Hay una importante reflexión sobre la naturaleza de la representación destacando que son procesos fundamentales interconectados que trascienden la simple reproducción o percepción visual.  se busca un equivalente, representar sin literalidad y que sea un equivalente de lo representado Acá hago énfasis en los ¨esquemas mentales y la percepción¨, que son marco de referencia para interpretar lo que vemos y que estos esquemas se forman a partir de nuestras experiencias previas, conocimientos y el propio ¨sentir¨, hay un filtrado de la realidad en donde se observa una escena, nuestra mente no registra cada detalle, en su lugar ocupa estos esquemas para discriminar información y darle sentido, me refiero a que lo que percibimos no es una representación objetiva de la realidad, sino que esta influenciada por nuestra propia percepción. Nuestros esquemas mentales evolucionan, no son estáticos, con el tiempo decodifican una imagen al adquirir nuevos conocimientos y representa el mundo a medida que profundiza su propia practica o se expone y atreve con nuevas corrientes artísticas  A fin de cuentas, Ocampo destaca como la importancia de la percepción y el contexto de la representación artística, amplia y matiza la subjetividad y diversidad según las experiencias del artista. mi opinión en esto es que pone en relieve el como a veces puede parecer más determinista y homogéneo en el enfoque sobre cómo se forma la percepción y la representación.

bases para respaldar y comprender ¨ver y pintar¨

Para profundizar en el texto de Estela Ocampo recurrí a varios filósofos de la estética,

las ideas de Maurice Merleau-Ponty y su enfoque sobre la percepción en el arte, lo cual me sirvió con las reflexiones de Ocampo sobre la experiencia visual y pictórica.

Georges Didi-Huberman, quien en Ante el tiempo y otras obras se adentra en cómo la imagen se convierte en un espacio de revelación y enigma. Su estudio del arte y la percepción me ofreció otra perspectiva para comprender el enfoque estético que sugiere Ocampo.

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¨susceptibilidad¨

Un juego de luces, encuadre y desajuste.

A través de la transparencia, la calidez de la luz que juega con la figura y las formas, se proyectan sombras tenues y texturas resplandecientes en su piel, las sombras se convierten en mapas de su susceptibilidad con el exterior, líneas que dibujan los caminos por donde viajan las sensaciones, cada movimiento de la tela es un susurro donde resuena en la piel, creando una danza silenciosa entre la materia y la percepción. En este espacio intimo, el individuo descubre que su sensibilidad táctil es un lenguaje en si mismo, no se necesitan palabras para expresarse. A través del velo, se conecta con su propia esencia, explorando la relación entre el cuerpo y el alma, entre lo tangible e intangible. La tela transparente se convierte en un símbolo de la delgada separación del mundo exterior y su universo interior, revelando una belleza desde su vulnerabilidad y la fuerza de su propia sensibilidad interna para desprenderse del velo.

ejercicio fotográfico para el taller de pintura IV

modelo: kala

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ejercicio de fotografía, estudio de encuadre y composición

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estudium y punctum- cámara lucida

Los conceptos de studium y punctum son fundamentales en el texto de cámara lucida de Roland Barthes y ayudan a comprender cómo interactuamos emocional y cognitivamente con las fotografías, como procedo a explicar a continuación. El studium se refiere a la apreciación cultural e intelectual de una fotografía. Es el contexto general de la imagen, lo que nos permite entenderla desde una perspectiva más objetiva, como la comprensión cultural que Involucra los elementos que podemos analizar, como el contenido, la composición y el contexto histórico o social de la imagen. Hay interés general que se relaciona con el interés que podemos tener en la fotografía por razones culturales o educativas, sin una conexión emocional profunda y el valor informativo de este. El studium es lo que nos dice la fotografía en términos de información o significado que se puede entender a nivel colectivo.  Por ejemplo, una fotografía de un paisaje de Valparaíso puede despertar el studium en quien la observa, al permitirle reconocer la importancia del evento y su contexto cultural.  El punctum es el elemento de la fotografía que provoca una reacción emocional, que da una ¨puntada¨ al espectador. Es lo que hace que una imagen resuene de una forma más personal y subjetiva. Tiene una conexión individual y puede variar de una persona a otra. Es algo que despierta recuerdos, emociones o sensaciones que no son necesariamente evidentes para todos. Tiene un impacto emocional que puede ser un detalle, una expresión facial, un color o cualquier elemento de la fotografía que capte nuestra atención y nos toque emocionalmente, a menudo, el punctum no es algo que se busca; es un descubrimiento inesperado que transforma la experiencia de ver la fotografía.  A modo de explicación, en la foto de una persona, puede haber un rostro o una mirada que evoca un recuerdo personal muy fuerte para el espectador, aunque el resto de la imagen no le resulte tan relevante, o en la simple fotografía de un atardecer, donde a mi por ejemplo me pueden despertar, emoción y sensibilidad con solo pensar en la paleta de colores que hay en el cielo, despertando sensaciones de tranquilidad y asombro.

fotografías tomadas por mi para explicar a modo de ejemplo

fotografía 1: atardecer, evocando sentimientos personales

fotografía 2: modelo: kala- como se puede reinterpretar por el espectador

A modo de mi propia conclusión mientras que el studium proporciona un marco de referencia para entender la imagen de manera más objetiva, el punctum ofrece una experiencia subjetiva y emocional que puede ser mucho más poderosa. Juntos, estos conceptos permiten apreciar la complejidad de la fotografía como medio de comunicación. Barthes menciona que una fotografía puede tener un studium claro y, al mismo tiempo, un punctum que resuena en un nivel personal, lo que enriquece nuestra interacción con la imagen. 

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¨Distorsión del espejo interior¨

Una representación de la dismorfia corporal y los pensamientos intrusivos

La dismorfia corporal es un trastorno psicológico donde se genera una obsesión, esta obsesión puede llevar a pensamientos intrusivos persistentes que distorsionan la percepción de uno mismo, revela como nuestra identidad y autoimagen están profundamente entrelazada con nuestra percepción física. Puede ser visto como manifestaciones de la mente que busca reconciliar una imagen idealizada con la realidad percibida, a mas amplia escala puede interpretarse como un conflicto entre el ser ideal y el ser real, planteando preguntas sobre la autenticidad, la percepción y la construcción del ¨yo¨.

¿En que medida nuestra identidad esta definida por nuestra apariencia física?

Este trabajo fue representado desde mi propio punto de vista en base a mi trastorno dismórfico corporal, en la técnica investigue el estudio de claroscuro donde el referente fue el pintor ¨Michelangelo Merisi da Caravaggio¨. Caravaggio empleaba luz natural o artificial intensa y direccional desde una fuente única, como una vela o una ventana para iluminar sus escenas. Esto contribuía a crear sombras profundas y áreas de alto contraste. El claroscuro le permitía modelar las formas y volúmenes de manera convincente, haciendo que las figuras parecieran palpables y reales. Esto era especialmente efectivo en obras donde la expresión emocional y la presencia física eran cruciales.

Para concluir ¨Distorsión del espejo interior¨ representa el cuestionamiento de cómo la dismorfia corporal y los pensamientos intrusivos pueden ser mitigado o entendido desde una perspectiva de autoconocimiento, Sobre todo cuando lo que siento y lo que percibo se correlacionan con la sensación de miedo y encierro, pensamientos que son fruto de obsesiones repetitivas capaces de perturbar la mente cuando se piensa constantemente en ellas, generando ansiedad y un un estado mental estático de oscuridad donde solo queda preguntarse ¿adonde se fue la luz?

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Trabajo con modelo en vivo de espalda, oleo sobre tela, estudio de luz fría y cálida

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Trabajo numero III

Primer trabajo con modelo en vivo sentado, con luz intencional cálida.

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Autorretrato II

Oleo sobre tela, estudio del color con intencionalidad de luces frías y cálidas.